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Alicia Eugenia Segura

PE50, Cincuenta años de Pago en Especie, el paradigmático sistema de recaudación mexicano

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∙ Con 103 obras de 94 artistas que muestran el arte mexicano de diversas épocas, abierta al público a partir del 22 de agosto en las salas del primer piso del Museo de Arte de la SHCP.

∙ La Colección Pago en Especie, única en el mundo, destaca las evoluciones estéticas a través de la pintura, escultura, fotografía, gráfica, el tapiz, dibujo y video.

La Dirección General de la Conservaduría de Palacio Nacional y Patrimonio Cultural de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP) presenta la exposición temporal Cincuenta años de Pago en Especie, conformada por 103 piezas de diversas corrientes, técnicas y artistas, reflejo del arte en el país durante los últimos 50 años.

La muestra estará abierta al público a partir del 22 de agosto en las salas del primer piso del Museo de Arte de la SHCP (Moneda 4, Centro Histórico de la Ciudad de México). Reúne a 94 creadores y creadoras de épocas y discursos estéticos contrastantes, como Feliciano Béjar, Sofía Bassi, Vlady, Maribel Portela, Rosario Guajardo, Luis Nishizawa, entre otros. Está compuesta por tres núcleos temáticos “Siempre es ahora”, “Materia expandida” y “Cincuenta y contando…”.
“Siempre es ahora” alude al acervo patrimonial como un testigo histórico, y al concepto del presente como un acontecimiento variable dentro de la compleja sociedad mexicana. Lo integran más de 50 obras en las que lo íntimo y el paisaje social conversan para comprender el pasado y el presente cultural. El público podrá contemplar piezas creadas desde el yo y la subjetividad de los sueños, el paisaje como representación de la naturaleza, el encuentro de lo individual con lo colectivo, así como la modernidad y el impacto social desde el punto de vista de artistas consolidados como Rina Lazo, José
Chávez Morado, Felipe Ehrenberg, Xavier Esqueda y Arturo Rivera, en diálogo con creaciones contemporáneas de Dulce María Núñez, Esther González, Betsabeé Romero, Néstor Quiñones, Gustavo Monroy, Germán Venegas y David Leonardo Chávez.
“Materia expandida” aborda la evolución de la creación artística, la experimentación y los nuevos medios. Refleja el cambio de paradigma de la producción de mitad del siglo XX a través de la diversidad de materiales y la búsqueda estética, las variadas técnicas de escultura—que van desde el uso del papel hasta la abstracción digital—, la cerámica, el vidrio, el collage, el arte-objeto, así como la fotografía,
la instalación y el video, integrados al programa en 2006.
“Cincuenta y contando…” da cuenta de cómo el programa Pago en Especie es un modelo único en el mundo que permite a los artistas visuales pagar sus impuestos con obras de su autoría. La Secretaría de Hacienda resguarda el arte recaudado como parte de una política económica profundamente entrelazada con el bienestar social, el acceso a la educación y la democratización de la cultura. Es una medida de vinculación entre el sistema hacendario con el coleccionismo estatal que reconoce tanto el valor económico del arte como su estimación social y patrimonial.

La curaduría de esta exposición está a cargo del personal de la Dirección General de Conservaduría de Palacio Nacional y Patrimonio Cultural (DGCPNPC), quienes se involucraron en el concepto, el diseño museográfico y montaje. Aunado a lo anterior, la DGCPNCP también se ha encargado del rescate, restauración, preservación y divulgación de un importante acervo conformado por inmuebles históricos, arte contemporáneo, bienes bibliohemerográficos, históricos, industriales y de ornato, testigos de la historia nacional y la riqueza cultural a lo largo del tiempo.
En la primera entrega, realizada en 1957, participaron Diego Rivera, Raúl Anguiano y Rufino Tamayo. Actualmente, la Colección Pago en Especie cuenta con alrededor de 11,671 obras de 1,462 artistas, y crece año con año.

La SHCP, a través de la Dirección General de la Conservaduría de Palacio Nacional y Patrimonio Cultural, invita al público a conocer más sobre las acciones diarias para administrar, conservar, catalogar, investigar y difundir este importante patrimonio a través de exposiciones (407 nacionales e internacionales a la fecha), consultas, préstamos y contenidos digitales. De igual manera hace una atenta invitación a otras instituciones culturales para solicitar, en préstamo, de obras de la colección Pago en Especie, con el objetivo de difundir y enaltecer los valores de este programa y el patrimonio artístico de los mexicanos, al interior y exterior del país.

23 de agosto de 2025
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Magali Lara: Cinco décadas en espiral

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La exposición Cinco décadas en espiral, de la artista plástica Magali Lara (México, 1956), se inauguró en el MUAC, con la curaduría de Virginia Roy, Cuauhtémoc Medina y se exhibirá en el MUAC hasta el 19 de octubre de este mismo año (2025).

Artista visual, gestora y maestra, trabaja desde los años setenta con obra relacionada al cuerpo y las emociones a manera de ensayos visuales a través de temas como la identidad, lo femenino, la otredad y la conexión entre el adentro y el afuera. Dice en su página www.magalilara.com.mx , un sitio que recomiendo visitar.

Magali Lara habla desde el plexo solar, desde el sexo, ardiente o dulce: del paisaje fecundo de las sensaciones corpóreas, su obra, de una precisión intuitiva, es alumbrada por técnicas que ha desarrollado durante mucho tiempo, dibujando en libretas una y otra vez, una y otra vez, hasta que surge de la figura una historia, literaria, plástica, política, filosófica, porque en la abstracción subyace todo ello y el fluir del pulso, el ritmo de la sangre y la respiración. Magali Lara ejerce el feminsmo no desde la utopía si no desde la conquista y el goce. Pero no el autoreferencial únicamente, como un monólogo interminable, el gozo que observa, que escucha y desarrolla, se escribe desde el envés de una hoja y se mimetiza con el cosmos vegetal, intelectual y onírico.

En esta retrospectiva, una espiral inversa, Lara comienza con dos murales realizados ex profeso para la exposición en el MUAC y avanza hasta sus primeros dibujos en la década de los 70.

Leemos en el texto de curaduría del museo “Los diferentes espacios de la muestra funcionan como un universo de negociación entre medios, formas y cromatismos en los que Lara ahonda en su experimentación y transgresión de los límites plásticos y conceptuales. Más allá de un ejercicio de traducción de soportes, la artista hilvana las posibilidades expresivas de cada formato y sus acercamientos táctiles: desde la sutileza y linealidad de los dibujos hasta la pincelada y densidad de la pintura, pasando por el gramaje de los gobelinos y tapices, la secuencia y composición de los libros de artista, la inmediatez e intervención de la fotografía y el fotostato o, también, el acabado de la cerámica y  la narración de las animaciones en la pantalla como lienzo, donde el sonido es un nuevo agente protagonista”.

“Desde el inicio de su trabajo, Lara se ha interesado por la noción del espacio opuesto, el remanente que subyace en ausencia. Su investigación ha abordado de qué manera significar el blanco del lienzo y del papel y cómo denotar las pausas y los silencios imperceptibles entre pinceladas y gestos, así como los vacíos minúsculos que sobresalen entre palabras e imágenes. De este modo, su experimentación artística es la exploración de un lugar que nunca concluye, que se prolonga en espiral, esbozando un rastro en negativo que se abre y amplía hacia otras narrativas”.

Si bien la muestra estará abierta hasta el 19 de octubre de 2025, sugiero no perder tiempo y darse una vuelta, en estos tiempos cuando el neofascismo resurge con todo su poder económico y vituperante, la obra de Magali Lara nos regala un oasis posible, una sustancia turbia con transparencias que vislumbramos y nutren de esperanza y dulzura, a pesar de lo evidente, la espiral es virtuosa.

25 de junio de 2025
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La tierra en el cielo de Saúl Kaminer.

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Apuntes sobre la obra de Kaminer.

Desde la abstracción de lo inasible digital a la síntesis de los procesos germinales de la creación humana, en la obra de Saúl Kaminer un trazo, una línea, un hilo, se convierten en nudo, luego en otro, luego en otro, generando el ritmo a través de la frecuencia, va describiendo una trama, sonando una melodía que empuja fuera del primer plano las figuras y, dependiendo en dónde se encuentre el espectador, sus sombras, que no dictan el mismo lenguaje, sino uno paralelo, como el arquetipo de “la sombra” que nos propone Jung.

La oposición es una fuerza presente, necesaria para el proceso artístico, el público no sólo se deleitará con lo estéticamente hermoso, habrá de involucrarse de manera íntima y compleja con la proyección de la oscuridad. La incisión – la herida, el relieve – la cicatriz. La obra de Kaminer plantea desde diversos ángulos la necesidad de reconciliación con lo otro.

El I-Ching alude a la unión del cielo y la tierra:

“En el cielo reina un constante movimiento y cambio; sobre la tierra pueden observarse estados fijos, aparentemente duraderos. Pero mirado con mayor detenimiento, esto es sólo un engaño. (…) No existe nada sencillamente quieto; la quietud es, al contrario, tan sólo un estado de transición del movimiento, es por así decirlo movimiento latente. Pero existen puntos en los cuales el movimiento se torna visible. Esto se simboliza mediante trazos firmes (lo Creativo) y blandos (lo Receptivo) con los que se van construyendo los diferentes signos. En este contexto se designa como principio del movimiento a lo firme, lo fuerte, y como principio de quietud a lo blando. La línea firme se representa mediante un trazo indiviso que corresponde al principio de lo luminoso (lo Creativo); y la línea blanda mediante un trazo partido que corresponde al principio de lo oscuro (lo Receptivo).”

 Las líneas de Kaminer surgen justamente en este intervalo, son, a manera de una conversación plástica, el resultado del contraste pero no en sus extremos sino en sus intervalos: el movimiento perpetuo, alumbramiento del color primario hacia un sugerido crisol.

 

25 de junio de 2025
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