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Sobre 2 ruedas

OCHO METROS CUADRADOS

By Sobre 2 ruedasNo Comments

MADRID.– La ciudad está que arde. Lo mismo que París, Bruselas y Milán. Andando por la Gran Vía uno se topa con ellos que gritan y van pitando con silbatos ensordecedores. Son estudiantes, pero también docentes en paro que exigen mejoras salariales. Visten de verde la mayoría, que ha sido el color del movimiento. Un chaval grita enardecido: “¡Estamos en contra de todo!”. Y sí, habrá que creerle, porque allá delante, en la Puerta del Sol, la plaza ha sido ocupada por un millar de “viviendistas” que han decidido apoltronarse allí hasta que el problema de la vivienda sea resuelto.
       En Francia y en Bélgica la movilización es contra el alto coste de la vida y, en general, contra la imposibilidad de lograr el ascenso social tan sugerido por los medios televisivos… “¡Compre, viaje, funde un hogar, adquiera un auto!”. Simultáneas, las protestas contestatarias se dan aparejadas con el amago de la derecha (y la ultraderecha) de acrecentar su presencia en los congresos nacionales y, en una de esas, cambiar el rumbo de la política.
       Muchos, si no es que la mayoría de los manifestantes, que enfrentan cotidianamente a la policías antimotines, son de segunda o tercera generación magrebí. Argelinos, marroquíes, tunecinos y algunos libios y egipcios que han logrado avecindarse en Europa, huyendo de las condiciones de miseria y falta de libertad que se vive en el norte de África. A ellos se han sumado, por si fuera poco, la ultraizquierda olvidada por el jaleo electoral: trotsquistas, anarquistas, comunistas trasnochados que no creen en la pugna electoral, a la que consideran inaceptable por reflejar la decadencia burguesa.
       En la “acampada” de Puerta del Sol se exhiben pancartas, firmadas por la Juventudes Comunistas de Madrid, en las que se anuncia: “Todas las viviendas para la clase”, suponemos que obrera. Y en un programa de radio una estudiante se queja de que ella, y cinco camaradas, habitan en un apartamento de ocho metros cuadrados, pagando mil euros de renta mensual. “Y así, la vida es insostenible”.
       Como se recordará, las protestas en Madrid se multiplicaron a partir del fallecimiento de Mariacarmen Abascal, el 7 de octubre pasado, luego de ser desahuciada de la vivienda en la que había habitado la vida entera. La anciana, de 87 años, fue desalojada el 23 de septiembre porque la nueva inmobiliaria decidió que su renta de 500 euros mensuales era inaceptable con el promedio que se paga en esta ciudad por demás gentrificada.
       “Casas sin familia / Familias sin casa”, se leen en las mantas que despliegan los manifestantes. El gobierno socialista de Pedro Sánchez, ni tardo ni perezoso, lanzó un Decreto de Vivienda que incluye líneas de préstamo a los inquilinos, protección contra desahucios y congelación de rentas, a fin de aplacar a un movimiento que se veía imparable, y que sigue en pie de lucha. Ello en el contexto de las elecciones parlamentarias del mes próximo en el que se producirá, posiblemente, un cambio de gobierno a favor del Partido Popular que encabeza Alberto Núñez Feijóo.
        Y encima que el conflicto en Ceuta sigue candente. Como se recordará, el 30 de julio pasado hubo una invasión de más de 70 mil marroquíes al enclave español en el norte de África, en el que murieron ahogadas más de 140 personas, y que ha sido registrado como el mayor conflicto con el reino de Marruecos desde 1956, cuando fue cedido el Protectorado Español de Marruecos al régimen de Rabat.
       Al conflicto se le llama “guerra híbrida”, pues coincidió, esa misma fecha, con la presencia de varias fragatas navales marroquíes en aguas de jurisdicción española. Los reyes, Felipe VI y Letizia, han pernoctado en el lugar para demostrar la hegemonía española en ese pequeño territorio, que no tiene más de 8 kilómetros de longitud.
       Duro el otoño en estas naciones que, de algún modo, recuerdan los prolegómenos del mayo de 1968. Alto coste de la vida, crisis de vivienda, imparable migración de los “moros”; todo lo cual invita a pensar que las medidas a tomar no serán muy distintas a las remachadas por Donald Trump en el contexto norteamericano.
       Sí, demasiados argelinos, demasiados marroquíes, demasiados mexicanos. Y en la calle los turistas adueñándose de los hostales y apartamentos que antes eran vivienda de los “gatos” madrileños. Se pasean por la calle de Alcalá, por la Plaza Mayor, farfullando en inglés, alemán, rumano, polaco, italiano, japonés. Igual que, como dicen, ocurrió en Babel.

27 de octubre de 2026
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DANZA DEL CUERPO

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Murió Farahilda Sevilla (1946-2926), una de las alumnas destacadas de La Academia de la Danza Mexicana, la matriz de la danza clásica y contemporánea de nuestra nopalera, fundada en 1947 por Guillermina Bravo y Ana Mérida, madrinas de una ahijada artística que sacó de ellas la pasión irrefrenable por la gramática del cuerpo que conjuga el verbo te jodes por la belleza, cada día y cada vez que un bailarín entra al salón de ensayo.

Para consolidar el verbo mencionado Farahilda se fue al Instituto Estatal de Artes de Moscú a especializarse en la pedagogía de la danza clásica, donde se empapó del Sistema de Agrippina Vagánova (1879-1951) que es una fusión del lirismo de la danza tradicional rusa, la fluidez de la escuela francesa y la técnica y el virtuosismo de la escuela italiana, según me dijo Fara en alguna de nuestras múltiples charlas a la orilla del desolladero humano de Jitanjáfora, donde sus alumnas dejaban la piel en la tarima de madera en donde se urdía el asalto al escenario.

Fara fue tan buena persona que se acercó a mi por su interés en el teatro, aunque ahora sé de cierto que el alumno fui yo porque a partir de su investigación sobre Antonine Artaud ella sabía más sobre los resortes internos de la frecuencia mental que atormentan al cuerpo del artista, que aquel joven critico de los Llanos de Apan. Pero fue tan generosa con el prójimo que se convirtió en una de las más entusiastas lectoras de mis notas sobre teatro y cultura.

A partir de su indagación sobre el Teatro de la Crueldad, en 1986 Farahilda le dio a su grupo el nombre de Teatro del Cuerpo en el que el rigor y la disciplina de la danza clásica estaba al servicio de cuerpo en tiempo presente, esto es, de la danza contemporánea. Fara quería profundizar en el dramatismo de le expresión física par ampliar y actualizar la prosodia del cuerpo que estudia los elementos fónicos que van más allá de las palabras y le dan ritmo, entonación, expresividad y estructura del discurso.

Yo lo digo con petulancia, ella lo hacía con la compleja sencillez de la maestría, con la convicción de que el cuerpo no miente. Hablamos mucho sobre la veracidad del actor en escena, sobre el fingimiento y la vivencia, más concretamente sobre al actor del teatro ilusionista y el actor del teatro realista, o de cómo la técnica podía alcanzar la ilusión de la veracidad que la emoción vivencial echaba a perder cuando carecía de pericia.

En los años noventa, cuando la URSS se disolvió como una pesadilla nocturna que duró 69 años, Farahilda regresó de Moscú con un ruso muy bien puesto, físicamente hablando, que respondía al nombre de Anatoli Lokachtchouk (1952-2023) y era un artista del circo que Fara conoció en el IEAT de Moscú donde ella se hizo pedagoga de la danza. Como dije, Anatoli se veía muy saludable, pero venía de un país en el que los artistas habían perdido la asistencia social que les permitía comer mal, pero lo indispensable. Este dato es relevante, como se verá enseguida.

En ese tiempo yo era el responsable del Programa Nacional de Apoyo al Teatro y pude contratarlo para dar clases de acrobacia en una de las Muestras Nacionales de Teatro, para que lo dejaran entrar a México. Como no hablaba una palabra de español Fara fue la traductora y su taller fue un éxito hasta que al ruso se le ocurrió tomarse un litro de jugo de naranja que para un estómago que llevaba meses de alimentarse con hojas de té y hogazas de pan resultó una bomba gastrointestinal que lo tuvo al borde de la muerte. Por fortuna su constitución física de cirquero lo sacó adelante y con el tiempo fue una figura clave para la disciplina del clown y el malabarismo en la Escuela Nacional de Teatro del INBA (ENAT).

Desde siempre recuerdo a Farahilda como como un ser abierto a la emoción del mundo, como una niña que se azora con la puesta del sol y se embravece contra la burocracia cultural y la ruindad de nuestra clase política, intelectual y empresarial. Toda su vida adulta luchó para ser una artista independiente de las grillas, los amiguismos, favoritismos y demás ismos políticos y culturales. Fue un ser noble, generoso, independiente, y una maestra del movimiento del cuerpo y sus efectos en el alma individual y colectiva de la colmena.

Al redactar esta semblanza sucede que la siento junto a mí y me fundo con ella en el abrazo que nos dimos la última vez que nos vimos en el homenaje a Eugenio Barba en una sala de la UNAM. Se veía desmejorada, pero en el tumulto de saludos solo pudimos vernos a los ojos con el afecto de siempre. No sabía que era el adiós. Aunque uno nunca le dice adiós a la gente que admira y quiere por su bonhomía, porque ahora sé que hay gente que uno respeta profundamente por la sencilla razón de que tu cuerpo te dice que ese otro ser es mejor que tú.

26 de octubre de 2026
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¿Cómo hablar de la poesía de Sabines desde el arte? Un texto de Mónica Mansour.

By Rutas literarias, Sobre 2 ruedasNo Comments

Presentamos el texto que la poeta, narradora y ensayista Mónica Mansour preparó para la primera mesa ¿Cómo hablar de la poesía de Sabines desde el arte? con motivo del centenario del nacimiento del poeta Jaime Sabines y en el marco de la exposición de arte «Es la sombra del agua», que reúne a 85 artistas en torno a la poesía de autor de “Los amorosos”.  en la Casa Jaime Sabines y en el Centro Cultural San Ángel.

Me ha entusiasmado este proyecto de hacer una exposición de artes visuales, “La sombra del agua”, basada en la poesía de Sabines, debido a la Casa Jaime Sabines y a Pilar Jiménez, la biógrafa del poeta. La traducción de un arte a otro no es fácil, aunque suele ser una gran tentación. Todos los artistas aquí expuestos aprovecharon el uso tan particular del lenguaje de Jaime Sabines en la poesía, que es muy provocador.

Porque Sabines es un poeta muy visual, además de musical. Sus metáforas, comparaciones e imágenes apelan constantemente a nuestros cinco sentidos esenciales para transmitir y crear sensaciones y emociones. Como él mismo dice y repitió con insistencia en muchas ocasiones: “El poema es así, el testimonio de las horas del hombre sobre la tierra. Canto o lamento, queja o protesta, grito o balbuceo, el poema debe ir siempre oscuro de hombre. Gloriosamente.”

Dentro de una aparente sencillez, con la ternura y amargura que se traslucen, la intensidad de sus imágenes provoca desconcierto y el asombro (el suyo propio y el que nos crea) ante los impredecibles misterios de la vida diaria, del amor y el erotismo, de Dios y su relación con el mundo, de las circunstancias cotidianas y los mitos que inventamos acerca de todo aquello.

Es también fundamental la corporeidad en la angustia y los placeres que nos provoca la relación constante con el tiempo y el espacio. El calor y el trópico, las mujeres, los cuerpos, el erotismo, las soledades, los amores y las muertes, así como la poesía y el poeta: todo es tiempo.

Por lo tanto, se comprende la atracción que este lenguaje lleno de imágenes, ritmo y sonoridad tuvo no sólo para sus lectores, sino para los artistas visuales que hoy vemos aquí.

Consideremos algunas de las imágenes de sus poemas y cómo nos crean sensaciones y emociones hasta ese momento desconocidas y también cuestionamientos de la manera acostumbrada en que vemos y entendemos la llamada “realidad”. Citaré algunos ejemplos: Me gustaría, para empezar, ver la relación entre el tiempo y el espacio, sobre todo en un gran conjunto de poemas: su tercer libro Adán y Eva de 1952. De acuerdo con el título, aquí se recrea el paraíso que, según la interpretación tradicional, hemos perdido, así como a sus habitantes originales. Se supone que, después del llamado “pecado original”, o sea, tanto la mordedura de la manzana de la sabiduría como la relación sexual, debería empezar el tiempo humano, la historia, nuestra historia. Sin embargo, en estos poemas, la relación sexual y la relación de Adán y Eva con la naturaleza que los rodea se dan en una identidad o intercambio del tiempo y el espacio, distinto al considerado como tiempo humano. Desde luego, esto produce imágenes totalmente inéditas, así como un cuestionamiento de las leyendas que hemos aprendido. Unos ejemplos:

III (Adán dice a Eva) -¿Has visto cómo crecen las plantas? Al lugar en que cae la semilla acude el agua: es el agua la que germina, sube al sol. Por el tronco, por las ramas, el agua asciende al aire, como cuando te quedas viendo el cielo del mediodía y tus ojos empiezan a evaporarse. (…) Las plantas caminan en el tiempo, no de un lugar a otro: de una hora a otra hora. Esto puedes sentirlo cuando te extiendes sobre la tierra, boca arriba, y tu pelo penetra como un manojo de raíces, y toda tú eres un tronco caído.

VII (Eva en diálogo con Adán) -¿Qué es el canto de los pájaros, Adán? / -Son los pájaros mismos que se hacen aire. Cantar es derramarse en gotas de aire, en hilos 3 de aire, temblar. / -Entonces los pájaros están maduros y se les cae la garganta en hojas, y sus hojas son suaves, penetrantes, a veces rápidas. (…) / -Tú estás cantando siempre sin darte cuenta. Eres igual que el agua. Tampoco las piedras se dan cuenta, y su cal silenciosa se reúne y canta silenciosamente.

—

Tal vez el poema más conocido (y conocido de memoria) por los lectores de Jaime Sabines es “Los amorosos” de su primer libro Horal de 1950. No es casualidad, puesto que fue el primer texto dentro de la tradición reciente de poesía mexicana en tratar el amor junto al erotismo, y con imágenes tan novedosas y desconocidas. El amor es un silencio muy particular, y también es una consunción mutua de los dos involucrados, que lleva a la muerte pero asimismo a la “hermosa vida”.

Los amorosos callan. / El amor es el silencio más fino, / el más tembloroso, el más insoportable. //

Pero, por otra parte, también ahí afirma que “los amorosos son la hidra del cuento”, la hidra, aquella serpiente de muchas cabezas, venenosa y con aliento fatal.

(…) Los amorosos son la hidra del cuento. / Tienen serpientes en lugar de brazos.

/ Las venas del cuello se les hinchan/ también como serpientes para asfixiarlos. /

Los amorosos no pueden dormir / porque si se duermen se los comen los gusanos. (“Los amorosos”)

El amor como silencio se repite en varios poemas de amor de Sabines; por ejemplo:

Todo se hace en silencio. Como/ se hace la luz dentro del ojo. / El amor une cuerpos. / En silencio se van llenando el uno al otro. (“Yo no lo sé de cierto”) Así, solos y vacíos pero unidos, los amorosos “se van matando el uno al otro” (“Yo no lo sé de cierto”).

—

En ese primer libro, Horal, también se encuentra otro de los poemas muy conocidos, donde el poeta hace una descripción de sí mismo y de los efectos de su soledad y su angustia en su primera estancia en la Ciudad de México:

Lento, largo animal que soy, que he sido. (…) Amargo como esos minerales amargos / que en las noches de exacta soledad / -maldita y arruinada soledad / sin uno mismo- / voz amarga / prenatal, trepan a la garganta / y, costras de silencio, / asfixian, matan, resucitan. (“Lento, largo animal”)

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Otro libro de Sabines que me parece extraordinario es Tarumba de 1956, que -según él cuenta- escribió en Tuxtla detrás del mostrador de su tienda de telas. Allí se nos presentan, como nunca antes -y distintos de la naturaleza tabasqueña de Carlos Pellicer, la selva y el trópico. Es notable uno de los poemas donde se representa el intenso calor en una enumeración de imágenes visuales que nos sumergen en esa sensación sofocante:

Sobre los ojos, sobre el lomo, cae / como una bestia lenta, / pesa, / respira el agua, / se extiende en la cara de las cosas, / agobia. / Nace en el corazón del aire / envejece en el tiempo, / tesoro de las piedras, / riñón del árbol / casa de los ancianos, / trompeta de la muerte. / Animal disperso, / se congrega bajo el sol, / abre la tierra, chupa, / despelleja los ríos, / espanta a las hormigas, / duerme al gato, / y a ti te hace un nudo de víbora / o un huevo aplastado. / Este calor benigno, reparador del mundo, / te entierra a golpes, Tarumba-clavo.

Cada una de estas imágenes podría ser una obra de arte visual.

—

Por último, y para no alargar esta intervención, quiero referirme a otro tipo de imágenes, igual de impredecibles, igual de provocadoras de una sensación desconocida, aunque ya vivida por nosotros. Es un poema del conjunto “Collage” del libro Maltiempo (1972), donde se muestra otro de los recursos del poeta, referido al tiempo y el espacio, y la correspondencia de lo vertical ([] [/]) y lo horizontal, así como una de sus referencias a Dios que aquí se vuelve “trapos oscuros” y también “criatura”:

Próximo, en la noche, un poco al margen, / como tocando puertas en la sombra / (esto ha de ser la vida, ay, tan cercana), / caminando en oscuros corredores, / buscándome, buscando dónde estuve, / mi nombre, mis olores, algo mío. // No dije adiós a nadie, ni a mí mismo. / Nada dejé: ni un hueso para un perro. // Despedazando a Dios, trapos oscuros, / jalándolo a mi muerte, ven conmigo, / arrástrate, criatura, aquí a mi hoyo, / cae conmigo. // Y esto es caerse horizontalmente, / caer como al fondo de una calle.

—

Antes de terminar, cabe citar aquí lo que dijo Elías Nandino hace mucho tiempo sobre Sabines: “Sus palabras tienen un oficio auténtico y limpio. Si son sensuales, lo demuestran; si amorosas, lo practican; si perversas, lo comprueban y, si violentas, estallan.”

He señalado algunas de las infinitas imágenes de todas las que me han llamado la atención, pero esto es sólo una probadita de un gran banquete lleno de manjares. Los pintores que participan en esta exposición han encontrado sus propias probaditas y las han retratado de acuerdo con sus propias sensaciones y emociones para nuestro placer.

18 de octubre de 2026
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¿SE DILUYE LA FIESTA DEL ESPÍRITU?

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El domingo 18 de octubre finaliza el Festival Internacional Cervantino que por casi medios siglo fue la festividad artística más importante de Iberoamérica, aunque en su edición número 54 mostró un claro declive, sobre todo en el interés de los anfitriones, la gente de Guanajuato.

En los 40 años que cubrí primero como reportero y luego como crítico de teatro “La Fiesta del Espíritu”, jamás vi la Alhóndiga de Granaditas con espacios vacíos en sus escalinatas. Las colas para entrar eran uno de los termómetros para medir el interés de la gente común por una celebración artística que nació en la Plaza de San Roque con los Entremeses Cervantinos que el maestro Enrique Ruelas montó con estudiantes de la Universidad de Guanajuato, en los que actuaron futuros alcaldes, rectores y gobernadores.

Por buenas y malas razones la edad de oro del FIC fue entre 1976 y 1982, en el reinado de Doña Carmen Romano de López Portillo, quien fue presidenta del Festival cuando su marido José le dijo al pueblo de México:” Tenemos que acostumbrarnos a administrar la abundancia”. En esos seis años vimos las mejores orquestas, los mejores ensambles, los mejores solistas, las mejores compañías de las artes escénicas del mundo y, por ende, la prensa cultural tuvo un empuje inédito y formativo porque vimos en vivo y en directo los artificios artísticos que la virtualidad ha puesto hoy al alcance de cualquier celular.

Por muchísimos años el FIC fue el punto se reunión de las hordas juveniles que convertían las calles y plazas de Guanajuato en cantina, cama y mingitorio trastornando las bunas costumbres de la ciudad. Aquella caterva de adolescentes no iba a los teatros ni a los museos ni a los actos culturales, pero estaban ahí por el arte callejero y en nombre de la cultura. Como director del FIC Ramiro Osorio hizo una programación para ellos en las afueras de la ciudad y los jóvenes respondieron atiborrando esos espacios abiertos para miles de espectadores, Pero como se olvidaron de ellos, este año se fueron a farmear aura a sus propias calles.

Para los asiduos al FIC la debacle comenzó cuando el populismo cultural   del señor de Macuspana sustituyó al mérito artístico como el criterio de selección. Por siete años la programación del Festival fue como la de cualquier festival de provincia donde se privilegia el folclor, la gastronomía y las artesanías. Ciertamente permitió la presentación de agrupaciones y solistas nacionales y extranjeros de buen desempeño artístico, pero en lugar de los conjuntos e individuales extraordinarias que justificaban el desplazamiento de lejanos puntos del país, por su virtuosismo, ese grado de aprendizaje, diciplina, talento y recursos artísticos y económicos que hace de un evento como el FIC la fiesta del espíritu.

La prensa local se quejaba de que la dirección colegiada del FIC desplazó a la Universidad de Guanajuato, a la alcaldía de la ciudad y al gobierno del estado de las decisiones importantes, y puso los boletos del Teatro Juárez y del Auditorio del Estado a precios imposibles para los bolsillos nativos. También criticaron el proceder laboral y el mal trato de la directora de difusión Irma Iris Ortega, así como la falta de difusión.

En las redes se comentó que como cualquier iniciativa humana el FIC se desgastó con el paso del tiempo, pero el Festival de Salzburgo cumple 106 años porque inició en 1920, y los festivales de teatro de Edimburgo y Aviñón celebran 79 años en plena lozanía, así que no es el padre Cronos quien  le quitó a la fiesta su espíritu sino la decisiones políticas de un movimiento que se dice de izquierda y sin embargo no le da a la cultura el presupuesto indispensable para cumplir con el derecho a la cultura de todos los mexicanos.

Hace unos días el escritor Juan Villoro dijo, al recibir el Premio Carlos Fuentes, que un gobierno de izquierda debe priorizar los apoyos para la cultura, la educación, la ciencia y la salud, y sostuvo que la riqueza cultural es el mayor activo del país ante el mundo, así que, si “no contamos con eso, vamos a estar en banca rota moral”. Como el discurso entero de Juan es una pieza de oratoria clara, brillante, valiente y sensible al sentir de muchos ciudadanos que consideramos que el pensamiento critico es un ejercicio necesario para la sociedad, les recomiendo leerlo en la red para hallar ahí, algunas de las razones por las que el FIC no es mas la fiesta del espíritu.

18 de octubre de 2026
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Jordi Boldó: EL IMPERATIVO DE LA MIRADA 83 y 82

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasNo Comments
Jordi Boldó, impresiones a partir de la obra EL IMPERATIVO DE LA MIRADA 83 y 82 que se exponen en el Museo José Luis Cuevas como parte de la exposición DE LO UNO A LO OTRO [Lo que es y lo que no es].

Llama la atención el fondo de color crema tirando a blanco, con ligeras aportaciones de amarillo y verde.Normalmente aplastan visualmente al sujeto al generar una pérdida de contraste o volumen y una contaminación lumínica. Aquí, por lo contrario, parecen dar una libertad a las pequeñas figuras que están en vilo en las telas, como ánimas en los limbos.
En su escrito sobre la serie, el artista apela a la mirada ingenua, opuesta a la obsesión de explicar. Aquí trataré simplemente de analizar mi sensación de deslumbramiento al descubrirlas en el museo Cuevas.


Pensé en las moscas volantes que son estas pequeñas sombras proyectadas en la retina al detener la mirada en una superficie blanca. Son como hilos, telarañas con colores, hendiduras que flotan en el campo de visión. Esas aparecen a menudo durante los ejercicios de relajación. Esas formas, que Boldó llama puentes a la figuración, nos llaman la atención porque son pequeñas, evocan títeres sin hilos, fragmentos de sueños despiertos, porque se presentan como satélites que se acercan y se alejan según quieren ,al parecer, en una suerte de ballet ascendiente. Asombra el tono neutro de la composición, no está hecha para provocar simpatía o rechazo, ni con una voluntad deliberada de seducir, solamente es, nacida de la mano y del pincel. Pero nos atrae, remite a los tiempos inmemoriales, a la fugacidad del deseo también.


Parece que el el pintor quiere ir a donde nadie va, sin evitar la alteridad y los encuentros con lo desconocido . No se trata de una tarea , es más bien un recorrido elegante por la creación artística, buscando soluciones y topándose con nuevas enigmas que permiten avanzar.
Es un lindo juego, su trayectoria me hace pensar el el querido Yves Tanguy, y particularmente en sus paisajes Jour de lenteur. Paysage des origines (día de lentitud, paisaje de los orígenes) y Les amoureux( los enamorados) por el barrido del fondo que hace que el pintor parece hacerse de un lado y por las formas mecánicas y las ectoplasmas que se inscriben como si fuera fortuito en el entorno.

18 de octubre de 2026
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LA ADVERTENCIA

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La conseja de los viejos de todos los tiempos nos dice que la vida cuelga de un hilo, aunque solo cuando esa hebra se rompe de pronto la tomamos en cuenta. La súbita muerte de Uriel Bravo, actor y director de teatro nativo de Michoacán, pero asentado en la ciudad de Querétaro desde 1996, le partió el hilo cuando preparaba el estreno de Karl, un acercamiento íntimo al autor de El Capital, Karl Marx, con su grupo Mezquite errante.

Egresado de la ENAT y afinado por Ludwik Margules en el Foro de la Rivera, Uriel no murió en el teatro, pero se fue a otra dimensión haciendo teatro y preparando otra gira por Colombia y Venezuela con las obras del dramaturgo juarense Pilo Galindo, cuya obra Río Animas le abrió los teatros alternativos de Suramérica. Desde el nombre de su primer grupo, Pulque y peyote, Uriel dejó en claro su afiliación a los usos y costumbres de su tribu, aunque sus primeros montajes de gran formato fueron Titus Andrónicus y Volpone, de afamados autores europeos.

Hace unos años Uriel le rindió homenaje a la ciudad y el estado que le dio teatro y amigos con una obra que LEGOM escribió para él: Volver a Querétaro. Para regresar hay que estar ausente y Uriel nunca olvido a su Matria y viajó con frecuencia a otros estados para presentar sus montajes o hacer uno de ellos en otras entidades, porque también ejerció el magisterio, el académico y el de las tablas. Hace tiempo no compartía con él un pulque, pero tengo nítido su recuerdo en el escenario y en la cantina: ¡Salud, camarada!

 DARÍO FO

 

El hilo de la vida fue largo y fuerte en el caso del bufón más famoso del teatro europeo: Darío Fo, quien murió el 13 de octubre del 2016 en la ciudad de Milán, de manera que se cumplen los primeros diez años de su partida. Fo murió a los 90 años y le dedicó al teatro 72 años de su vida porque debutó en la radio en 1954, pero muy pronto se subió a los escenarios con su esposa, Franca Rame, para hacer desde el Vodevil la crítica de la burguesía de la posguerra.

El de la voz tuvo el placer y el privilegio de estar con Darío Fo dos veces en la vida, la primera en 1987 y la segunda en 1993. La primera en el pueblo de San Giano, junto al lado Maggiore de la provincia de Verase, donde nació el comediante. En aquella ocasión me negó la entrevista que había tramitado mi camarada Giorgio Ursini, porque estaba ahogando la pena del primer y único rompimiento con su mujer, Franca Rame, con quien estuvo casado 59 años. Me negó la entrevista, pero no la compañía así que cuando el vino hizo su efecto lo vi bailar y cantar canciones medievales obscenas en dialecto lombardo con su amigo de parranda. Fue un regalo de Risus, el dios romano de la risa.

Hablo de cosas personales porque cualquiera se puede enterar de la prodigiosa carrera que Fo compartió con Rame. En la entrevista que sí le hice en 1993, publicada en el libro Telón de Fondo, hay un buen compendio de los diversos periodos de su teatro, siempre en contra del poder impuesto, ya sea por la iglesia, los partidos, los gobernantes, las ideologías, los empresarios, los dogmas, incluyendo los revolucionarios.

Para colocar una flor en su tumba reproduzco una de las preguntas que le hice hace 33 años, y su respuesta, claro está.

-Usted comenzó a hacer teatro a la mitas del siglo (XX), y tiene, por lo tanto, casi cincuenta años sobre la escena. ¿Qué le ha dejado esa experiencia?

-La convicción de que la risa es insobornable. En todos esos años que usted menciona he vivido el nacimiento de varias utopías, he luchado desde mi trinchera por algunas de ellas y he combatido la opresión del hombre por el hombre. En ese andar he comprendido que en nombre de las ideas se prohíbe pensar y en nombre de la libertad se esclaviza a pueblos enteros. Frente a la estupidez de la Historia queda la risa. El único poder que no corrompe.

18 de octubre de 2026
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Jordi Boldó: DE LO UNO A LO OTRO (LO QUE ES Y LO QUE NO ES) más de 80 obras que se podrán ver en el Museo Cuevas.

By Sobre 2 ruedasNo Comments
La muestra se titula DE LO UNO A LO OTRO (LO QUE ES Y LO QUE NO ES), incluye pintura, gráfica y escultura, y proviene del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA (San Miguel de Allende) y de la colección privada Gómez Leyva. La muestra se inaugura el jueves 15 de octubre a las 19:00 horas en el  Museo José Luis Cuevas.
A través de esta exposición  la Galería Arte Contemporáneo SMA fortalece su vínculo con la filantropía a través de la campaña de recaudación 2026-2027 del Club Rotario Campos Elíseos México, la galería y el propio artista sortearán una serie de obras para “Generar un cambio duradero” como reza el lema internacional de Rotary.

Para Jordi Boldó toda pintura es un tránsito, por eso decidió llamar a su exposición DE LO UNO A LO OTRO (LO QUE ES Y LO QUE NO ES) “porque la pintura es un trayecto y no importa tanto, por lo menos para mi, el resultado como todo lo que sucede en el trayecto durante el tiempo en que estoy elaborando las piezas”, cuenta en entrevista para la Galería Arte Contemporáneo SMA desde su casa en la ciudad de Querétaro.

“Toda pintura es un tránsito. Un desplazamiento casi imperceptible entre lo que es y lo que no es, entre aquello que creemos ver y aquello que apenas sospechamos. Mi pintura no ofrece respuestas; propone dudas, desplazamiento, oscilación. Un ir y venir entre presencia y ausencia, entre afirmación y negación”, reflexiona el artista nacido en Barcelona en 1949, quien llegó a México a los tres meses de nacido, y tiene la nacionalidad mexicana desde 1952.

Ilusionado porque podrá ver reunidos por primera vez, todo junto en un museo, el acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA y la colección Gómez Leyva, que comprenden más de 80 piezas en las que hay obras de casi 35 de sus más de cuarenta series, que ha trabajado a lo largo de 50 años como pintor.

“En la muestra hay distintas series y distintos formatos, hay algunas que superan los dos por cinco metros, son las que más me llama la atención ver en el Museo José Luis Cuevas, que es un espacio muy bello y creo que van a lucir. También están las piezas pequeñas que se organizan a manera de políptico. Hay piezas incluso que tienen ya 40 años y me gustará ver cómo han envejecido”, dice este pintor que prefiere habitar el silencio, autor de varios libros en los que gusta explicar sus series pictóricas pues afirma: “me expreso mejor escribiendo que hablando. Escribo no solo para los demás sino para explicarme a mí mismo lo que estoy pintando, porque primero pinto, y después pienso”.

Para la muestra la Galería Arte Contemporáneo SMA ya ha preparado un catálogo en el que se han añadido a las imágenes de las obras, reflexiones estéticas de Sylvia Navarrete, Erik Castillo y Edgardo Ganado Kim; y textos a las obras, series y exposiciones de Boldó de escritores como David Huerta, Eduardo Langagne, Francisco Magaña, Jorge Juanes o Luis Carlos Émerich, entre otros, éstos últimos en una selección realizada por el propio artista.

En su texto Héctor Gómez, director de la Galería explica que para la exposición que se inaugura el 15 de octubre en el Museo Cuevas: “La curaduría y museografía incluye pintura, gráfica y esculturas que van desde 1997 al 2026. Piezas que pertenecen a una buena parte de sus series más representativas; así como aquellas de producción reciente especialmente para la Galería de Arte Contemporáneo SMA que por su temática y soluciones evidencia el proceso continuo, creativo y libre de Boldó: “El imperativo de la mirada (Paisajes evocados)” “Presencias” “Terrenal” “Temporada de lluvias” “De ida y vuelta” “Memoria y horizonte”, por mencionar algunas.»

Recuerda: “A través de la exposición de Jordi Boldó, la Galería Arte Contemporáneo SMA fortalece nuevamente su vínculo con la filantropía a través de la campaña de recaudación 2026-2027 del Club Rotario Campos Elíseos México. Agrupación que busca insistentemente la solución a problemas de personas y grupos en situación vulnerable. Esta campaña no será la excepción, pues nuestra galería y el propio artista sortearán una serie de obras para “Generar un cambio duradero” como reza el lema internacional de este año”.

 

Por su parte Salvador Antonio Vázquez Araujo, director del Museo José Luis Cuevas, inicia su texto reflexionando sobre la permanencia de la pintura que ha dependido de la capacidad de algunos artistas para volver a preguntarse qué significa pintar en su tiempo.

Recuerda que Boldó durante más de cinco décadas ha desarrollado un lenguaje propio que no busca imponer certezas, sino abrir caminos para la mirada. “Su experiencia en la editorial ERA lo vinculó con un proyecto donde el diseño, la literatura y el pensamiento crítico formaban parte de una misma concepción de la cultura. Más tarde, su incorporación a la Galería Pecanins lo situó en un ámbito decisivo para la renovación de la pintura mexicana de las últimas décadas del siglo XX”.

Y observa: “Se ha señalado la relación de su obra con el informalismo catalán, con el expresionismo abstracto. Tales referencias ayudan a comprender parte de su formación, pero no alcanzan a explicar la singularidad de su trabajo. Boldó ha construido un vocabulario plástico propio, donde la economía de recursos, el equilibrio compositivo y la libertad del gesto convergen en una obra de notable coherencia. Cada cuadro permanece deliberadamente abierto porque su significado nunca depende de una sola lectura. Rehúye toda explicación definitiva. Sus imágenes no buscan ilustrar una idea; proponen una experiencia. El vacío adquiere tanta importancia como la materia, y el silencio visual resulta tan elocuente como la presencia de los signos”.

Asegura que la muestra permite apreciar la continuidad de ese pensamiento visual. “Las obras aquí reunidas muestran las transformaciones de un lenguaje que nunca ha dejado de evolucionar y, al mismo tiempo, revelan la fidelidad del artista a una convicción esencial.

En su reflexión estética Sylvia Navarrete escribe en el catálogo: “¿Podríamos concluir que un sentimiento dulce amargo emana de la pintura y la gráfica de Jordi Boldó? Quizás, porque su producción suele equilibrar la alegría y la dificultad, como queriendo fomentar la fe en la existencia. El ciclo de la vida —parece decirnos— no es puramente lluvioso o soleado: es una secuencia continua donde la dicha y su reverso se imbrican. Los recuerdos se tiñen de nostalgia en los cuadros de Boldó”

“Desde sus inicios hasta el día de hoy Jordi Boldó mantiene en su producción un mirar hacia delante, como revela el abundante lote de su autoría perteneciente a la colección de la Galería Arte Contemporáneo SMA”, concluye.

La exposición de Jordi Boldó DE LO UNO A LO OTRO (LO QUE ES Y LO QUE NO ES), proveniente del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA y de la colección Gómez Leyva, que reunirá más de 80 obras desde 1997 al 2026, se inaugura el jueves 15 de octubre de 2026 a las 19:00 horas en el Museo José Luis Cuevas y podrá visitarse hasta el 8 de noviembre, la entrada es libre.

8 de octubre de 2026
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Los editores mexicanos regresan a la Feria de Frankfurt con sus propios recursos.

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México tiene un stand en la Feria de Libro de Frankfurt (Frankfurter Buchmesse FBM) 2026. Hoy editoriales hicieron un esfuerzo colectivo y México vuelve a estar en la Feria del Libro más importante del mundo para la compra de derechos de autor, sitio en dónde se cierran alrededor del 80 por ciento de las licencias literarias a nivel mundial, una Feria que en sus dimensiones alcanza unas diez veces la FIL Guadalajara.

La Feria que inició la mañana de este 7 de octubre cuenta con editores y escritores mexicanos que decidieron ir por su cuenta ya que no se contó con ningún apoyo gubernamental o institucional, por el contrario pagando todo incluido el espacio en la FBM,  y México ha reunido a 44 editores, exhibe 335 títulos, tiene una delegación de 20 profesionales que estarán en la capital financiera de Alemania hasta el 11 de octubre, coordinados por la iniciativa de Lecturable, y podrán dar a conocer su catálogo. Participan editoriales Trillas, las independientes como Grano de Sal, Antílope, Elefanta, Textofilia, El Naranjo, Petra, El Tapiz del Unicornio; las emergentes como Tinta en las Uñas, Gris Tormenta; también participan instituciones como La Feria Internacional del Libro de Guadalajara, Feria Internacional del Libro de Monterrey y de Xalapa; así como la UNAM.

Detalló que La FIL de Guadalajara y la UNAM, estuvieron entre los primeros confirmados para sumarse al proyecto de ir a la Frankfurter Buchmesse.

Como ejemplo de posibilidades que tiene esta Feria de libro, señaló que, antes de terminar de cargar el catálogo mexicano en la plataforma de compraventa de derechos, un editor de la India ya había mostrado interés en libros de Trillas.

La presencia de nuestro país en esta edición de la FBM se gestiona con recursos aportados por editores independientes, infantiles, universitarios y proyectos del libro con sede en México; Lecturable, agencia de estrategias para la industria editorial, lanzó en mayo pasado una convocatoria para invitar al gremio del libro a participar en esta feria internacional, epicentro global del sector editorial. La convocatoria, propuso aportaciones de 5 mil a 50 mil pesos, según las modalidades de participación, desde enviar materiales hasta acudir a la feria.

Este stand colectivo logró llevar a Frankfurt una muestra de la bibliodiversidad mexicana en un año en que la Buchmesse pone un foco de atención en nuestro continente. Por un lado, Chile será Invitado de Honor le próximo año, 2027, un acontecimiento que reviste interés para toda la región de América Latina y el español. Por otro, la FBM lanza el LatAm Stage para conmemorar el 50º aniversario de su primer foco temático, que fue América Latina en 1976.

El esfuerzo colectivo tomó forma gracias a la voluntad de los editores mexicanos interesados en explorar el panorama internacional, quienes aportaron recursos propios para financiar el proyecto. La coordinación de Lecturable incluye no sólo la gestión operativa, sino el acompañamiento a los co-expositores antes, durante y después de las fechas de la feria, de forma que pueden aprovechar las oportunidades de networking, profesionalización y negocio que ofrece la FBM y que van mucho más allá de los cinco días presenciales en que tiene lugar la Feria.

Carlos Rojas Urrutia, director de estrategias de Lecturable y cofundador de la agencia, aseguró: “La industria editorial mexicana tiene una potencia enorme como economía creativa. Haber reunido más de 40 expositores significa que hay interés real por tener presencia en la arena internacional. Confiamos en que este es un primer paso para sumar voluntades y recuperar la presencia de México en encuentros como este, para no perdernos de todo lo bueno y malo que ofrece el mundo, porque es la única forma de recomponer nuestro mercado en la realidad que enfrentamos”.

Lecturable, por ejemplo, buscó sumar al Fondo de Cultura Económica (FCE), dirigido por Paco Ignacio Taibo II; pero el director del  FCE respondió que la institución no participaba en ferias que no fueran útiles para su política del libro, contó Rojas Urrutia.

José Antonio Lugo, editor de El Tapiz del Unicornio, cuenta desde el espacio 3.1 en dónde se encuentra ubicado el stand de México , que la Feria de Libro de Frankfurt es una tan grande, tan grande que cuesta trabajo encontrar lo que uno puede estar buscando. «Hay alas completas dedicas a Asia, al Reino Unido, a Alemania, libros en español, en fin, es una verdadera selva de libros y ofertas editoriales de todos los países».

Los participantes del stand colectivo van desde proyectos medulares para el libro mexicano y editoriales infantiles multipremiadas, hasta representantes de la edición independiente, autores y proyectos que recién comienzan. Además de la exhibición de sus libros, la delegación mexicana tendrá presencia en ocho de las mesas redondas que se realizarán en el LatAm Stage entre el miércoles 7 y el sábado 10 de octubre. Participan en el stand colectivo mexicano de Frankfurt: 16 editoriales de interés general, 10 editoriales universitarias, nueve editoriales infantiles, tres ferias del libro, dos autores, dos distribuidores, una librería y un proyecto digital.

La Frankfurter Buchmesse  es el encuentro anual más importante para el mundo del libro y las industrias creativas. La Buchmesse no es una feria del libro más, sino el epicentro global del sector editorial y uno de los escenarios más importantes del mundo para los debates actuales sobre acontecimientos internacionales y sociopolíticos, y tiene más de 300 mil visitantes.

En Lecturable, advierten los organizadores, se diseñan estrategias para el futuro de la comercialización del libro, bajo el principio de que en lo colectivo y la suma de esfuerzos es donde se encuentran las oportunidades para crecer y desarrollarse en América Latina. Creen en los espacios de colaboración con proyectos nacionales e internacionales para enriquecer la bibliodiversidad de los mercados en español como lo es la Frankfurter Buchmesse.

7 de octubre de 2026
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Divertimentos desde el balcón del pintor Hugo Vélez, en Arte Acción.

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«En el arte, el divertimento es un tipo de obra que busca entretener y deleitar tanto al artista como al espectador», proclama Hugo Vélez en el libro que acompaña su nueva exposición en la Ciudad de México.
De manera figurativa, presenta escenas de la vida cotidiana o alegorías marítimas. Pone en escena a sus personajes y los presenta casi siempre como si hubieran sido sacados de una fotografía antigua, posando o fingiendo no posar, como lo veremos más adelante. Pero el pintor, que, como confiesa, tiene la íntima convicción de que las cosas no son como parecen, introduce en sus obras elementos inverosímiles, guiños y también pequeñas trampas que no se perciben de inmediato. He aquí El balcón, un ligero pastiche en homenaje al famoso balcón de Manet.

Desde el balcón, en homenaje a Manet.

Están aquí los cuatro personajes, con el rostro del sirviente negro al fondo, solo que una mujer es ahora muy morena, la otra, en lugar del abanico, tiene un celular en la mano y el perro… sin hablar de la vegetación exuberante que, de pronto, parece haber invadido el balcón. Son pequeñas invenciones del espíritu ingenioso de Vélez, que nos divierten y transforman nuestra visión de la obra icónica. Es ese paso al costado, ese elemento ligeramente inverosímil.
Al igual que con el impresionismo alemán, Vélez es un gran admirador del barroco, corriente en la que centrará su próxima exposición. De ella retoma el impacto emocional, el horror al vacío, pero también la sutileza en el manejo de los detalles ocultos, las referencias de una obra a otra y, en la escena de El balcón, los pequeños adornos improvisados que se van agregando.


Un ejemplo de esta referencia de una obra a otra es el cuadro más pop de las mujeres en el balcón, En el círculo: nuevamente hay tres personajes asomándose y una persona morena más al fondo. A diferencia del cuadro anterior, dos de las mujeres dirigen la mirada hacia otro lugar. Las flores del balcón inicial, por llamarlo de alguna manera, invaden ahora el interior del departamento, al igual que un perro. Aquí aparece una sala muy cosy.


«Mi dibujo no es muy realista: hay deformaciones, desproporciones, figuras alejadas, manos más pequeñas de lo que se desearía; eso me surge naturalmente y lo aprovecho», afirma el artista. Lo importante es la emoción, el primer toque que no se retoma, el concepto sorprendente.
El detalle insólito puede ser un reloj que brilla extrañamente en la mano, o alrededor del cuello de unas chicas en un barco. No se nota de inmediato. También está el uso de la hoja de oro en algunas prendas. Y hay una multiplicidad de otros detalles que hay que descubrir: metáforas, elementos oníricos presentados con una aparente ingenuidad, una referencia zoológica a Fellini, etc. Así son los divertimentos de Hugo Vélez.


Mi obra favorita es la lata de sardinas, con sus ojos rojos de zombis que parecen salir de una tumba. A propósito, ¿existen sardinas en lata con cabeza para el consumo humano? La inteligencia artificial afirma que no.

Todas las obras pequeñas (las miniaturas) se encuentran reunidas en un relato poético con texto del autor. Este libro delicioso se presentará el sábado 3 de octubre en el lugar de la exposición: Tajín 196, colonia Narvarte, a las 13:00 horas. En la presentación “Divertimento” de  Hugo Vélez contará con la participación del escritor, poeta, traductor y crítico de arte Gonzalo Vélez y el artista, docente e investigador Dr. Arturo Rodríguez Doring.

La exposición podrá visitarse hasta el próximo 16 de octubre y la entrada es libre.

1 de octubre de 2026
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LOS PÍCAROS AL PAREDÓN

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Es una leyenda que ha viajado con el tiempo. En la corte del monarca Felipe IV se paseaban los nobles y patricios cotilleando las novedades del día. Uno de ellos, que se las daba de secretario real, era un profesional de la mordacidad. Aquel día Francisco de Quevedo vio pasar a la reina Mariana de Austria que, la pobrecita, renqueaba de toda la vida. Se acercó a sus compañeros de ocio y murmuración para retarlos: “¿Pero es que nadie puede decirle que su condición no es para presumirse?”. Y se hicieron las apuestas. ¿Quién se atrevería a decirle a Su Majestad que, por Dios, era coja? Iban en juego 20 maravedíes. ¿Quién?
       La picardía acompaña a la humanidad desde los tiempos de las cavernas. Alguien que resbala, alguien que tiene muy grandes las orejas, alguien que ronca como oso. Sátira, granujada, guasa vil. El buen humor va aparejado de esas picardías a la menor provocación. El ofendido debe aguantar, por cortesía, mientras los demás ríen aguantando la carcajada.
       Existen profesionales del pitorreo que nos aligeran la vida de tarde en tarde. Charles Chaplin, Cantinflas, Los Polivoces, Jerry Lewis, la India María, el Chavo del Ocho, el Gordo y el Flaco, Eugenio Derbez, el inspector Calzontzin, el mismo Quijote de la Mancha y su escudero Sancho Panza. En los tiempos antiguos ese papel lo asumían los bufones y payasos de la plaza, hoy tenemos esa posibilidad en los memes que nos llegan a cada rato.
       Ironías, chacota, pitorreo de este senador, aquel ministro, el gabinete que se mueve dando palos de ciego. Siempre habrá alguna declaración, algún traspiés, alguna transa revelada por la prensa y que le hacen llover encima todo tipo de ocurrencias. Así ocurre en la prensa (libre) de todos los países. Así ocurre hoy en todos los sitios y vínculos de internet que manejamos en nuestro teléfono celular. “¿Ya viste a González Noroña en su avión de Alitalia?”.
       Pero ha sido tal la insidia de los chistes y caricaturas difundidos por estos medios, que la clase en el poder ha propuesto la reforma a la Ley Federal de Protección a la Propiedad Industrial, para garantizar la imagen, el decoro y las virtudes personales del agraviado. Algo que se ha dado en llamar la “Ley Anti-memes”. Y los primeros en saltar han sido los profesionales de la parodia y la sátira que practican (desde hace un siglo) en las páginas de los periódicos y las pantallas del televisor.
       Si entendemos por “meme” un texto, imagen o vídeo que se difunde modificado por internet con fines humorísticos, estamos fritos. Que lance la primera piedra el que esté libre de culpa. Todos hemos replicado, una y otra vez, los ingeniosos pitorreos que nos llegan a toda hora. Y ahora nos quieren llevar a la cárcel por ese crimen de ¿lesa dignidad?
       Revistas y suplementos los ha habido que se dediquen precisamente al oficio de la sátira social y política. El más famoso de ellos fueron “Los Agachados” de Rius, donde los personajes eran transcripción literal de los políticos y funcionarios de un pueblecito, lo mismo que de la sociedad de beatas y malandrines que los rodeaban. Su autor, Eduardo del Río, pasará a la historia junto a otros del calibre de Guadalupe Posada y sus calaveras catrinas, así como Abel Quezada y su Charro Matías o don Gastón Billetes.
       Tiempos de intolerancia, estos, en que Mr. Trump prohíbe la asistencia de periodistas críticos a sus conferencias de prensa. El caso más grave ocurrió hace diez años en Francia, contra la revista humorística “Charlie Hebdo”, caracterizada por su tono irreverente contra las instituciones del poder, las posiciones de extrema derecha e izquierda, así como los dogmas del catolicismo, el islam y el judaísmo. Aquel 7 de enero de 2015 una banda de Al-Qaeda asaltó la redacción del semanario, y con el grito de “¡Alá es grande!” dieron muerte a doce personas, entre ellas a cuatro caricaturistas y varios redactores.
       Sí, paredón a los que nos provocan una carcajada. ¿Qué no saben que las instituciones y los paladines son sacrosantos? Así que en las páginas y en las pantallitas electrónicas, al paredón con ellos… y el buen humor que los acompaña (y que tanta falta nos hace). Algunos tal vez recuerden al “Loco Valdés” en la TV de 1972, aquel momento en que Luis Echeverría lo declaró “El Año de Juárez”, cuando el atolondrado humorista sale a cuadro y pregunta a los camarógrafos: “¿A que no saben quién es el bombero más famoso del país…? Pues el Bomberito Juárez”. Y le llegó una multa tremenda y una suspensión del programa, por atreverse a punzar aquel monolito nacional.
       Así que aquella tarde Quevedo quiso ganarse la apuesta, y viendo llegar a la Reina Mariana se postró ante ella, enarbolando una flor roja y una blanca en cada mano, preguntándole con galante cortesía: “Entre la rosa blanca y la rosa roja, que su Majestad escoja”. Y sí, se la entregó a la reina, que era coja.
       Ahora, con la iniciativa anti-memes, ¿quién alzará la voz con el primer chascarrillo? Paredón a la picardía.
30 de septiembre de 2026
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