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Sobre 2 ruedas

Es la sombra del agua, exposición colectiva por los 100 años de Jaime Sabines.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

En las paredes de la Casa Jaime Sabines y el Centro Cultural San Ángel cuelgan casi un centenar de obras de arte que hacen una lectura visual a la figura y la poesía de Jaime Sabines. La intención es recordar los versos del poeta de «Los amorosos» en el centenario de su nacimiento para que su poesía siga tan viva en los nuevos lectores como en esos artistas que han preparado una obra de arte releyendo al poeta que marco a su generación con libros como Tarumba o Algo sobre la muerte del mayor Sabines.

 

La muestra colectiva se titula «Es la sombra del agua», uno de sus versos reunidos en su Recuento de Poemas,  y contiene piezas que fueron hechas por los artistas a partir de una frase, un poema o un libro de  Sabines, y buscaron acercarse al poeta desde las emociones que atraviesa su obra –el amor, el deseo, la melancolía, el paso del tiempo, la belleza de lo cotidiano o la muerte– para traducirlas en imágenes.

Convocados por el crítico de arte y escritor Luis Ignacio Sáinz y la periodista y autora del libro Sabines. Apuntes para una biografía, Pilar Jiménez Trejo, la exposición reúne obras de artistas –pintores y escultores– algunos que tuvieron una relación directa con el poeta, así como fotografías de autores que lo retrataron a lo largo de su vida, entre ellos Daisy Ascher, Eliane Cassorla, Rogelio Cuéllar, Eunice Chao, Gilberto Chen, Ulises Castellanos, Roberto Portillo y Maritza López.

La muestra es también una celebración con un significado especial para la alcaldía Álvaro Obregón, pues la Casa Sabines, que fue inaugurada por el propio poeta en 1996 como un espacio abierto a la cultura, había permanecido más de  siete años cerrada, pero desde hace más de un año el recinto fue recuperado y reabierto como parte de la estrategia del alcalde Javier López Casarín para devolver a la comunidad recintos dedicados al arte y la cultura, un año importante para conmemorar el 30 aniversario de esta Casa.

Desde su reapertura, el inmueble cuenta nuevamente con galería, salas de conferencias y talleres, además de una programación cultural para acercar nuevas audiencias a la literatura y las artes. La Casa también se incorporó al programa Noche de Museos de la Ciudad de México, con actividades nocturnas que han reunido a cientos de asistentes.

 

Entre las piezas se encuentran obras vinculadas con algunos de los títulos más representativos del poeta, como los de su  primer libro Horal en donde aparece ya su icónico poema «Los amorosos», están también referencias a sus libros de Adán y Eva, Tarumba, Algo sobre la muerte del mayor Sabines, varios de sus celebres poemas de amor como «Te quiero a las diez de la mañana», «Yo no lo sé de cierto», «Tu cuerpo está a mi lado»; y por supuesto a su poema «La luna». Se encuentran algunas referencias también al libro Los amorosos: cartas a Chepita, publicado por su esposa casi diez años después de la muerte del poeta, en el que están las carta que Jaime Sabines le escribió a su mujer Chepita.

Las obras buscan demostrar que los versos del poeta nacido en Tuxtla, Gutierrez, Chiapas un 26 de marzo de 1926,  mantienen su capacidad de dialogar con las nuevas generaciones pues abordan temas universales como el amor, la perdida, el deseo, el misterio creador de la existencia, la inevitable muerte para saber que hay que vivir. Porque para Sabines la poesía siempre fue «un canto de sobrevivencia».

Durante el tiempo en que estará la exposición, se realizarán mesas redondas con el tema ¿Cómo hablar de la poesía de Sabines desde el arte? en la que poetas, escritores, críticos de literatura y editores hablarán de las conexiones de la palabra y el arte en la cultura contemporánea.

«Están en proceso dos proyectos editoriales. El primero es la redición de una de las obras menos leídas del poeta y artista libanés Gibran Khalil Gibran, Arena y espuma (1926), que fue traducida por un intelectual libanés en México en 1943. Ya están en la imprenta los ejemplares que se regalarán a las personas que asistan a la mesa redondas correspondientes aún por precisar» , abunda Luis Ignacio Sáinz .

El segundo es una antología en árabe de poesía la Sabines, hecha por el poeta libanés Afif Albert Kaissar entre 1999 y 2009 que circuló en Medio Oriente. Es importante recordar que el padre de Jaime Sabines llegó de Líbano siendo un niño y enseñó a su hijo muchas historias de la la literatura árabe.  La idea es hacerlo en una edición bilingüe con los poemas también en español, todo de la mano del traductor original y con la anuencia de la familia del poeta, e incorporar a artistas de ascendencia libanesa o levantina para ilustrarla, detalló Sáinz.

En el texto de sala se lee:

Poeta de los sentidos y las ilusiones, los deseos y las aflicciones, que inculcó a varias generaciones de lectores el amor a la poesía y la responsabilidad en la vida y frente a la muerte. Jaime Sabines persevera en una incapacidad exquisita: su renuencia a envejecer. Y ahora que cumple su primer siglo de existencia, celebramos esa energía seductora que nos estremece de la cabeza a los pies, y lo hacemos leyéndolo, pensándolo e imaginándolo a través de las representaciones de un sinfín de artistas plásticos y visuales, y un puñado de coleccionistas del instante:

Fernando Aceves Humana, Gilberto Aceves Navarro, Miguel Ángel Alamilla, Mónica Álvarez Herrasti, Alicia Amador, Perla Arroyo, Daisy Ascher, Maribel Avilés, Rodrigo Ayala, Oscar Bachtold, Juan Berruecos, Jeannette Betancourt, Jordi Boldó, José Luis Bustamante, Valerie Campos, Beatriz Canfield, Ana María Casanueva, Ulises Castellanos, Alberto Castro Leñero, Miguel Castro Leñero, José Castro Leñero, Eliane Cassorla, Margarita Chacón Bache, Eunice Chao, Gilberto Chen, Rogelio Cuéllar, Barry Domínguez, Mónica Dower, Laura Echeverría, Beatriz Ezban, Aldo Flores, Ana Fuentes, René Freire, Filogonio García, Vanesa García Lembo, Renata Gerlero, Tomás Gómez Robledo, Ilse Gradwhol, Natasha Grey, Carlos Gutiérrez Angulo, Patricia Henríquez, Jazzamoart, Saúl Kaminer, Christa Klinckwort, Lenka Klobásová, Salvador Enrique Lacroix, Arturo Lazcano Botello, Mayra León, Adolphe Lechtenberg, Maritza López, Águeda Lozano, Gabriel Macotela, Luis Manuel Serrano, Eugenia Marcos, Manuel Marín, Marit, Héctor Massiel, Alfonso Mena Pacheco, Octavio Moctezuma, Leticia Morales Bojalil, Mónica Ortega, Roberto Portillo, Coral Revueltas, Jorge Ismael Rodríguez, Rubén Rosas, Pablo Rulfo, Jeanne Saade Palombo, Nunik Sauret, Sebastian, Federico Silva, Ana Luisa Solar Horcasitas, Patricia Soriano, Luciano Spanó, Carolina Tangassi, Fabiola Tanus, Eloy Tarsicio, Esmeralda Torres, Paloma Torres, Laura Vázquez, Héctor Velázquez, Teresa Velázquez, Jorge Yázpik, Ernesto Zeivy, Irene Zundel.

Sin duda alguna:
Es la sombra del agua
y el eco de un suspiro,
rastro de una mirada,
memoria de una ausencia…

Póker de versos que atesora un ideario delirante y expansivo, el de una sensibilidad a ultranza que nos conmueve y en una paradoja infinita nos lanza a la aventura de sumergirnos en el otro para perfeccionar nuestra identidad. Ser en el otro, ser con el otro, ser para el otro, ser dos reconciliados en la utopía de la unidad…

El mejor favor que podemos hacerle al poeta chiapaneco de ascendencia libanesa y que él desde la condición intangible de su escritura nos hace consiste en sumergirnos en sus palabras preñadas de deseo, melancolía, evocación sentimental…

Eso, y solo eso, pretende la Casa Jaime Sabines y el Centro Cultural San Ángel: imbuirnos del placer de la lectura.

En la exposición se pueden encontrar estas piezas que evocan estos versos…

 

Alfonso Mena. Sabines,2026. Óleo,máquina de escribir y papel sobre lino. 41 x 61 x 20 cm.

Los amorosos callan.
El amor es el silencio más fino,
el más tembloroso, el más insoportable.
Los amorosos buscan,
los amorosos son los que abandonan,
son los que cambian, los que olvidan.
Su corazón les dice que nunca han de encontrar,
no encuentran, buscan.

 

 

Alberto Castro Leñero. Sabines con raíces aéreas. Resina plástica y pigmentos sobre tela. 50 x 60 cm.

 

¿Has visto cómo crecen las plantas? Al lugar en que cae la semilla acude el agua: es el agua la que germina, sube al sol. Por el tronco, por las ramas, el agua asciende al aire, como cuando te quedas viendo el cielo del mediodía y tus ojos empiezan a evaporarse.

De: Adán y Eva

 

 

 

 

 

Gabriel Macotela A Sabines,2026 Pastel sobre papel 45 x 60 cm

 

…si es huérfano el que pierde un padre, si es viudo el que ha perdido la esposa, ¿cómo se llama el que pierde un hijo?, ¿cómo, el que pierde el tiempo? Y si yo mismo soy el tiempo, ¿cómo he de llamarme, si me pierdo a mí mismo?

De: Diario semanario y poemas en prosa

 

 

 

 

Ana María Casanueva . Las hojas del tiempo,2026 Collage,ensamble. 40 x 60 cm

Amaneció sin ella.
Apenas si se mueve.
Recuerda.

(Mis ojos, más delgados,
la sueñan).

¡Qué fácil es la ausencia!

En las hojas del tiempo
Esa gota del día
resbala, tiembla.

De Horal

 

 

Pablo Rulfo. Estábamos en el paraíso,2026. Temple sobre tabla. 40 x 35 cm

 

-Estábamos en el paraíso. En el paraíso no ocurre nunca nada. No nos conocíamos. Eva, levántate.
-Tengo amor, sueño, hambre. ¿Amaneció?.
-Es de día, pero aún hay estrellas. El sol viene de lejos hacia nosotros y empiezan a galopar los árboles. Escucha.
-Yo quiero morder tu quijada. Ven. Estoy desnuda, macerada, y huelo a ti.
Adán fue hacia ella y la tomó. Y parecía que los dos se habían metido en un río muy ancho, y que jugaban con el agua hasta el cuello, y reían, mientras pequeños peces equivocados les mordían las piernas.

De: Adán y Eva

 

Natasha Gray. La luna,2026. Acuarela y grafito sobre papel arches (poliptico 6 pzas). 64 x 42 cm

Se puede dar de postre a los niños
cuando no se han dormido,
y unas gotas de luna en los ojos de los ancianos
ayudan a bien morir.

Pon una hoja tierna de la luna
debajo de tu almohada
y mirarás lo que quieras ver.
Lleva siempre un frasquito del aire de la luna
para cuando te ahogues,
y dale la llave de la luna
a los presos y a los desencantados.

La Luna

 

 

 

Eliane Cassorla El Poeta, 1987.

Lento, amargo animal
que soy, que he sido,
amargo desde el nudo de polvo y agua y viento
que en la primera generación del hombre pedía a Dios.

Amargo como esos minerales amargos
que en las noches de exacta soledad
—maldita y arruinada soledad
sin uno mismo—
trepan a la garganta
y, costras de silencio,
asfixian, matan, resucitan.

 

Jordi Boldó Los amorosos callan 2026 Óleo, grafito, tintas/lino peinado 50 x 50 cm

Los amorosos callan.

El amor es el silencio más fino,

el más tembloroso, el más insoportable.

 

 

 

 

 

 

 

Rogelio Cuéllar Sabines en su casa del Pedregal. 1991

A estas horas, todas las noches, para siempre, yo soy el que ha perdido el día. (Aunque sienta que, igual que sube la fruta por las ramas del durazno, está subiendo, en el corazón de estas horas, el amanecer.)

 

 

 

 

 

 

 

Esmeralda Torres A Sabines, a Venus, a Iraida 2026 Mixta/ manta de algodón 50 x 50 cm

 

 

 

Te quiero a las diez de la mañana, y a las once, y a las doce del día. Te quiero con toda mi alma y con todo mi cuerpo, a veces, en las tardes de lluvia.

 

 

 

 

 

Daisy Ascher Algo sobre la muerte del mayor Sabines. 1988

Pasó el viento. Quedaron de la casa

el pozo abierto y la raíz en ruinas.

Y es en vano llorar. Y si golpeas

las paredes de Dios, y si te arrancas

el pelo o la camisa,

nadie te oye jamás, nadie te mira.

No vuelve nadie, nada. No retorna

el polvo de oro de la vida.

 

 

Jazzamoart. Cristo caído. Óleo sobre tela. 60 x 50 cm. 2023-2026

 

 

 

Dueña de la esperanza,

paloma del principio,

recógeme los ojos,

levántame del grito

 

 

 

Ulises Castellanos Sabines en la cámara de diputados. 1988.

 

Dentro de poco vas a ofrecer estas páginas a los desconocidos como si extendieras en la mano un manojo de hierbas que tú cortaste.

Ufano y acongojado de tu proeza, regresarás a echarte al rincón preferido.

Dices que eres poeta porque no tienes el pudor necesario del silencio.

 

 

Barry Domínguez Sabines en la Ciudad de México 1996.

 

Lento desde hace siglos,
remoto nada hay detrás,
lejano, lejos, desconocido.

Lento, amargo animal
que soy, que he sido

 

 

 

 

 

Homenajear a Sabines (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1926) es reconocer al hombre que desnudó la existencia hasta dejarla en los huesos, ahí donde el desgarro del alma convive con el instante de llorar la vida que también es hermosa. Sus poemas de amor son el pulso de la sangre, son la fuerza que nos mantiene vivos y, al mismo tiempo, la que nos consume. Tarumba es el grito del hombre cercado; es ese «otro» al que le habla, no un personaje literario, sino el único testigo de su resistencia. Algo sobre la muerte del mayor Sabines es el testimonio del despojo; no ofrece consuelo, sino compañía en el espanto donde el dolor privado se vuelve un purgatorio colectivo. Su capacidad de encapsular un universo entero en un solo verso no es producto del azar, sino la facultad sagrada de un hombre que nació poeta.

La exposición «Es la sombra del agua» se puede visitar de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas en La casa Jaime Sabines –Av. Revolución 1747, San Ángel, Álvaro Obregón, Ciudad de México– y en el Centro Cultural San Ángel –Av. Revolución S/N , esquina con Francisco I. Madero, Col. San Angel, Alvaro Obregón, C.P. 1000, Ciudad de México–.  La entrada es gratuita. Y permanecerá abierta hasta el 30 de diciembre de 2026.

2 de septiembre de 2026
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EL ÚLTIMO LECTOR

By Sobre 2 ruedasNo Comments
Los mundos sutiles, dijo el poeta, ingrávidos y gentiles, que se quiebran de un día a otro. Así va en evolución el mundo de las ideas, las palabras, pasando de la piedra a la arcilla, luego al papel, al fax y hoy a las pantallitas de nuestros celulares. Pregúntenle a la IA lo que sea, al fin que igual que la suegra, tiene una respuesta para todo. O dos.
       En días recientes sacudió al medio librero el cese de la editorial ERA, que anunció su retiro por el quebranto comercial de la empresa. Las ventas se habían ido a los suelos (sobre todo después de la pandemia) y ya no había modo de mantener en condiciones de competencia a la editorial fundada por Vicente Rojo y Neus Espresate. Kaput, cerramos, adiós queridos lectores.
       Recuerdo cuando visitábamos la casa del tío Augusto en las Lomas de Chapultepec. Era el pariente rico, y en el salón de juegos tenía un gramófono (ya en desuso) y junto al aparato un anaquel con centenares de discos. Aquel día preguntamos que cuál correspondía a la Quinta Sinfonía de Beethoven (lo acabábamos de estudiar en clase) y mis primos señalaron un paquete de siete discos. “Esa es”. Los discos de hace un siglo giraban a 78 revoluciones por minuto (RPM), de modo que un lado del acetato duraba, cuando más, nueve minutos. Así que la de Beethoven y los demás sinfónicos se llevaba esos siete discos dándoles la vuelta de tanto en tanto.
       Ahora le grito a mi reproductor: “Alexa, por la quinta de Beethoven”, y el aparato obedece de inmediato, sin aclararme si es versión de Von Karajan, Furtwängler o Eduardo Mata. ¿Para qué, si los derechos de autor son una patraña del paleolítico? Así ha sido la transformación de los medios que, en cosa de lustros, pasó del bulbo al transistor, del transistor al walkman, y ahora al spotify. Adiós a los discos, sí, y conste que en casa aún guardo la colección completa de los Beatles, desde Help! hasta Let it be.
       ¿Qué sigue? Caminante, no hay camino, son tus huellas nada más… se cansó de recordárnoslo don Antonio Machado, quien por cierto murió peregrinando hacia los Pirineos franceses, tras la derrota de la República Española. ¿Así ahora los editores de ERA? La derrota comercial, un último lector, la muerte del libro de papel.
       La crisis asoma en los kioskos de la esquina. Algunos de ellos han desaparecido, cada mes se esfuma una revista, los periódicos adelgazan sus páginas, muchos de ellos han debido mudar a los medios electrónicos… arrostrando con ello el castigo publicitario. Usted, lector, ¿hace cuánto que no adquiere un periódico de papel?
       La revolución mediática (¿instructiva?) asoma por doquier. Ahora que por fin han iniciado los cursos escolares, queda en el aire la cuestión de los teléfonos móviles. ¿Deberemos prohibir a los niños el uso de los celulares? No es ninguna novedad que la niñez de hoy no es ya como las precedentes, la nuestra, de trompo, canicas y bote pateado. Los niños de hoy rehúyen el juego participativo, prefieren las consolas y los videojuegos, resuelven todo tironeando con los pulgares en vez de perseguir el balón en la “cascarita” del recreo.
       ¿Y qué decir de sus lecturas? Revísense las páginas de los libros pergeñados por el inefable Marx Arriaga… adoctrinamiento ideológico, nula pedagogía, loas al régimen que llegó para quién sabe qué. Así que mejor el celular en el bolsillo, de “Genshim Impact” a “Dragon Balls”, la vida se va en esas aventuras de adrenalina e irrealidad. Después de todo nosotros jugábamos a los soldaditos y los carritos de plástico, así que a cada generación le toca su dosis de fantasía a la mano.
       El último lector asoma ya en el horizonte. Los editores viven temblando cada que contratan un nuevo título. Si Gutemberg viviera, se convertiría en influencer de Tik-tok. Afortunadamente la editorial ERA ha mitigado su anuncio inicial, asegurando que seguirá operando a lo mínimo, pues en su catálogo se inscriben libros fundamentales de nuestro ser nacional, desde “La noche de Tlatelolco” de Elena Poniatowska hasta la obra entera de José Revueltas.
       El problema es uno, después de todo. “Al volver la vista atrás”, nos recordaba Machado, se ve la senda “que nunca de ha de volver a pisar”. Discos, libros, amores, ¿qué sigue? El problema, sí, se llama nostalgia, que no es tan grave.
2 de septiembre de 2026
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Burocracia Cultural

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Cómo fue que el funcionario cultural se convirtió en el factor determinante de la creación artística y el ars, artis, (sujeto que tiene la habilidad de transformar la realidad en otra cosa), se quedó a la saga, sin ninguno de los beneficios que tienen los administradores del presupuesto público, cuando sin el trabajo de los artistas ellos serían los desempleados?

Si tomamos la fundación de la Secretaría de Educación Pública en 1921 como la primera piedra del Aparato Cultural del Estado Mexicano, veremos que fueron los mejores pensadores y artesanos de las artes quienes idearon, administraron y ejecutaron las acciones que llevaron a la creación del INBAL y las instituciones superiores e inferiores que se agrupan actualmente en la Secretaría de Cultura de la Federación.

De 1946 a 1952 los artistas tuvieron la dirección y ejecución de la cultura institucional. Entre 1952 y 1954 ya fue un abogado, diplomático y Académico quien dirigió el Aparato, aunque Andrés Iduarte también estudió filosofía y permitió que la velación de Frida Kalho fuera en el Palacio de Bellas Artes, más ese beneplácito le costó el puesto porque el presidente Ruíz Cortines no soportó que el féretro de la pintora fuera cubierto por la bandera comunista.

El presidente López Mateos nombró director del INBAL al abogado Miguel Álvarez Acosta, abogado y político que cubrió todo el sexenio (1954-1958). Días Ordaz devolvió el puesto a un hombre de vasta cultura como fue el historiador y ensayista, José Luis Martínez, quien tuvo a su cargo el Programa Cultural de las XIX Olimpiada que se hizo en 1968. Luis Echeverría tuvo cuatro directores de cultura. El doctor en filosofía y musicólogo Miguel Bueno y Malo: el arquitecto e historiador del arte Luis Ortiz Macedo; el escritor Sergio Galindo Márquez y el abogado Juan José Bremer.

En los 30 años que hay entre la fundación del INBAL y la presidencia de Echeverría, nadie advirtió públicamente que el Aparato Cultural se había convertido en otro activo del cooperativismo estatal a favor del PRI, afiliando a sus funcionarios públicos y a los trabajadores a las organizaciones y sindicatos que sostuvieron por 70 años la “democracia perfecta”, es decir, el dominio de un solo partido., dejando a la razón de ser del Aparato a la deriva, sujetos a las decisiones mas políticas que culturales de la cúpula burocrática que, como toda la pirámide del estado, tenía la vista fija en el presidente de la República.

En esos 30 años hubo diversos intentos de agrupar a los artistas, generalmente desde la izquierda, para oponerse al sistema opresor, pero a nadie se le ocurrió hacerlos partícipes del presupuesto público. Ciertamente su carácter de artesanos de la ficción (para griegos y romanos, nuestros padres linguisticos y por lo tanto conceptuales, artista era un labriego, un carpintero, un músico o pintor), dificulta su afiliación a la seguridad salarial, de salud y retiro, porque si su patrón es el estado se jodío su libertad creativa, aunque su paradoja consiste en que desde Homero esos buenos para nada (porque la poesía no cotiza en la bolsa de valores), han dependido del sistema dominante. Primero los reyes, la nobleza, lego la burguesía y finalmente el capitalismo que ha hecho, sobre todo de la pintura y los bets seller literarios, un valor de mercado.

En algunos países europeos se han formulado políticas públicas que protegen a los artistas como entes productivos para esas sociedades, y se puede añadir que en esos entornos la burocracia cultural no consume más del 35 por ciento del presupuesto cultural. En México el 80 por ciento del dinero público para la cultura se va en salarios y los generadores de ése cultivo del intelecto y la intuición tienen entre el siete y el diez por ciento para sobrevivir. Este verano, diversos miembros de la comunidad teatral han hecho valiosas aportaciones a esta incongruencia del Aparato, pero destaco la frase del director e investigador Rubén Ortiz donde dice que cuando un cómico no gana alguna de las convocatorias estalla contra el sistema, pero cuando gana lo atribuye a su mérito personal. Falta comunidad, concluye Rubén. Hay que formarla.

Luego de medio siglo de ver cómo y por qué han fracaso esos intentos, solo se me ocurre una acción radical. Tomar oficinas burocráticas, tomar teatros, hacer manifestaciones permanentes en Arenal, en el Auditorio, en Bellas Artes, bloquear avenidas principales de la ciudad, lanzar huevos podridos en todas las conferencias de presa de la burocracia cultural; cantar canciones obscenas cada vez que un alto funcionario inaugura algún evento para la fotografía. En fin, hacer lo que tantos sectores de la sociedad están haciendo para ser escuchados. Exigir, en suma, que la burocracia cobre el 10 por ciento del presupuesto público para cultura y los artesanos de la cultura reciban el 80 por ciento que ellos tienen (hay que dejar un diez por ciento para el mantenimiento del Aparato.) De otro modo todo cambiará para seguir igual, como dijo Lampedusa.

13 de agosto de 2026
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AMORÍOS DEL MARABÚ de NELSON DOMÍNGUEZ.

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasNo Comments
Amoríos del Marabú una exposición individual de Nelson Dominguez se inaugura en la Galería Picci Fine Arts el jueves 20 de agosto.

Nelson Domínguez es una figura relevante del arte cubano. Su pintura se caracteriza por un lenguaje visual de gran fuerza expresiva, donde el color intenso, las formas simbólicas y la imaginación se combinan para explorar la identidad, la memoria y la cultura popular de su isla.

Todas las máscaras.

El expresionismo cubano tiene una larga historia que se remonta a los años cincuenta, cuando Antonia Eiriz, el colectivo Los Once y Agustín Fernández, entre otros, rompieron con lo pintoresco tropical para explorar la angustia, la fuerza de la materia y los aspectos más bellos y más miserables de la condición humana. Trabajaron con tonos oscuros, presentaron rostros deformados y abordaron nuevas temáticas. De esta manera, se liberaron del realismo y del academismo que imperaban entonces. Aunque pertenece a una generación posterior, Nelson Domínguez se inscribe en esta corriente crítica y portadora de una inmensa energía creativa. En las obras presentadas se intuyen importantes referencias a figuras de las vanguardias como Matta, Lam, Picasso y Buffet. En ellas conviven elementos del surrealismo, del expresionismo y de la tradición cubana, dando lugar a composiciones dinámicas que oscilan entre lo cotidiano y lo fantástico.

La pintura de Domínguez evita el realismo convencional para proponer múltiples lecturas, en las que el espectador participa activamente en la construcción del significado. En ella se aprecia una gran abundancia de símbolos y recursos visuales y, al mismo tiempo, una notable coherencia estética y una constante capacidad de renovación, lo que lo consolida como uno de los artistas más representativos de las artes plásticas cubanas.

En esta serie en particular, pintada entre México y La Habana, confluye el sincretismo cultural mesoamericano con las raíces afrocubanas características del Caribe y de la Sierra Madre, donde el artista se crió. Todo ello está impregnado de los tintes revolucionarios que marcaron su obra y le otorgaron un fuerte contenido social y de cultura popular.

El Marabú del título de la exposición es un árbol muy conocido en Cuba. Los amoríos aparecen en varios lienzos de tonalidad romántica.

Cuatro obras, en particular, llamaron nuestra atención.

En «Todas las máscaras», resalta el contraste entre la serenidad de la joven vendedora y el carácter amenazador de las máscaras que presenta. Las referencias cromáticas aparecen invertidas: es el color el que provoca inquietud, mientras que el blanco, el negro y el gris se asocian a la confianza y a una visión más serena del futuro.

 


En «Hombre en el platanal», el magnífico dibujo del racimo de plátanos parece evocar, al mismo tiempo, la exuberancia de la vegetación cubana y una suerte de deidad con múltiples brazos o candelabros. En cambio, el rostro asombrado del hombre situado a su lado, o el cuadro que representa su cara, nos introduce en un extraño sueño tropical. Como en la obra anterior, el contraste entre el gris, el blanco y el color provoca un sentimiento ambiguo de extrañeza y sosiego.


En la obra «La familia», nuestra mirada parece obligada a detenerse en todos los detalles: desde las formas alargadas de los protagonistas, que recuerdan a El Greco, hasta los tres ángulos desde los que se presentan sus respectivos rostros, pasando por las formas que evocan escamas sobre su piel y por la figura que puede interpretarse como un pez amarillo en la parte inferior derecha.


Para terminar, en «Recolección de papaya» impactan la sutileza y la precisión de los tonos anaranjados de las papayas que lleva la joven, así como las miradas que no llegan a cruzarse, otorgando a la obra un aire de misterio, pudor y expectativa.

13 de agosto de 2026
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MEGACALENDA en la CDMX expone demandas de grupos indígenas.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Como la mayor expresión cultural y artística de los grupos indígenas y afro mexicanos residentes en la Ciudad de México, este9 de agosto se realizó el capital del país la edición número 17 de la MEGACALENDA, con la participación de cerca de 4,000 integrantes de estos grupos de diversas regiones del país y de la ciudad, para visibilizar con su herencia cultural y artística su presencia y demandas a las autoridades de la CDMX.

De esta manera, la Ciudad de México volvió a ser el escenario de una reluciente expresión artística manifestada en trajes típicos, bailables y música de estos grupos, tanto de los que residen en la ciudad como aquellos que llegaron de sus lugares de origen para participar en esta MEGACALENDA.

Convocada y organizada por el Movimiento de Pueblos, Comunidades y Organizaciones Indígenas (MPCOI), y en el marco del Día Internacional de los Pueblos Indígenas proclamado por la ONU, diversos contingentes de pueblos indígenas de la Ciudad de México caminaron hacia el edificio de la Suprema Corte de Justicia de la Nación y miles de personas se unieron a ellos en una fiesta cultural y artística que la capital ha hecho suya a lo largo de los años.

El recorrido dio inicio poco después de las 9:00 horas del Ángel de la Independencia, marchando por paseo de la Reforma, Avenida Juárez, Eje Central y entrando por Venustiano Carranza.

Esta vez acompañó la MEGACALENDA un gran contingente de purépechas del estado de Michoacán, un numeroso contingente de las tres huastecas, no faltarán los chínelos, la comparsa Tapia, las florecitas de Xochimilco, que conforman la delegación de la Ciudad de México.

Estuvieron presentes también los Tecuanes del estado de Puebla, quienes vienen desde la mixteca, los Chilolos de Chalcatongo, Oaxaca; por primera vez, participaron desde la costa de Oaxaca, danza de las mascaritas; después de su participación en la Guelaguetza de Oaxaca, los lunes del Cerro y una delegación triqui de San Juan Copala; los Diablos de Santiago Juxtlahuaca hicieron su presentación.

Se pudo apreciar el colorido de las vestimentas tradicionales que portaron  las mujeres del pueblo triqui, el pueblo purépecha, los nahuas de Puebla, Hidalgo y Veracruz, los mixtecos de Oaxaca y Guerrero, los mixes, los zapotecos, los mazatecos, las mazahuas, los otomíes, los tlapanecos, los totonacos de Veracruz.

Caminaron  las Bandas de Viento como la Sensación de mi Tierra del estado de Michoacán; Banda el Padrino del estado de Hidalgo, misma que ganó primer lugar en un concurso de bandas de viento en este año, la Banda San Juan de la zona triqui, banda los auténticos De Jesús de la CDMX, Banda la Máxima Potencia de Jicaral, Oaxaca, desde luego estarán varias bandas más.

Tuvo un toque especial porque por primera vez en este marco, se presentará una candidatura indígena para la Secretaría General de la ONU, en la persona de Lakota de Estados Unidos, Chamaine White Face; cabe decir que una comisión de participantes en la Cumbre Internacional sobre la Doctrina del Descubrimiento, entregarán en Nueva York formalmente la propuesta el día 10 de agosto próximo.

La MEGACALENDA 2026 da inicio de esta manera a las actividades de la Fiesta de las Culturas Indígenas que cada año se lleva a cabo en el Zócalo de la Ciudad de México durante el mes de agosto.

Pascual de Jesús González, dirigente del MPCOI en la CDMX y coordinador de la MEGACALENDA, aseguro “Es nuestra manifestación en el marco del Día Internacional de los Pueblos indígenas, es el ejercicio de nuestro derecho a la libre manifestación para denunciar la falta de atención de las autoridades de los tres niveles de gobierno a diferentes problemáticas, asimismo, visibilizar nuestra presencia en la Ciudad de México, con música, danza, poesía y trajes tradicionales”.

Añadió que en esta ocasión no sólo tiene el objetivo de exponer la herencia cultural y artística de los pueblos indígenas y afromexcianos de nuestro país, sino también de exponer algunas de sus principales denuncias de dichas comunidades en la capital como vivienda digna y espacios adecuados para la comercialización de sus productos.

No sólo como expresión artística, sino también como una forma de manifestar sus demandas al gobierno de la CDMX, mismas que han expuesto a lo largo de los años, los organizadores de la MEGACALENDA externaron sus tres puntos fundamentales aún pendientes con el gobierno local:

  1. VIVIENDA DIGNA CON PERTINENCIA CULTURAL PARA LOS SUJETOS DE DERECHO QUE VIVIMOS EN ESTA CIUDAD;
  2. PAGO INMEDIATO DEL ADEUDO A LOS TRADUCTORES INDÍGENAS POR PARTE DE LA FISCALÍA GENERAL DE JUSTICIA DE LA CIUDAD DE MÉXICO;
  3. MAYOR PRESUPUESTO EN BENEFICIO DE LOS SUJETOS DE DERECHO EN LA CIUDAD DE MÉXICO CADA AÑO.

 

También se presentó el colectivo Catrinas Regionales  para seguir y presenciar la edición número 17 de la MEGACALENDA 2026, celebrada. Las Catrinas Regionales, lideradas por Esmeralda Cortés, hicieron acto d presencia en la MEGACALENDA, para confirmar que esta expresión artística se ha consolidado en los años recientes como una de las principales imágenes y símbolos que distinguen a México dentro y en especial fuera de nuestras fronteras.

Cade destacar que las Catrinas Regionales son un colectivo con seis años de existencia, amante de las tradiciones mexicanas, que nace como una agrupación incluyente que respeta todas las culturas del mundo y que enaltece principalmente los trajes regionales mexicanos, aportando color y cultura en cualquier lugar donde nos presentan.

Al respecto, su coordinadora recordó que la catrina es un símbolo nacional que cuyo origen no es propiamente para el día de muertos, “sino un grito de nuestro pueblo indígena por ser aceptado y visto por toda la sociedad mexicana”.

La propuesta de Catrinas Regionales es, añadió, mostrar los trajes mexicanos, describiéndolos y en ocasiones musicalizándolos, es por ello que se presentan en espacios en donde hay mucha interacción con el público, lo que hace que el involucramiento popular sea cada vez mayor, como es el caso de la MEGACALENDA de la Ciudad de México.

Catrinas Regionales es un colectivo sin fines de lucro, “somos independientes y ya contamos con marca registrada ante el IMPI para fines culturales”, dijo Cortes, quien añadió que el colectivo no tiene patrocinio alguno, por lo que sus trajes, maquillajes y requerimientos técnicos los solventan con recursos propios.

Las Catrinas Regionales  son parte de la comunidad activa en Tlatelolco y han organizado la entrega de juguetes y aguinaldos en enero a la comunidad indígena otomí en el Monumento a la Revolución por cuatro años consecutivos.

10 de agosto de 2026
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In Memoriam

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Si en la mirada de un niño podemos ver el inicio del mundo, en la mirada de un viejo observamos cómo ese territorio de la infancia se ha transformado radicalmente. La muerte de mi primo hermano Arturo Álvarez Icaza Carrasco me permite decir que los Llanos de Apan, siendo los mismos, son otros. Como tantos de nosotros, Arturo estuvo ligado desde niño a la leyenda de las haciendas que tuvo la familia de su padre y mi madre, que eran hermanos, particularmente a los solares de Zotoluca y Chimalpa que fueron administradas por nuestro abuelo Juan de Dios Álvarez Icaza y Téllez Girón; aunque la generación de nietos a la que pertenezco vivió o visitó Chimalpa cuando ya era propiedad del tío Nicolás Núñez.

Arturo no fue uno de ellos porque pertenece a la siguiente camada de nietos de las once hijas e hijos que tuvo la abuela Concepción, Sin embargo, y acaso por no haber estado ahí, Arturo se apropió de aquel pasado y rastreó la genealogía del abuelo Juan de Dios como quien sigue la contracorriente de un río para hallar la fuente de la que proviene. Ya como gerente de un prominente banco, grabó el escudo de la familia en algún pañuelo, camisa o suéter, y desde muy joven fue de los más entusiastas visitantes a las Lomas del Pedregal, que resultó el corolario de aquel pasado grandioso de las haciendas pulqueras: un monte lleno de piedras en donde apenas crecía la mala yerba, pero que el amor de mi tía Berta y la niña Alicia, mi madre, convirtió en un vergel con el concurso de sus hermanos Guillermo, Juan y Luis, este último padre de Arturo, de quien sacó el porte, el gusto por la guitarra y la sonrisa que conquistaba la atención femenina.

Con el tiempo y cuando murieron los tíos, Arturo se convirtió en el referente masculino de las primas que se quedaron en aquel pedregal, ahora florido, en donde mi difunto primo abrió un centro de sanación de medicina alternativa que hizo fama en los llanos por su pirámide y su temazcal, pero sobre todo por la gentileza y el don de gentes con los que ofrecía el primer remedio a sus pacientes, que ya se cuentan por docenas,

Paradójicamente, fue el respeto por la tradición curativa de los chamanes la que acortó su vida porque puso su fe en la falsa sapiencia de una curandera que le robó el tiempo que requería la medicina alópata para mitigar la insuficiencia renal que le arrebató la vida. Cuando intentó esa curación fue demasiado tarde.

Fueron muchos los días que compartimos la alegría de vivir, celebrando a los abuelos, los tíos, los primos, los amigos que dejaron su huella en este valle de lágrimas convertido por unas horas en todo lo contrario. En mi experiencia no hay una familia perfecta, pero en aquellos convivios los dramas personales no disminuían el contento general del encuentro, y Arturo era uno de sus animadores; siempre atento, siempre sonriente, siempre dispuesto a cooperar con algo, con alguien, para bien de la colmena.

De algún modo fue coherente que aquel gerente de banco, que aquel funcionario de CARITAS (amor al prójimo), terminara como un sanador de su comunidad. Acaso la tragedia de su muerte sea que lo mató su convicción de que se puede sanar la enfermedad del cuerpo y de la mente con la fe que exige el amor a Dios, mejor dicho: en aquellos que se dicen sus discípulos. Supe que en su último aliento dijo que necesitaba perdón, dejando la duda si era él quien debía dar o recibir esa gracia. Por mi parte nada tengo que perdonarle y en conciencia considero que él tampoco tiene que perdonarme nada. Consumada tu partida, Arturo, ya eres parte de la historia de la familia que tu rastreaste desde sus orígenes y cuyo emblema llevaste con orgullo. Sin duda, las nuevas ramas de ese árbol te recordarán con el cariño con el que nosotros añoramos a nuestros difuntos, y en las noches estrelladas de los Llanos de Apan, al calor de una hoguera recordarán tu nombre y tu bonhomía, y cantarán canciones en tu memoria, como hicimos nosotros con nuestros ancestros.

10 de agosto de 2026
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Un hito del arte contemporáneo en Europa: Inauguran en Portugal la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026

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​​Gondomar, Portugal.- El arte contemporáneo ha vuelto a demostrar su capacidad para integrar miradas, estilos, tradiciones y sensibilidades plásticas en una de las citas más consolidadas del panorama cultural internacional: la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026.

​La inauguración oficial, que tuvo lugar en las instalaciones del Salón Multiusos de Gondomar en la Sala Oro. Se ha saldado con un rotundo éxito de público y crítica, confirmando la madurez organizativa de un proyecto que en esta entrega alcanza cifras históricas: un total de más de 150 creadores representados procedente de diversas partes del mundo, desplegando un valiosísimo mapa conceptual y técnico que abarca diversas corrientes del arte actual.

​Para esta sexta edición, la experiencia ha tenido un significado académico y creativo doblemente especial: no solo por la participación directa en calidad de artista contemporáneo, sino también por la contribución analítica al catálogo oficial mediante la redacción del texto crítico, aportando una lectura reflexiva.

​Durante los actos inaugurales, tuvimos la oportunidad de conversar ampliamente con el Presidente del Concejo Municipal de Gondomar, Luís Filipe Araújo, quien compartió su entusiasmo por el calado internacional que ha alcanzado el certamen y reflexionó sobre el valor identitario que la cultura posee para el municipio:

​»Nos encontramos verdaderamente contentos y orgullosos de poder recibir en Gondomar a creadores de tan diversas procedencias. Gondomar es una ciudad profundamente cultural, una comunidad que ama las artes visuales y que comprende perfectamente la trascendencia que tiene la cultura tanto para nuestros propios ciudadanos como para todas las personas que nos visitan. Ver cómo el arte contemporáneo convierte a nuestro ayuntamiento en un punto de encuentro internacional reafirma con fuerza nuestro compromiso institucional.»

​Las palabras del presidente respaldan el apoyo continuado que brinda la Câmara Municipal de Gondomar (CM Gondomar) a través de su Vereadora da Cultura, Carla Pinto Ferreira, consolidando a la localidad como un enclave estratégico de acogida y mecenazgo para las artes plásticas.

​El origen y la constancia de este monumental proyecto tienen un nombre propio. Su creador, impulsor y alma mater desde 2018, José Carvalho —reconocido artista plástico, escultor, mentor de jóvenes talentos y presidente de la asociación organizadora Gens’Art—, repasó la trayectoria de la muestra y desveló las ambiciosas metas de futuro:

​»Al principio no fue un trabajo fácil. Poner en marcha una iniciativa de esta envergadura requiere muchísimas horas de dedicación, esfuerzo constante y la máxima disponibilidad de todo el equipo de asistentes y colaboradores que formamos Gens’Art. Sin embargo, poco a poco el arte ha ido creciendo en la ciudad y hoy el público y las instituciones tienen una visión completamente distinta. Con trabajo y constancia todo se consigue.

​Nuestro objetivo es que esto continúe expandiéndose hasta transformar el certamen en una gran Bienal Internacional que pueda albergar a más de 500 artistas. Para lograrlo seguiremos trabajando intensamente y confiamos en contar progresivamente con un espacio expositivo aún mayor por parte de las autoridades de Gondomar. Pero, por encima de los números, nuestro empeño principal es que esta cita mantenga siempre su esencia: ser una exposición profundamente humana.»

​Esta hoja de ruta organizativa, orquestada mano a mano con Lina M. Santos, sienta las bases de un crecimiento sostenido que busca situar a Gondomar en el circuito de las grandes bienales europeas.

​Bajo la cuidada curaduría de Fernanda de Queiroz, la exposición despliega cientos de piezas que transitan entre la pintura, el dibujo, la escultura y diversas disciplinas contemporáneas. La propuesta invita a los visitantes a realizar un recorrido sereno, pausado y reflexivo, permitiendo apreciar la confluencia de técnicas tradicionales con lenguajes de vanguardia.

​Un detalle para el recuerdo: La generosidad y el trato cercano del equipo de Gens’Art con los artistas participantes se evidenció una vez más durante la jornada inaugural con una calurosa bienvenida. 

​Más allá del rigor expositivo en las salas del Multiusos, 100 Artistas Gondomar 2026 se ha ratificado como un foro imprescindible para la convivencia entre creadores, historiadores y comunicadores. Durante estas jornadas inaugurales destacaron los enriquecedores momentos compartidos con la periodista mexicana María Esther Beltrán (@arteesmexgalery), así como el emotivo reencuentro con artistas y amigos de trayectoria como: Clara Belén Gomez, Hermínio Sousa, José Pedrosa, Margarida Basaloco, Dina Oliveira y su entorno.

​En este marco de fraternidad creativa, cobró especial relevancia la felicitación a los artistas Eva Llamas y Juan de Miguel, quienes conmovieron al público asistente con su destacada obra realizada en colaboración, «Donde habita el alma». Aunque se sintieron las ausencias de queridas compañeras como Alejandra G. Natale y Alicia Natale, el espíritu de colectividad y apoyo mutuo impregnó cada instante de la celebración.

​El paso por este certamen en tierras portuguesas se completó con unos días de desconexión e inspiración en la vecina ciudad de Oporto. La serenidad y el cauce de su emblemático río sirvieron como el escenario ideal para recargar energías creativas de cara a los próximos proyectos historiográficos y expositivos.

​La exposición de la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026 permanecerá abierta al público en el Salón Multiusos de Gondomar hasta el próximo 29 de agosto. Para complementar la muestra, la organización ha diseñado un programa cultural especial que se desarrollará los días  22 y 29 de agosto, ofreciendo actividades que enriquecerán aún más esta gran fiesta de las artes plásticas.

Fotos: J. Carlos Santana

6 de agosto de 2026
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DEL BULLYING AL ACORDEON

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El aula escolar esconde muchas trampas. Ahí se dan todo tipo de complicidades, argucias y ultrajes que los mentores ni en cuenta. A la edad de las hormonas, la cosa sube de temperatura y los muchachos (y las muchachas) salen de control. Lo importante es pasar de año, sí, pero fundamentalmente sobrevivir ante el acoso y la competencia de los compañeros, que por lo general traen las mañas de casa. Así se ha presentado esta semana la crisis de la educación media en el país.

       Por una parte hubo un examen de admisión en la UNAM –de modo distante–, que dio por resultado una maraña escandalosa e indefendible, por decir lo menos. Al mismo tiempo estalló en los medios que la muerte incidental de la cadete Dafne Zapata Quintos, ocurrida en un “campamento de verano” de la Escuela Militarizada Doenitz, en Ciudad Madero, en realidad fue un crimen cometido por algunos de sus compañeros.
       Así, la semana pasada, las autoridades de la SEP ordenaron la clausura de los planteles militarizados del país, o los que se ostenten como tales. De un plumazo de autoridad se ha prohibido la educación marcial que no esté supeditada a las secretarías de Marina o de la Defensa.
       Quién lo dijera, pero en ese tipo de escuelas se gestaron algunas historias que han alcanzado la gloria literaria. Es el caso de La ciudad y los perros, la novela primigenia de Mario Vargas Llosa, y del libro de cuentos Asalto Nocturno, de nuestro recordado Eraclio Zepeda. Ambos, el peruano y el chiapaneco, cursaron el bachillerato en escuelas de ese tipo; experiencia que les serviría luego para hacer apuntes autobiográficos que hoy habitan nuestra biblioteca.

         Eraclio Zepeda fue alumno en la Academia Militarizada de México. Compañeros de banca suyos fueron los hermanos Labastida Ochoa (Jaime y Francisco), así como el fotógrafo Rodrigo Moya. De esa experiencia “Laco” escribiría luego ese relato donde el muchacho protagonista urde el asalto al plantel militar para reivindicar las ofensas y abusos de su adolescencia.
     Mario Vargas Llosa, igualmente, cursó la secundaria en el Colegio Militar Leoncio Prado, en Lima, donde fue inscrito para asegurar que ese ambiente viril lo alejase de las tentaciones poéticas que ya mostraba. El resultado, años después, sería la novela aludida que obtuvo el Premio Biblioteca Breve de 1962, y que lo lanzó a la fama… narración que cuenta, por cierto, los abusos (hoy denominado bullying) de los compañeros mayores, “los perros”.

       Disciplina, obediencia, control, valentía (antes le llamaban virilidad), “esprit de corps”. Todo ello se supone que vendrá con la inscripción del muchacho (o la muchacha) a un colegio militarizado. El rigor formativo que el jovencito no logró adquirir en el seno familiar, resquebrajado muchas veces por el abandono parental. “A ver si así”, suspiran los padres al pagar la inscripción.
       El caso del examen de inscripción a la UNAM es paralelo y, de algún modo, producto de la misma crisis conductual. Como ya se ha informado, el proceso inicial se aplicó de un modo virtual, a distancia, cada aspirante sentado ante su computadora. Pero el resultado fue anormalmente inclusivo, en comparación con los procesos anteriores, lo que llevó a pensar que muchos de los aspirantes “aprobados” fueron auxiliados por terceros o por dispositivos de inteligencia artificial; lo que obligó a la destitución de la secretaria académica (Patricia Dávila) y a la necesidad de aplicar un segundo “examen de control” presencial y con papel y lápiz, sin el auxilio del celular.
       El percance estuvo a punto de salírsele de control al rector Leonardo Lomelí, vislumbrando en el horizonte un movimiento estudiantil de alcances mayores… que por lo visto ha quedado allanado. Aspirantes “tramposillos” queriéndose quedar a la de a fuerzas, y alumnos aplicados y honorables que fueron despojados, por lo mismo, de su ingreso.

       Escuelas militarizadas que son prohibidas por un caso aislado de bullying, exámenes que echan abajo la confianza de los bachilleres; suman el escenario de una crisis mayor. La educación misma que de un tiempo a esta parte ha quedado en manos de mentores que abandonan el salón para incorporarse a la movilización sindical y tutores que entregan libros de texto donde se agita la lucha de clases sin cuartel, como lo hizo el editor Marx Arriaga. ¿Para qué educar, si contamos con el acordeón de IA a la mano? ¿Qué sigue?
4 de agosto de 2026
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Amoríos del marabú, exposición individual de Nelson Domínguez en Picci Fine Arts.

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La exposición se inaugura el 20 de agosto, en la galería Picci Fine Arts, con la presencia del artista cubano y una obra con referencias a la religiosidad afrocubana y a la iconografía de la isla, elementos que lo han acompañado durante más de cinco décadas.
Sus piezas forma parte de prestigiosas colecciones privadas como la Casa Real de los Países Bajos, la del cineasta Steven Allan Spielberg, y la del actor y filántropo Robert Redford, entre otros.

El destacado artista cubano Nelson Domínguez tendrá una exposición individual en México titulada Amoríos del marabú, se trata de una muestra que trae a la capital la galería Picci Fine Arts y que se inaugurará el próximo jueves 20 de agosto a las 19:00 horas en su espacio localizado en Alpes 700A, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México.

Nelson Domínguez, reconocido en el mundo como un destacado pintor, dibujante, ilustrador, escultor, grabador y ceramista y una de las figuras más versátiles y experimentadoras del arte contemporáneo en Cuba, estará en nuestra ciudad para estar presente en esta exposición.

Amoríos del marabú está integrada por pinturas recientes que reúne algunas de las constantes que han definido la producción de Domínguez a lo largo de más de cinco décadas. A través de escenas pobladas por personajes, animales, frutos, paisajes y referencias a la vida rural cubana, el artista construye un universo visual donde la memoria, la espiritualidad y la cotidianidad conviven como fragmentos constitutivos de la experiencia.

Las obras recorren distintos aspectos de la vida afectiva y comunitaria. Relaciones familiares, maternidades, parejas, celebraciones, labores cotidianas y encuentros con el mundo animal convergen en un juego sobre la dimensión temporal y espacial de la obra.  En este recorrido emergen referencias a la religiosidad afrocubana y a la iconografía propia de la isla, elementos que han acompañado la obra del artista durante décadas y que aquí dialogan con una mirada profundamente personal sobre las experiencias por las que cruzan la identidad y la cultura cubanas.

En términos histórico-artísticos, el trabajo de Nelson también dialoga estrechamente con las tradiciones de la modernidad en el arte cubano, en la clave de las problemáticas e intereses de su propia generación. Referencias inequívocas son Antonia Eiriz y Wifredo Lam.

En Amoríos del marabú, dice en su texto la galería Picci Fine Arts, la pintura oscila entre la figuración y la síntesis expresiva. El dibujo estructura las composiciones mientras una paleta de tonos oscuros, acentuada por destellos de rojos, amarillos y verdes, confiere intensidad emocional a cada escena. Se resalta también el proceso material por el que pasa el artista: la experimentación en la creación de lo cromático y las texturas, como es sabido el uso de la “goma” de neumáticos, entre otras variaciones.

Nacido en La Habana en 1947, Nelson Domínguez es una de las figuras fundamentales del arte cubano contemporáneo. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro y en el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde posteriormente fue profesor y jefe del Departamento de Pintura. En 2009 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba, el máximo reconocimiento otorgado a las artes visuales en su país. Su obra ha sido presentada en más de un centenar de exposiciones individuales y forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en América, Europa y Asia.

La obra de Nelson Domínguez forma parte de la prestigiosa colección privada de la Casa Real de los Países Bajos, documentada en los registros del artista bajo el patrimonio de la Reina Beatriz de Holanda (quien reinó hasta su abdicación en 2013 y hoy ostenta el título de princesa). La princesa Beatriz es reconocida en Europa por poseer una de las colecciones privadas de arte más importantes del entorno monárquico. Destaca por ser una apasionada escultora y mecenas en activo. Su interés se ha centrado históricamente en el arte moderno y las expresiones plásticas contemporáneas con un fuerte carácter identitario, lo que explica su sintonía con la fuerza visual y el misticismo del maestro cubano.

Su obra está también en colecciones privadas en países de Cuba, Japón, México, Francia, Estados Unidos, Inglaterra, India, Malasia, Panamá, Brasil, Colombia, y en su biografía se dice que destaca en otras colecciones como la del cineasta Steven Allan Spielberg, el actor y filántropo Robert Redford, la actriz noruega Liv Ullman.

Con Amoríos del marabú, Picci Fine Arts presenta una exposición que reafirma la vigencia del lenguaje plástico de Nelson Domínguez, celebra su trayectoria como de uno los grandes artistas de su generación y replantea su capacidad para transformar escenas de la vida cotidiana en imágenes cargadas de resonancia simbólica, donde la experiencia personal y el imaginario cultural cubano encuentran un punto de encuentro en la contemporaneidad y el contexto actual de la isla.

Amoríos del marabú, exposición individual de Nelson Domínguez, se inaugurará el próximo jueves 20 de agosto a las 19:00 horas en la galería, en las instalaciones de Picci Fine Arts localizadas en Alpes 700A, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México.

30 de julio de 2026
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TIEMPO DE CAMPEONES

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120 minutos bastaron para salvarnos del ajusticiamiento que significaría resolver la final con una serie de tiros penales. El equipo ganador lo merecía –dígase lo que se diga–, y así ha concluido la brega que durante seis semanas hizo de todos nosotros expertos futbolísticos. Opinadores de patadas y cabezazos, el VAR del réferi y la decadencia corporal de Leonel Messi.

       Ahora vivimos una suerte de “cruda” festiva, luego de permanecer ante la pantalla televisiva horas y horas de gritos y manoteos, cerveza y chicharrones, buscando la emoción que nunca más repetiremos jadeando en la grama. Gran invento ha sido el futbol, evitando con once milicianos las guerras que antes requerían de regimientos y artillerías. ¿Cuántos miles, cientos de miles de caídos en combate nos habríamos ahorrado, por ejemplo, con un encuentro futbolístico entre Alemania y Gran Bretaña en 1939?
       El panorama es el mismo que un paisaje después de la batalla. Algunos trasnochados que aún deambulan alrededor de la glorieta de Cibeles, en Madrid, incluso la Plaza de Mayo en Buenos Aires. Celebración, regocijo, destrampe… igual que al celebrarse el armisticio previo a la firma de la paz.

       Algo de eso coreaban los eslogans del Mundial de 1986, celebrado en nuestro país, cuando se celebraba en coro aquello de que “el mundo reunido en un balón”. Un año antes el país había sufrido el peor terremoto del siglo, y cuentan que lo primero que supervisó el entonces presidente Miguel de la Madrid fue, precisamente, el Estadio Azteca… que resultó indemne.
       Así que habremos de retornar a las rutinas de cotidiano; los 40 crímenes sumados a las “actas levantadas” en el ministerio público, los millones de litros descubiertos en el nuevo huachicoleo del rancho equis, los dimes y diretes descabellados en el legislativo. Y míster Trump azuzando a sus aliados para acompañarlo en sus campañas militares. ¿No estábamos mejor cuando el encuentro entre el seleccionado nacional y la república Checa?
       La ceremonia de premiación, por cierto, resultó por demás peculiar. Ahí, en el estadio Metlife de Nueva York, se dieron cita Ginno Infantino, presidente de la FIFA, Donald Trump y Mark Carney, mandatarios respectivos de EU y Canadá, con el rey Felipe VI de España y una presidenta Claudia Sheinbaum que no acertaba a sonreír. El gobierno de EU nunca les había respondido sobre el secuestro de Ismael Zambada, en julio de 2024 (y condenado a cadena perpetua en el tribunal de Brooklin), así como su majestad de España tampoco ha dado respuesta cabal (inculpándose) ante el reclamo por los abusos de la corona de Castilla y León cuando la guerra de conquista de 1521. ¿Era la circunstancia para hablar de esos eventos? Desde luego que no.

       Llegado el tiempo de los campeones, había que celebrar a la escuadra española que dio, una tras otra, lecciones de estrategia y juego acompasado. La presidenta Sheinbaum fue la encargada de entregarle el balón de oro al delantero Rodrigo Hernández Cascante (Rodri), quien fue la revelación del campeonato. Ahí sí hubo sonrisa y abrazo, faltaba más, porque en el resto de la premiación no abundaron los gestos de alegría.

       Los campeones celebran, sí, pero no deja de llamar la atención las ausencias paralelas de China y Rusia en la copa futbolística. Se sabe que China fue eliminada por equipos menores, como el de Indonesia, pero el caso más grave es el de Rusia. En el año 2022 la FIFA expulsó a la Federación Rusa debido a la invasión de Ucrania, lo que no ha ocurrido con Israel y Estados Unidos con sus ataques bélicos en el sur de Líbano e Irán. ¿No era el momento de sacar la tarjeta roja, como la de Enzo Fernádez en el minuto 92 del encuentro final del domingo pasado? Cosa de criterios.
25 de julio de 2026
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