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María Esther Beltrán Martínez

San Diego Comic-Con Málaga 2026: excelencia, cercanía y una segunda edición orientada al fan

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Málaga, España.-  Tras el éxito de su desembarco pionero fuera de Estados Unidos, la “San Diego Comic-Con Málaga” vuelve este 2026. Se presentó en el Museo del Automóvil y la Moda de Málaga la programación oficial para su segunda edición, que se celebrará del 1 al 4 de octubre en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga (FYCMA). El encuentro reunirá más de 300 horas de contenido dedicado al cine, series, cómic, manga, anime, videojuegos  y cosplay.

A diferencia del arranque inicial de la convención, esta nueva entrega llega marcada por la presencia clara, cercana y accesible de su director general, Fernando Piquer, quien abandera un liderazgo de puertas abiertas y abierto al diálogo. Piquer no solo representa la cara visible y humana de la organización, sino que transmite una pasión genuina por perfeccionar la experiencia del asistente.

En conversación sobre las expectativas para el público internacional —especialmente para los aficionados que viajen desde México, Estados Unidos u otros puntos de Iberoamérica—, Piquer subrayó las particularidades que hacen única a la cita malagueña:«Quienes vengan en estos días van a encontrar una Comic-Con con una personalidad muy especial. Mientras que San Diego cuenta con una trayectoria de décadas, aquí estamos construyendo nuestra segunda edición con la máxima ilusión. Mantenemos el estándar de excelencia internacional y la presencia de grandes estrellas e invitados de primer nivel, pero en un formato fresco, más cercano y accesible», explicó el directivo.

Para Piquer, el vínculo afectivo con la capital andaluza refuerza este carácter acogedor: «Estar aquí tiene un significado muy personal para mí; mi padre es malagueño y yo mismo he vivido en esta ciudad. Málaga es un lugar que invita a venir, que abraza al visitante con calidez y hospitalidad. Ese ambiente ha sido una pieza fundamental y un gran punto de apoyo para todos los que nos visitan».

Al reflexionar sobre la responsabilidad de encabezar este proyecto y la evolución respecto a la edición precedente, el director compartió una máxima que guía el trabajo de todo el equipo:«No se trata especialmente de lo que quiero hacer ni de lo que quiero tener, sino de creer en algo: creer en construir algo especial y bien hecho. Llevamos meses trabajando sobre cada detalle y escuchando a la comunidad para superar cualquier falla anterior. Queremos que, al finalizar estos cuatro días, cada persona sienta que valió totalmente la pena estar aquí».

Asimismo, enfatizó que el espíritu del evento trascenderá las paredes del recinto ferial: «Van a ser cuatro días que no solo se van a vivir, sino que se van a recordar. Queremos que la Comic-Con se sienta en cada rincón de Málaga mediante una gran ambientación urbana».

Para responder a las demandas del público, la organización ha introducido importantes mejoras técnicas y logísticas:

Incremento sustancial en las cabinas de firmas: Con el objetivo de agilizar el flujo de personas y facilitar el encuentro directo entre los fans y sus referentes, la zona de autógrafos y encuentros contará con un número considerablemente mayor de cabinas respecto al año anterior.

Respaldo masivo de la industria: Todos los grandes estudios cinematográficos, plataformas de entretenimiento y firmas de relevancia global estarán representados con paneles y presentaciones exclusivas.

Agenda Digital y Portal del Fan: Se ha presentado la app y web oficial para explorar las más de 300 actividades. Los asistentes registrados como «Fans» podrán acceder a la reserva previa de asientos a partir del viernes 25 de septiembre a las 11:00 horas.

La atmósfera festiva se hizo evidente en la propia presentación con la presencia de cosplayers caracterizados como los personajes del cartel oficial, quienes posteriormente recorrieron la emblemática Calle Larios de Málaga para compartir la iniciativa con la ciudadanía.

En el ámbito competitivo, destacaron las declaraciones de la cosplayer e integrante del jurado internacional del BBVA Cosplay Contest, Ayuru, quien explicó la minuciosidad tras el concurso:«El trabajo del jurado empieza mucho antes de que los participantes suban al escenario. Horas antes nos tomamos el tiempo de revisar cada traje en detalle: costuras, técnicas de confección y acabados. Muchas veces la clave no está en el traje más voluminoso, sino en el mejor trabajado y cuidado».

El programa combina grandes figuras del audiovisual —como Iñaki Godoy (One Piece), Aya Cash (The Boys), Karl Urban, Elijah Wood, Sean Astin, Kevin Smith o el legendario Charles Martinet (voz de Mario Bros)— con figuras históricas del cómic como John Romita Jr. y creadores referentes del anime y la animación mundial.

Con el respaldo institucional del Ayuntamiento de Málaga y la Junta de Andalucía, la San Diego Comic-Con Málaga 2026 se perfila así como una cita imprescindible que aúna la dimensión internacional de los grandes eventos globales con la calidez y hospitalidad propias del sur de España.

Antonio Sánchez hace vibrar el Teatro Cervantes de Málaga con la música en vivo de Birdman

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​Málaga, España  — Ver una obra maestra del cine contemporáneo siempre es un placer, pero presenciar cómo cobra vida en tiempo real a través del instrumento que le dio pulso y alma es una experiencia transformadora. El virtuoso baterista mexicano Antonio Sánchez se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga para ofrecer una proyección especial de Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), acompañándola en directo con su batería. Un encuentro de altísima categoría que, aunque contó con una escasa asistencia de público, culminó con una calurosa ovación de los presentes.

​Antes de dar inicio a la función, Sánchez salió al escenario con micrófono en mano para conversar de manera directa con los asistentes. Con una cercanía espontánea y natural, transmitió una gran confianza al público, salpicando su relato con agudos comentarios graciosos que sacaron más de una sonrisa a la audiencia. Entre risas, agradeció el cariño recibido desde su llegada a España, recordando que lleva tres años residiendo en Barcelona. A partir de ahí, fue hilvanando una crónica personal sobre sus orígenes, su pasión por el jazz y la singular historia de cómo terminó poniendo ritmo a una de las cintas más aclamadas de Alejandro González Iñárritu.

​Sánchez rememoró sus años de juventud en México escuchando una conocida estación de la frecuencia FM, una etapa clave en la que descubrió infinidad de música antes de volcarse por completo al jazz y mudarse a Los Ángeles. Por aquel entonces, Iñárritu ya era una de sus grandes referencias, aunque jamás imaginó que lo conocería en persona. La sorpresa llegó tras un concierto, cuando el cineasta se le acercó para felicitarlo por su solo de batería. El músico confesó entre risas la vergüenza que sintió al no reconocerlo de inmediato y preguntarle a qué se dedicaba, descubriendo con asombro que hablaba con el director de Amores perros.

​Tras intercambiar teléfonos, la historia dio un giro inesperado tiempo después. Mientras conducía, Sánchez recibió una llamada de un Iñárritu emocionado, quien le propuso componer la banda sonora para su nueva película, una obra donde la batería tendría el rol protagónico. El baterista aceptó de inmediato, pero a los cinco minutos el pánico se apoderó de él: jamás había trabajado para el cine. Al recibir el guion, la perplejidad fue aún mayor debido a la complejidad de la historia.

​Las primeras melodías que envió no convencieron al director, quien le dijo con franca ironía que estaban «muy bonitas», pero no servían para lo que buscaba. Iñárritu no quería piezas pulidas, sino la visceralidad pura de la improvisación.

​Para resolverlo, se reunieron a trabajar directamente sobre el libreto. Escena por escena, Iñárritu le explicaba la intención dramática y, mediante señas con las manos al haber un corte o cambio de ritmo, indicaba a Sánchez cuándo debía variar la temática rítmica. Así, a base de intuición y dinamismo, nació la identidad sonora de Birdman.

​Aunque la cinta se llevó tres premios Óscar —entre ellos Mejor Película— y la música no pudo competir en la Academia por temas reglamentarios, el trabajo de Sánchez tuvo su revancha al año siguiente al conquistar un premio Grammy, detalle del que también hizo gala con simpatía y sentido del humor.

​Una lección magistral que merecía sala llena

​Debido a que la gran pantalla de proyección ocupaba la totalidad del escenario, la batería de Antonio Sánchez no se ubicó sobre las tablas, sino abajo, en el foso donde habitualmente se sitúa la orquesta en los espectáculos en vivo, muy cerca de la zona de palcos. Durante la sesión, el músico advirtió que lo que se escucharía no sería una copia idéntica del filme, sino un ejercicio vivo enriquecido con improvisaciones en directo. El resultado fue sensacional: la fuerza de los golpes y la precisión rítmica dialogaron a la perfección con el plano secuencia de la pantalla, sumergiendo al teatro en una atmósfera hipnótica.

​El punto culminante de la velada llegó durante los créditos finales, cuando Sánchez se desplegó por completo en una demostración sublime de maestría musical. Con los ojos cerrados y entregado en cuerpo y alma a su instrumento, cautivó a los presentes extrayendo una riqueza infinita de matices, tonos y matices rítmicos de sus platillos y tambores, coronando la proyección con una exhibición sonora inolvidable.

​A pesar de la trascendencia del evento y de la categoría internacional del músico, llamó la atención la reducida afluencia de espectadores en el recinto malagueño, privando a estudiantes de música y cinéfilos locales de lo que fue una verdadera e irrepetible clase magistral. No obstante, quienes estuvieron presentes supieron valorar la magnitud del espectáculo y entregaron al artista una cerrada y emotiva ovación, reconociendo el inmenso talento de un mexicano que ha dejado una huella imborrable en la historia reciente del séptimo arte.

Un hito del arte contemporáneo en Europa: Inauguran en Portugal la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026

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​​Gondomar, Portugal.- El arte contemporáneo ha vuelto a demostrar su capacidad para integrar miradas, estilos, tradiciones y sensibilidades plásticas en una de las citas más consolidadas del panorama cultural internacional: la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026.

​La inauguración oficial, que tuvo lugar en las instalaciones del Salón Multiusos de Gondomar en la Sala Oro. Se ha saldado con un rotundo éxito de público y crítica, confirmando la madurez organizativa de un proyecto que en esta entrega alcanza cifras históricas: un total de más de 150 creadores representados procedente de diversas partes del mundo, desplegando un valiosísimo mapa conceptual y técnico que abarca diversas corrientes del arte actual.

​Para esta sexta edición, la experiencia ha tenido un significado académico y creativo doblemente especial: no solo por la participación directa en calidad de artista contemporáneo, sino también por la contribución analítica al catálogo oficial mediante la redacción del texto crítico, aportando una lectura reflexiva.

​Durante los actos inaugurales, tuvimos la oportunidad de conversar ampliamente con el Presidente del Concejo Municipal de Gondomar, Luís Filipe Araújo, quien compartió su entusiasmo por el calado internacional que ha alcanzado el certamen y reflexionó sobre el valor identitario que la cultura posee para el municipio:

​»Nos encontramos verdaderamente contentos y orgullosos de poder recibir en Gondomar a creadores de tan diversas procedencias. Gondomar es una ciudad profundamente cultural, una comunidad que ama las artes visuales y que comprende perfectamente la trascendencia que tiene la cultura tanto para nuestros propios ciudadanos como para todas las personas que nos visitan. Ver cómo el arte contemporáneo convierte a nuestro ayuntamiento en un punto de encuentro internacional reafirma con fuerza nuestro compromiso institucional.»

​Las palabras del presidente respaldan el apoyo continuado que brinda la Câmara Municipal de Gondomar (CM Gondomar) a través de su Vereadora da Cultura, Carla Pinto Ferreira, consolidando a la localidad como un enclave estratégico de acogida y mecenazgo para las artes plásticas.

​El origen y la constancia de este monumental proyecto tienen un nombre propio. Su creador, impulsor y alma mater desde 2018, José Carvalho —reconocido artista plástico, escultor, mentor de jóvenes talentos y presidente de la asociación organizadora Gens’Art—, repasó la trayectoria de la muestra y desveló las ambiciosas metas de futuro:

​»Al principio no fue un trabajo fácil. Poner en marcha una iniciativa de esta envergadura requiere muchísimas horas de dedicación, esfuerzo constante y la máxima disponibilidad de todo el equipo de asistentes y colaboradores que formamos Gens’Art. Sin embargo, poco a poco el arte ha ido creciendo en la ciudad y hoy el público y las instituciones tienen una visión completamente distinta. Con trabajo y constancia todo se consigue.

​Nuestro objetivo es que esto continúe expandiéndose hasta transformar el certamen en una gran Bienal Internacional que pueda albergar a más de 500 artistas. Para lograrlo seguiremos trabajando intensamente y confiamos en contar progresivamente con un espacio expositivo aún mayor por parte de las autoridades de Gondomar. Pero, por encima de los números, nuestro empeño principal es que esta cita mantenga siempre su esencia: ser una exposición profundamente humana.»

​Esta hoja de ruta organizativa, orquestada mano a mano con Lina M. Santos, sienta las bases de un crecimiento sostenido que busca situar a Gondomar en el circuito de las grandes bienales europeas.

​Bajo la cuidada curaduría de Fernanda de Queiroz, la exposición despliega cientos de piezas que transitan entre la pintura, el dibujo, la escultura y diversas disciplinas contemporáneas. La propuesta invita a los visitantes a realizar un recorrido sereno, pausado y reflexivo, permitiendo apreciar la confluencia de técnicas tradicionales con lenguajes de vanguardia.

​Un detalle para el recuerdo: La generosidad y el trato cercano del equipo de Gens’Art con los artistas participantes se evidenció una vez más durante la jornada inaugural con una calurosa bienvenida. 

​Más allá del rigor expositivo en las salas del Multiusos, 100 Artistas Gondomar 2026 se ha ratificado como un foro imprescindible para la convivencia entre creadores, historiadores y comunicadores. Durante estas jornadas inaugurales destacaron los enriquecedores momentos compartidos con la periodista mexicana María Esther Beltrán (@arteesmexgalery), así como el emotivo reencuentro con artistas y amigos de trayectoria como: Clara Belén Gomez, Hermínio Sousa, José Pedrosa, Margarida Basaloco, Dina Oliveira y su entorno.

​En este marco de fraternidad creativa, cobró especial relevancia la felicitación a los artistas Eva Llamas y Juan de Miguel, quienes conmovieron al público asistente con su destacada obra realizada en colaboración, «Donde habita el alma». Aunque se sintieron las ausencias de queridas compañeras como Alejandra G. Natale y Alicia Natale, el espíritu de colectividad y apoyo mutuo impregnó cada instante de la celebración.

​El paso por este certamen en tierras portuguesas se completó con unos días de desconexión e inspiración en la vecina ciudad de Oporto. La serenidad y el cauce de su emblemático río sirvieron como el escenario ideal para recargar energías creativas de cara a los próximos proyectos historiográficos y expositivos.

​La exposición de la VI Edición de 100 Artistas Gondomar 2026 permanecerá abierta al público en el Salón Multiusos de Gondomar hasta el próximo 29 de agosto. Para complementar la muestra, la organización ha diseñado un programa cultural especial que se desarrollará los días  22 y 29 de agosto, ofreciendo actividades que enriquecerán aún más esta gran fiesta de las artes plásticas.

Fotos: J. Carlos Santana

Paulo Molleda presenta en Torremolinos su nuevo libro, Estáin y la fórmula, una inmersión en la memoria y los vínculos afectivos

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Un libro para disfrutar en verano y cualquier estación

​El Bulevar Espacio Cultural Abierto fue el escenario de una velada íntima y emotiva en la que el autor compartió los entresijos de su nueva obra y su evolución literaria.

​Torremolinos, 2026. — El escritor Paulo Molleda presentó  en el Bulevar Espacio Cultural Abierto su nuevo libro, Estáin y la fórmula. En un ambiente muy amistoso y familiar, rodeado de amigos, familiares y lectores, el autor desgranó los detalles de una obra que transita entre la novela y la autoficción, consolidando su particular voz literaria. La presentación del evento estuvo a cargo de Vlad Paredes, conferencista y creador del podcast Cortocircuito.

​Estáin y la fórmula continúa la senda iniciada en su anterior trabajo, Confecciones de un seminarista maricón, un libro que supuso un punto de inflexión tanto a nivel personal como creativo. La nueva obra del autor —originario de Cantabria pero afincado desde hace unos años en Torremolinos— pone el foco en lo no dicho, en aquello que permanece al margen y que, sin embargo, explica nuestra realidad.

​A través de sus páginas, el libro nos presenta a un joven genetista que llega a Londres para realizar unas prácticas en uno de los laboratorios más prestigiosos del mundo. Para cualquiera sería la oportunidad definitiva de su carrera, pero para él es algo más: la posible clave para salvar a su hermano enfermo de una dolencia para la que no existe tratamiento. Mientras se adentra en un entorno de excelencia, ambición y secretos científicos, el protagonista deberá decidir hasta dónde está dispuesto a llegar.

​El relato entrelaza lo íntimo y lo colectivo, invitando al lector a una reconstrucción de la historia familiar y la identidad.

​Durante la presentación, que transcurrió con gran emoción por parte del autor, Molleda compartió con los asistentes anécdotas sobre su proceso creativo y el camino recorrido desde su primer libro. Confesó que, tras la publicación de Confecciones de un seminarista maricón, sufrió un fuerte síndrome del impostor que le llevó a plantearse retirar los ejemplares del mercado.

​Sin embargo, el apoyo de sus lectores cero y de su entorno más cercano le impulsó a seguir adelante. Fue una sugerencia espontánea de su camarero, Luciano, quien le pidió escribir sobre un superhéroe, la chispa que encendió el proyecto de Estáin y la fórmula. Tras un breve bloqueo creativo, el texto comenzó a fluir de manera natural, dando lugar a una historia cuyo título fue cuidadosamente elegido para posicionarse de forma única en las búsquedas de internet.

​Paulo Molleda compagina su faceta como escritor con diversos proyectos culturales y artísticos, entendiendo siempre la creación literaria como un espacio de memoria, verdad y resistencia.

​El evento celebrado en el Bulevar Espacio Cultural Abierto sirvió como punto de encuentro con su círculo más cercano —su «familia elegida»— y destacó por la calidez y cercanía del ambiente. Como cierre muy especial de la velada, el autor compartió con todos los asistentes una tarta decorada con la imagen de la portada de su libro, mientras dedicaba tiempo a firmar ejemplares y a tomarse fotografías con los asistentes en un ambiente festivo. Esta celebración marca el inicio de la promoción de la obra, anticipando futuras presentaciones de mayor formato en los próximos meses.

​El artista español José Luis Puche presenta por primera vez su obra en México

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​CIUDAD DE MÉXICO – 5 de junio de 2026 – Con la inauguración de la exposición colectiva «Reconstruyendo futuros», la Ciudad de México recibe por primera vez la obra del artista español José Luis Puche. Afincado recientemente en Nueva York, ciudad donde ha fijado su residencia actual y desde la cual se enlaza activamente con el panorama del arte contemporáneo internacional, Puche llega al circuito mexicano con el propósito de dar a conocer su propuesta en este mercado, donde se perfila como un nombre de referencia debido a su actual proyección y crecimiento artístico.

​La muestra que sirve de marco para su presentación en el país llega de la mano de la galería neoyorquina de Vicky Alianelli y el espacio Casa Design Hunter. Con origen en Nueva York, el proyecto plantea una reflexión en torno al desplazamiento, la evolución creativa y la resiliencia. La exhibición abrió sus puertas el 4 de junio y se podrá visitar en la capital mexicana hasta el 9 de julio.

​Respecto al eje conceptual de la exhibición, la galerista y directora Vicky Alianelli señala: “Todos somos migrantes en algún momento de la vida. No solamente cuando cambiamos de país, sino cada vez que atravesamos una transformación que nos obliga a reconstruirnos. Esta exposición busca reflexionar sobre ese proceso y sobre el papel del arte como generador de oportunidades, empatía y futuros posibles”.

​Para esta primera incursión en México, José Luis Puche presenta una serie de obras de gran formato creadas ex profeso para el contexto y el público local, concebidas tras un periodo de producción en su estudio de Manhattan. Las piezas están ejecutadas con carbón graso, pastel graso y lápiz de color sobre papel Saunders Waterford.

​Puche cuenta con una trayectoria vinculada al ámbito cultural y social de su Málaga natal. En el plano de las tradiciones locales, el autor ha participado de manera activa en la Semana Santa malagueña a través de la realización de diversos carteles oficiales para varias de las cofradías de la ciudad. Asimismo, en el sector de las artes escénicas, destaca su relación profesional con el actor y director Antonio Banderas, con quien trabaja de cerca. Es el autor de un mural ubicado en las instalaciones del Teatro del Soho CaixaBank, un proyecto al que dio continuidad al asumir la realización de elementos de la escenografía para una de las producciones musicales de Banderas.

​Su interés por la identidad colectiva y el deporte también ha quedado de manifiesto en proyectos anteriores desarrollados en España. Involucrado con el ámbito futbolístico local, Puche desarrolló un proyecto artístico enfocado en enlazar los diferentes municipios y pueblos de la provincia de Málaga con el estadio de La Rosaleda y el Málaga Club de Fútbol.

​Para esta iniciativa, el pintor realizó una serie de obras que integraban los escudos de las diversas localidades invitadas junto a la simbología del club malagueño. Este trabajo contribuyó a estrechar la relación entre las comunidades de la provincia y el entorno deportivo, un antecedente conceptual directo de la obra que ahora presenta en la capital mexicana.

​Entre los trabajos presentados en esta ocasión destaca «La Rosaleda», una obra que se expone coincidiendo con la inauguración de la Copa Mundial de Fútbol de 2026.

​“Con ‘La Rosaleda’ busco entrelazar la memoria histórica, la pasión deportiva y los lazos culturales que unen a Málaga con México”, explica José Luis Puche. “La pieza rescata una conexión temporal: el Mundial de España 1982, año en que la selección mexicana disputó sus partidos en el estadio malagueño de La Rosaleda, convirtiéndose en el punto de partida de un diálogo transatlántico que hoy reactivamos con la celebración del nuevo torneo mundialista”.

​En el plano visual, la obra desarrolla una atmósfera de realismo orgánico basada en la paleta cromática de la bandera mexicana: verdes en el terreno de juego texturizado, blanco en la figura central del caballo y una combinación de tonos rojizos y carmíneos en el área de la grada. Sobre la portería, la figura de una joven mexicana protagoniza la escena, arropada por un manto dorado con iconografía de cactáceas. “Es un homenaje a mis propias raíces y una celebración del hermanamiento de dos tierras unidas por la historia del arte y el deporte, coincidiendo simbólicamente con el pitido inicial del Mundial de 2026”, añade el artista.

​El artista aporta también a la muestra la pieza «The Golden Leap» (El Salto Dorado), construida bajo una estética de cartelería desgastada y superpuesta para aludir al paso del tiempo y los procesos de la memoria.

​Sobre esta creación, Puche detalla: “En la parte inferior de la obra emerge una representación del manto de la Virgen de los Dolores Coronada de Málaga, cuyo diseño barroco de brocados en oro sirve como el cimiento espiritual de mi identidad”.

​En contraste, la parte superior derecha incorpora las figuras de dos clavistas de La Quebrada de Acapulco. El título de la obra remite tanto a estos nadadores como al concepto del «salto de fe» en la búsqueda de oportunidades. “Existe una relación conceptual entre la suntuosidad del manto sagrado malagueño y la evocación de la Edad Dorada de Acapulco; aquí, el uso del color oro conecta la historia de dos orillas”, concluye el autor.

​El discurso de «Reconstruyendo futuros» se complementa con las propuestas de otros creadores de la escena internacional. La muestra cuenta con obras de Angels Grau, Pamela Bell, Alberto Murillo, Laura Manuel, Ricky Crespo, Gaelle Hintzy-Marcel, Jesus Isnard, Cecilia Avendaño, Manuel Santelices y Cláudia Trewik, quienes aportan diferentes enfoques técnicos y conceptuales al proyecto.

​La iniciativa cuenta además con un componente filantrópico. Un porcentaje de las ventas de las obras, junto con los beneficios íntegros de una edición limitada de botellas de tequila intervenidas y firmadas por los artistas, se destinará a los programas educativos y de desarrollo comunitario que la fundación Glasswing International implementa para jóvenes en situaciones de vulnerabilidad.

Sin duda es una oportunidad para el público mexicano de disfrutar de la obra de Puche, que sin duda se está convirtiendo en un referente internacional de pintura contemporánea.

México y El Salvador ganadores de Buscando la nueva voz de expo compositores 

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La Gran Final del certamen “Buscando la nueva voz de Expo Compositores” ya tiene ganadores  Braulio García  de México, proveniente del estado de Campeche y Brandon Salazar de El Salvador, empataron y obtuvieron el primer lugar del certamen.

Ambos recibirán como premios un Contrato de Representación Exclusiva con Expo Compositores (vigencia inicial de un año, renovable); grabación, producción y lanzamiento de un sencillo y de su video musical oficial; Expo Music será el sello encargado de seleccionar y producir un tema de cada uno de los artistas triunfadores y Expo Compositores Foundation cubrirá la inversión correspondiente a su imagen, así como la producción y promoción de una canción para cada uno.

Adicionalmente, el trámite para obtener sus visas estadounidenses estará a cargo de “Solorio Legal” y del Lic. Javier Solorio, representante de esta firma y patrocinador oficial del evento.

La noche de ayer también se dio a conocer que este 28 de mayo se inaugurará y abrirá sus puertas en Los Ángeles, California, El hogar del compositor, de los más grandes logros de Expo Compositores Foundation y un sueño acariciado tras 10 años de trabajo apoyando a los nuevos autores principalmente latinos.A lo largo de una década, la influencia de Expo Compositores Foundation se ha extendido prácticamente a todo el continente y más aún, ha logrado desarrollar nuevos espacios para aquellas personas que merecen un lugar en el mundo de la música.

Voceros indican que “Es por ello que el 28 de mayo se abrirá e inaugurará “El hogar del compositor” en Los Ángeles, California, un lugar que será un remanso para los nuevos autores y un paraíso para crear las canciones que seguirán alimentando la cultura latina. Expo Compositores Foundation continuará impulsando el talento genuino, abriendo puertas y ayudando a hacer realidad los sueños”.

El jurado estuvo integrado por diversas personalidades de la industria como el Maestro Miguel Luna (cantautor de prestigio y uno de los compositores mexicanos más reconocidos de la actualidad), Rafa Loar (fundador y líder del grupo Elefante), Panchín Carrillo (productor de Reyli y otros artistas) y los Señores Pedro Kominik y Bastian Acosta (directivos y representantes de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México).

Tras una gran convocatoria donde se recibieron cientos de vídeos de jóvenes artistas de todo el continente, durante los primeros meses de este 2026, llegaron a la final siete talentos: Sama (de Ecuador), Faty (de Monterrey, México), Carlos Eduardo (de CDMX), Grecia Campos (de Colima, México), Tomás (de Colombia) y quienes se coronaron como triunfadores: Braulio García (de Campeche, México) y Brandon Salazar (de la República de El Salvador).

Braulio García, además de poseer una voz privilegiada es compositor, la noche de ayer interpretó un par de temas frescos y alegres de su autoría, mientras que Brandon Salazar hizo lo propio cantando un tema en inglés y luego una salsa en español demostrando su versatilidad además de grandes dotes como bailarín.

El año pasado Expo Compositores Foundation celebró sus primeros 10 años de vida, consolidándose como la plataforma más influyente para autores y compositores de habla hispana. Constituida como una organización sin fines de lucro, ha logrado fomentar el desarrollo de la creatividad de cientos de autores que permanecen en el anonimato por falta de preparación, conocimiento y recursos, ayudándoles a conseguir los medios que dignifiquen la dedicación a su oficio. Encabezada por su Presidenta, la Doctora Rosalía García, el proyecto fue iniciado en Los Ángeles, California, por un grupo de profesionales de la música, ejecutivos de medios, líderes empresariales y activistas filantrópicos, todos ellos emprendedores que han compartido su pasión por la música y creen en su poder para cambiar vidas.

Fue una noche de fiesta, de voces espectaculares y de grandes oportunidades. La velada estuvo llena de aplausos y pasión, pues cientos de personas abarrotaron el centro de espectáculos Centanni en Polanco, para presenciar el descubrimiento de una nueva estrella de la música. El evento estuvo engalanado con el show del Maestro Miguel Luna, uno de los cantautores más respetados de la industria musical y cuyos exitosos temas han sido interpretados por Luis Miguel, Carlos Rivera y Cristian Castro, entre otros.

Arranca en Málaga el primer Festival TIP TOE con 600 participantes frente al mar

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Málaga.- ​En una jornada histórica para la cultura malagueña, el emblemático Muelle Uno se ha transformado en un gran escenario al aire libre. Bajo los colores rosa y negro del Soho Internacional Dance Festival TIP TOE, 600 participantes se reunieron para formar una barra de ballet gigante frente al Mediterráneo.

Arranca la primera edición del Soho International Dance Festival TIP TOE, una iniciativa pionera impulsada por Antonio Banderas y dirigida por la estrella internacional Lucía Lacarra. Durante diez días, la ciudad no solo será espectadora de la mejor danza del mundo, sino protagonista activa de su creación.

Una de las actividades  que ha dejado huella es la convocatoria de 600 participantes para ponerse al lado de la barra de ballet y hacer una rutina Desde las nueve de la mañana comenzaron a llegar las primeras participantes, la cita para dar comienzo al evento eran las 12, pero como profesionales decidieron llegar con anticipación para colocarse en su lugar  y empezar el calentamiento apropiado, hombres y mujeres de diferentes edades se prepararon con sus mallones, faldas y maquillaje para dar lo mejor de su arte.

​La reconocida bailarina Lucía Lacarra y directora de Tip Toe,  encabezó el evento, dando una cálida bienvenida a los asistentes. Antes de comenzar, invitó a todos los participantes —estudiantes, profesores y profesionales— a disfrutar y divertirse con la experiencia. Con la cercanía que la caracteriza, marcó el inicio de la sesión diciendo: «Haremos la rutina que hacemos diariamente», acercando así la disciplina del alto rendimiento al corazón de la ciudad.

El muelle uno se convirtió en la sala más grande de danza. Los movimientos eran pausados y la elegancia se hacía presente. Al ritmo de la música  los brazos se movieron y las piernas tomaron altura ante una barra cómplice de la dificultad y belleza que tiene la danza. Cada uno de los 600 participantes dio su mejor esfuerzo.

Al evento no podía faltar la presencia de Antonio Banderas, impulsor del festival, quien se mostró sumamente integrado, tomando imágenes de los bailarines con su propio dispositivo y sorprendido al  trabajo y la dedicación técnica  en este arte,  también la belleza y elegancia que emana cada movimiento.

En el programa se rendirá homenaje al icónico bailarín argentino Julio Bocca, quien recibirá el Premio LUX DUCTOR por su trayectoria. Previamente, Bocca mantendrá un encuentro con el público y estudiantes.

La festividad de Día de Muertos llegará a Málaga respaldada por la Sociedad Económica de Amigos del País 

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La ciudad de Málaga se prepara para recibir una de las manifestaciones más profundas y simbólicas del patrimonio universal: el Día de Muertos que tiene sus raíces en México. Del 29 de octubre al 3 de noviembre, la histórica sede de la Sociedad Económica de Amigos del País se convertirá en el marco institucional y epicentro de este proyecto cultural que busca asentar la verdadera esencia de esta tradición en el corazón de la Costa del Sol.

El proyecto es una idea original y está bajo la dirección de la periodista  María Esther Beltrán. Nace con el firme propósito de divulgar la autenticidad de esta tradición mexicana, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Beltrán, con una trayectoria sólida en la comunicación, subraya la importancia de informar al público sobre el origen de esta festividad para marcar una distancia necesaria con las corrientes comerciales y globales del Halloween anglosajón.​

​​Para comprender el significado del Día de Muertos en México, es importante analizar la naturaleza de su origen. Día de Muertos, no se trata de una celebración de terror, sino de un complejo fenómeno de sincretismo cultural que fusiona dos cosmovisiones: la de los pueblos originarios de Mesoamérica y la traída por los evangelizadores españoles.

​En la época prehispánica, civilizaciones como la mexica, maya y purépecha no veían la muerte como el fin de la existencia, sino como una fase de un ciclo infinito. El culto a la muerte era una celebración de la vida. Los antiguos pueblos creían que los rumbos del universo estaban regidos por deidades como Mictlantecuhtli y Mictecacíhuatl, los señores del inframundo (Mictlán). Para ellos, los difuntos no «asustaban», sino que regresaban temporalmente para convivir con los vivos y nutrirse de la esencia de los alimentos que se les ofrecían.

​Con la llegada de los españoles en el siglo XVI, estas prácticas se encontraron con el calendario litúrgico católico. La festividad indígena, que originalmente solía celebrarse en fechas distintas según el calendario solar, se desplazó para coincidir con las festividades cristianas de Todos los Santos y los Fieles Difuntos. Fue en ese punto donde la espiritualidad cristiana aportó elementos como las velas (luz de fe), las cruces y las oraciones por las ánimas del purgatorio, fundiéndose con el cempasúchil, el copal y el simbolismo del pan. Es este «abrazo» de dos mundos lo que María Esther Beltrán desea resaltar en la sede de la Sociedad Económica, un espacio que, por su propia historia, representa la ilustración y el conocimiento compartido.

​​Tras una primera edición en el 2025, que se caracterizó por una presentación sencilla y un acercamiento preliminar al público malagueño, el proyecto regresa este 2026 con una estructura mucho más robusta. Esta evolución hacia una propuesta de mayor calado ha sido posible gracias al respaldo institucional de José María Ruiz Povedano, presidente de la Sociedad Económica de Amigos del País. Ruiz Povedano ha comprendido la relevancia de ceder este espacio histórico para que funcione como el hogar natural de una manifestación que une el pasado colonial de Málaga con el presente vibrante de México.

​Asimismo, la iniciativa se integra en el marco de la Casa de América en Málaga, el proyecto impulsado por su creador José Antonio Sierra, que  se suma como  Asesor Cultural del proyecto. Para Sierra, la presencia del Día de Muertos en una institución tan emblemática como la «Económica» es un paso decisivo para convertir a Málaga en una capital cultural que mira de frente a su herencia atlántica.

​La programación de este año, cuidadosamente diseñada por Beltrán, se divide en dos ejes fundamentales que buscan equilibrar la experiencia estética con el rigor informativo. La Tradicional Ofrenda se erigirá un altar en el patio de la Sociedad Económica. Este altar no será solo un objeto visual. Incorporará los cuatro elementos: agua para la sed del caminante, tierra (frutos), fuego (velas) y aire (papel picado). La presencia de flores de cempasúchil, con su color naranja vibrante, servirá para marcar el camino de regreso de las almas al mundo de los vivos.

Además que se hará una Mesa Redonda que es el componente intelectual del proyecto se materializará en un encuentro de expertos coordinado por la propia periodista. En este foro se abordará el significado antropológico de la muerte en la cultura iberoamericana y la importancia de defender las tradiciones propias frente a la aculturación. Se busca generar un espacio de pensamiento crítico donde se explique por qué el Día de Muertos es una filosofía de vida y no un producto de consumo.

​Beltrán asume la responsabilidad de actuar como puente. Su deseo es que el visitante malagueño no solo observe una estética colorida, sino que comprenda la cosmovisión de un pueblo que ríe con la muerte para quitarle el miedo, pero que llora con respeto para no olvidar a sus ancestros.

México brilla en el Festival de Málaga: «Oca» y «El jardín que soñamos» se llevan la Biznaga

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​Málaga, España.-  La 29ª edición del Festival de Málaga ha concluido con una histórica victoria para el cine mexicano, que se ha consolidado como el gran triunfador de sus secciones más competitivas. Triunfo para «Oca» y «El jardín que soñamos».

​El protagonismo de la noche fue para «Oca», de la directora Karla Badillo, que se alzó con la Biznaga de Plata a la Mejor Película Iberoamericana en la sección Zonazine.  Acompañada por la actriz mexicana Cecilia Suárez, mostraron su alegría y agradecieron al festival así como al público malagueño quienes otorgaron el Premio del Público que coronó a la cinta como la favorita de los asistentes.

​Por su parte, en la Sección Oficial, el director Joaquín del Paso hizo historia al recibir la Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana por «El jardín que soñamos», llevándo además el premio a la Mejor Dirección. Estas victorias confirman el altísimo nivel de las producciones nacionales en el circuito internacional.

Aunque no se llevó ninguna Biznaga «Juana»  opera prima del actor y ahora director Daniel Giménez Cacho, complementan el  despliegue de talento mexicano, el festival contó con la participación de «Juana», la obra dirigida por Daniel Giménez Cacho. La película, que compitió en la Sección Oficial, fue una de las propuestas más comentadas y seguidas por la crítica, cerrando una delegación mexicana que ha dejado una huella imborrable en la capital malagueña.

Palmarés Principal – 29ª Edición Festival de Málaga

​Sección Oficial (Largometrajes)

  • ​Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana: El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso (México).
  • ​Biznaga de Oro a la Mejor Película Española: Yo no moriré de amor, de Marta Matute.
  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Dirección: Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.
  • ​Biznaga de Plata Especial del Jurado: Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa.
  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina: Júlia Mascort por Yo no moriré de amor.
  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Masculina: Nicolás Zárate por Hangar rojo.

​Sección Zonazine (Cine de Autor y Vanguardia)

  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Película Iberoamericana: Oca, de Karla Badillo (México).
  • ​Premio del Público: Oca, de Karla Badillo. (Recibido en el escenario por la directora junto a Iliac Suárez).
  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Película Española: La carn (La carne), de Joan Porcel.
  • ​Biznaga de Plata a la Mejor Dirección: Gwai Lou por We are the jungle.
  • ​Premio de la Crítica: Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.
  • ​Biznaga de Honor: Natalia Oreiro, por su trayectoria en el cine iberoamericano.

Con este palmarés, México se posiciona como la cinematografía más sólida de la edición, logrando un ‘doblete’ histórico al llevarse la máxima distinción en la Sección Oficial y el favor unánime del jurado y el público en la sección Zonazine.

El arte como diálogo y homenaje: Una mirada a la exposición del “Mujer Internacional”

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Fuengirola, Málaga.- ​En el marco del Mes de la Mujer, la Galería Atelier Natale se convierte en el epicentro de una reflexión colectiva con la exposición «Mujer Internacional». Bajo la curaduría de Alejandra Natale, esta muestra no solo celebra el arte, sino que se posiciona como un manifiesto sobre la visibilidad femenina en la industria actual. La exposición busca ir más allá de la simple exhibición de piezas, convirtiéndose en un espacio de reflexión.

En la exposición participan: Alba Dalmau, Alejandra Natale, Alexodo, Alicia Natale,  Anmary Lobato,  Aquafonia TToñi López, Carmeli Polo, Clara Belén Gómez, Cinta Aller Kráhe, Gemma Pahissa, Juan Antonio Cortés, José Domínguez, Juan Luís Barud, Lotta León, Luana Zottarelli, M.B Coranti, Ma. Carmen Gñómez, Marisol Almenara, Marisol Ramos, Maryla Dawroska, Michele Uzac, Natalia Ramos, Nieves Arceredillo, Olga Gómez, Pía Ojeda, Piedart Pilar del Río, Rosa Ma. Lecumberri y Victoria Márquez.

​Para entender el alma de esta exposición, conversamos con su comisaria, Alejandra Natale, sobre el proceso que dio vida a esta selección.

​¿Cómo fue el proceso de selección de las piezas y qué narrativa buscabas transmitir?

«El proceso es complejo. Si eres mujer, cualquier obra puede ser apropiada porque el requisito es reforzar el papel de la mujer artista. En el caso de participantes masculinos, el requisito fundamental es que la pieza sea un homenaje a las mujeres. No elegimos las obras solo por su relato, sino por el grado de involucración del artista con el concepto de la exposición: la conmemoración del 8 de Marzo».

​¿Qué esperas que el espectador se lleve al salir de la sala?

«Por encima de todo, que conecten con las piezas. Cada obra tiene la explicación que el artista ha querido transmitir para generar un mejor diálogo visual. Me gustaría que el público se lleve una sensación de conexión y comprenda que el arte hecho por mujeres no habla solo de mujeres, sino de experiencias humanas universales. Queremos cuestionar narrativas establecidas y abrir caminos para las generaciones futuras».

​¿Consideras que el mercado del arte está logrando finalmente una paridad real?

«Creo que todavía estamos en una fase de transición. Se han dado pasos importantes y hay mayor conciencia institucional, pero cuando analizamos la representación en grandes colecciones o el mercado, la paridad real aún no se ha alcanzado. Todavía hay reticencias por parte de algunos coleccionistas y galeristas hombres a valorar justamente el trabajo de la mujer».

También participa la historiadora y crítica de arte Clara Belén  Gómez  ha analizado la muestra, destacando la capacidad de integrar miradas tan diversas. Según su análisis, «Mujer Internacional» logra un recorrido que abarca desde la introspección y la memoria hasta la denuncia social.

Clara destaca cómo algunas obras presentan a la mujer desde la intimidad, mediante figuras silenciosas y retratos emocionales, mientras otras revisan los relatos heredados de la historia del arte para entender la identidad femenina actual.

Resultan especialmente interesantes los trabajos donde la mujer se relaciona con la energía creativa, transformada en símbolo de origen y renovación. Señala sobre la dimensión social que no  faltan piezas con un tono más crítico que abordan la violencia y las estructuras sociales que han condicionado históricamente el papel de la mujer.

​En conclusión es un espacio de visibilidad. ​Gracias a la diversidad de lenguajes —que incluyen desde lo figurativo y el abstracto hasta el collage y la experimentación material—, la exposición refuerza la idea de que la experiencia femenina es plural.

​Como bien señala la crítica de Clara, en un mundo donde los principales cargos siguen siendo mayoritariamente masculinos, exposiciones como esta, lideradas por figuras como Alicia y Alejandra Natale, son fundamentales. Son el recordatorio necesario de que, cuando se brinda la oportunidad de formación y creación, el talento femenino es, sencillamente, enorme.

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