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María Esther Beltrán Martínez

​Málaga acoge el lanzamiento de Musa, un puente  cultural  entre Andalucía, Italia y el mundo

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​Málaga fue el escenario de la presentación oficial de “Musa Málaga”,  nuevo proyecto de gestión cultural y experiencias turísticas de alta gama. El evento inaugural, celebrado en el mágico entorno del Museo del Vidrio y Cristal de Málaga, fue dirigido y encabezado por su directora, Raffaella Solfanelli.

La velada no solo marcó el lanzamiento del proyecto, sino que se configuró como una experiencia sensorial completa para los invitados. Hicieron acto de presencia artistas plásticos que se han sumado a este proyecto cultural y algunos mostraron su obra.

Entre ellos Paco Aguilar, Bosska, Lorena Hermoso Pelaez, Victoria Tsekidou, John Schonert, Neno Herrera, Mariam Fadlalla, Carlos Alberto Ruiz Villa.  

​La directora, Raffaella Solfanelli, destacó la pasión por compartir la riqueza cultural, artística y humana de Málaga y el deseo de crear experiencias auténticas y exclusivas basadas en el arte, la gastronomía, la historia y la hospitalidad. Musa Málaga nace con el objetivo de ser un puente cultural entre Málaga, Italia y el mundo.

Entre los invitados estuvieron los artistas Daniela Miazzo, David Sancho, Ana Bosska,  Neno Herrera,Lola Frías, Virginia Illana de la Torre de MUCAC, Victoria Tsekidou de la Galería Little People, Juan Pedro Martínez Pélaez de Sohrlin, Carmen Alcayde  Galería Nika y Mercedes González de Turismo Ayuntamiento de Málaga, entre otras personalidades.

​El evento sirvió como inauguración de una exposición con las obras de artistas que ya participan con Musa, convirtiendo la presentación en una vitrina del talento malagueño.

Solfanelli dio la bienvenida a los asistentes e indicó que “Musa Málaga” nace de una pasión muy grande: la de compartir con el mundo la riqueza cultural, artística y humana de una ciudad que me enamoró desde el primer momento, esta ciudad que amo tanto, Malaga. 

“Mi objetivo es crear experiencias auténticas y exclusivas que conecten a visitantes y locales a través del arte, la gastronomía, la historia y la hospitalidad que hacen de Málaga un lugar único. 

A partir de su nombre, Musa, que se inspira en Clío, una de Las Musas, diosas griegas de las artes. Clío era considerada la inspiradora de los poetas épicos. Cuenta la leyenda que fue ella quien extendió la lengua fenicia por el Mediterráneo,  y Málaga fue fundada justo por los fenicios. 

Además, “Musa Málaga” nace con el deseo de crear un puente cultural entre Málaga, Italia y el mundo, mediante el arte, la música y las experiencias exclusivas que celebran la belleza de esta ciudad y la creatividad de sus artistas. Cada actividad, cada encuentro, busca despertar emociones, conectar culturas y dejar recuerdos inolvidables”.

​Como parte central y dinámica de la velada, la artista Lorena Hermoso Peláez (de Kalopsia y representada por Musa) estuvo realizando una obra de pintura en vivo, un acto que cautivó a los asistentes.

“Gracias a mi representada y mano derecha artística, Lorena Hermoso Pelaez de Kalopsia, el talento de la pintura en vivo, aquella que esta noche os está sorprendiendo con la magia de su talento y de su trazo en directo. En sus colecciones Lorena da una expresión única a la figura femenina y a sus retratos”.

Así mismo “agradezco a Marimar Segura y José Luis Puche, mis anfitriones e inspiradores, a quienes me une un cariño muy especial porque ellos me introdujeron por primera vez en el circuito artístico malagueño. 

Puche y Segura no estuvieron debido a que se encuentran en Nueva York donde se presentó obra del pintor malagueño  dentro de una colectiva. 

​El componente artístico se complementó con la música en vivo del grupo Jazzpar Eventos, que amenizó la atmósfera con un repertorio fascinante. Está formado por  Francisco Palomo Montejo: Clarinete/Percusión/Armónica cromática – Juan Antonio López-Agullo: Guitarra – Miguel Ángel Gil Gutiérrez: Contrabajo.

​Además, se ofreció una exquisita experiencia gastronómica a todos los invitados, con el apoyo de la amplia red de colaboradores del proyecto, que incluye restaurantes de renombre y productores locales.

Otro agradecimiento especial a María Esther Beltrán Martínez, destacada periodista mexicana y responsable de prensa y medios de Musa Málaga, por su profesionalidad, sensibilidad y valiosa experiencia al llevar nuestra historia al mundo

26 de octubre de 2025
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El artista malagueño José Luis Puche consolida su presencia internacional en Estados Unidos

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Nueva York.-  José Luis Puche, artista malagueño consolida su presencia internacional en Estados Unidos con la galería neoyorquina Vicky Alianelli,  con sede en Manhattan.  Puche  presenta una selección reciente de obras realizadas en su estudio estadounidense dentro de la primera edición de “Affordable Art Fair Boston”  del 23 al 26 de octubre de 2025.

Manuel Martos

Vocero del artista informa que su trabajo, centrado en el dibujo como territorio de pensamiento y construcción de la imagen, se caracteriza por una técnica singular y una atmósfera de gran densidad poética. 

“A través de su obra, Puche explora los vínculos entre poder, resistencia y representación contemporánea, configurando un lenguaje visual que combina precisión técnica y reflexión conceptual.

El dibujo se erige como un territorio de resistencia poética, donde la materia y el agua se funden en una superficie de gran tensión formal, la obra crece al mismo ritmo que se destruye. Su singularidad formal reside en una técnica que combina precisión y desvanecimiento, como si cada trazo contuviera una respiración que oscila entre la memoria y el presente a través del palimpsesto de sus capas. En ese espacio inquietante, el artista despliega un diálogo entre el deporte y el poder, revelando las estructuras invisibles que rigen la victoria, la disciplina y el control. Cada pieza se convierte así en un bucle narrativo, un ciclo que expone la belleza y la fragilidad del gesto humano frente a los mecanismos de dominio. La obra de Puche no representa, sino que activa una reflexión sobre la energía, la resistencia y la condición contemporánea del cuerpo”.

Explica que desde su posición como artista español y europeo, Puche contempla el paisaje cultural estadounidense con una mirada permeable, atenta a las resonancias que vinculan ambos continentes. En su experiencia, la estética europea —con su herencia en la propia Historia del Arte y búsqueda de lo

sublime— ha dejado una huella profunda en la arquitectura y en el deporte norteamericano, territorios que, pese a su aparente distancia, comparten una misma voluntad de monumentalidad y representación. Esa intersección le permite reconocer afinidades que trascienden las fronteras geográficas o históricas,-explica-  revelando cómo los lenguajes formales se contaminan, se reinterpretan y se prolongan más allá de su origen. Su trabajo parece afirmar, en última instancia, que las diferencias culturales son solo variaciones de un mismo impulso creativo: el de otorgar forma visible a las tensiones que nos definen.

Recordaremos que Puche ha cambiado su residencia a Nueva York  y desde su llegada,  el artista ha desarrollado una práctica que dialoga con el contexto urbano y cultural de Nueva York. “exponer de

nuevo aquí en esta etapa de mi vida, representa un espacio de apertura y conexión: una oportunidad de que mi obra respire en otra energía y frente a nuevas miradas”, afirma Puche.

La participación del artista en Affordable Art Fair Boston, marca un nuevo paso en su consolidación dentro del circuito artístico internacional, un proceso que comenzó con su primera exposición internacional en 2008 en Birmingham y que ahora se expande con fuerza en el ámbito norteamericano preparando nuevos proyectos de cara a 2026.

Los últimos trabajos en España del artista han sido el diseño de la escenografía del musical Gypsy, dirigido por el actor y director Antonio Banderas, un mural de más de 15 metros en Torremolinos y la feria Urvanity celebrada en Madrid recientemente.

Sobre la galería Vicky Alianelli Gallery, situada en el corazón de Nueva York, es un espacio donde convergen arte, cultura y colaboración. Fundada por Vicky Alianelli, la galería se distingue por su estrecho vínculo con los artistas y su apuesta por proyectos que fomentan la creatividad, el diálogo y el descubrimiento.

“La Affordable Art Fair Boston” celebra del 23 de octubre al 26 2025 su primera edición en esta ciudad estadounidense, como parte de la reconocida serie internacional de ferias fundada en Londres en 1999. Con presencia en ciudades como Nueva York, Ámsterdam, Hong Kong y Singapur, Affordable Art Fair se ha consolidado como una de las plataformas más influyentes del arte contemporáneo accesible a nivel mundial.

20 de octubre de 2025
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La Compañía de Nacho Duato viene con fuerza y excelentes coreografías que roban el aliento

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Málaga, España.- La joven Compañía Nacho Duato viene con gran fuerza para ocupar un lugar importante en el panorama de la danza española. Al cerrar su escuela Víctor Ullate  era necesario que naciera otra compañía que tuviera la fuerza, elegancia y una técnica impecable como es la que se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga en marcó de “Danza Málaga (DZM)”.

Ensayo de la obra de danza ‘Gnawa, Liberté, Na Floresta y Cantus’ en el Teatro Cervantes del bailarín y coreógrafo Nacho Duato.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Los bailarines que componen la compañía son:  Alejandro Santomé Leiro, Claudia Santamaría, Engel Pérez, Hiroto Iida, Hitomi Sakamoto, Isabella Esther Zocche, Kaylie Beard, Lauren Fiddes, Lily Pakula, Luca Pelaia, Pablo Fahle Diego, Pedro Ferreira Castelo, Salvatore David Marigliano, Samantha Escobar, Samuel Benavides Vivas, Sara Ciafrone, Sofia Fenu y Sofia Tullio  presentaron cuatro coreografías que robaron  la atención del público  que disfrutó de la energía, fuerza, sensualidad, elegancia y magnetismos de cada participante.

El teatro tuvo aforo completo y un gran número de asistentes fueron jóvenes y niños entre los que se encontró un grupo de una escuela que al finalizar cada coreografía ovacionaron a los bailarines con aplausos y gritos de emoción.

“Gnawa”, con música Hassan Hakmoun /Adam Rudolph; Juan Alberto Arteche y Javier Paxariño; Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur y Sarkissian.  Nacho Duato profundiza en sus raíces, en la herencia de sus antepasados y en su conexión íntima con el mar Mediterráneo. Inspirada en la música ritual del Magreb, combina misticismo, espiritualidad y sensualidad.

Ensayo de la obra de danza ‘Gnawa, Liberté, Na Floresta y Cantus’ en el Teatro Cervantes del bailarín y coreógrafo Nacho Duato.
Foto: Daniel Pérez / Teatro Cervantes


En “Liberté”. Proviene de Rassemblement, usa cantos de esclavos haitianos para abordar la dignidad y la lucha por los Derechos Humanos. Liberté es un paso a dos perteneciente a la coreografía Rassemblement, inspirado en las canciones de la compositora y cantante Toto Bissainthe, y dedicadas a su tierra natal, Haití. Y es, además, un conmovedor y contundente llamamiento a la conciencia colectiva sobre los derechos humanos, la dignidad y la libertad.
“Na Floresta” Tríptico musical que recrea la belleza de las selvas amazónicas, recogiendo directamente del folklore la esencia misma de su esplendor. La música es de Heitor Villa-Lobos / Wagner Tisso.

Y “Cantus”  música de Karl Jenkins. Esta nueva obra de Nacho Duato, creada para su joven compañía, habla de los horrores de un conflicto bélico a través de los ojos de jóvenes atrapados en medio de la guerra y cómo la violencia y destrucción afectan sus vidas.
La joven Compañía Nacho Duato nace con la noble misión de enriquecer la oferta de danza en España y ampliar las oportunidades laborales para los jóvenes bailarines. Uno de sus pilares fundamentales es la recuperación del repertorio de Nacho Duato. Sus ballets son auténticas joyas que merecen ser preservadas y compartidas con las nuevas generaciones de espectadores y artistas. Nuestra visión abarca la realización de giras nacionales que permitan llevar la magia de la danza a diversos rincones del país, alcanzando así a un público más amplio y diverso.

Nacho Duato, coreógrafo y bailarín español, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres, Benois de la Danse y el Premio Nacional de Danza de España, entre muchos otros reconocimientos, ha sido director artístico de la Compañía Nacional de Danza, del Ballet Mikhailovsky de San Petesburgo, del Staatsballett de Berlín y, desde 2019, del Teatro Mikhailovsky.

Fotos Daniel Pérez /Teatro Cervantes Málaga

20 de octubre de 2025
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Senza Confini recibe arte español e internacional de treinta artistas liderado por Sun Art 

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Roma, Italia .-  Ni la huelga general que se implantó en Roma fue impedimento para que se exhibieran  los trabajos de treinta artista, españoles e internacionales  liderados por Sun Art que dirige Alejandra y Alicia Natale. “Senza Confini – Roma, 2025 Sin fronteras”  es la exposición que se presenta en la Galleria Arca di Noesis Coloseo, situada  cerca del Coliseo de Roma. Fue visitada por gestores culturales, propietarios de galerías, y recibió artistas malagueños que viajaron para sumarse a este evento cultural.

Los asistentes que se dieron cita a la inauguración no sólo  disfrutaron de las obras de arte; degustaron del tradicional jamón y vino español.

“Senza Confini – Roma, 2025 Sin fronteras” se presenta como un territorio de sensibilidades en el que el hilo conductor es la búsqueda de sentido, identidad y trascendencia en un mundo en transformación.   – indica la historiadora de arte Clara Belén Gómez -. El título (“sin fronteras”) invita a desdibujar los límites entre disciplinas, emociones y experiencias colectivas, y a recorrer un espacio donde las voces individuales se encuentran en un mismo horizonte. 

Agrega “¿Qué silencios se abren?, ¿qué afinidades inesperadas surgen entre creadores que quizá nunca antes habían compartido espacio? La respuesta permanece abierta, en la complicidad del visitante que recorre las salas y va trazando su propio mapa interior. El conjunto reúne un amplio espectro de lenguajes: pintura, grabado, técnicas mixtas, arte digital, abstracción y reinterpretación icónica”.

Sobre las obras que se presentan indica que la exposición se convierte  en un recorrido que viaja de lo íntimo a lo universal, explorando la memoria histórica y el mito, la identidad personal, el dolor social y la esperanza.

“Hay obras que interpelan sobre los conflictos contemporáneos y la fragilidad humana; otras que invitan a detenerse, respirar y recuperar la mirada de la infancia; otras que celebran el paisaje y la naturaleza como un refugio de serenidad. La diversidad técnica es una de sus mayores riquezas: del linograbado de trazo contundente a los pigmentos exóticos y los dorados simbólicos, de las pinceladas expresivas al lenguaje visual digital que amplía las posibilidades de representación y experimentación.”

No sólo se presentaron obras plásticas también la poesía se hizo presente de la mano de Laura Viele, con el poema “Estinzione”, que acompaña la obra del malagueño Fernando Sánchez. Al respecto las organizadoras indicaron que es muy bueno que la literatura se sume al arte. 

Para Belén  la presencia de textos y poesía añade otra capa sensorial, estableciendo un puente entre imagen y palabra, pensamiento y emoción. 

Alejandra señala que Senza Confini ha reunido artistas con una una trayectoria amplia y también aquellos que inician. “Para los que comienzan, poder estar con artistas con un recorrido amplio les ayuda a encaminar sus carreras, además que la experiencia es muy buena y pueden visualizar sus trayectorias en el mundo del arte”.

Entre los exponentes se encuentran: Equipo Línea Viva, Alba Dalmau, Aquafonia Toñi López, Ma. Carmen Gómez, Marisol Ramos, Rocío Romero, Victoría Márquez, Quiel Ramos,  Margarita Hanke, Clara Belén Gómez, Pía Ojeda, Araceli Nature,  Michèle Uzac,Cinta Aller Krähe, Alexodo y Vanessa Atoche, entre otros.

La curaduría está basada en evitar jerarquías rígidas y permite que cada obra conserve su fuerza, pero al mismo tiempo dialogue con las demás en un espacio de reflexión compartida.

“ No hay un único relato, sino múltiples caminos posibles que el espectador irá trazando a su manera. En un momento global marcado por guerras, crisis climáticas y cambios tecnológicos acelerados, esta exposición se convierte en un lugar de resistencia simbólica, donde el arte no sólo observa el presente sino que lo cuestiona, lo recuerda y lo transforma. Senza Confini es, en última instancia, una respuesta abierta: una invitación a atravesar los límites, a dejar que las imágenes (analógicas o digitales) nos hablen, y a salir de la sala con una mirada distinta, quizá más atenta, quizá más esperanzada” detalla  Belén Gómez.

Una exposición donde se suma el trabajo y experiencia de Natale que no sólo son artistas, sino también han encaminado su trayectoria en ayudar artistas para que su obra sea vista en diferentes ciudades y países. Trabajan con artistas nacionales e internacionales. Y dan clases a todo aspirante que desea probar si su talento los puede llegar a exposiciones o simplemente poder expresar sus emociones através del arte y quedarse con ese reflejo.

La exposición estará hasta el 9 de  octubre del 2025. Si está por Roma, visite el Coliseo y pase a ver las obras de treinta artistas.

6 de octubre de 2025
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Desilusión, enojos y  una bolsa de 50 millones de euros deja San Diego Comic- Con Málaga

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Málaga, España.-  Todo lo que empieza acaba, San Diego Comic- Con Málaga llegó a su final con muchas interrogantes al que dar respuestas y un público mayoritario defraudado por la organización del evento que era esperado  por ser la Convención del Cómic y resultó para algunos ser la feria del Comic.

Si bien el impacto económico en la ciudad de Málaga fue de 50 millones de euros, para muchos visitantes ha sido un chasco haber invertido en asistir a está “convención del cómic”, que no disfrutaron por el tiempo que tenían que pasar haciendo colas para todo, hasta para llenar su botella de agua. Qué por cierto no dejaban entrar con agua.  Si traes la tiras y adentro la llenas.

Y ahora las filas siguen, para algunos, toca hacer cola para las reclamaciones.

Se ha firmado para tener dos años más este evento y los organizadores tendrán desde ahora mucho que trabajar, y tal vez, digo tal vez sumar a sus trabajadores personas especialistas en estos eventos y si son de San Diego Cómic Con , mejor que saben lo que se hace.

Un “San Diego Comic- Con” no puede volverse la feria del pueblo. Se debe tener en cuenta el nivel y a qué público va dirigido, no es sólo vender productos que se pueden conseguir en las tiendas de la ciudad. No sólo es reunir a decenas de especialistas. Es traer lo mejor de lo mejor. Para que den ganas de volver a la siguiente edición. Sino se vuelve como un suspiro, se esfuma.

No se menosprecia, que  Arnold Schwarzenegger estuvo presente , lo mismo que nombres internacionales como Luke Evans, Gwendoline Christie, Jared Leto, John Gaeta y otros profesionistas. 

Lo malo es que se quedó limitado, si es verdad que en los festivales y convenciones no se puede ver todo, no queda en enojo que perdí mi tiempo y dinero en hacer filas  interminables que no me dejó más opciones que limitarme a entrar a un sólo lugar donde aparte no encontré el ánimo de compra. Ya que en los stand no había nada de lo normal. 

Y bueno ahora toca hacer un resumen de lo que muchos no vieron, pero estaba programado y entraron los que hicieron reservas, que también hicieron fila, pero entraron.

Como todo en la vida hay aspectos que destacar y  es que  el Hall M era un disfrute total, donde  

Arnold Schwarzenegger recibió el  Premio de Honor de manos del actor malagueño, Antonio Banderas. Estuvieron también el último día  el presidente de DC Cómics, Jim Lee; los ganadores de múltiples premios Goya JA Bayona y Álex de la Iglesia  o las actrices Elle Fa∫ning, Belén Rueda y Ester Exposito. El  actor Jared Leto, ganador de un Premio Oscar(c), presentaba en primicia mundial imágenes de “Tron: Ares”.

Juan Antonio Bayona fue el encargado de clausurar la programación del Hall M en la Comic-Con, donde recibió el Epic Vision Award de manos de Álex de la Iglesia. Tras el reconocimiento, mantuvo una conversación con el director del Festival de Sitges, Ángel Sala, en la que repasó algunos de los momentos más destacados de su carrera: su colaboración con Steven Spielberg en Jurassic World, las anécdotas vividas durante el rodaje de la serie de” El Señor de los Anillos”, o la experiencia de filmar películas como “La ciudad de la nieve, Un monstruo viene a verme y El orfanato”.

Entre los paneles que hubo se disfrutaron y se aprendió mucho, si eres especialista sabes valorar y si no lo eres,  aprendes mucho.

Como fue “40 años de Grangel Studio” donde estuvieron Carlos Grangel, Ian Mackinnon y Carolina López donde se vio el trabajo que han realizado de estupendos trabajos como ha sido “La novia Cadáver”.

Se tuvo la  premiere de las Tortugas Ninja, el universo de Star Wars Visions con la presencia de Takanobu Mizuno, Masahiko Otsuka, Paul Young, Álvaro Wasabi y Rodrigo Blaas han llenado las salas, así como el panel de Marvel All-Stars, protagonizado por algunas de las figuras más relevantes del cómic internacional: Elena Casagrande, Sara Pichelli, Pepe Larraz, Carmen Carnero, Peach Momoko, Yo Mutsu, Luciano Vecchio y C.B. Cebulski, editor jefe de Marvel. Todos ellos compartieron con el público su experiencia en la creación de historias y personajes que han marcado generaciones.

Paneles interesantes, si muchos. Pero no con acceso para muchos por desconocimiento, por falta de reserva o simplemente por hacer fila.

Lo cierto es que muchos disfrutan disfrazándose como se dice oficialmente su cosplay son muy buenos, que se vuelven la  atención  para muchos. Les  piden  fotografiarse con ellos. Y son  los que dan un toque especial. al evento. Qué también hay que ver el trabajo que ponen algunos en cuidar todos los detalles.

Veremos cómo se desarrolla la próxima edición. ¿Cuántos volverán? ¿Y la organización será mejor? Eso lo veremos el próximo año y estaremos dando nuestro punto de vista. O no.

1 de octubre de 2025
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Gondomar apoya la cultura y exhibe arte nacional e internacional

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Gondomar Portugal.-  El verano va terminando, no sólo se puede recordar por las vacaciones sino también por los trabajos culturales que sirven para entrelazar relaciones entre diferentes ciudades, países y compatriotas. Como ejemplo fue la exposición  “100 Artistas Gondomar 2025”, se presentó en Portugal, en la Sala D’Ouro/ Multiusos de Gondomar.

Durante la inauguración asistieron autoridades entre ellos Luís Filipe Araújo, Presidente de la Cámara Municipal e Inés Lino responsable de cultura y  del Archivo y Patrimonio Cultural de Gondomar, con la que hablamos.

“

Es muy importante para nosotros, para Gondomar, tener una exposición de “100 Artistas Gondomar 2025” porque es una exposición internacional que trae personas de España y tiene un alcance en otros  países. Cómo ayuntamiento de Gondomar siempre apoyamos estas exposiciones  que realizan varias asociaciones y una de las principales es Gens’Arte que tiene más de 25 años, es responsable de conseguir y unir tantos artistas. Y nuestro trabajo es apoyar estos esfuerzos, para Gondamar es fundamental que se realicen estas actividades”.

La  Associacion Gens’Arte presidida por José Carvalho, a Vicepresidenta Lina Santos  presentaron cien trabajos de artistas de diversas ciudades de España, Portugal y otros países.

La exposición fue el resultado del trabajo arduo que realiza la asociación, siendo referencia en Gondomar del compromiso que tienen con la cultura y defensora de la libertad artística y el compromiso de dar espacio artistas no sólo portugueses sino internacionales. 

En el marco de la exposición  disfrutamos de Gondomar, que está muy cerca de Porto comunicada por los  32 kilómetros de río. 

Lino comenta que cuentan con un lugar maravilloso, apreciable, con playas y una enorme naturaleza.

Sin duda alguna, es un lugar para visitar, se sorprenderán de los paisajes y la limpieza de la ciudad. Además que cuentan con el Museo Municipal  de Filigrana. ofrece un viaje al descubrimiento de un arte secular y un auténtico producto turístico y diferenciador del territorio.

Al visitar  el museo  se observa una valiosa colección de piezas únicas, entre ellas destaca el  corazón de filigrana más grande del mundo, y un vestido de filigrana  con la firma de Micaela Oliveira.

El trabajo de filigrana es muy minucioso, muy trabajoso, pero es muy bonito, destaca Lino. “Está todo en nuestro museo municipal, está abierto al público y pueden también comprar  piezas”.

Si tiene planeado viajar ampliamente le recomendamos visitar Gondomar en Portugal, encontrará la belleza que tiene la naturaleza, disfrutará de una rica gastronomía y de exquisitos vinos. Puede visitar diferentes lugares para ver el proceso de un buen vino y poder descansar con música de fado.

Lino trabaja para que la cultura en Gondomar siga presente, y apoyar a las instituciones para que el trabajo que realizan durante el año pueda verse reflejado.

Clara Belén Gómez, historiadora del arte señala que en “100 artistas Gondomar 2025”  no hay una narrativa cerrada, ni se impone, y eso se agradece. “La curaduría permite que cada obra ocupe su lugar con libertad, sin necesidad de ajustarse a un discurso común o responder a una línea definida. Las obras no parecen colocadas para ilustrar una idea externa, sino para sostenerse desde lo que son. Y, aun así, no quedan aisladas. Lo abstracto convive con lo figurativo, lo íntimo se cruza con lo colectivo, y las diferencias entre lenguajes no separan, sino que generan vínculos inesperados. Hay algo del gesto del collage en esa forma de componer el conjunto: cada pieza mantiene su identidad, pero al situarse junto a otras, adquiere nuevos sentidos.”

 Fotos: J. Carlos Santana

12 de septiembre de 2025
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El Centre Pompidou Málaga muestra formas de mirar el arte

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Málaga, España.-  El Centre Pompidou Málaga uno de los museos más visitados de la Costa del Sol sigue recibiendo con éxito visitantes para disfrutar de la reciente colección semipermanente “To open Eyes. Miradas de artista” que permanecerá hasta 31 enero del 2027.

Valentina Moimas y Anne-Charlotte Michaut, comisarias de la exposición; explican  la exposición ofrece un viaje libre por los principales movimientos, rupturas y replanteamientos del arte de los siglos XX y XXI, y está estructurado en seis secciones que abordan grandes temas universales desde una óptica crítica, sensible y contemporánea.

“Tomando como punto de partida una declaración de Josef Albers en 1940 –artista y profesor de origen alemán que entonces residía en Estados Unidos–, que afirmaba que el arte nos enseña a «aprender a ver y sentir la vida», esta exposición propone una reflexión sobre cómo los artistas nos animan a desplazar la mirada y a transformar nuestra relación con el arte, la sociedad y el mundo. La muestra se aleja de un recorrido cronológico o narrativo tradicional para centrarse en rimas visuales, formales y temáticas, lo que permite establecer conexiones entre obras de distintas épocas, técnicas y contextos culturales, reflejando la riqueza y diversidad de las colecciones del Museo Nacional de Arte Moderno francés”, indica sin perder la sonrisa Moimas.

En un recorrido en compañía de Valentina descubrimos que cada sección presenta obras, en su mayoría abstractas o conceptuales, que cambiaron la idea tradicional de lo que es una obra de arte y se alejaron de las modas o estilos dominantes de su época. Un rasgo común entre artistas como Josef Albers, Marcel Breuer, Paul Klee o László Moholy-Nagy es que todos pasaron por la Bauhaus, que transformó el arte moderno en la primera mitad del siglo XX.

Continuamos por el cuerpo humano —ya sea representado de forma majestuosa, fragmentada,

distorsionada o apenas sugerido— es el tema principal de esta parte de la exposición. El video de Judy Chicago se hace eco de la enigmática pintura de Juliette Roche, poniendo de relieve las emergentes consideraciones ecofeministas de la época.

Pasamos a la llamada Gestos / Huellas. En esta sección, el cuerpo se presenta a través del gesto y la ‘performance’. Valentina entusiasmada indica que en Estados Unidos, los años 50 estuvieron dominados por el expresionismo abstracto, una corriente pictórica asociada al compromiso físico del artista y liderada por Jackson Pollock. Al mismo tiempo, Claire Falkenstein empezó a crear obras que anunciaban lo que se llamaría “abstracción excéntrica”.

“En los años 70, el uso del cuerpo en el arte llegó a su punto más alto con la ‘performance’ y el ‘body art’, en obras de artistas como Carolee Schneemann, Marina Abramović y Ulay, o Sonia Andrade. En la actualidad, Alice Anderson desarrolla un trabajo de instalación en la que el gesto performativo ocupa un papel central en el proceso creativo”.

El trabajo museístico es muy bueno, las obras están colocadas de tal manera que no roban espacio, luce cada pieza y capta la atención, los colores de la sala están muy bien y la luz es buena. Continúa Espiritualidades / Sincretismos donde las obras, misteriosas o espectrales, muestran una mezcla entre tradición y modernidad. Louise Nevelson crea una síntesis entre primitivismo y arte moderno, mientras que Mathias Goeritz, que se inspira en las culturas precolombinas, reafirma la importancia de la emoción en el proceso creativo.

Ficciones / Proyecciones. El arte siempre ha reflejado deseos utópicos y visiones de un futuro idealizado. Así ocurrió en los años 1960, una época marcada por el hedonismo, los avances

tecnológicos y el imaginario de la conquista espacial. En ese tiempo, el diseño se definía por la ola pop (Pierre Paulin) y una estética futurista (Olivier Mourgue), mientras que Kiki Kogelnik hablaba de “space art” para describir su obra.

Espacios / Revelaciones. La relación entre la obra, el espacio y el espectador constituye la esencia de las preocupaciones del arte minimalista, cuyos principios fueron teorizados por Donald Judd: neutralidad, objetividad y rechazo de toda expresividad -explica Moimas-.  “Sin embargo, este deseo de supresión resulta paradójico, y la aparente sencillez de las obras minimalistas no puede liberarse de la subjetividad del espectador. La escultura de Judd revela una tensión entre interioridad y exterioridad, mientras que el Mirror Vortex de Robert Smithson propone una experiencia sobre la difracción del espacio. La dialéctica del interior y el exterior se refleja en la instalación de Louise Bourgeois. Aparentemente cerrada, constituye una puerta abierta al mundo interior de la artista. El negro cuadro de Pierre Soulages produce una sensación de inmensidad impalpable e invita a vivir una experiencia meditativa, mientras que la Tabula de Simon Hantaï sugiere una expansión infinita del campo pictórico. Haegue Yang, por su parte sigue la estela del arte minimalista, pero desarrolla un enfoque más sensible y narrativo”.

En esta exposición se podrán encontrar obras de los siguientes artistas: Marina Abramović y Ulay, Caroline Achaintre, Josef Albers, Ghada Amer, Alice Anderson, Sonia Andrade, Giovanni Anselmo, Leonor Antunes, Gae Aulenti, Piero Castiglioni, Mario Bellini, Joseph Beuys, Louise Bourgeois, Marcel Breuer, Huguette Caland, Rosemarie Castoro, Pierre Chareau, Judy Chicago, René Coulon, Parvine Curie, Christian Dell, Marcel Duchamp, Mimosa Echard, Claire Falkenstein, Jean Fautrier, Dan Flavin,

Mathias Goeritz, Aneta Grzeszykowska, Simon Hantaï, Hans Hartung, Michael Heizer, Joan Jonas, Donald Judd, Paul Klee, Yves Klein, Kiki Kogelnik, František Kupka, Ugo La Pietra, Jacques Le Chevallier, Marcelle Loubchansky, Sarah Lucas, André Lurçat, Piero Manzoni, Gordon Matta-Clark, Paul Maymont, Julie Mehretu, Caroline Mesquita, Myriam Mihindou, Laszlo Moholy-Nagy, Vera Molnar, Olivier Mourgue, George Nelson, Joshua Neustein, Louise Nevelson, Claes Oldenburg, Verner Panton, Claude Parent, Pierre Paulin, Charlotte Perriand, Marc Petitjean, Friederike Pezold, Michelangelo Pistoletto, Jackson Pollock, Judit Reigl, Germaine Richier, Juliette Roche, Aldo Loris Rossi, Robert

Ryman, Gino Sarfatti, Carolee Schneemann, Nicolas Schöffer, Robert Smithson, Pierre Soulages, Superstudio, Tunga, Cy Twombly, Paul Virilio, Haegue Yang.

 

9 de septiembre de 2025
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Anna Weyant se presenta por primera vez en un  museo español

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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, ubicado en Madrid;  presenta la primera exposición monográfica en un museo de la pintora canadiense de 28 años, residente en Nueva York, Anna Weyant Se trata de su primera exposición e incluye un total de 26 lienzos y obras sobre papel siendo un total de 31, seleccionadas entre su producción más reciente. Reconocida en redes sociales ha atraído la atención de coleccionistas de élite entre los que se encuentra Jacobs, además que se suma a su lista de clientes figuras como las tenistas Williams.

Los comisarios de la exposición son Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, y Elena Rodríguez, Área de Exposiciones.

Voceros del museo explican que las obras de Weyant reflejan unas referencias artísticas que abarcan desde el Barroco hasta el arte de la primera mitad del siglo XX, periodos bien representados en el Museo Thyssen. La instalación muestra estos vínculos exhibiendo sus pinturas en un diálogo visual con cinco cuadros de la colección permanente seleccionados por la propia artista, entre los que se encuentran Mattia Preti, Magritte y Balthus, entre otros. 

“Conocida por sus pinturas protagonizadas por mujeres jóvenes, Weyant representa un mundo suspendido entre lo onírico y lo cotidiano, con un estilo figurativo moldeado por la tradición artística. Su iconografía retoma los géneros y las convenciones de la historia del arte desde una mirada contemporánea y remite tanto a la cultura popular estadounidense como a movimientos de la modernidad de entreguerras, como el surrealismo. Weyant mira al pasado pero también reflexiona sobre el presente, fusionando su técnica pictórica con un humor negro y una perspectiva feminista muy actual.”

Destaca que durante los últimos ocho años, la artista se ha interesado por las complejidades de la adolescencia femenina. Sus personajes parecen vivir esta etapa entre la infancia y la edad adulta en un cuento de hadas o en una casa de muñecas, impregnados por una sensación de expectativa que continúa en un conjunto de naturalezas muertas, donde los objetos se muestran al borde del colapso: globos a medio inflar, lazos deshechos o flores casi marchitas.

El visitante verá algunos de los lienzos de la colección Thyssen-Bornemisza que acompañan las obras de Anna Weyant conectan con este tema de la temporalidad, como la escena de género barroca El concierto (hacia 1630-1635), de Mattia Preti, o el Retrato de una joven de perfil con una máscara en la mano derecha (hacia 1720-1730), de Piazzetta. Y la incorporación de elementos siniestros que acechan los mundos de sus heroínas se percibe en el Retrato del Dr. Haustein (1928), de Christian Schad, en el que una figura espectral se cierne sobre el protagonista, o en la ilusión creada por Magritte en La llave de los campos (La Clef des champs) (1936). También se incluye en la exposición La partida de naipes (1948-1950), de Balthus. 

La artista se ha convertido en moda entre los coleccionistas y sus relaciones la han encaminado a trabajar con marcas internacionales que la han colocado en la vista de coleccionistas que en el mundo del arte gracias  a este escaparate tiene un  aumento de los precios de sus obras en subastas y a su prestigiosa relación con su galerista, Larry Gagosian .

 

Fotos: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

2 de septiembre de 2025
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La  emperatriz  de la copla, Juanita Reina  recordada en carteles

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Málaga, España.-  En torno a la celebración del  centenario de la actriz y cantante española Juanita  Reina (25 de agosto de 1925 – 19 de marzo de 1999) la Sociedad Económica Amigos del País en Málaga, presentó la Colección Lucio  Romero; de carteles en torno al trabajo cinematográfico de la artista, conocida como la “Emperatriz de la Copla”.

Juanita Reina, artista fundamental del cine y la copla, fue un referente de la elegancia, fuerza escénica y sensibilidad popular.

​Reina destacó como cantante y actriz española, conocida por su poderosa voz y su carisma en el escenario. Desde muy joven,  demostró talento para el cante y el baile, debutando a los 13 años en el Teatro Cervantes de Sevilla. Su carrera fue impulsada por su padre, quien se convirtió en su representante.

​Juanita Reina, nombre completo Juana Reina Castrillo, se especializó en el género de la copla, popularizando canciones de autores como Quintero, León y Quiroga. ​Entre sus temas más emblemáticos se encuentran «Francisco Alegre», «Capote de grana y oro» y «Y sin embargo te quiero».

A lo largo de su carrera, se distinguió por cantar exclusivamente temas propios, lo que la consolidó como una figura única en la música popular española.

​​Además de su éxito musical, Juanita Reina protagonizó varias películas que la convirtieron en un ícono del folclore español. ​Sus títulos más destacados incluyen «Canelita en rama» (1943), «La Lola se va a los puertos» (1947) y «Lola la Piconera» (1951), fue  galardonada con numerosas distinciones entre ellas la Medalla de Oro de Bellas Artes y la Medalla de Andalucía inspiró a compositores como Quintero León y Quiroga. Dios vos a las canciones que capturan el alma popular de una España.

En 1992, participó en el espectáculo «Azabache» durante la Expo de Sevilla, un evento que reunió a varias de las grandes figuras de la copla entre ellas Imperio Argentina. Entre otros espectáculos destacó  ​»Tabaco y Seda»: Un show con el que triunfó en el teatro Reina Victoria de Madrid y ​»Solera de España».

La exposición contó con carteles originales de sus once películas junto a videos musicales, fotografías y portadas de revistas de su época. La muestra trazó  un recorrido visual y emocional por su legado entre 1942 y 1959.

Vocero de la Sociedad Económica explicó que “Los carteles conservados gracias al actor y coleccionista Lucio Romero no sólo ilustran una etapa dorada del cine folklórico, sino que revelan la fuerza del cartel como arte efímero convertido en memoria colectiva. Cada pieza expuesta es testimonio del talento de un artista irrepetible y de la sensibilidad de los creadores que supieron inmortalizar en papel”.

Cada cartel, cada canción y cada imagen habla de una historia compartida de una España que se narró a sí misma a través del arte y la emoción. Desde el inicio del cine,  el cartel cinematográfico ha sido mucho más que un simple medio publicitario. Pensando para traer al público este formato visual combina imagen sobre todo la de los actores principales tipografía y diseño gráfico para condensar la esencia de una película en una sola imagen.

Se reafirma que  la singularidad del cartel se debe en gran medida a las características de su soporte bidimensional y su naturaleza frágil y perecedera. Entre los carteles españoles exhibidos destacó los de los cartelistas Ramón del Conan, el cartel la Blanca Paloma Renault con “Canelita en rama” y Peris Argó “La Lola se va a los puertos”.

Sin dudar los carteles  permiten hoy contemplar no sólo la evolución del cine español si no la identidad cultural de un pueblo e  invitó a conocer no solo al artista sino también a la mujer que con civilidad carácter en torno los anhelos las emociones y las contradicciones de toda una época.

En lo que respecta  al coleccionista indicaron que  el actor malagueño incansable Lucio Romero  se ha dedicado al cine y a la conservación del patrimonio visual. Pasión  que ha combinado con su profunda admiración por Juanita Reina. Él mismo lo ha declarado inició su colección arrancando carteles de espectáculos de Juanita Reina en el Teatro Cervantes de Málaga, aquella afición temprana creció hasta convertirse en un archivo único con más de 3000 piezas.

Recorrió teatros y cines por toda España para rescatar carteles a bocados al olvido. Su dedicación ha hecho posible que en la actualidad se puedan exponer y ofrecer  una mirada íntima excepcional al legado cinematográfico de la actriz Juanita Reina, gracias por su pasión.

  Fotos: J. Carlos Santana

1 de septiembre de 2025
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Picasso en la Bienal Internacional de Arte de Macao

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Un total de 141 obras originales del artista español, Pablo Ruiz Picasso y del fotógrafo Juan Gyenes se exhiben en Macao (China) con motivo de la exposición “Picasso: Belleza y Drama”, organizada por el Museo Casa Natal Picasso.La muestra, comisariada por Mario Virgilio Montañez,  permanecerá abierta hasta el 26 de octubre en el Grand Lisboa Palace.

Voceros informaron que “Picasso: Belleza y Drama” reúne medio siglo de creación del artista malagueño a través de una cuidada selección de grabados, cerámicas e ilustraciones realizadas para libros. Se trata de una propuesta concebida expresamente para China, que propone un recorrido temático por el universo creativo de Picasso en cuatro secciones: una idea de belleza, los mitos clásicos, la cerámica como arte revolucionario, sus compañeras, la afición taurina y el drama vital de sus últimos años”.

Desde el clasicismo sereno de los años veinte hasta la expresión libre, visceral y cargada de simbolismo de sus últimas décadas, la exposición invita al público chino a redescubrir al genio malagueño desde una nueva mirada. Así, la muestra se centra en su vínculo con la tradición grecolatina, su fascinación por figuras mitológicas como faunos y centauros, y su aportación clave a la cerámica contemporánea, una técnica de origen oriental que él reinterpreta con una energía creativa desbordante tras la Segunda Guerra Mundial, explican.

Las obras proceden en su totalidad de los fondos del Museo Casa Natal de Málaga. A esta valiosa colección se suman las fotografías de Juan Gyenes, que aportan un testimonio visual íntimo y revelador de la figura del artista en su madurez. Con está exposición, la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y otros Equipamientos Museísticos y Culturales continúa proyectando la figura del artista malagueño más allá de nuestras fronteras.

Coincidiendo con la celebración de la Bienal, los artistas Sheila Cañestro y Cyro García han sido seleccionados para desarrollar sus respectivos proyectos en residencias artísticas en Macao.

La Casa Natal trabaja para que la obra de Pablo Ruiz Picasso sea vista a nivel internacional y se siga valorando el trabajo de este artista reconocido internacionalmente por obras como el Guernica. 

Fotos: Prensa Museos de Málaga

26 de agosto de 2025
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