Skip to main content
Category

Sobre 2 ruedas

De puño y letra: historias de boxeadores de Alejandro Toledo, un libro entre la frontera del periodismo y la literatura

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El libro De puño y letra: historias de boxeadores, de Alejandro Toledo, es periodismo y literatura boxística que nos transporta del ring a la letra impresa, en la frontera entre lo deportivo y lo literario. Un libro que reúne 12 textos fronterizos entre la crónica, la entrevista, la biografía, el cuento y el reportaje; y que será presentado el próximo sábado 3 de octubre a las 18 horas en la librería Fiel a la Tierra —Mérida 215, col. Roma Norte— con la participación de José Luis Martínez, Armando Alanís y el autor.

En el libro, enumera en la contraportada Marina Porcelli, narradora, ensayista e historiadora argentina, aparecen: “Laura Serrano, la primera pugilista oficial de la Ciudad de México, quien se encuentra con Jaime Sabines; Sal Sánchez, a quien la muerte toma por sorpresa; Ladislao Mijangos el que peleó, una noche mítica, contra el titánico George Foreman; Daniel Zaragoza se enfrenta a sí mismo, mientras que Óscar de la Hoya y Julio César Chávez se preparan, respectivamente, para el duelo famoso del 7 de junio de mediados de los 90; el Finito López en las vísperas de la defensa de su título número 16, y el entrenador de Mérida, Jesús Rivero, Choláin, que forjó los títulos mundiales de Miguel Canto, aparece en un diálogo inolvidable con Óscar de la Hoya durante los entrenamientos al alba”. Y semblanzas de Jake LaMotta, Ultiminio Ramos y Miles Davis, el gran músico aficionado al boxeo.

“Mi libro”, resume Alejandro Toledo, “se mueve entre el puño y la letra, que son el golpe y la escritura. Siento que los ritmos del boxeo se mezclan con las palabras y producen algo que me parece peculiar y que encuentro en mucha literatura boxística, como si al relatar esas historias de pugilistas se estuvieran lanzando, como ocurre, en el ring, jabs y uppercuts. Hay un movimiento de las piernas que también pasa a la letra impresa. Esa es la frontera, entre lo deportivo y lo literario. Lo singular, me parece, es cómo los ritmos del boxeo invaden los párrafos, ponen en guardia a las palabras, y les marcan ciertas direcciones”, cuenta el escritor y ensayista autor también de James Joyce y sus alrededores (2005); Universo Francisco Tario (2014); ¿Hay algo más tenaz que la memoria? (2019); A sol y asombro (2010); La gloria también golpea: De la Hoya-Chávez 1 (2015); La pluma y el achique: historias del futbol (2023) y en coautoría, con Mary Carmen Sánchez Ambriz, Historias del ring: una antología del boxeo (2012), entre otros libros

“Hay más”, escribe Porcelli. “El hecho de que, en todos los retratos, estos boxeadores hablan: se transcriben diálogos, declaraciones, comentarios dichos al pasar o frases interrumpidas: y así la voz de estos hombres cobra cuerpo y se ahonda en la escritura de Toledo. La biografía es, quizá, el género que mejor calza para el noble arte de molerse los huesos a puñetazos”.

Como bien lo señala en el prólogo Pedro Ángel Palou: “Son pocas las obras escritas en México, ya sea de narrativa o cualquier otro género, que hacen referencia a la vida boxística. Y pocas también las que logran que el texto no sea un refrito de lugares comunes, que el acto creativo, por mucho que se inspire en el ambiente pugilístico, logre independencia y singularidad. En este sentido, Alejandro Toledo le da vida propia al texto. Lo anterior no se logra sin cierto trabajo físico, sin involucrarse a fondo en esta serie de reportajes, sin tomar en cuenta los recursos narrativos idóneos, en pocas palabras, como diría Sabines: ‘Así como aprendiste a boxear, así hay que aprender a escribir’”.

Alejandro Toledo “desarrolla cada uno de sus reportajes (si es que se pueden llamar reportajes, pues los textos son más bien fronterizos, oscilan entre la crónica y la entrevista, la biografía y el cuento) mediante una libre combinatoria de espacios y tiempos. Las situaciones se establecen en un determinado momento de los boxeadores (ya sea durante el entrenamiento de preparación para alguna pelea, desde la distancia y la vejez del retiro o durante alguna reunión aparentemente improvisada), y una vez que se ha fijado un punto de referencia, comienza el vaivén entre diversos tiempos, la rotación del disco, se puede ir incluso de la descripción de un día de entrenamiento a una entrevista con los padres del mismo boxeador ya muerto. La elasticidad en el manejo de los tiempos, pero sobre todo la habilidad del autor para desarrollarlo estilísticamente, hacen que la lectura sea ágil y atractiva, que tenga un valor más allá de lo simplemente descriptivo”, es parte de lo que señala Palou en el prólogo para De puño y letra: historias de boxeadores.

En su epílogo Mauricio Carrera señala: “Insisto que es un libro de box, sí, pero desde el periodismo, la literatura. (…) A Toledo le gusta esta combinación de golpes: Cervantes y Joe Louis, Jack London y Muhamad Alí, Tom Wolfe y Mantequilla Nápoles, Vicente Leñero y El Chango Casanova, Ricardo Garibay y Sal Sánchez. Eso es lo que está aquí. Historias de boxeadores rubricadas con su puño y letra”.

De puño y letra: historias de boxeadores (Dogma Editorial/Gimnasio Pancho Rosales), de Alejandro Toledo, se presenta el sábado 3 de octubre a las 18 horas en la librería Fiel a la Tierra —Mérida 215, col. Roma Norte— con la participación de José Luis Martínez, Armando Alanís y el autor.

El Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en X’ocen estrena CONMEMORANTES una obra que es el dolor de todas las madre buscadoras.

By Sobre 2 ruedasNo Comments
Bajo la dirección de Delia Rendón la obra se presenta en el Espacio Escénico de X’ocen, Valladolid, Yucatán, jueves 1, viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de octubre a las 18:30 horas y la entrada es libre. Presentada en español y maya, y como no existe en esa lengua la palabra CONMEMORANTES ha sido traducida como MIX TIK TU’UBSIK que significa NO OLVIDAMOS.
La compañía acaba de obtener el estímulo México en Escena – Grupos Artísticos (MEGA). A partir de diciembre programarán nuevas presentaciones  y en octubre de 2027 estrenarán una versión de Yerma de Lorca.

Desde hace meses Delia Rendón Novelo, directora y fundadora del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en X’ocen comenzó a trabajar con 30 actores de las comunidades de Valladolid, Yucatán, y otras aledañas, la obra de CONMEMORANTES de Emilio Carballido, “porque el teatro es la mejor manera de conocer nuestra historia” y quiere que allá se conozca esta conmovedora narración de una madre que acude a una conmemoración buscando a su hijo desaparecido tras la trágica matanza del 2 de octubre de 1968.

“Aquí en Yucatán, como creo en muchas parte de México, no se conoce bien esa historia del Movimiento Estudiantil de 1968, y para mí el teatro es la mejor manera de aprender y conocer nuestra historia, además el lenguaje de los textos maestro Carballido en esta obra son muy poéticos,  por estas razones es que hemos decidido montar esta historia que vamos a presentar en cuatro funciones del 1 al 4 de octubre, todas a las 18:30 horas, con entrada libre, en el Espacio Escénico en X’ocen, Valladolid, que es un escenario muy bello”, cuenta en entrevista Delia Rendón.

Se trata de una obra que sigue vigente en un país con desapariciones, con madres buscando a sus hijos, hablar de eso, es concientizar el dolor.

“El personaje es una madre que busca a su hijo que desapareció en ese mitin del 2 de octubre del 68, ya pasaron 10 años, pero ella sigue buscándolo como el primer día, y cada año va a las conmemoraciones porque tiene la esperanza de que ahí alguien le dé información que llegue a encontrar a su hijo del que no sabe si está vivo o muerto, ella ya recorrió delegaciones, hospitales, depósitos de cadáveres y no lo encuentra. Ella no puede dejar de buscarlo hasta saber qué pasó con él”, añade.

La obra será presentada en español y maya, y como no existe en esa lengua la palabra CONMEMORANTES ha sido traducida como MIX TIK TU’UBSIK que significa NO OLVIDAMOS.

“La madre en la obra original del maestro Carballido es un personaje, es un monólogo, pero en esta versión de nosotros, por la misma necesidad de que se debe hablar en los dos idiomas, yo puse a dos madres que hablan en español, y a dos que hablan en maya, por varias razones, porque esto es también un símbolo y un reconocimiento a todas las madres buscadoras, no es una sola la que busca, son cuatro, pero estas cuatro representa a todas las que buscan a sus hijos o a sus seres queridos que han desaparecido en represiones” cuenta la directora de esta compañía que se ha caracterizado por presentar sus obras en versiones bilingües.

“La traducción siempre se hace en taller, los mismos actores de Laboratorio van leyendo la obra y analizándola, ya bien analizada se van traducción las partes del texto, porque si se podría traducir toda, pero sería muy larga la obra y se duplicaría el tiempo de interpretación, entonces se van seleccionando textos de manera de que con esos texto se entienda la historia y así es como se va traduciendo la obra al maya entre los actores y hay un asesor de lengua maya que es quien va diciendo cómo decir las cosas correctamente para cuidar que se diga lo que el autor quiso decir, tratamos de que tenga su equivalente en maya. Hay un coro que puede hablar en español o maya y la actriz en el otro idioma, de otra manera sería hasta aburrido, hay que buscar muy bien cómo se hace este juego de manera que el texto se escuche musical, con armonía.

En un país con heridas como el 68 o Ayotzinapa la obra sigue vigente.

“Es muy actual la obra, ahí tenemos a los jóvenes de Ayotzinapa que no se sabe qué pasó con ellos, y los que no se ponen en la piel de sus padres no pueden entender que no dejarán de buscar, es peor no saber. Aquí los que participan en la obra, todos son muy jóvenes ni siquiera habían nacido cuándo sucedió este mitin del 68, así que ahora que hemos estado trabajando en los ensayos no daban crédito al principio de que eso hubiera pasado y hubieran matado a tanta gente y toda esa represión contra los jóvenes, ser joven en ese época era un cometer un crimen porque se les perseguía por protestar por lo que creían”.

La compañía del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en X’ocen acaba de ser seleccionada con el estímulo México en Escena – Grupos Artísticos (MEGA) que da la Secretaría de Cultura, una de las más importantes para el trabajo del teatro y esperan llevar ésta y otras obras a otras comunidades de Yucatán, Tabasco y la Ciudad de México. La última vez que estuvieron en Ciudad de México presentaron Quién anda ahí de Emilio Carballido en 2022.

A partir de diciembre comenzarán a trabajar en otras presentaciones de CONMEMORANTES. Luego montarán nuevamente Juan Balam, que marcó un hito al ser la primera coproducción del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena (LTCI) de X’ocen en sus más de tres décadas de trayectoria, trabajando de la mano con la agrupación urbana El Sótano Colectivo Escénico de Mérida; la historia basada en la pieza Salvajada del argentino Mauricio Kartún, adaptada por Bryant Caballero para situarlo en el contexto en la selva de Yucatán. Seguirán con Una edad feliz una obra de María Alicia Martínez Medrano, que está inspirada en Lilus Kikus de Elena Poniatowska, narrando la historia de una niña que vive en el campo, juega con los árboles pero se la llevarán a la ciudad. En octubre de 2027 estrenarán una versión de Yerma, una adaptación del clásico de Federico García Lorca.

 

LA QUEBEQUENSE DENISE DESAUTELS GANA EL PREMIO DE POESÍA JAIME SABINES / GATIEN LAPOINTE 2026

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La edición número 24 del premio Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines / Gatien Lapointe lo obtuvo la  quebequense Denise Desautels por escribir una obra de lenguaje maduro, organizada como el relato de una agonía, pero también como la constatación de que tal relato es imposible, en su  libro Tombeau de Lou (Sepulcro de Lou).

El Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines / Gatien Lapointe, que lleva el nombre de dos de los poetas más importantes de México y Quebec, Canadá, es otorgado cada año por el Seminario de Cultura Mexicana (SMC) y el Festival Internacional de Poesía de Trois-Rivières, FIP, y desde su fundación en 2003 es entregado a un poeta de alguno de los dos países por un libro coeditado en versión bilingüe español/francés, habitualmente los años nones lo ha recibido un poeta mexicano y los pares un poeta quebequense.

«Tombeau de Lou tiene la verosimilitud punzante de un testimonio personal y la compleja hondura de un descenso a la soledad, al malestar, al deterioro del cuerpo, al cansancio y a la incomunicación. Se trata de un libro con un ritmo sostenido que se transforma en pulsión hacia el dolor, hasta rescatar la vida”, determinó sobre la obra el jurado que en esta ocasión estuvo integrado por Silvia Eugenia Castillero, Luis Armenta Malpica y Luis Vicente de Aguinaga, quienes por unanimidad tomaron la decisión de premiar a Tombeau de Lou, publicado en 2000 por Éditions du Noroît y en 2015 en Guadalajara por  Mantis Editores, en edición bilingüe, traducido por Silvia Pratt bajo el título de Sepulcro de Lou.

El nombre de la ganadora se dio a conocer el martes 22 de septiembre en una conferencia desde las instalaciones del Seminario de Cultura Mexicana (SCM) y mediante una reunión de prensa virtual con medios de comunicación y la ganadora. En una reunión encabezada por el arquitecto Felipe Leal, presidente del SCM, y los escritores Marco Antonio Campos y Silvia Molina, miembros del Seminario. En línea participaron Silvia Pratt, traductora de la obra premiada; Eveline Charland, Directora Artística del Festival International de la Poésie de Trois-Rivières; Luis Armenta Malpica, traductor del francés e integrante del jurado, Louise Dupré, poeta ganadora del mismo premio en 2016; así como la galardonada Denise Desautels.

En su participación, Marco Antonio Campos felicitó a Denise Desautels  y se refirió a Tombeau de Lou como un largo poema en prosa que detalla “hasta la última minucia la enfermedad, el declive, la agonía, y el fallecimiento de una amiga de la infancia de quien nunca sabemos su nombre, cómo no sabemos en qué año de la transición del siglo ocurrieron los hechos, ni sabemos la enfermedad incurable que la amiga padeció.

Campos destacó el efecto que produce en el lector el lenguaje de la obra: “en páginas del poema, una frase musicalmente lleva a la otra, frases que parecen salir del cuerpo enfermo y herido de la amiga y entran con su dolor y tristeza en la escritura de Denis y ese dolor y tristeza entran a su vez al lector. La “mariposa mía”, como la llama Denise Desautels, va dejando de volar, pero en el aire y los árboles y las casas deja su belleza. La muerte existe y la palabra muerte se vuelve un retorno, la muerte es algo que sucede, alcanza todo. Los hechos suceden en la ciudad de Montreal”.

“Las antiguas niñas crecieron demasiado deprisa y se forjaban aún historias futuras, paseando los domingos por los parques, por los jardines florecidos o los cementerios, lentas caminatas” y “aún se hacían exactamente como antes promesas de eternidad. Antes.”

Silvia Pratt, poeta y traductora hablo de las cuestiones fundamentales de su trabajo como es estar inmersa en la obra y cultura que se va a traducir: alcanzar la esencia fundamental para la recreación del texto. Sobre este libro habló del ritmo que tuvo que seguir para llegar al punto final. Y agradeció al programa PROTRAD Programa de Apoyo a la Traducción coordinado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, por el cuál pudo realizar la traducción de este y otros dos libros.

Denise Desautels habló sobre la cercanía que encuentra entre la poesía quebequense y la mexicana en la presencia de la muerte como un tema compartido: “creo que es una poesía que está cercana. Recuerdo mis momentos en México, especialmente en otoño, la muerte estaba muy presente y me sentía como en casa». Dijo que la poesía en este momento trata de ser una resistencia al mundo que nos encontramos, en ella hay un detenimiento de las cosas, y quienes leen poesía van a encontrar algo distinto al mundo en que vivimos.

Contó que la poesía surgió en ella como un grito de su tema y sus inquietudes sobre la muerte.

 “Tu muerte me mata, mariposa mía, y tu muerte me libera, y tu muerte me arrebata (ta mort me soulage, me ravit)”

El premio es otorgado en un año especial que conmemora el centenario del nacimiento del poeta Jaime Sabines, figura fundamental de la literatura mexicana y universal, alrededor del que se han realizado homenajes, ediciones especiales, mesas redondas y la aparición de un libro con sus Poemas rescatados (1948-1968) que recopila 70 poemas inéditos que el poeta revisó en sus carpetas para ser publicados, una edición  que cuidó su hija Judith Sabines –quien escribe un prólogo– y que ha sido editado la UNAM en la colección Poemas y Ensayos a cargo del Marco Antonio Campos.

El Premio de Poesía Jaime Sabines / Gatien Lapointe nació con el objetivo de fortalecer y enriquecer las relaciones literarias bilaterales entre México y Québec. Y por eso lleva el nombre de uno de los grandes poetas de cada región. El reconocimiento consta de 100 mil pesos (6,800 dólares canadienses) aportados conjuntamente por los organizadores. El año pasado lo obtuvo el poeta Francisco Magaña , y en su primera edición en 2003 lo obtuvo Alí Chumacero. Otros galardonados son : Paul Chamberland, Luis Armenta Malpica, Louise Dupré, Coral Bracho, Émile Martel o Elsa Cross.

Denise Desautels (Montreal, 1945) es una poeta quebequense de lengua francesa, autora de más de cuarenta libros de poesía, relatos y libros de artista. Su escritura explora la memoria, el dolor y el duelo desde una perspectiva íntima y una conciencia de la experiencia femenina, en constante diálogo con las artes visuales. Ha recibido el Premio de Poesía del Gobernador General de Canadá y, por el conjunto de su obra, los premios Athanase-David (2009) y Jean Arp de Literatura Francófona (2010). En 2022 obtuvo el Premio Apollinaire por Disparaître, creado en colaboración con la artista Sylvie Cotton; ese mismo año se convirtió en la segunda voz poética de Quebec, después de Gaston Miron, publicada en la colección Poésie/Gallimard.

«Palabra de mar» poesía de Santiago Espinosa de los Monteros, con obras de Fernando Moreno.

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasNo Comments
Palabra de mar es un libro de poesía del escritor Santiago Espinosa de los Monteros que surge a raíz de la exposición homónima del artista Fernando Moreno, compuesta por dibujos en tinta, pinturas y serigrafías en donde el mar es el protagonista.

 

A continuación seleccionamos 3 poemas con la obra correspondiente que lo acompaña en el libro.

3

Parado sobre este risco apunto mi frente a donde el sol se
pone

Apenas y puedo mirarle

libro una batalla contra el viento de sal que me obliga a
cerrar los ojos

A punto de esconderse el sol me revela sus secretos

Asisto a la elevación del horizonte

 

5
Estoy en la línea exterior de la historia

Tus playas
mar

son la frontera en la que nos encontramos cara a cara

 

Nunca esa línea dejará su bastión

 

He llegado hasta aquí

tú siempre has estado ahí

 

7
En tierra firme

suelo bajo mis pies

 

Cerros custodios a mis lados

Hoy

lo sé

salí para venir al mar

Dejarlo todo

casa

grey

cielo

libros

y tu mirada…

Vengo al mar donde todo se mueve

las nubes se encargan de llenarlo desde junio hasta
septiembre para que no se muera

Casas y calles son cómplices de relámpagos

Aquí en el mar las palabras son diferentes

El cuerpo húmedo empieza cambiando de poco en poco
cada una de las letras de lo que se dice

He dejado de entender

nada es lo mismo ahora que le nombro

Es como si todo estuviera tan lejos

Ya no las escucho si alguien desde allá me nombra

No son distintas a las palabras

es sólo que no me acuerdo lo que quieren decirme

 

 

Edición especial del libro Palabra de Mar. Encuadernado Japonés . Abril 2026

Palabra de Mar es un canto. Es una cascada de impresiones a una sola voz, la de Santiago Espinosa de los Monteros, interpretado por las partituras dibujísticas del artista Fernando Moreno. En ambos, en el texto y la imagen, el lenguaje se extiende, el agua es elemento de gran plasticidad, es la corriente marítima que mueve los significados y nos conduce por su cauce (…) En la desposesión, en la ausencia y en el dolor de la soledad, la palabra del mar se convierte en salvavidas. Es un asidero, que ayuda a liberar la pérdida. El mar bautizo, el mar principio de la vida, es ese amar que bate en la memoria: José Manuel Springer.

Fernando nos invita a conversar con nuestras tormentas, a contemplar la inmensidad del cosmos desde la orilla de nuestro ser, recordándonos que, incluso en el caos, nacen estrellas. Este libro es una declaración de vida: amar y crear, con la libertad que solo otorga la transformación: Gabriela Gorab

TAMAYO, NIETO Y TOLEDO: LOS AÑOS EN PARIS EN EL MUSEO TAMAYO.

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasOne Comment

Estuvieron juntos en los años 50-60 del siglo pasado en París. El texto de presentación dice que en esta ciudad transformaron sus prácticas y pusieron en diálogo la estética prehispánica y el arte popular con las vanguardias internacionales. Esto es particularmente evidenciado en el caso de Nieto, con referencias explícitas a sus lazos con el movimiento COBRA, como lo veremos luego. A mi parecer, otro de los aspectos interesantes de la confrontación es que vemos a Nieto buscándose, cavando su identidad , su existencia, a Toledo bailando sobre un hilo entre mito y realidad, manejando una sutil ironía, riéndose hasta de sí mismo ,y Tamayo imperial, generoso en la pintura y en la vida, funcionando como guía, mentor, pasarela entre las generaciones.

En las obras de Nieto se nota la voluntad de buscarse a sí mismo, la ansiedad sistematizada : en Zoología mental , la serie de obras se parece a una introspección sensible dominada por un proceso analítico, con colores intensos, de cuadro a cuadro hasta toparse con pared. Este auto análisis se concibe de manera científica, como en la serie de enfrente, que alude a imágenes producidas en laboratorios. Es patente la voluntad de afirmarse, de encontrar una solución a una crisis existencial. Si lo comparamos con el surrealismo, al que estaba tan cercano, Rodolfo Nieto sería más Artaud que Bretón.

Por otra parte, es importante señalar sus afinidades con Cortázar y con los miembros del grupo COBRA, acrónimo de Copenhague- Bruselas – Ámsterdam de donde venían sus miembros, movimiento artístico literario y pictural muy importante de la posguerra que se puede situar entre el surrealismo , el situacionismo y la beat generación, con una reivindicación del anarquismo, de la cultura popular y del art brut. En la mesa de su espacio, hay obras con formas redondeadas y texto caligrafiado arriba que parecen haber sido hechas a mano con Alechinsky y la última obra presentada , por la explosión de colores, las oposiciones y los colores chillantes podría ser un homenaje a Karel Appel.

En Toledo el mito se burla de la realidad. Estamos en el mundo de las fábulas, en las que el animal se ríe del hombre, un mundo al revés donde “El chango de Juchitan ”, como el mismo se calificaba, opera un cambio al transformarse en un gran pintor. Es la metamorfosis de Kafka (sobre la que Toledo luego trabajará) en un proceso inverso. Animal y hombre, mito y realidad, lo que se vive y lo que se siente, todo se intercambia, se transforma, se amenaza o festeja. Es un este sentido al contrario de Nieto, tan serio y determinado a comprenderse, a tratar de entender lo que es el mundo. Si usamos una terminología nuclear,Toledo es fusión , mientras que Nieto es en gran parte fisión.

El gran Tamayo, mucho mayor( dos generaciones los separan) , aparece como un especie de mentor de los dos jóvenes oaxaqueños . En su pintura “predominan la forma, el sentido del espacio, desde luego el color y su divina pincelada ”( J.A. Manrique. La Jornada). Trabaja con pocos elementos descriptivos, como a los jóvenes le interesa la dualidad, la poesía del color, la emoción .Se dice de la obra del Gato que evoca los horrores de la Segunda Guerra Mundial, con una referencia quizás a ciertas figuras del Guernica de Picasso. Pero hasta este gato está acompañado de una luz fuerte que proviene del sol o de la luna . No es el perro de Goya, es un grito y también la afirmación de una pulsión vital, feroz y determinada, a mi parecer.

El inquieto, el burlón, el radiante. Tres grandes en Paris.

San Diego Comic-Con Málaga 2026: excelencia, cercanía y una segunda edición orientada al fan

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-  Tras el éxito de su desembarco pionero fuera de Estados Unidos, la “San Diego Comic-Con Málaga” vuelve este 2026. Se presentó en el Museo del Automóvil y la Moda de Málaga la programación oficial para su segunda edición, que se celebrará del 1 al 4 de octubre en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga (FYCMA). El encuentro reunirá más de 300 horas de contenido dedicado al cine, series, cómic, manga, anime, videojuegos  y cosplay.

A diferencia del arranque inicial de la convención, esta nueva entrega llega marcada por la presencia clara, cercana y accesible de su director general, Fernando Piquer, quien abandera un liderazgo de puertas abiertas y abierto al diálogo. Piquer no solo representa la cara visible y humana de la organización, sino que transmite una pasión genuina por perfeccionar la experiencia del asistente.

En conversación sobre las expectativas para el público internacional —especialmente para los aficionados que viajen desde México, Estados Unidos u otros puntos de Iberoamérica—, Piquer subrayó las particularidades que hacen única a la cita malagueña:«Quienes vengan en estos días van a encontrar una Comic-Con con una personalidad muy especial. Mientras que San Diego cuenta con una trayectoria de décadas, aquí estamos construyendo nuestra segunda edición con la máxima ilusión. Mantenemos el estándar de excelencia internacional y la presencia de grandes estrellas e invitados de primer nivel, pero en un formato fresco, más cercano y accesible», explicó el directivo.

Para Piquer, el vínculo afectivo con la capital andaluza refuerza este carácter acogedor: «Estar aquí tiene un significado muy personal para mí; mi padre es malagueño y yo mismo he vivido en esta ciudad. Málaga es un lugar que invita a venir, que abraza al visitante con calidez y hospitalidad. Ese ambiente ha sido una pieza fundamental y un gran punto de apoyo para todos los que nos visitan».

Al reflexionar sobre la responsabilidad de encabezar este proyecto y la evolución respecto a la edición precedente, el director compartió una máxima que guía el trabajo de todo el equipo:«No se trata especialmente de lo que quiero hacer ni de lo que quiero tener, sino de creer en algo: creer en construir algo especial y bien hecho. Llevamos meses trabajando sobre cada detalle y escuchando a la comunidad para superar cualquier falla anterior. Queremos que, al finalizar estos cuatro días, cada persona sienta que valió totalmente la pena estar aquí».

Asimismo, enfatizó que el espíritu del evento trascenderá las paredes del recinto ferial: «Van a ser cuatro días que no solo se van a vivir, sino que se van a recordar. Queremos que la Comic-Con se sienta en cada rincón de Málaga mediante una gran ambientación urbana».

Para responder a las demandas del público, la organización ha introducido importantes mejoras técnicas y logísticas:

Incremento sustancial en las cabinas de firmas: Con el objetivo de agilizar el flujo de personas y facilitar el encuentro directo entre los fans y sus referentes, la zona de autógrafos y encuentros contará con un número considerablemente mayor de cabinas respecto al año anterior.

Respaldo masivo de la industria: Todos los grandes estudios cinematográficos, plataformas de entretenimiento y firmas de relevancia global estarán representados con paneles y presentaciones exclusivas.

Agenda Digital y Portal del Fan: Se ha presentado la app y web oficial para explorar las más de 300 actividades. Los asistentes registrados como «Fans» podrán acceder a la reserva previa de asientos a partir del viernes 25 de septiembre a las 11:00 horas.

La atmósfera festiva se hizo evidente en la propia presentación con la presencia de cosplayers caracterizados como los personajes del cartel oficial, quienes posteriormente recorrieron la emblemática Calle Larios de Málaga para compartir la iniciativa con la ciudadanía.

En el ámbito competitivo, destacaron las declaraciones de la cosplayer e integrante del jurado internacional del BBVA Cosplay Contest, Ayuru, quien explicó la minuciosidad tras el concurso:«El trabajo del jurado empieza mucho antes de que los participantes suban al escenario. Horas antes nos tomamos el tiempo de revisar cada traje en detalle: costuras, técnicas de confección y acabados. Muchas veces la clave no está en el traje más voluminoso, sino en el mejor trabajado y cuidado».

El programa combina grandes figuras del audiovisual —como Iñaki Godoy (One Piece), Aya Cash (The Boys), Karl Urban, Elijah Wood, Sean Astin, Kevin Smith o el legendario Charles Martinet (voz de Mario Bros)— con figuras históricas del cómic como John Romita Jr. y creadores referentes del anime y la animación mundial.

Con el respaldo institucional del Ayuntamiento de Málaga y la Junta de Andalucía, la San Diego Comic-Con Málaga 2026 se perfila así como una cita imprescindible que aúna la dimensión internacional de los grandes eventos globales con la calidez y hospitalidad propias del sur de España.

Antonio Sánchez hace vibrar el Teatro Cervantes de Málaga con la música en vivo de Birdman

By Sobre 2 ruedasNo Comments

​Málaga, España  — Ver una obra maestra del cine contemporáneo siempre es un placer, pero presenciar cómo cobra vida en tiempo real a través del instrumento que le dio pulso y alma es una experiencia transformadora. El virtuoso baterista mexicano Antonio Sánchez se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga para ofrecer una proyección especial de Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), acompañándola en directo con su batería. Un encuentro de altísima categoría que, aunque contó con una escasa asistencia de público, culminó con una calurosa ovación de los presentes.

​Antes de dar inicio a la función, Sánchez salió al escenario con micrófono en mano para conversar de manera directa con los asistentes. Con una cercanía espontánea y natural, transmitió una gran confianza al público, salpicando su relato con agudos comentarios graciosos que sacaron más de una sonrisa a la audiencia. Entre risas, agradeció el cariño recibido desde su llegada a España, recordando que lleva tres años residiendo en Barcelona. A partir de ahí, fue hilvanando una crónica personal sobre sus orígenes, su pasión por el jazz y la singular historia de cómo terminó poniendo ritmo a una de las cintas más aclamadas de Alejandro González Iñárritu.

​Sánchez rememoró sus años de juventud en México escuchando una conocida estación de la frecuencia FM, una etapa clave en la que descubrió infinidad de música antes de volcarse por completo al jazz y mudarse a Los Ángeles. Por aquel entonces, Iñárritu ya era una de sus grandes referencias, aunque jamás imaginó que lo conocería en persona. La sorpresa llegó tras un concierto, cuando el cineasta se le acercó para felicitarlo por su solo de batería. El músico confesó entre risas la vergüenza que sintió al no reconocerlo de inmediato y preguntarle a qué se dedicaba, descubriendo con asombro que hablaba con el director de Amores perros.

​Tras intercambiar teléfonos, la historia dio un giro inesperado tiempo después. Mientras conducía, Sánchez recibió una llamada de un Iñárritu emocionado, quien le propuso componer la banda sonora para su nueva película, una obra donde la batería tendría el rol protagónico. El baterista aceptó de inmediato, pero a los cinco minutos el pánico se apoderó de él: jamás había trabajado para el cine. Al recibir el guion, la perplejidad fue aún mayor debido a la complejidad de la historia.

​Las primeras melodías que envió no convencieron al director, quien le dijo con franca ironía que estaban «muy bonitas», pero no servían para lo que buscaba. Iñárritu no quería piezas pulidas, sino la visceralidad pura de la improvisación.

​Para resolverlo, se reunieron a trabajar directamente sobre el libreto. Escena por escena, Iñárritu le explicaba la intención dramática y, mediante señas con las manos al haber un corte o cambio de ritmo, indicaba a Sánchez cuándo debía variar la temática rítmica. Así, a base de intuición y dinamismo, nació la identidad sonora de Birdman.

​Aunque la cinta se llevó tres premios Óscar —entre ellos Mejor Película— y la música no pudo competir en la Academia por temas reglamentarios, el trabajo de Sánchez tuvo su revancha al año siguiente al conquistar un premio Grammy, detalle del que también hizo gala con simpatía y sentido del humor.

​Una lección magistral que merecía sala llena

​Debido a que la gran pantalla de proyección ocupaba la totalidad del escenario, la batería de Antonio Sánchez no se ubicó sobre las tablas, sino abajo, en el foso donde habitualmente se sitúa la orquesta en los espectáculos en vivo, muy cerca de la zona de palcos. Durante la sesión, el músico advirtió que lo que se escucharía no sería una copia idéntica del filme, sino un ejercicio vivo enriquecido con improvisaciones en directo. El resultado fue sensacional: la fuerza de los golpes y la precisión rítmica dialogaron a la perfección con el plano secuencia de la pantalla, sumergiendo al teatro en una atmósfera hipnótica.

​El punto culminante de la velada llegó durante los créditos finales, cuando Sánchez se desplegó por completo en una demostración sublime de maestría musical. Con los ojos cerrados y entregado en cuerpo y alma a su instrumento, cautivó a los presentes extrayendo una riqueza infinita de matices, tonos y matices rítmicos de sus platillos y tambores, coronando la proyección con una exhibición sonora inolvidable.

​A pesar de la trascendencia del evento y de la categoría internacional del músico, llamó la atención la reducida afluencia de espectadores en el recinto malagueño, privando a estudiantes de música y cinéfilos locales de lo que fue una verdadera e irrepetible clase magistral. No obstante, quienes estuvieron presentes supieron valorar la magnitud del espectáculo y entregaron al artista una cerrada y emotiva ovación, reconociendo el inmenso talento de un mexicano que ha dejado una huella imborrable en la historia reciente del séptimo arte.

ICONOCLASTAS

By Sobre 2 ruedasNo Comments
El desayuno fue en el restaurante del hotel Geneve de la Zona Rosa. Nos habíamos citado varios colegas para discutir los contenidos de la Feria del Libro del INAH, de la que entonces yo era responsable. El país invitado, las ampliación de los “stands”, la edición de un libro conmemorativo. Entre otros estaban ahí el añorado Hernán Lara Zavala, director de publicaciones de la UNAM, y Joaquín Díez-Canedo, encargado del FCE. “Podríamos invitar a Elena Poniatowska a la ceremonia inaugural”, propuso alguien, cuando me alcé de la mesa buscando los sanitarios. Al pasar junto a la recepción noté que todos observaban el televisor en medio del muro. Una noticia matutina, la cámara enfocando aquellos edificios de Nueva York. Una de las torres gemelas con un hoyo en el piso 106, que soltaba humo. “¿Qué pasó?”, quise indagar. “Parece que un avioncito se estrelló contra el edificio”, y me fui a la mesa a informar. Hernán se volvió hacia el monitor a la distancia, “debe haber sido un piloto que se quedó dormido”. Pagamos la cuenta y nos fuimos despidiendo. Joaquín, con más curiosidad, me acompañó a la mesa de recepción para mal escuchar al locutor que comentaba el hecho, cuando ¡madres!, un segundo avión impactó contra la otra torre, e hizo que el buen Joaquín se fuera al piso de la impresión.

       Era el 11 de septiembre de 2001. Y cambió el mundo.
       La fruición iconoclasta nos acompañará por siempre. Destruir la obra, los monolitos que dejan nuestros gobernantes, para lanzar esa nada como testimonio del cambio (¿revolucionario?) que se está gestando. Muy pronto se supo que los terroristas que se inmolaron en los tres ataques simultáneos (el del Pentágono fue parcial, el de la Casa Blanca no se consumó) pertenecían a Al-Qaeda, la organización yihadista que pretendía (pretende) instaurar la ley islámica en todas las sociedades “paganas”… como la nuestra.
       Destruyendo las torres gemelas, que eran el emblema del progreso y las finanzas en la capital del dinero, se estaría demoliendo un símbolo… que tal vez facilitaría el ascenso de la sociedad pura, regida por el Corán, para erradicar a las corruptas democracias de Occidente.
       Lo que siguió fue el prolegómeno de la historia que navegamos en el siglo XXI… y que en nuestro medio coincidió con la ruptura del régimen más o menos autocrático de entonces. Vencido el PRI en las elecciones del año 2000, se pensó que ingresaríamos en una lucha política moderna, justiciera, de iguales.

       El movimiento iconoclasta del siglo VIII y IX de nuestra era, fundamentalmente en Bizancio, decretó la destrucción de todas las imágenes religiosas (crucifijos, santos, retablos) para que los feligreses rindieran pleitesía a “la esencia divina” y no su representación en piedra o madera. Así fue la lucha de entonces, iconoclastas contra iconódulos, es decir, “los adoradores de las estampitas”, diría alguien.
       Cada régimen tiene sus particulares sagrarios. ¿A quién hay que venerar?, y a quién enterrar. El enemigo del anterior régimen fuer el Héroe del 2 de abril, Porfirio Díaz. Era el tirano protocapitalista, el ricachón afrancesado, el siete veces presidente (en cargo discontinuo, de 1876 a 1911). Otras figuras a las que, paulatinamente, se encargarían de demoler los historiadores modernos, fueron desde luego Victoriano Huerta, Venustiano Carranza, Elías Calles, Gustavo Díaz Ordaz, Felipe Calderón… cuya estatua, derribada, reposa en los jardines de Los Pinos sin que un alma caritativa se anime de erguirla de nuevo junto a sus pares.
       Ese ánimo intolerable es el que ha permeado, por ejemplo, en las declaraciones de los últimos tiempos contra el ser español. Todo lo que represente al reino de España ha sido condenable por los gobiernos de AMLO y la presidenta Sheinbaum. De la necedad de exigir “perdón” por los excesos de la Conquista, a la idea de cambiarle el nombre al Paso de Cortés, en la cordillera de Anáhuac, asoma ese prurito iconoclasta, que muy bien permite atender esas nimiedades cuando no el avance de las mafias criminales por medio país.

       Ciertamente que las pirámides de Tláloc y Huitzilopochtli fueron arrasadas en la Tenochtitlan de entonces… con cuyos piedras fueron cimentados (por cierto) los edificios del Palacio Nacional y la catedral metropolitana. Destruir para reconstruir, vieja norma de la economía. De modo que el ánimo iconoclasta no nos abandona. Echarle la culpa de todos los males al antecesor… “que nosotros traemos la redención inscrita en la sonrisa”. Echarle la culpa a los que no piensan como nosotros… “emisarios del pasado”, les llamó Luis Echeverría; “sanguijuelas del periodo neoliberal”, se les criticó más recientemente.
       Se han cumplido 25 años de aquel ataque terrorista, que culminaría (diez años después) con el apresamiento y ejecución de Osama Bin Laden. Dede siempre andamos cuidándonos de esos modernos vándalos que no respetan cosa alguna, sagrada ni profana. ¿Y quien habla de reconstruir? Es la tarea.

TEATRO TUERTO

By Sobre 2 ruedasNo Comments
El teatro sigue siendo el lugar donde los seres humanos se reúnen para mirar el milagro de estar vivos. Porqué el teatro que merece ser visto, es la constancia de que vernos a los ojos sigue siendo el más alto grado de amor del ser humano: Fernando de Ita.

 Ahora que estoy batallando con mi vista recordé que hace un tiempo escribí que había siete miradas en el teatro: la del autor, el director, el actor, el escenógrafo, el iluminador, el vestuarista y el público. La séptima mirada de toda producción escénica es la suma de todas y en ella debe estar la del crítico, que al contrario del espectador común debe tener noción de cada una de las partes que componen el todo.

Entonces advertía yo el peligro de que el espectador sapiente que debe ser el crítico olvide que su lugar está en las butacas, aunque eso no impida que conozca lo más posible la tramoya de las seis miradas anteriores a la suya. Me refería al crítico que olvida que es el vínculo entre la intención artística de la obra y el efecto que hace esa voluntad creativa en la séptima mirada, para exigir el teatro que él quiere mirar, no el que está viendo el público.

Eran los tiempos en el que el teatro tenía un canon y los críticos juzgaban la producción dramática y escénica por géneros y estilos. Eran los días en los que yo me preguntaba como crítico: teatro para qué, teatro para quien, porque las salas estaban vacías y las butacas desiertas. Hoy, que esa ausencia es la de la crítica, me pregunto si tiene caso mencionarla porque nadie parece extrañarla.

Digo nadie y me salta el nombre de la doctora Elvira Popova  que hace unos días organizó un encuentro en la Universidad Autónoma de Nuevo León sobre la Crítica teatral en el siglo XXI. La teatróloga y dramaturgista llegó hace unos años de Bulgaria para ver con otra mirada la dramaturgia mexicana de entre siglos y valorar con otros instrumentos teóricos a los autores del siglo XXI que como Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio LEGOM, eran muy celebrados pero muy poco analizados.

Ignoro cuál fue el resultado de la discusión pero sé que uno de los temas fue el desplazamiento de la crítica formal por “contenidos de red”, rápidos, sintéticos y de fácil digestión, que es lo que hay en la nube, en donde no falta una opinión superlativa sobre algún montaje, o una condena visceral  sobre el mismo, que deja contentos o furiosos a los usuarios, y punto, porque la cultura líquida se va entre los cables de la computadora y la pantalla del Fon ya está reclamando otro post, otra alabanza, otro insulto. Aunque como excepción hay textos sorprendentes por su hondura y  buena factura literaria, que igualmente se pierden en esa red de formas sin fondo, de impresiones no de reflexiones, de tomas parciales de lo real cuyo montaje rara vez te permite el contexto.

La fragmentación del mundo que privilegia la virtualidad y la simultaneidad de las acciones que presenta en vivo han dinamitado el tiempo clásico del teatro y por ende el de la crítica. Ya se puede estar en el día y la noche al mismo tiempo y la historia criminal de La casa de Atreo se puede contar en cinco minutos. Ya no hay sustento mitológico ni simbólico en los crímenes de lesa humanidad que vemos por internet. Sólo sangre, fuego, demencia y sin sentido. Cómo puede el artificio del teatro capturar una masacre colectiva, la matanza de niños y mujeres embarazadas ya no en Palestina sino en el barrio donde vivo? Qué explicación da el arte a lo inexplicable?

Solo puedo añadir que el teatro y la crítica tienen mucho en qué pensar.