Pilar Jiménez Trejo, autor en Cultura en Bicicleta

Catálogo de la exposición: Cultura en Bicicleta en el Senado de la República.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

Más de 80 artistas visuales y dos colecciones de arte-bicicletas sustentables
La cuña del 08 al 12 de abril.

Se trata de una exposición de obras visuales de un reconocido grupo de artistas mexicanos y/o residente en el país, que hacen una metáfora de este invento que cambió la historia, revolucionó el transporte, ayuda a mejora la salud y la economía, es amigable con el medio ambiente y ha continuado su evolución desde hace 200 años.

Piezas que son metaforas de la bicicleta como una fiesta de creación. Los visitantes se encontrarán con una muestra en la que, a través de obras en disciplinas y técnicas diversas como pintura, escultura, dibujo, gráfica, fotografía, arte objeto y bicletas intervenidas, se recrea un homenaje a este vehículo libérrimo, autónomo, personal y, quizá, principalmente, lúdico.

El arte y la bicicleta se conjugan en sus características propiciatorias de libertad, es ahí dónde se tocan, por eso, (tantos) escritores, poetas, pintores, escultores, músicos y artistas visuales, han dedicado trabajos creativos para hablar de su afición, gusto y amor por la bicicleta.

CATALOGO DE OBRA

AUTOR: GILBERTO ACEVES NAVARRO

Título: GANB007 Bicicleta

Técnica: Acero/esmalte

Medidas: 37.5 x 52.5 cm

Año: 2014

Precio: 3,000 dólares USD

AUTOR: GILBERTO ACEVES NAVARRO

Título: GANB006 Bicicleta,

Técnica: Acero/esmalte

Medidas: 36.2 x 55.5 cm

Año: 2014

Precio: 3,000 dólares USD

AUTOR: GILBERTO ACEVES NAVARRO

Título: GANB018 Bicicleta

Técnica: Acero/esmalte

Medidas: 19.6 x 24 cm

Año: 2014

Precio: 1,000 dólares USD

AUTOR: GILBERTO ACEVES NAVARRO

Título: GANB019 Bicicleta

Técnica: Acero/esmalte

Medidas: 18 x 26.2 cm

Año: 2014

Precio: 1,000 dólares US

AUTOR: FERNANDO ACEVES HUMANA

Título: Bicicleta de Pilar

Técnica: Acuarela

Medidas: 20 x 25cm

Año: 2022

Colección Particular

AUTOR: FERNANDO ACEVES HUMANA

Título: Cyclopusse Camboya

Técnica: Plumilla sobre papel

Medida: 14 x 21.5

Año: 2023
Precio: $10,000 pesos

AUTORA: KIKA AGUILAR-ARRANGÓIZ

Título: Rodando en rojo

Técnica: Mix media sobre panel MDF

(acrílico, tinta, collage, pastel oil)

Medidas: 60×40 cm

Año: 2024

Precio: $5.500 pesos

AUTOR: ALEJANDRO AGUILAR BUSTOS

Título: La bicicleta filarmónica

Técnica: Acuarela

Medidas: 100 x 52 cm

Año: 2022

Precio: $16,000 pesos

AUTOR: JUAN PABLO AGUILAR

Título: Sin título (sobre bicicletas)

Técnica: Técnica mixta y collage sobre papel

Medidas: 40 x 35 cm

Año: 2024

Precio:$ 5,000 pesos

AUTOR: ALDO ALCOTA

Titulo: La bicicleta primaveral

Técnica: Acrílico sobre tela

Medida: 14 x 17.5

Precio: $6,500 pesos

AUTORA: GABRIELA ARÉVALO

Título: Bajo la lluvia

Técnica: óleo sobre tela

Medidas: 50 x 70 cm

Año: 2023

Precio: $15,000 pesos

AUTOR: RICARDO ARJONA L.

Titulo: el paseo del búho

Técnica: Mixta

Medida: 40 x 54 cm

Precio: $13,000 pesos

AUTORA: LOLA ARGEMÍ

Título: ‘‘Perdue’

Técnica: Óleo sobre tela

Medidas: 25cm x 30cm

Año: 2024

Precio: 9,000 pesos

AUTORA: MAGALI ÁVILA

Título: 296 km/h

Técnica: Mixta y encausto

sobre madera

Medidas: 49 x 67 cm

Año:2017- 2023

Precio: $23 mil pesos

AUTORA: CHICA AYALA

Título: Semáforo

Técnica: Resina con pigmentos

Medidas; verde 23 x 24 x 4.5 cm/ Roja 24 x 22 x 5 cm

Precio: $20 mil pesos

AUTORA: CLAIRE BECKER

Título: «David en el fluir»

Pinocchio´s Syndrome (Collections)

Técnica: Escultura

Medidas: 47x37x36 cm

Año: 2013

Precio: $168 mil pesos

AUTOR: JUAN BERRUECOS

Título Ola Urbana. Arriba a Celestun

Técnica: Caja Arte Objeto. Óleo resinas y Talco de arena/ Caracolas con pigmentos y resinas

Medidas: 51 x 28 cm.

Año: 2022

Precio: $40 mil pesos

AUTOR: FIL CALIXTO

Título: Enredos

Técnica: Acrílico sobre madera

Medidas 39 x 49 cm.

Año: 2022

Precio: $12 mil pesos

AUTORA: LORENA CAMARENA

Título: “Mantua esquina con Acapulco”

Técnica: Acrílico sobre lino sobre tabla

Medidas: 31×46 cm díptico.

Año: 2023

Precio: $26 mil pesos

AUTOR: ALBERTO CASTRO LEÑERO

Título: Caja del Dragón/Técnica: Collage: cerámica,

rueda de bicicleta, pintura, escultura

de aluminio y cerámica

Medidas: 104x74x13.5

Año: 1986-2023

Precio: $120 mil pesos

AUTORA: MARGARITA CHACÓN BACHE

Título: La bicla azul /2023

Técnica: Mixta/tela (fotografía intervenida

con óleo e hilo de algodón)

Medidas: 45 x 60 cm

Precio: $18 mil pesos

AUTORA: SELENE CHÁVEZ CASTRO

Título. Con sabor a Sandia

Técnica. Mixta. Escultura en cerámica, modelada en pasta blanca, decorada con engobes y esmaltes.

MEDIDA. 39 x 15 x 28 cm.

Precio: $25 mil pesos

AUTORA: EUNICE CHAO

Título: Vietnam

Técnica: Impresión numérica

Medidas: 30×40

Año: Vietnam septiembre 2019

Precio: $ 7,000 pesos

AUTORA: EUNICE CHAO

Título: París

Técnica:

Medidas:

Año: 2023

Precio:$ 7,000 pesos

AUTOR ENRIQUE CHIU

Título: “Paradoja de mi bicicleta “/2023

Técnica: Biptico Acrílico sobre tela

Medidas: 40×40 c/u

Precio: $18,000 pesos

AUTOR: JESÚS CRUZ

Título: En el bosque sobre ruedas

Técnica: Carbón sobre papel

Medidas: 30 x 42

Año: 2024

Precio: $8,000 pesos

AUTOR: ROGELIO CUÉLLAR

Título: Venecia 1982

Técnica: Plata sobre gelatina

Medidas: 20 x 25 cm

Año: 1982

Precio:1,500 dólares USD

AUTOR: ROGELIO CUÉLLAR

Título: Distrito Federal 1981

Técnica: Plata sobre gelatina

Medidas: 20 x 25 centímetros

Año: 1981

Precio: 1,500 dólares. USD

AUTOR: HERMES DÍAZ

Título: Puedo ir a la fiesta

Técnica: Pluma sobre papel

Medidas: 20.3 x 20.3

Año: 2021.

Precio $ 6,000 pesos

AUTOR: EH?¿

Título: “¿La voz de la mujer es su desnudez?”

Serie: La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos,

Técnica: óleo, hoja de oro sobre tela

Medidas: 200 x 45 cm

Año: 2023

Precio: 1,500 dólares USD

AUTOR: ALEJANDRO ESCALANTE

Título: otra bici nueva

Técnica: acuarela sobre papel

Medidas: 25 x 18 cm

Año: 2023

Precio: $12 mil pesos

AUTOR: ALDO FLORES

Título: Cultura en Bicicleta

Técnica:

Medidas:

Año: 2024

Precio: 2,500 USD

AUTOR: DEMIÁN FLORES

Título: sin título

Técnica: Bicicleta. Esmalte sobre metal

Medidas: Bicicatarina 1.80 x 1.30 mts

Precio: $ 50 mil pesos

AUTOR: ERUBE FLORES

Título: Evolución: recliclaje y transporte limpio

Técnica: Oleo, madera, metales, luz y otros elementos reciclados.

Medidas: 64 x 55 cm

Precio: $20 mil pesos

AUTOR: RENÉ FREIRE

Título: Bicicleta

Técnica: Acuarela y tinta sobre papel de algodón

Medidas: 50 cm X 70cm

Año: 2022

Precio: $27 mil pesos

AUTORA: ANA FUENTES

Título: Cultura en bicicleta

Técnica: Gesso, grafito, acrílico y resina acrílica.

Medidas: 80 x 60 mts. (Óvalo)

Año: 2022

Precio: $40 mil pesos.

AUTOR: ANTONIO GRITÓN

Título: Las bicicletas de la calle de Dolores

Técnica:. Óleo y esmalte sobre tela

Medidas: 120 x 80

Año: 2024

Precio: $ 56,000 pesos

AUTORA: PILAR GOUTAS

Título: sin título

Técnica: piezografías blanco y negro / papel de algodón 315 gm

Medidas: 4×6 pulgadas

Precio: $4 mil pesos

AUTORA: PILAR GOUTAS

Título: sin título

Técnica: piezografías blanco y negro / papel de algodón 315 gm

Medidas: 4×6 pulgadas

Precio: $4 mil pesos

AUTOR: JAZZAMOART

Título: La bicicleta de Goya

Técnica: óleo sobre tela

Medidas: 100 x 80 cm

Año: 2023

Precio: 10 mil dólares USD

AUTOR: JAZZAMOART

Título: Bicicleta saxofonista

Técnica: Dibujo con plumilla

Medidas:

Año: 2022

Precio: 3 mil dólares USD

AUTOR: PEDRO DE JESÚS

Título: En equilibrio

Técnica: Monotipo

Medidas: 59×77 cm

Precio: $8 mil pesos

AUTORA: CHRISTA KLINCKWORT

Título: Colores girando

Técnica: acrílico sobre lienzo

Medidas: 25 x 25 x 4.5 cm C/U

Precio: $5, 000 pesos c/u

AUTORA: CHRISTA KLINCKWORT

Título: Mi primera bici

Técnica: Grabado no tóxico

Medidas: 21.5 x 31 cm

Año: 2020

Precio: $7 mil 500 pesos

AUTORA: CHRISTA KLINCKWORT

Título: Bici por la CDMX

Técnica: Grabado no tóxico

Medidas: 20.5 x 29 cm

Año: 2020

Precio:$ 7 mil 500 pesos

AUTOR: ARTURO LAZCANO

Título: La rueda veloz

Técnica: Técnica mixta sobre papel. 2022

Medidas 132 cm x 102 cm

Año: 2022

Precio: $25 mil pesos

AUTORA: AIDÉE DE LEÓN

Título: Bicicleta interdependiente

Técnica: Acrílico y óleo sobre tela

Medidas: 44 x 44 cm con marco

Año: 2023

Precio: $18 mil pesos

AUTORA: MAYRA LEÓN

Título: «Paseo en bicicleta» 2022

Técnica: Acrílico y óleo/tela.

Medidas 40 x 50 cm.

Precio: $15 mil pesos

AUTOR: ENRIQUE LEÓN

Título: Sudario de la Santísima Bicidad

Técnica: Cianotipia y hoja de oro/tela

Medidas: 85 x 105 cm

Año: 2022

Precio: $17,000 mil pesos

AUTORA: ISABEL LEÑERO

Título: Por la noche

Técnica: Collage sobre papel

Medidas: 23×35 cm

Año: 2023

Precio: $8,000 mil pesos

AUTOR: GABRIEL MACOTELA

Titulo: Bici en verda

Técnica: Mixta sobre cartón

Medida:

Año: 2023

Precio: colección particular

AUTOR: DAVID MARTIN DEL CAMPO

Titular: Cuatro Ninfas en el Campos

Técnica: Acuarela

Medida:

Valor Galería: $9,000 pesos

AUTOR: MARLEÓN

Título: Fui vagabundo

Técnica: Óleo sobre tela

Medidas: 30×40 cm

Año: 2023

Precio: $15,000 mil

AUTOR: ERIC MARTEL

Título: Bici contra reloj

Técnica: Tinta china/ papel amate

Medidas: 28×17

Año: 2022

Precio: $ 5 mil pesos

AUTOR: ERIC MARTEL

Título: Bici andando

Técnica: Tinta china/ papel amate

Medidas: 28×17

Año: 2022

Precio: $5,000 mil pesos

AUTOR: ERIC MARTEL

Título: Vagabundo

Técnica: Tinta china/ papel amate

Medidas: 26×40

Año: 2022

Precio: $5,000 mil pesos

AUTOR: HÉCTOR MASSIEL

Título: la bicicleta roja

Técnica: mixta sobre tela

Medidas: 73 x 73 cm

Año: 2023

Precio: $29,500 pesos

AUTORA: GABRIELA MEDRANO

Título: Mi amor por CDMX, mi tierra

Técnica: Temple y óleo s/lino S/madera

Medidas: 49 x 50 cm

Año: 2024

Precio: $13 mil pesos

AUTOR: OCTAVIO MOCTEZUMA

Título: Biciurbe

Técnica: . Óleo y temple sobre tela

Medidas: 60 x 40 cm

Año: 2022

Precio: $18 mil pesos

AUTOR: CRISTÓBAL MONTOYA

Título: Rutas en bicicleta

Técnica: Gouache S/papel

Medidas: 25 x 33 cm

Año: 2024

Precio: 10 mil pesos

AUTOR: MARIO NAVARRO

Título: La vida en bicicleta

Técnica: Gouache S/papel

Medidas: 25 x 33 cm

Año: 2024

Precio: $10 mil pesos

AUTOR: FILOGONIO NAXIN

Título: «Conejo sobre ruedas -Natsie natjí». 2022

Técnica: Técnica: monotipo

Medidas 77 cm x 109 cm

Precio: $40,000.00

AUTOR: JORGE PANAMEÑO

Título: «BICICLETA DE QUINTO PATIO»

Medidas: 36 X 40

Técnica: FOTO DIGITAL

Precio $ 3 mil pesos

AUTOR: AUTOR: JORGE PANAMEÑO

Título: «VIRULA DE MIS RECUERDOS DE INFANCIA’

Medidas: 36 X 40

Técnica: FOTO DIGITAL CÁMARA NIKON.

Precio: $ 3 mil pesos

AUTOR: ROBERTO PARODI

Título: bici dentro de una barca

Técnica: Gouache / papel

Medidas: 24 x 32.5 cm

Año: 2023

Precio: $20 mil pesos

AUTORA: CARMEN PARRA

Título: De la serie Bicicletas

Técnica: Serigrafía

Medidas: 48×63

Precio: $18 mil pesos con marco.

AUTOR: NESTOR QUIÑONES

Título: «Rueda como naturaleza»

Técnica: Acrílico y grafito sobre tela.

Medidas : Cada pintura mide 10 x 12 cmts.

Año: 2023

Precio: 15, 000 pesos

AUTORA: BEATRIZ REBOLLO

Título: In Memoriam

Técnica: Collage/Mixta

Medidas:30 x 24 cm

Año: 2023

Precio: $3,500 pesos

AUTOR: MARTÍN RENTERÍA

Título: La Bicicleta Amarilla.

En memoria a Antonio Sáiz

Técnica: Caja arte objeto. Acrílico sobre cartón y alambre

Medidas: 19.5 x 29 cerrada / cu38 x 29 abierta

Año: 2019

Precio: $8888.00. pesos

AUTOR: JESÚS REYES CORDERO

Título: Bici Subacuática

Técnica: Tinta y acuarela s/ papel amate.

Medidas: 60×58 CM

Año: 2023

Precio: $10,000 pesos.

AUTOR: MIGUEL ÁNGEL CORONA, «EL REYNITO»

Título: «Sombras nada más»

Técnica: Fotografía digital /papel fotográfico

Medidas: 1.07 m X 2.20 m

Año: 2023

Precio: $20,000 pesos

AUTOR: GERARDO RIVERA KURA

Título: «Aquelarre Bicicletero»

Técnica: óleo/ tela

Medidas: 50 x 40

Año: 2022

Precio: $15,000 pesos

Autor: Cecilias Rodarte

Titulo: ‘Chrysler, 1950’de la serie ‘Pieles/Realidad Abstracta/Pinturas del Tiempo’

técnica: Fotografía análoga/Impresión digital (tríptico) Medidas: 31×66 cm

Año: 2004

Precio: $10,101 pesos M.N

AUTOR: RODRIGO RODRÍGUEZ

Título:

Técnica: Acrílico sobre tela

Medidas: 40×50 cm

Año: 2024

Precio: $11,000 pesos

AUTOR: VICENTE ROJO CAMA

Título: Bicicletas para Escalera

Técnica: Madera, fierro y plumón

Medidas : 53 x 53 c/u

Año: 2022

Precio: 15 mil pesos c/u

AUTOR: RUBÉN ROSAS

Título: Bicicleta con Mariposas

Técnica: Acrílico/tela

Medidas:

Precio: 50,000 mil pesos

RUBÉN ROSAS

Título: Noche azul en bicicleta.

Técnica: Acrílico/tela

Medidas: 100×120

Año: 2021

Precio: 60,000 mil pesos

AUTORA: PATRICIA SALAS

Título: ¿A dónde vamos México?

Técnica: Escultura, pintura en lámina negra,

madera y pintura acrílica

Medidas : 1.53 alto 2.03 largo 75 cm ancho

Año 2004

Precio $250 mil pesos

AUTOR: SEBASTIAN

Título:

Técnica: Bronce

Medidas : 43 x 60 x 20

Año: P/T 2009

Precio: 23 mil dólares USD

AUTOR: EMILIO GERARDO SÁNCHEZ RIIJLAARSDAM (EMSAR)

Título: Mecanismo.

Técnica: Mixta / Papel

Medidas: 23×30.5cm

Año: 2024

Precio: $ 18,000 pesos

AUTOR: EMILIO SÁNCHEZ DÍAZ

Título: Ciclista alegre

Técnica: Collage mixta/ papel Medidas: 50 x 34 cm

Año: 2023

Precio: $ 15,000 pesos

AUTOR: JUAN SAN JUAN REBOLLAR

Título: Rayos

Técnica: Fotografía digital intervenida. Impresión de inyección de tintas sobre lámina de PVC espumado

Medidas: 1.22 X 1.22 m

Precio: $40,000 pesos

AUTORA: NUNIK SAURET

Título: Arbor 6

Técnica: Mokurito ( litografía en madera )

Medidas: 60 x 22 cm. Con marco

Tiraje atípico ( sólo una pieza )

Año: 2014

Precio: $ 7 000.00

AUTOR: LUIS MANUEL SERRANO

Título: Biciclista

Técnica: Ensamblaje

Medidas: 60 x 40

Año: 2022

Precio: $20,000 pesos

AUTOR: DORIAN SOTO

Título: «Bicicleta: todas las rectas se curvan»

Técnica: Mixta sobre lienzo

Medidas: 66 x 88 cm

Año: 2024

Precio: $13 997 MXN

AUTOR: ARTURO SOTOMAYOR

Título: Huellas

Técnica: Mixta Sobre soporte rígido

Medidas: 1metro x 1metro

Año: 2023

Precio: $30,000 MXN

AUTOR: LUCIANO SPANÓ

Título: El ciclista

Técnica: Óleo / tela

Medidas: 49x50cm.

Año: 2022

Precio: $40,000 pesos

AUTOR: ELOY TARCISIO

Título: El título está en la fecha

Técnica: Tinta oro 18 k sobre papel

Medidas: 22.9 x 30.5 cm

Año: 2023

Precio: $15,000 pesos

AUTOR: ELOY TARCISIO

Título:El título está en la fecha

Técnica: Tinta acrílica sobre papel

Medidas: 21.5 x 27.9

Año: 2023

Precio: $12,000 pesos

AUTOR: ELOY TARCISIO

Título: BIET160220221949 NARANJA

Técnica: Tinta acrílica sobre papel

Medidas: 21.5 x 27.9

Año: 2023

Precio: $12,000 mil pesos

AUTOR: ELOY TARCISIO

Título: BIET160220221939 ROJO

Técnica: Tinta acrílica sobre papel

Medidas: 21.5 x 27.9

Año: 2023

Precio: $12,000 mil pesos

AUTOR: HERLES ENRIQUE VELASCO

Título: Rosa Ácido-Sueño no tríptico amsterdamés.

Técnica: Intervención digital. Impresión en tinta de pigmento mineral sobre papel fotográfico acid free mate.

Medidas: 12 x 15 pulgadas.

Año: Países Bajos-2018

Precio: $5 mil 500 pesos

AUTOR: ADONAY VÁSQUEZ

Título: “RUPESTRES”

Técnica: ACRILICO SOBRE TELA

Medidas: 88.5X35.5 CM. 2022

Año: 2022

Precio: $20, 000.00

AUTORA: LAURA VÁZQUEZ

Título: Los mosquitos de Neruda y Paulina.

Técnica: Cerámica de alta temperatura sobre paleta de madera.

Medidas: 22x50cm.

Año: 2024

Precio: $10.000.

AUTOR: LEONARDO VÁZQUEZ CANO

Autor: Leonardo Vázquez Cano

Título: 7J98/70. Serie: 1/10

Técnica: Impresión de vinil en alta resolución sobre DDG

Medidas: 60 x 45

Año: 2024

Precio: $1,500 pesos

AUTOR: LEONARDO VÁZQUEZ CANO

Título: Libre . Serie: 1/10

Técnica: Impresión de vinil en alta resolución sobre MD

Medidas: 60 x 45

Año: 2024

Precio: $1,500 pesos

AUTOR: ALEJANDRO VÁZQUEZ SUÁREZ

Título: L’heure Magique

Técnica: café soluble, acrílico blanco,

hoja de oro de 22 k y resina epoxica

sobre papel algodón de 300 g.

Medidas: 70.3 x 49.7 cm

Precio: $12,000 pesos

AUTORA:LETICIA VIEYRA

Título: Rodando entre constelaciones

Técnica: técnica mixta

Medidas: 50×40 cm

Año: 2023 colección particular

AUTORA:LETICIA VIEYRA

Título: Rumbo a Orión

Técnica: técnica mixta

Medidas: 90x 60 cm

Año: 2024

Precio: 19,000 pesos

AUTOR: ÁLVARO VITERI GONZÁLEZ

Título: Triciclo

Técnica: Fotografía Digital

Medidas: 16 x 24 pulgadas

Año: 2020

Precio: $3,900 pesos

AUTOR: ÁLVARO VITERI GONZÁLEZ

Título: Proyección

Técnica: Fotografía Digital

Medidas: 16 x 24 pulgadas

Año: 2023

Precio: $3,900 pesos

AUTOR: BARRY WOLFRYD

Título: The Great Escape

Técnica: Digital Print 2022.

Medidas: 21 x 28 cm

Año: 2022

Precio: $10,000 pesos

AUTOR: JUAN JOSÉ ZAMARRÓN

Título: Goyo regresando a casa 1

Técnica: acuarela/papel

Medidas: 23 x 18 cm, marco 28 x 23 cm.

Año: 2023

Precio: $3,000 pesos

AUTOR: JUAN JOSÉ ZAMARRÓN

Título: Goyo regresando a casa 2

Técnica: acuarela/papel

Medidas: 23 x 18 cm, marco 28 x 23 cm.

Año: 2023

Precio: $3,000 pesos

AUTOR: ERNESTO ZEIVY

Título: Summer ride

Técnica: Óleo / madera

Medidas: 50×40

Año: 2022

Precio: $20,000 pesos

AUTOR: ANDRÉS ZUNO

Título: El Santito Ciclista

Tecnica: Bronce everdure, cera perdida, , patinado al alto fuego, acidos para atacar el metal-

Medidas: 50 cms de alto, 32 cms de lado a lado y 12 cms. Montada sobre base de mármol.

Precio: $60,000.00

AUTOR: BICICLETAS INTERVENIDA POR MAESTROS HUICHOLES (MONK)

Título: S/T

Técnica: Bicicleta de aluminio intervenidas con cera, chaquira y otros materiales

Medidas: varibles entre 1.80 x 1.30 mts

Año: 2015

Precio: 85 mil pesos C/U

Autor: XOLOPLASTICS (Imaginalco)

Título: 066 bici 071.

Gilberto Aceves Navarro | Xoloplastics®

Número de serie: 9/100

Técnica: Porlietilenos y prolipropilenos reciclados

Medidas: 18x24x45 cm

Año: 2024

Precio: 1, 800.00 pesos

AUTOR: XOLOPLASTICS (IMAGINALCO)

Título: 149 bici 160. 1/100

Gilberto Aceves Navarro | Xoloplastics®

Técnica: Porlietilenos y prolipropilenos reciclados

Medidas: 18x24x45 cm

Año: 2024

Precio: 1,800.00 pesos

AUTOR: XOLOPLASTICS (IMAGINALCO)

Título: 155 bici 166. 5/100

Gilberto Aceves Navarro | Xoloplastics®

Técnica: Porlietilenos y prolipropilenos reciclados

Medidas: 18x24x45 cm

Año: 2024

Precio: 1,800.00 pesos

AUTOR: XOLOPLASTICS (IMAGINALCO)

Título: 236 bici 253. 2/100

Gilberto Aceves Navarro | Xoloplastics®

Técnica: Porlietilenos y prolipropilenos reciclados

Medidas: 18x24x45 cm

Año: 2024

Pecio: 1,800.00 pesos

2 de abril de 2024

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L’Arbre aux mille voix (El Árbol de las mil voces) un follaje de libros en una escultura de Daniel Hourde.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

El árbol de 12 metros está formado por una cantidad de libros acumulados de autores del mundo, textos en todas las lenguas, cuyas hojas de acero brillan y tiemblan con textos de Marcel Proust, Octavio Paz, Gabriel García Márquez, Federico García Lorca, Carlos Fuentes, José Agustín, Virginia Woolf o Søren Kierkegaard entre muchos.

En 2022 el escultor francés expuso en México, invitado por la Secretaria de Relaciones Exteriores de México y su obra tuvo gran resonancia en el Museo de la Cancillería.

La escultura se inaugura el 28 de marzo el Pont du Carrousel y Quai Voltaire en el río Sena de París.

Este 28 de marzo el escultor Daniel Hourde instala su escultura L’Arbre aux mille voix (El Árbol de las mil voces) su más reciente pieza en acero inoxidable y pulido espejo que alcanza los 12 metros de altura. Se trata de un árbol de follaje literario, una obra poética como metáfora de nuestra libertad de pensamiento y expresión. La obra estará en El Pont du Carrousel —un puente que cruza el río Sena en la ciudad de París— y la inauguración será a las 18 horas –horario de Francia— y podrá verse en ese lugar hasta el 21 de mayo del 2024.

“Este árbol es una metáfora de la libertad de expresión ya que está formado por una cantidad de libros acumulados, grabados con textos de autores del mundo entero, escritos en todas las lenguas, cuyas hojas de acero brillan y tiemblan. Su temblor evoca la fragilidad de las ideas frente a los dogmatismos. Las hojas se renuevan cada año, como las páginas que salen volando, como las ideas viajan, mensajeras de un porvenir encantador· advierte Daniel Hourde en su comunicado de prensa.

Esta esperanza anunciada por los reflejos, los desequilibrios y la caducidad revelada por el espejo son temas recurrentes en la obra de Daniel Hourdé.

Un árbol de 12 metros constituido por un ramaje que son un sinfín de libros, símbolo de la palabra como fuerza y libertad, ramas acumuladas y grabadas con textos de autores del mundo entero, escritos en todas las lenguas. Su espesura son también ideas acumuladas en las hojas de láminas de acero que brillan y tiemblan, evocando su fragilidad frente la intolerancia.

En el follaje de este L’Arbre aux mille voix están autores con obras como La llama doble de Octavio Paz; La Celestina de Fernando de Rojas; Bodas de sangre de ederico García Lorca; Libro del desasosiego Fernando Pessoa; La muerte de Artemio Cruz de Carlos Fuentes; En busca del tiempo perdido de Marcel Proust; De perfil de José Agustin; Crónica de una muerte anunciada de Gabriel Garcia Marquez; Santa María de las Flores de Jean Genet; La vagabonde de Colette; Una vida violenta de Pier Paolo Pasolini; Eugénie Grandet de Honoré Balzac; Memoria de ultratumba de René de Chateaubriand; Una habitación propia de Virginia Woolf; El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde, El proceso de Franz Kafka; Amok de Stefan Zweig; La Realidad del Alma de Carl Gustav Jung; Tratado de la desesperación de Søren Kierkegaard; La insoportable levedad del ser de Milan Kundera; La tentación de existir de Emil Cioran; El enemigo de Irène Némirovsky; La sonata a Kreutzer de León Tolstói; Les amours interdites de Yukio Mishima; Nuevas historias extraordinarias de Edgar Allan Poe; París es una fiesta de Ernest Hemingway o Las afinidades electivas de Goethe.

En este árbol está la representación totémica de la fertilidad, la sabiduría y el conocimiento ante un follaje literario tan impresionante.

Desde este jueves 28 de marzo los paseantes de París que caminen por el Pont du Carrousel en el Quai Voltaire, no verán un espejismo sino un inmenso árbol de de metal brillante que brilla bajo el sol y que llevará en sus hojas casi toda la literatura, poesía y filosofía del mundo, en todas sus lenguas, en todos los temas del hombre y su condición humana.

Ante el espectador las ramas de L’Arbre aux mille voix parecerán moverse, como llevadas por el viento. Las palabras volarán pero a la vez quedarán estáticas en esos libros históricos de la humanidad; en cada follaje de este árbol está formado por cientos de libros, cuyas páginas se escapan y parecen volar en condición efímera. En él queda manifiesto que la escritura es la clave de la libertad, porque lo escrito resiste a la adversidad, como el árbol revela su capacidad de resistencia, adaptación y resiliencia; su follaje se dobla, se retuerce, pero no se rompe, frente al viento de la intolerancia como las hojas de los libros.

Allí estará lo que advirtió Octavio Paz sobre la poesía que nos hace tocar lo impalpable y escuchar la marea del silencio cubriendo un paisaje devastado por el insomnio. O lo que nos adviritó Marcel Proust sobre que el hallazgo afortunado de un buen libro puede cambiar el destino de un alma. Incluso estará allí la advertencia de Kierkegaard sobre “lo que me hace grande no es lo que me sucede, sino lo que hago con ello”.

Se han dedicado grandes estudios a los que se vincula el árbol con el libro. En latín, liber (libro) significa, al mismo tiempo, la lámina situada entre la madera y la corteza. Robert Dumas señaló que en Occidente los terminos libro u obra han sido asociados desde hace milenios con una de las manifestaciones fundamentales del pensamiento humano, como lo ilustran en diversos idiomas las palabras: buch en alemán, book en inglés, bouquin en francés. El liber seco proporcionaba superficies para la inscripción; años más tarde, fue el árbol el que proporcionó el papel para el libro.

Semblanza:

Daniel Hourdé ha estudiado pintura y dibujo en la Escuela de Bellas Artes de Grenoble y París y se ha dedicado principalmente a la escultura a partir de los años 80.

Al darse cuenta de que la libertad en el arte ya no es una aventura, decide volver a una técnica y un material tradicional, del bronce a la cera perdida, y al realismo, al ser éste la mejor manera de dar más cuerpo y por ende más alma a sus personajes, incluso si este aparente clasicismo es a menudo desviado por la burla o la ironía.Sus esculturas narran las aventuras de un personaje anónimo al que el autor y todo el mundo puede identificarse.

Le gusta que sus personajes vivan al aire libre, en la ciudad o en la naturaleza. Los hace circular por la pasarela del Pont des Arts, entre un bosque de altos árboles deslumbrantes.

Ha creado gigantescos árboles de hierro fundido formados por multitud de elfos cubiertos de hojas plateadas, aparición fantasmal que refleja el bosque circundante; coronas cuyas espinas devastadas por la erosión y, una escalera para subir al Paraíso con zarzas a modo de peldaños; su obra es también una alegoría del martirio infligido por el Hombre a nuestro planeta, de la ambición y la codicia traducidas por el oro de la corona y cuyo reflejo en la esfera reluciente es el de la vanidad.

Hourde colabora desde hace tiempo con la Galería Larock-Granoff, participa en numerosas ferias internacionales y ocupa continuamente el espacio público.

En 2022, la Secretaría de Relaciones Exteriores de México lo invitó a exponer en el Museo de la Cancillería en México.

Daniel Hourdé vive y trabaja en París.

26 de marzo de 2024

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Hotel Nirvana de Juan Villoro, se estrena en el CENART con la Compañía Nacional de Teatro

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

La Compañía Nacional de Teatro estrena en Hotel Nirvana, obra inédita de Juan Villoro donde crea una especie de “última cena psicodélica” basada en las vivencias del psicólogo Timothy Leary durante su estancia en México.

Bajo la dirección de Antonio Castro, la puesta en escena es parte de los festejos por los 30 años del CENART y estará en el Teatro de las Artes, del 4 al 21 de abril, como parte del ciclo Primavera Escénica.

Entre 1962 y 1963, México ostentó un título del que poco se habla y que, incluso en su tiempo, apenas llegó a estar en el radar de unos cuantos iniciados: «Sede mundial de la expansión de la conciencia». Periodo en el que el psicólogo estadounidense Timothy Leary (1920-1996), uno de los investigadores pioneros y defensores del uso del LSD y otras drogas psicoactivas, estableció en el Hotel Catalina, en Zihuatanejo, Guerrero, un retiro para la experimentación psicodélica y la apertura de las «puertas de la percepción».

Esta puesta en escena se inspira en los veranos que Timothy Leary, denominado “el gran profeta del LSD”, pasó en Zihuatanejo: época en que México llegó a ser conocido como “la sede mundial de la expansión de la conciencia”. Leary psicólogo y profesor de la Universidad de Harvard, estaba convencido de que el LSD podía ser terapéutico a través de su uso regular y de que, a diferencia de otras drogas, no causaba adicción, Leary realizó una serie de estudios que culminaron en polémica y llevaron a su eventual despido.

Una puesta en escena, bajo la dirección de Antonio Castro, que reúne a once personas, de procedencias y personalidades variadas, que se reúnen en un hotel ubicado en Zihuatanejo, Guerrero, al cual Tom –el líder espiritual del grupo–, rebautiza como “Hotel Nirvana”. Ahí intercambian ideas y experimentan (de forma reminiscente a una “última cena psicodélica”) con una droga llamada logos, la cual afecta la región del cerebro destinada al lenguaje.

Timothy Leary se refugió en México, donde organizó una serie de reuniones destinadas a continuar experimentando con esta droga que, a su parecer, otorgaba a las personas un “grado superior de entendimiento del mundo”.

Durante dos horas, el público verá la transformación de los personajes, un hippie, una chica cuya familia le paga todo y un antropólogo escéptico, por ejemplo

Juan Villoro, autor de la obra, dijo en conferencia de prensa que por motivos teatrales, los personajes no han decidido experimentar con LSD, pues sus efectos, eran poco interesantes sobre un escenario.

«Eso es muy poco teatral, porque serían 11 personas pachecas en escena, totalmente pasmadas, sin que les pase nada, entonces había que inventar una droga mega teatral, ¿y qué droga es más teatral que el lenguaje? El lenguaje nos transforma, el lenguaje nos intoxica, el lenguaje, lo dice Platón en uno de sus Diálogos, es ‘veneno y medicina’, nos curamos con el lenguaje y nos envenenamos con el lenguaje», reflexionó.

“Creé otro tipo de experimento en donde la droga tiene que ver con el lenguaje. Donde el lenguaje, por momentos, tiene un esclarecimiento insólito y, por momentos, es simplemente una intoxicación”.

«Así se convirtió México en la sede mundial de la expansión de la conciencia. Vinieron muchas gentes, entre otros, por ejemplo, Carlos Castaneda, el célebre autor de Las enseñanzas de Don Juan, y también agentes de la CIA, porque la agencia de inteligencia norteamericana siempre ha estado muy atenta a las nuevas transformaciones culturales y al uso de los estupefacientes, muchas veces con fines de interrogatorio», apuntó.

El primer contacto de Timothy Leary con los psicoactivos, explicó Villoro, ocurrió en México gracias al escritor Aldous Huxley, quien lo introdujo a especies endémicas como el peyote y los hongos alucinógenos. Gracias a ello, logró ver el potencial completo del momento por el que México atravesó en los años 60, y se lo hizo saber al Gobierno.

«Acuñó una frase, que está en la obra, que es la siguiente: ‘México puede ser la Suiza psicodélica’. Suiza es el gran paraíso de las farmacias del mundo, toda la industria farmacéutica tiene su sede en Suiza, es un negocio extraordinario, la salud depende de los laboratorios suizos. Y él dijo: ‘la salud mental puede depender de México; México puede ser esta sede de la expansión de la conciencia controlada, regulada y sin peligro».

«Desde entonces Leary advirtió para lo que estamos viviendo hoy en día y de ahí lo acucioso, lo urgente, para mí, de esta obra;: ‘Si ustedes no le entran al control regulado cultural de las drogas, lo van a dejar en manos de otras personas, porque la caja de Pandora ya se abrió, esto es muy atractivo, y si ustedes no lo regulan, todo va a quedar en manos del narcotráfico; escojan: la conciencia o el narcotráfico’, sentenció el escritor mexicano.

Villoro recordó que el psiquiatra Juan Ramón de la Fuente ha dicho que el consumo de drogas debe entenderse como un tema de salud pública, “pero ha planteado también que, debido a la violencia, México vive en estado de estrés postraumático. Las guerras producen traumas, crisis de conciencia, separaciones emocionales, desafecciones entre las personas, lo cual tenemos que trabajar a nivel social. La llamada guerra contra el narcotráfico que es, en realidad, una guerra por el control de las drogas, nos ha alterado en las últimas décadas. Merecemos una salud pública diferente a la que hemos tenido hasta ahora”, expuso.

La música de rock, la contracultura, la moda y la estética que transportan a los años de los festivales de Woodstock y de Avándaro permean esta puesta en escena en la que, a su vez, se exploran temas tan actuales como la percepción que la sociedad tiene de las drogas; el uso que les han dado y el conocimiento milenario que poseen de éstas los pueblos originarios; la relación de México con Estados Unidos; el crimen organizado; y nuestra capacidad de imaginar nuevas utopías.

“Hay algo del grito libertario de los sesenta que a mí me parece que es muy pertinente ahora y, si no podemos recurrir a las herramientas del pensamiento utópico, entonces ¿cómo vamos a cambiar el mundo?” expresa el director de la obra, Antonio Castro.

El reparto se encuentra conformado por las y los integrantes del elenco estable de la Compañia Nacional de Teatro: Arturo Beristain, Fernando Bueno, Armando Comonfort, Miguel Cooper, Jorge León, Irene Repeto, Antonio Rojas, Marissa Saavedra, Amanda Schmelz, Fernando Sakanassi y Mariana Villaseñor.

El diseño de escenografía es de Ingrid SAC, el de iluminación de Víctor Zapatero, y el de vestuario de Edyta Rzewuska; el diseño multimedia de Miriam Romero; con música original de Mariano y Diego Herrera, diseño sonoro de Yurief Nieves, peluquería y peinados de Maricela Estrada y coreografía de Andrea Chirinos.

Hotel Nirvana tendrá una temporada en el Teatro de las Artes del Cenart, enmarcada en el ciclo Primavera Escénica. Las funciones serán del 4 al 21 de abril, los jueves, viernes y sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. La entrada tiene un costo de $150 pesos y es apta para mayores de 15 años.

Boletos y descuentos disponibles en cenart.compraboletos.com.

21 de marzo de 2024

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Jaime Sabines, el poeta que cantó a la muerte y a la hermosa vida, murió hace 25 años.

By Pilar Jiménez TrejoRutas literarias, Sobre 2 ruedasNo Comments

El viernes 19 de marzo de 1999, víctima de cáncer, murió Jaime Sabines en su casa, al sur de la Ciudad de México, seis días después el poeta habría cumplido 73 años.

“¡Qué nostalgia de ti cuando no estás ausente!”

El mes de marzo es un periodo para recordar a Jaime Sabines que nació y murió en este mes, que es también el tiempo en el que se celebra el Día Mundial de la Poesía, 21 de marzo.

Sabines es un poeta que nos asombra y nos conmueve a todos los que hemos leído sus versos; el peatón que nos enseño que “no hay que llorar la muerte, es mejor celebrar la vida”. Con sus palabras, encontramos de una u otra manera, por uno u otro camino, el consuelo humano, como me lo dijo en la primera entrevista que puede hacerle en 1988:

“Lo que uno tiene al escribir poesía es emoción: puede ser alegría, dolor, desesperanza. En ese sentido sí creo mucho en la palabra inspiración, o tal vez no sea inspiración sino alumbramiento…. La poesía no se escribe solamente con la actitud intelectual y reflexiva del hombre, el poema debe ser la emoción del hombre. Si lees un poema no estás buscando palabras sabias, profundas y filosóficas; buscas una emoción humana, y eso es lo que da el arte en general: la emoción de la vida”.

Hoy 19 de marzo, a 25 años de su muerte el mejor reconocimiento que sus lectores pueden hacerle al poeta será releerlo, como él mismo lo dijo: “El homenaje más importante es que me lean. Que mis libros sirvan de algo. Una vez, un muchacho me dijo que mi poesía lo había acompañado durante tres años en la azotea de su casa mientras estudiaba leyes. Cuando se recibió, me dio las gracias por esa temporada”.

Jaime Sabines, nacido en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, el 25 de marzo de 1926, nos dejó una obra que se mantiene viva. Fue un hombre que nació poeta y eso fue en su vida. Su Recuento de poemas, que reúne toda su poesía sigue siendo lectura indispensable, y objeto de nuevas traducciones. Sus temas fueron la condición humana, la soledad, el paso del tiempo, la muerte, y sin duda el amor, éste último continúan como favorito entre nuevos y jóvenes lectores que ya no conocieron en persona al poeta. En años recientes sus lectores han tomado como hojas sueltas fragmentos del libro de misivas que Sabines le escribió a su novia Josefa Rodríguez, Los amorosos: cartas a Chepita (2009), o testimonios de entrevistas para postearlos o twittearlos como si fueran fragmentos de sus poemas.

Alejado de los círculos literarios, y dedicado a ser vendedor de telas, muebles o alimento para animales, y en dos periodos cortos a la política como diputado, desde su primer libro Horal (1950), Sabines, tuvo una voz propia, y mostró ser un poeta que se revelaba a los lugares.

En 1951 aparece La Señal. Y en unas vacaciones en Chiapas escribe Adan y Eva, su primer poema largo que sería publicado once años después. Tras el matrimonio con Chepita, viviendo en Tuxtla y trabajando como vendedor de telas, y con la noticia del pronto nacimiento de su primer hijo, escribe su poema: Tarumba (1956), del que decía era «un canto a la sobre vivencia», uno de sus libros cruciales.

Sabines volvió a la Ciudad de México, para trabajar con sus hermanos en una fábrica de alimentos para animales. De establo en establo, recorría la ciudad con su camión repartiendo alimentos, actividad lo acompañará durante 17 años. En esos años la familia Sabines Rodríguez estaba completa: Jaime y Josefa con sus cuatro hijos Julio, Judith, Julieta y Jazmín, todos con nombres con J, para por elección del poeta.

En 1961 publica dos libros: Diario semanario y poemas en prosa y Poemas sueltos. Un año después la UNAM decide reunir su obra, hasta entonces escrita, en el volumen Recuento de Poemas.

Por ese tiempo su padre enferma de cáncer y el poeta, como una imposición natural ante el dolor y la cercanía de la muerte, comienza a escribir los versos que se han convertido en uno de sus más importantes poemas: Algo sobre la muerte del Mayor Sabines. El 30 de octubre su padre fallece y Sabines abandona el poema… Pero en 1964 la imposición del tema de la muerte lo obliga a escribir la segunda parte de ese largo soneto, que se publica hasta 1973. Antes ya había publicado Yuria (1967) y Maltiempo (1972).

En 1987 la editorial alemana Vervuert de Alemania publica una antología de Sabines, que lleva por título: Dein Kšrper neben mir (Tu cuerpo está a mi lado). Años después se publican otras antologías en Bulgaria, Cuba, Estados Unidos, Canadá, Chile, Francia y España. Además sus poemas se incluyen en antologías de poesía hispanoamericana editadas en más de una veintena de países. Nuevas publicaciones en italiano, árabe, francés, inglés y chino ha aparecido en años recientes.

En noviembre 1989, durante un viaje a Chiapas, resbaló en un escalón y se fracturó el fémur de la pierna izquierda. A partir de entonces la lesión dañó su cuerpo, que sufrió más de 40 operaciones. Sin embargo, este poeta que canta a la muerte para celebrar “la hermosa vida”, y alejado de los reflectores de la fama, tuvo que acceder en el último lustro a ofrecer varios recitales de poesía a los que asistieron multitudes. La empresa telefónica más grande de México editó una antología de Sabines con un tiraje de 500 mil ejemplares. En los últimos años el poeta fue invitado a viajar a ciudades de México y el extranjero para presentar nuevas ediciones de su obra, traducciones y lecturas de sus poemas. Jaime Sabines fue a festivales de poesía en Nueva York, Rotterdam, París, Madrid, Quebec. En esos años solamente dio a conocer un poema: «Me encanta Dios», y dejó la tarea a sus hijos de seguir revisando sus carpetas en las que escribía sus poemas, para hacer una selección de poemas inéditos a los que el propio Sabines puso nombre: Poemas rescatados, que esperamos se publique a partir de la minuciosa revisión de las carpetas que guarda la familia Sabines Rodríguez.

Dejaré algunos fragmentos de mi libro: Sabines. Apuntes biográficos, que cuenta ya con varias ediciones (coneculta-chiapas 2013 y Tusquets 2014, y en formato de audiolibro se puede conseguir en Audible de Amazón.

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La poesía no es más que un medio de comunicación, una manera de contacto humano. Por eso no creo en los poetas que se enamoran de las palabras, que juegan con ellas. Desde luego, la poesía es un problema de palabras: no podemos hacerla con los pies, pero uno debe aspirar a tener las menos palabras posibles para comunicar las emociones más auténticas del hombre.

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Tagore es uno de mis grandes maestros: me fascina por su sinceridad, por su ternura; posee un elemento al que yo aspiro: la profundidad de la poesía oriental. Lograrlo ha sido mi meta.

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En la poesía es mucho más difícil contagiar la alegría que el dolor, porque la alegría casi es una cosa exclusiva, casi es una cosa cerrada y permanente de nosotros. En cambio, el dolor es un hilo que nos ensarta a todos.

Yo he pensado que la poesía debe ser la sencillez, la claridad; no el simplismo, no la simpleza, pero sí la sencillez.

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La poesía trata de instantes, de momentos de la vida en que se debe de transmitir una emoción. Es un descubrimiento de la verdad del mundo, de las cosas que te rodean.

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La poesía puede ser una reflexión pero no tiene que ser ni discursiva, ni ideologizada; es el contacto de una emoción contigo mismo: te transmite siempre una emoción. Si no necesitas conmoverte o emocionarte, pues lee un libro de filosofía o de sociología. Si vas a buscar poesía, buscas la emoción del alma humana, el temblor del hombre.

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La poesía no es una melcocha que se derrita y eche dulzura por todos lados, sino una emoción bien contenida, no expresada abiertamente.

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Siempre he pensado que el poeta es el testigo del hombre y de la vida, que no se puede hacer poesía en una campana neumática donde el poeta esté totalmente aislado de la realidad; aparte de que escribe de manera cotidiana los sucesos, pienso que lo único que hace uno con la poesía es dejar testimonio del paso del hombre sobre la tierra.

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La poesía no fue un paliativo para la tristeza, pero sí muchas veces una catarsis.

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La poesía es una droga que se tomó una vez, un veneno vital que puso otros ojos al hombre y otras manos, y le quitó la piel para que sintiera el peso de una pluma. Quiero decir con esto que el poeta es el condenado a vivir…

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Nunca he pensado que la poesía sea nada más juglarismo, canto. El canto es importantísimo, hay que saber cantar, pero la poesía es también la búsqueda de la verdad humana.

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La poesía se realiza en la satisfacción de descubrir que hay alguien a quien le sirvió para vencer un momento de soledad o una angustia o un pesar, por contagio de los pesares del poeta, por sentir alivio de que el sufrimiento no está nada más en uno.

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Uno sabe que va a morir, es un hecho certero, pero no sabe en dónde, ni a qué hora, ni cómo. Ésta es la conclusión de toda la poesía de Jaime Sabines: hay que vivir intensamente, ardorosamente todos los días mientras uno viva.

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Lo que hace la poesía es revelar el mundo.

19 de marzo de 2024

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“Convergencias” una exposición en la que Laura Vázquez hace homenaje a la literatura a través de la cerámica.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

La muestra se presenta en el Centro Cultural San Pablo en Oaxaca

Laura Vázquez González expone en la colectiva “Convergencias” con piezas en las que busca exaltar su amor por la poesía y la cerámica, uniendo ambas artes en cada obra como un punto de reunión y liberación, mostrando que las dos están presentes y marcan de alguna manera nuestra vida cotidiana.

La muestra se exhibe desde el pasado 2 de febrero en Centro Cultural San Pablo –sede la de la Fundación Alfredo Harp Helú—en la ciudad de Oaxaca, Hidalgo No. 907 Antiguo Callejón de San Pablo, y podrá visitarse hasta el 5 de mayo de 2024.

“Convergencias” se titula así porque reúne el trabajo de 19 mujeres de la Ciudad de México que muestran sus coincidencias a través de sus piezas realizados en el taller Proyecto 931, dirigido por Maya Colmenares, en el que pretenden hacer también un homenaje al fuego y otros recursos de significación que convergen en este mundo contemporáneo y globalizado en el que nos hallamos unos frente a otros: diseñadores, arquitectos, curadores, historiadores, poetas, ceramistas…

A invitación de María Isabel Grañén Porrúa, investigadora doctora en Historia del Arte y presidenta de la Fundación Alfredo Harp Helú, quien está convencida de que la lectura es un factor de cambio e inclusión social, se organiza esta exposición en la que Laura Vázquez, también poeta y editora, presenta obras que ha trabajado en los últimos dos años para acercar a más público a la literatura y a la poesía a través de la cerámica.

En su trabajo está su admiración por ceramistas como Gustavo Pérez; y por escritores como William Carlos Williams, Cesar Vallejo, Jorge Luis Borges; los premios Nobel Naguib Mahfuz, Kazuo Ishiguro, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Annie Ernaux; papiros, e incluso una pieza de cerámica que es una prensa de encuadernación, un homenaje a Juan Pablos, el primer impresor de la Nueva España, en la que se puede leer su famosa frase: “habiendo que hacer, trabaje y no pare”… así como poemas escritos por la propia Laura Vázquez.

Esta artista visual, estudió primero Literatura Latinoamericana, y en la Universidad de Oxford realizó un diplomado en literatura inglesa, interesada sobre todo crear un taller de teoría literaria y niños, debido a su pasión por difundir la palabra.

Más tarde pudo explorar otras áreas de la cultura como la cerámica, un material ancestral en las manos de los hombres, y buscó fundirla con la literatura para realizar murales en homenaje a diversos autores.

En su obra expuesta en “Convergencias” podemos ver un mural, con mosaicos de doble cara, dedicado al poema “Los heraldos negros” del peruano César Vallejo, realizado con la técnica rakú para simbolizar el color obscuro de los versos con la quema de la cerámica, transformándola con elementos como la tierra, el fuego, el aire, el agua, y que combinó con acrílico. Otra obra es para la novela El gigante enterrado de Kazuo Ishiguro en donde las leyendas del pasado, memoria y olvido, se tocan en el arte y la palabra. Y una al poema “The Red Wheelbarrow” (La carretilla roja) de William Carlos Williams, dónde como su autor, lo único que pretendió fue retratar un instante en el amanecer, con gallinas, y aún se puede percibir el rocío de la mañana. También hay papiros hechos con arcilla, barro, alfarería o terracota que homenajean los libros antiguos o los papeles apilados.

“La cerámica está en nuestras vidas, todos hemos tomado un plato de sopa en una pieza de cerámica, y quizá no nos detenemos a ver de qué se trata. La cerámica lleva procesos muy similares a lo que es la producción de un libro, corren como paralelos, tiempos de fatiga y reposo: No se trata nada más de crear objetos bellos y utilitarios, sino que tengan un sentido para nuestra vida”.

Su propuesta artística busca conectar la cerámica, las artes gráficas, y la literatura, ya que está convencida de que el arte cambia la apreciación de la realidad y enriquece nuestro entorno. Su obra mezcla representaciones objetivas de espacios internos que conectan su espíritu con sus novelas y poemas favoritos; combina técnicas de quemas experimentales que arrojan efectos a sus piezas de cerámica y que son resultado de la pasión del fuego aliado también a sus lecturas.

A lo largo de su trayectoria profesional Vázquez González ha realizado publicaciones para museos, libros infantiles y de poesía. En los últimos años ha explorado integrar la cerámica para hacer más visible la literatura e integrarla a un constructo de Literacidad social.

Laura Vázquez como editora estuvo a cargo de la coordinación editorial del catálogo de “Convergencias”, en el que las algunas de las 19 artistas presentan, además de cerámica, pinturas y dibujos. En la muestra participan: Maya Amrein, Maya Colmenares, Ana María Forero, Elsa González, Magdalena Mosig, María Mora, Natalie Priede, Lucia Rocha, Cristina Rodrígo, Jeanne Saade, Elena Sánchez Mejorada, María Sordo, Fortuna T de H, Alexandra Trímboli, Laura Vázquez y Fernanda Vizcaya.

13 de febrero de 2024

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Elena Martínez Bolio exhibe colección de textiles, tejidos, bordados, encajes, lencería y otros ajuares

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

Con dos instalaciones: MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS e INDUMENTUM la artista muestra su pasión por los atuendos, los materiales y su elaboración en la alta costura, confeccionados de 1905 hasta nuestros días.

Las muestras se inauguran este 19 de enero a las 20:30 horas en el Museo de la Ciudad de Mérida, una invitación para reflexionar sobre las épocas y las modas en la vestimenta de 290 piezas que podrán visitarse

Elena Martínez Bolio (1956, Mérida, Yucatán) es una artista, artesana, escritora y activista que nació entre madera, textiles y tejidos. Su madre era tejedora y anticuaria, su padre tenía una pequeña fábrica de muebles, su abuela hacía lencería para las novias y su tía predilecta, María, confeccionaba ropa infantil. Ella desde muy joven comenzó a diseñarse sus propios atuendos. Desde entonces ha ido hilando una colección de prendas como un instrumento de su arte que, a veces utiliza como protesta no para recriminar sino para empatizar un mundo entretejido entre hombres y mujeres con actos de bondad.

Ahora con su exposición MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS hace un homenaje a doce mujeres yucatecas que trabajaban en la alta costura, confeccionan, tomaban medidas, recomendaban la tela, esculpían el textil acomodándolo al cuerpo, y eran un cómplice que lograban que uno se reconciliase con su físico haciéndolo lucir y sobresaltar los secretos; se convertían en confidentes y amigas. Modistas que cerraron los ojos a la vida pero abrieron la mirada a las dimensiones de la vestimenta y el mínimo detalle.

Su otra muestra, INDUMENTUM será un recorrido desde 1905 hasta la actualidad para mostrarnos la historia de la moda y las épocas, cómo han cambiado los cuerpos; los acabados y materiales que se usaron desde las fibras, las sedas, los encajes, hasta el poliéster o el nailon; aquí hay piezas de su colección y otras que le fueron prestadas para ser exhibidas por su valor histórico, “no se trata de ir a ver algo bonito si no de reflexionar el por qué de cada indumentaria”, afirma esta creadora con más de 50 años dedicada a este arte.

Ambas muestras son también instalaciones de su curaduría y abrirán al público el próximo viernes 19 de enero en el marco del Mérida Fest; estarán en el edificio del Museo de la Ciudad de Mérida, la inauguración será a las 20:30 horas. Las exposiciones podrán visitarse hasta julio del 2024, por lo que Martínez Bolio ha preparado performances y charlas que se presentarán durante el tiempo que duren ambas muestras.

Las exhibiciones contendrán también cuadros intervenidos con aplicaciones y bordados de sus familiares, amigos o mujeres textileras con las que ha trabajado; accesorios, crinolinas, corsés, juguetes, zapatos, guantes, bolsos, velos; piezas tejidas en hilo de plata. Obras únicas, que por su delicadeza, algunas estarán guardadas en vitrinas pues ya no resisten ser lavadas o planchadas.

En la muestra se exhibirán, entre otros trabajos, el terno de boda de su nana; el vestido de boda de la bisabuela de Alejandra Díaz de Cossío, que data de 1905; el vestido de boda la abuela de su amiga Sylvia Saldaña, que se casó en plena guerra de castas; un vestido de Christian Dior de los años cincuentas, hasta prendas adquiridas en mercados de pulgas.

Todos las piezas tendrán una ficha con la historia de la vestimenta, la modista que la confeccionó, a quién perteneció, el año de su creación y los materiales que se utilizaron. Se trata de 290 piezas (170 en INDUMENTUM 170 y 120 en MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS) con las que su creadora busca que cada visitante se tome su tiempo para mirar con calma y reflexionar en torno a cada obra pues, por la museografía, entrará al mundo en el que fueron creadas.

“Las exposiciones están llenas de piezas valiosas que fueron logradas puntada tras puntada; son obras de enorme belleza que sobrevivieron a las manos que las concibieron. Y son también una reflexión sobre de qué tipo de costura e hilos estaba hecha la pieza para una determinada persona; vestimentas que eran motivo de disfrute, ceremonia ritual, un júbilo que ahora parece extinguido ante la tecnología, la rapidez y el consumo con que se confecciona y maquila la ropa”, advierte.

Satisfecha por los años de trabajo dedicados a explicar y reflexionar por qué vestir piezas únicas es un valor cultural, advierte: “Nacemos y nos preparan una cuna, un pañal; las telas nos acompaña en ceremonias y sacramentos desde un ropón para el bautizo, la primera comunión, la graduación, el matrimonio, las fiestas especiales; pero también nos amortajan en un manto cuando morimos; las indumentarias están presentes y son fundamentales en toda nuestra vida”.

Con las prendas que Elena Martínez Bolio ha coleccionado en más de 50 años, pensaba hacer un museo, pero la dificultad que esto conlleva en un clima húmedo como el de Mérida, la hizo desistir de la idea: “Antes de que me deshaga de todo lo quiero mostrar, compartir con la gente y reflexionar con ellos sobre estas obras que tiene tanto de diseño como si fueran una pieza de arquitectura”, dice.

No deja de tirar el cordel y lanza su deseo: “Podría donar mi acervo a quien esté interesado en hacer un museo Indumentum en Mérida o en otra región de México”.

“Me esforcé para que mi trabajo de tantos años pudiera llegar a los museos y lo he logrado: un hilo, un bordado, un retazo de tela, el trabajo domiciliado; el textil como nuestra piel, el ajuar como una herramienta poderosa, están ya en nuestro acervo cultural”, dice esta artista que en 2007 pudo exhibir su trabajo ya en una galería, fue obra bordada en lienzos que logró vender toda.

Desde entonces Martínez Bolio se hila y deshila a sí misma en cada obra y no ha dejado de exponer en México y el extranjero. En el 2022 presentó con gran resonancia en el Museo de El Carmen de la Ciudad de México su exposición «Una larga hebra». Es autora del libro Retrospectiva de una aguja. Elena Martínez Bolio es una artista versátil, multidisciplinaria y comprometida con su tiempo y su condición de mujer para quien lo hilos representan un compromiso social, un trabajo que podremos ver en ambas muestras en el primer piso del Museo de la Ciudad de Mérida, calle 56, número 529, Centro. La entrada es libre.

16 de enero de 2024

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“Un jale por la migración” convocan desde Oaxaca a diseñadores y artistas mexicanos a crear cartel sobre las personas en tránsito.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

El Festival Artístico y Cultural “Encuentro de Almas” de la Ex Hacienda San José Espacio Cultural, ubicado en Santa María Atzompa, Oaxaca, invita a participar en el Certamen de Cartel sobre la personas en tránsito titulado: “Un jale por la migración”. El Objetivo es que los creadores dedicados al arte y al diseño gráfico reflejen su solidaridad y fraternidad con las personas migrantes que atraviesan México y viajan con la esperanza de poder tener una mejor vida.

El certamen lanzado el 29 de diciembre de 2023, cierra el 24 de febrero a las 12 horas y los trabajos deberán enviarse vía email a: contacto@exhaciendasanjose.com Habrá un único premio dotado de 20 mil pesos, el cartel ganador tendrá con un tiraje de al menos 500 ejemplares que se colocarán en diversos espacios urbanos. La entrega del premio será el 27 de abril de 2024 en Ex Hacienda San José en San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca.

La Ex Hacienda San José en San José Hidalgo es, también, un centro cultural que promueve el desarrollo humano, la paz y la solidaridad social. Durante el año realiza festivales que tienen como propósito articular una reflexión que profundice diferentes temas de la realidad actual; donde a través del arte y la investigación se simiente una cultura colectiva de armonía entre los diferentes sectores de la sociedad.

Esta convocatoria para realizar un cartel tiene como objetivo estimular la creatividad de personas dedicadas al arte y al diseño gráfico a fin de difundir un mensaje que invite a la población mexicana a solidarizarse con la corriente de migrantes sudamericanos que este año atraviesa el país en busca de mejores oportunidades de vida.

El certamen es abierto, dirigido a diseñadores/as, artistas y creadores/as que residan en territorio mexicano. Podrán participar todas las personas que estén interesadas, individualmente o en equipo, pudiendo presentar máximo un cartel por participante individual o colectivo.

El tema es la migración interna e internacional en México. El cartel deberá plasmar en imágenes los fenómenos de personas nacidas en México y en otros países americanos que emigran en busca de mejores oportunidades para trabajar y vivir.

El diseño deberá llevar en algún espacio un lema, que invite a la convivencia pacífica y al apoyo hacia las personas que atraviesan nuestro país.

Se entregará un premio y tres menciones honoríficas. Además, se hará una selección de 30 carteles más. De cada uno de ellos se hará una impresión digital para exponerlos.

El espíritu de esta convocatoria busca promover la preservación ecológica, el feminismo y el interés superior de la niñez, aplicando la perspectiva de género con el fin de revertir los datos que apuntan a que las mujeres siguen sufriendo invisibilidad, discriminación y violencia machista. La igualdad de género no sólo es un derecho humano fundamental, sino que es uno de los fundamentos esenciales para construir un mundo pacífico, próspero y sostenible.

El diseño deberá́ contar con un espacio libre, de al menos 7 centímetros de alto, al calce o al margen del cartel, para la posterior inserción de los logotipos de instituciones colaboradoras, incluyendo el hashtag #hermandadmigratoria

Es importante tener en cuenta que el diseño elegido del cartel se puede aplicar a muy distintos formatos publicitarios (roll up, valla, autobuses, etcétera.), por lo que el diseño debe permitir su adaptación horizontal y vertical a estos formatos, siendo identificable en todos los formatos.

Solamente se admitirán obras inéditas. En el caso de que se utilicen imágenes o plagios de éstas de otros/as autores/as o instituciones, la persona autora será la responsable única ante cualquier incidencia que por estos motivos se pudiera producir, quedando retirada la obra de inmediato.

Se establece un único un premio dotado de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M. N.) para el cartel seleccionado, del cual se hará un tiraje de al menos 500 ejemplares para colocarlos en espacios urbanos. El premio se entregará el sábado 27 de abril de 2024 en una ceremonia realizada en Ex Hacienda San José Espacio Cultural, agencia de San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca.

PRESENTACIÓN Y PLAZOS

Los autores/as que se presenten al certamen deberán realizar su diseño en formato JPG Din A/4 y 72ppp vertical vía email a: contacto@exhaciendasanjose.com La fecha límite de presentación será el sábado 24 de febrero de 2024 a las 12:00 horas. El correo electrónico remitido a la organización deberá contener la siguiente información: Asunto: Certamen Cartel “UN JALE POR LA MIGRACIÓN” Título de la obra. Dos archivos adjuntos con el fin de mantener el anonimato de la persona autora. En el primer archivo el cartel final en formato vertical JPG a tamaño Din A/4 y 72 ppp. (No se admitirán en esta fase archivos con capas ni textos sin trazar). En un segundo archivo deberán estar los datos del autor/a en Word o Bloc notas: con el nombre del autor (individual o colectivo); domicilio, teléfono de contacto; mail de contacto; documento(s) de identidad; y una declaración responsable sobre la autoría del cartel y la cesión de uso.

Los organizadores del certamen remitirán un mail de respuesta confirmando la correcta recepción de la inscripción y de los materiales. Una vez recibida la propuesta, las personas participantes no podrán hacer públicos los carteles hasta la semana posterior al día del anuncio del cartel ganador. Cualquier cartel que sea mostrado de forma pública, antes de que la obra seleccionada sea publicada por los organizadores del festival, supondrá que tanto el cartel presentado como su autor/a quedarán fuera del concurso.

El jurado estará formado por tres personas especialistas en diseño y arte, designadas por el festival Encuentro de Almas. La decisión del jurado se hará pública en la página web de Ex Hacienda San José Espacio Cultural, notificando previamente a quien obtenga el premio único del certamen.

Quienes participen en el concurso autorizan al FESTIVAL ENCUENTRO DE ALMAS a colgar sus propuestas en cuantos soportes digitales y físicos considere adecuados.

Los trabajos recibidos se colgarán en el sitio electrónico de Ex Hacienda San José Espacio Cultural: https://exhaciendasanjose.com/

El autor del cartel premiado facilita los elementos, tipografías y archivos necesarios para poder mostrar la obra en los diferentes soportes, formatos y aplicaciones para la promoción y difusión del certamen tanto en castellano como en otros idiomas.

El diseño seleccionado cederá en exclusiva al Certamen de Cartel “Un jale por la migración” los derechos de uso del trabajo ganador sin ningún tipo de limitación, abarcando todas las modalidades y territorios, temporal o de cualquier otra índole. El autor podrá usar su imagen con fines curriculares y culturales, quedando expresamente prohibida su reimpresión o uso comercial.

Los diseños que no resulten seleccionados serán eliminados de las bases de datos del certamen y quienes lo organizan no podrán hacer uso de dichos trabajos eliminados.

Quienes participen en el presente certamen consienten que sus datos personales sean tratados conforme a los requerimientos para el desarrollo del mismo, así como para comunicar noticias, novedades e información en general del Certamen de Cartel “Un jale por la migración”.

La convocatoria completa y detallada para este certamen se puede consultarse en esta liga: https://exhaciendasanjose.com/wp-content/uploads/2023/12/un_jale_migracion_convocatoria_2024.pdf

El Festival Artístico y Cultural “Encuentro de Almas” invita a participar en el Certamen de Cartel sobre las personas en tránsito titulado: Un jale por la migración. El objetivo es estimular a los creadores de arte y diseño a solidarizarse con las personas migrantes que atraviesan México con el hashtag #hermandadmigratoria. El certamen cierra el 24 de febrero a las 12 horas; habrá un único premio dotado de 20 mil pesos; y se destacarán menciones honoríficas. La entrega será el 27 de abril de 2024 en Ex Hacienda San José, en San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca

13 de enero de 2024

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Bicicletas de Ámsterdam en el espíritu.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

Fotos: Erube Flores Valencia desde Ámsterdam

Wilfred Mohr, embajador de los Países Bajos en México, participó con un discurso en la exposición Tour Arte sobre ruedas que Cultura en Bicicleta organizó en la Fundación Sebastian con el apoyo de ésta y la empresa Desensamble de Componente Electrónico, que ayudaron para hacer posible la reunión de más de 70 artistas con más de 100 obras en torno a la bicicleta: dibujos, pinturas, esculturas, fotografías, arte objeto, grabados, bicicletas intervenidas… el sábado 3 de junio de 2023 a las 13:00 horas, en el marco del Día Mundial de la Bicicleta, aquello fue una fiesta inolvidable para la cultura en la que también participaron nuestros amigos de Bicitekas.

En su discurso el embajador auguró suerte y diversión para todos los artistas convocados por Cultura en Bicicleta y agradeció a la Fundación Sebastián por el espacio. Luego habló de la importancia de la bicicleta para los Países Bajos

“Como mejor ejemplo de esta importancia podemos hacer referencia al hecho de que la cultura ciclista neerlandesa fue nominada para la lista nacional del patrimonio inmaterial. Lo cual significa que la bicicleta nos ha dado un sentido de identidad que se transmite de generación a generación.

En los Países Bajos contamos con aproximadamente 22 millones de bicicletas para 17 millones de habitantes, lo cual convierte a los Países Bajos en el único país con más bicicletas que habitantes.

Para nosotros, el ciclismo es mucho más que solo un deporte, todos estamos acostumbrados de usar la bicicleta como medio de transporte. Un medio de transporte sano y sustentable.
También es importante mencionar que la bicicleta como medio de transporte nos da, desde la niñez, una forma de independencia.

Como resultado, contamos en los Países Bajos con una red de más de 37 mil km de carriles de bicicleta, lo que significa que puedes ir en bici a casi cualquier parte del país.
Otra consecuencia de la importancia de la bicicleta en los Países Bajos, es que en Utrecht se puede encontrar la estación de bicicletas más grande del mundo. Aquí caben aproximadamente 12.500 bicicletas”, dijo el embajador.

Y habló sobre la relación que guarda la bicicleta y el arte en su país.

Recordó que la artista mexicana-neerlandesa Nancy van Overveldt, nacida en Holanda y acostumbrada a usar la bicicleta desde su infancia, fue una de las primeras mujeres que usó la bicicleta en la Ciudad de México a principios de los años 50, rompiendo todos los cánones de la época, en la cual era impensable que una señora de la sociedad, anduviera en bicicleta, lo cual le permitió conquistar su independencia y su creatividad.

“Para Nancy la bicicleta fue un instrumento de inspiración, bienestar y acercamiento a la naturaleza por lo cual podemos observarla también en sus pinturas”.

Cabe destacar que los Países Bajos fueron el segundo país que reconoció la independencia de México, cuando terminó la guerra de la Independencia mexicana contra España. Las relaciones diplomáticas entre ambos países tienen casi 200 años. Los Países Bajos y México opinan de forma similar sobre muchas cuestiones importantes. Coincidimos bastante en temas como los derechos humanos, la no proliferación, el clima, la ciber-resiliencia, la seguridad digital, las relaciones económicas y comerciales también son intensivas y crecientes.

Es importante informar que la embajada de Países Bajos tiene un presupuesto para actividades culturales, que reparten anualmente a través de una convocatoria abierta en México. En el año 2022 recibieron cuarenta propuestas, entre las que se seleccionaron dos ganadores. El primer proyecto era una colaboración entre productores cinematográficos neerlandeses y mexicanos, en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. El segundo fue una exposición de pinturas realizadas por artistas con una limitación. En 2023, dividieron el presupuesto en dos convocatorias abiertas, y las propuestas se presentaron en enero y en julio de este año.

Ese sábado 3 de junio el embajador Wilfred Mohr deseo que se disfrutara mucho una exposición tan peculiar. Hoy nosotros esperamos que disfruten esta serie de fotografías que Erube Flores Valencia el director general del Desensamble de componente Electrónico nos trajo desde la mismísima capital de la Bicicleta: Ámsterdam.

6 de diciembre de 2023

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Fragmentados, obras de Héctor Massiel sobre las emociones de un paraíso devastado: Acapulco

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

El pintor Héctor Massiel (Acapulco, Guerrero, 1973) presenta una serie de 21 obras recientes en las que mostrará la crueldad que dejó el Huracán Otis en ese paraíso devastado por la furia del viento.

Este artista ha dedicado en su obra mostrarnos la desolación del mundo, lo frágil del ser humano frente los designios de la naturaleza, la ciencia o el destino mismo. Desde hace más de dos décadas explora en su pintura sentimientos, emociones y expresiones de tristeza, soledad, miedo, angustia, dolor o locura…

Una parte de las obras que se presentarán en Fragmentados hacen referencia a lo fracturado que quedó Acapulco. La muestra se inaugurará este jueves 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte (Guanajuato 118, Roma Norte., Cuauhtémoc, 06700, CDMX). La entrada es libre y estará abierta hasta el 29 de diciembre de 2023.

Héctor Massiel decidió poner el título de Fragmentados a la exposición individual que inaugurará este 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte, el nombre viene luego del paso del Huracán Otis en su natal Acapulco, en donde parte de la obra que ya tenía lista se arruinó.

“Estaba trabajando en mi exposición explorando diversos sentimientos y emociones del ser humano, expresiones como la tristeza, la soledad, el miedo, la angustia, el dolor, la locura, pero también la fraternidad, el encuentro, la solidaridad y la esperanza. La exposición estaba completa cuando llegó el huracán, la mitad resultó dañada, en algún momento pensé cancelar la muestra, pero decidí dejar mi estudio con los techos parcialmente destruidos, así como las puertas y las ventanas, para dedicarme a terminar la exposición.

“Quedaba poco tiempo, entonces decidí fusionar mi experiencia de lo que me destruyó el huracán y de lo que se llevó, por tal motivo la segunda parte de la muestra es de arte-objeto, es decir, objetos que recogí en las calles, letreros que arrancó el huracán, láminas, tapaderas de tinaco, trozos de madera, entre otro objetos que intervine con pintura, para expresar a través de ellos sentimientos muy parecidos a los que ya tenía en parte de la obra lista”, cuenta Massiel desde un Acapulco aún complejo, con dificultades para acceder a la electricidad y el internet.

—¿Por qué Fragmentados?

—Fragmentados hace referencia a fracturado, roto, quebrado, partido, dividido, destruido. Así es como quedó Acapulco, así es como me siento, como se siente mi familia, mis amigos, mi compañera y toda la gente del lugar a la vasta con mirarla a los ojos para sentir su vacío, desconcierto, incredulidad, su sobresalto y conmoción.

Aquí vemos figuras alargadas, estilizadas, pero no todo el tiempo, también hay abultados cuerpos acompañados o solos en un mundo destruido y lóbrego; rostros que se diluyen como fantasmas, en un misterio donde se adivina apenas el gesto, y en ocasiones llega a la síntesis de la forma. También están los “accidentes” controlados en una mancha, los escurrimientos que expresan tristeza y libertad a la vez.

Con una paleta de colores en la que los verdes, los azules, los grises y los violetas se combinan con los tierras, logra llegar a la reflexión. Los colores neutros en proximidad con los fríos crean armonía y un contraste con temas en los que está la melancolía o la perturbación, el testimonio de las atrocidades y la crueldad como protesta contra ella.

Como Goya, Massiel retrata temas sociales en los que mezcla la crítica en escenarios de lobreguez. Abstraído en el expresionismo alemán logra enunciar las emociones con representación subjetiva, en la deformación de los cuerpos muestra una realidad distorsionada en la que hay miseria y dolor con un toque que nos recuerda la emblemática obra El grito de Edvard Munch inspirado en su propia vida atormentada, o al austriaco Egon Schielle, obsesionado por el retrato y la figura humana con una altísima tensión emotiva junto al tema de la soledad angustiosa. Un guiño con Giacometti que en sus esculturas de una consunción extrema está la soledad y el aislamiento del ser humano. Massiel con un trazo ya definido, firme y libre crea colisiones visuales: junto al azul traza el naranja, o junto al violeta esboza un amarillo, o junto al verde proyecta el rojo: impacto de emoción.

“Creo que todos tenemos en nuestra mente cosas que nos gustan e inconscientemente nos dejamos llevar por esas influencias, ya sea en algún tópico o en el cromatismo. Pero cuando las plasmamos se van diluyendo, transformando, surge algo nuestro, aflora un estilo, eso habla de la madurez del artista” advierte Héctor Massiel.

—¿Por qué te interesa en tu obra mostrar los sentimientos y la realidad más cruda?

—Porque en ellos encuentro la fuerza expresiva, el carácter, el movimiento, la espontaneidad, la gestualidad, busco la belleza hasta en lo grotesco. Creo que los artistas somos un medio para expresar la realidad por mas terrible que esta sea, hablamos del contexto en el cual nos desarrollamos, de las cosas que suceden a nuestro alrededor, por lo tanto siento la necesidad y la responsabilidad de plasmarlo, dejar una reflexión, un mensaje.

—¿Es tu obra de alguna manera una forma de denuncia ante las injusticias, o una forma de reflexión?

—Creo que ambas: denuncia y reflexión. El arte siempre tiene que dejar un mensaje profundo, a veces deja huella, y en algunas ocasiones puede ser una huella de transgresión.

Héctor Massiel nació en 1973 en el puerto de Acapulco, estudió pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Campus Taxco, ahora (FAD) UNAM. Ha participado en casi de 200 exposiciones a nivel nacional e internacional, en galerías y museos de países como Estados Unidos, Cuba, España, Portugal, Brasil, Argentina, Perú y, por supuesto, en México.

Fragmentados, exposición individual con 21 obras recientes de Héctor Massiel se inaugura este jueves 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte (Guanajuato 118, Roma Norte., Cuauhtémoc, 06700, CDMX). Estará abierta al público hasta el 29 de diciembre y la entrada es libre.

6 de diciembre de 2023

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Exposición Chac Mool con piezas del maestro Sebastian sobre esta icónica escultura prehispánica.

By Pilar Jiménez TrejoSobre 2 ruedasNo Comments

Una muestra con la que el escultor Sebastian celebra 55 años de creación artística.

La exposición Chac Mool. Sebastian es una recreación de esta figura icónica que aparece en diversas culturas prehispánicas. Las piezas de Sebastian no son una mirada histórica o antropológica, sino estética y se podrán ver a partir de este 07 de diciembre en el Museo Nacional de Antropología. La inauguración será a las 13:00 horas.

La muestra contará con cerca de cuarenta piezas en distintas proporciones y materiales como piedra, plata y fierro; incluirá algunas de las maquetas de los originales de sus diseños, la idea primaria para llevar a cabo cada recreación de la esencia de esta figura. Se mostrarán también dibujos de dos épocas, una más cercana y una más antigua, y algunas acuarelas, todo en torno al génesis del Chac Mool.

La representación del Chac Mool aflora en todas partes donde está la esencia del mundo antiguo, en todo lo que significa ese personaje como dios maya de la lluvia, representación de una víctima sacrificial, sacerdote, hombre-dios, mensajero divino o deidad particular.

En enero se presentará un libro sobre esta muestra con un texto del arqueólogo Eduardo Matos Moctezuma.

“El sentido de la escultura, la vitalidad, el hieratismo, la fuerza, y apreciar que los modelados tienen vida en el tratamiento de las formas, lo aprendí de Henry Moore de él aprendí lo que era una escultura abstracta moderna. Desde muy joven estudiando a Moore descubrí que él había bebido fundamentalmente para sus figuras reclinadas del Chac Mool, y de muchas otras piezas de los Dioses del mundo prehispánico; fundamentalmente él hizo una recreación y mantuvo el significado hierático de la pieza, reprodujo esta belleza en sus figuras reclinadas. Cuando me di cuenta de que Moore había asido del mundo prehispánico, reflexioné que realmente no le debía tanto, porque estaba también retribuyendo mis raíces; lo analicé, me metí a fondo y de allí comencé a trabajar la figura del Chac Mool, desde el 68 hacía figuras reclinadas en arcilla y las convertía en terracota. Muchas de ellas las destruí en un arrebato por una decepción de amor de juventud, solo quedó un que ahora exhibiré aunque está todo craquelada. Empecé de nuevo con esas piezas y comencé a fundir las terracotas en bronce. De allí ya no paré y esos 55 años de recrear al Chac Mool es lo que voy a presentar.

“Creo que exponerlos en el Museo Nacional de Antropología significa que soy mexicano, que allí voy a festejar los años de entrega a una pieza icónica de mi país, de mi raíz fundamental, y que ese Museo es el museo más bellos que existe en el mundo de la antropología. Exponer allí es un reconocimiento a mis años de entrega sobre una figura icónica que no he dejado de trabajar cada año diseñando una y otra”, cuenta el maestro Sebastian.

“El Chac Mool es una pieza muy bella e única en su representación, no hay otra figura que tenga esas características en la escultura universal, muy fuerte la posición, la estructura de cómo está funcionando el hieratismo, la expresión, todo es tremendamente bien resuelto, aunque algunas en algunas piezas prehispánicas sean muy primitivas y otras más elaboradas. Esta figura es extraordinariamente estéticamente y eso es lo que fascina. No me inspira, lo que yo hago son recreaciones de esa visión y ya lo ha dicho el maestro Eduardo Matos Moctezuma.

Matos Moctezuma, quien fuera director del Museo del Templo Mayor, ya ha escrito sobre Sebastian en torno a estas figuras y afirma:

“Las obras de este artista no son una traducción literal, antropológica o histórica de las piezas prehispánicas, sino una interpretación, una re-creación de éstas con el talento, arte y raíz de un mexicano, atento admirador de ese pasado que le inspira, tal y como él lo describe: «Los mexicanos tenemos una gran vocación constructiva por la raíz prehispánica que guardamos. La obra de Henry Moore con influencia prehispánica me hizo pensar en la recreación de ese pasado; por ello, quise retomar nuestras raíces y reinterpretar ese mundo del México antiguo, dar vida a los dioses y a sus expresiones para seguir proyectándolos en el tiempo presente».

Como muchas de las obras de Sebastian en el mundo, sus Chac Mool no son la excepción. En Irlanda hay una escultura de Sebastian que recrea esta figura, se localiza en la entrada de la Universidad Trinity College, y en los jardines de ese claustro hay otro Chac Mool de Henry Moore: “compartimos en esa prestigiosa Universidad así que es un honor doble compartir espacio con Moore. Y también en Chihuahua hay uno en una institución, y le llaman el vigilante, en tarahumara”, precisa.

Sebastian, autor de la célebre escultura El Caballito, es un artista mexicano reconocido en todo el mundo. Es miembro del World Arts Forum Council con sede en la ciudad de Ginebra, Suiza. Ha realizado más de 200 exposiciones individuales en México, Alemania, Bélgica, Brasil, Colombia, España, Holanda, Suecia, Noruega, Irlanda, Inglaterra, Portugal, Italia, Dinamarca, Canadá, Finlandia, Estados Unidos, Francia, China, Suiza y Venezuela. En Japón tiene esculturas en museos abiertos y que son parte del paisaje urbano como el símbolo de la ciudad de Kadoma, con su pieza Tsuru, que es un hai-kú escultórico.

Ha sido condecorado con varios doctorados Honoris Causa como en New York, donde recibió la distinción del City College, junto con el escritor húngaro Elie Wiesel, premio Nobel de la Paz 1986.

5 de diciembre de 2023

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Pilar Jiménez Trejo

Catálogo de la exposición: Cultura en Bicicleta en el Senado de la República.

Más de 80 artistas visuales y dos colecciones de arte-bicicletas sustentables

CATALOGO DE OBRA

L’Arbre aux mille voix (El Árbol de las mil voces) un follaje de libros en una escultura de Daniel Hourde.

En 2022 el escultor francés expuso en México, invitado por la Secretaria de Relaciones Exteriores de México y su obra tuvo gran resonancia en el Museo de la Cancillería.

La escultura se inaugura el 28 de marzo el Pont du Carrousel y Quai Voltaire en el río Sena de París.

Hotel Nirvana de Juan Villoro, se estrena en el CENART con la Compañía Nacional de Teatro

Jaime Sabines, el poeta que cantó a la muerte y a la hermosa vida, murió hace 25 años.

“Convergencias” una exposición en la que Laura Vázquez hace homenaje a la literatura a través de la cerámica.

La muestra se presenta en el Centro Cultural San Pablo en Oaxaca

Elena Martínez Bolio exhibe colección de textiles, tejidos, bordados, encajes, lencería y otros ajuares

Con dos instalaciones: MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS e INDUMENTUM la artista muestra su pasión por los atuendos, los materiales y su elaboración en la alta costura, confeccionados de 1905 hasta nuestros días.

Las muestras se inauguran este 19 de enero a las 20:30 horas en el Museo de la Ciudad de Mérida, una invitación para reflexionar sobre las épocas y las modas en la vestimenta de 290 piezas que podrán visitarse

“Un jale por la migración” convocan desde Oaxaca a diseñadores y artistas mexicanos a crear cartel sobre las personas en tránsito.

Bicicletas de Ámsterdam en el espíritu.

Fotos: Erube Flores Valencia desde Ámsterdam

Fragmentados, obras de Héctor Massiel sobre las emociones de un paraíso devastado: Acapulco

Exposición Chac Mool con piezas del maestro Sebastian sobre esta icónica escultura prehispánica.

Una muestra con la que el escultor Sebastian celebra 55 años de creación artística.

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