Bicicleta realizada por Ana Fuentes para Cultura en Bicicleta.
Reseña en forma de poema breve.
Texto: Dominique Legrand
Elegante pantorrilla
De la mujer radical chic
En los tiempos de Tiffany
En las vitrinas de los vendedores prerrafaelitas
Se veían estas máquinas, caballo del dandy
O Laufmaschine, máquina de correr, se llamaban.
Elegante pantorrilla
De la mujer radical chic
Obra de Juan Berruecos para Cultura en Bicicleta.
En el fondo de la galería había un objeto disímil, insólito en su forma como en sus volúmenes: se parecía a un caracol, a un bajo relieve por sus molduras, o a una media caja ondulada. A primera vista, se distinguía una suerte de copia fotográfica vintage de una playa con dos bicis tiradas en la arena. Con un sesgo sentimental y ornamental. Al acercarme, se volvió a imponer la idea de caja, de caja secreta, en breve de gabinete de curiosidad, y cuando vi el título y la larga lista de los materiales con los cuales estaba hecha, pensé que no estaba totalmente equivocado en mi acercamiento a este trabajo de Juan Berruecos.
El gabinete de curiosidades contiene varios objetos decorativos que tienen a menudo un contenido emocional, privado, para el que los constituye y los posee, pero que se comparten con el público. Tienen algo de extraño, de improbable, y al mismo tiempo los caracteriza la minuciosidad de su elaboración y cierta preciosidad, algo como las joyas.
Las wunderkammer (cuarto de maravillas) populares contemporáneas contienen detrás de una vitrina unas fotos de playa, coches o bicicletas en miniatura, globos que al voltearse dejan caer nieve sobre un paisaje, souvenirs de viajes. Algo de kitsch, de profundamente ingenuo, expuesto con una máxima sinceridad. Todo esto hace eco con esta caja objeto, a mi parecer.
Ahora vamos a los materiales que la componen. Se presentan así: Óleo y resinas, y talco de arena y caracolas con pigmentos. Es un catálogo, una lista ,un rol, una acumulación de detalles subrayada por todas las “Y” de esas que gustan tanto a los coleccionistas y/o a los aficionados alumbrados.
Es preciso notar la simbiosis entre el contenido y el continente: el caracol de mar de la playa aparece entre los materiales y sus espirales se encuentran en la forma de la caja cuyas ondulaciones evocan igualmente las olas del mar y viceversa.
El título a la Julio Verne invita a la aventura y provoca la sorpresa por el contraste entre su primera parte paradójica (Ola urbana) y la supuesta banalidad del final: Arriba Celestún.
Puede ser que lo escrito aquí sea pura conjetura, en fin es sólo un intento de aproximación a la obra. Lo cierto es que Juan Berruecos pertenece al mundo de los coleccionistas de sueños, y evoca aquí un recuerdo en fuga, en una suerte de gabinete de curiosidad medio abierto y concebido con mucha ingeniosidad.
Obra realizada por Magali Ávila para Cultura en Bicicleta
Ópera una fusión del op art, la cultura pop y el glam rock.
El título “ ride my bicycle 1 “ alude, pienso, a la famosa canción de Queen Bicycle race( I want to ride my bicycle, bicycle, bicycle), tanto por el ambiente final de los setenta de esta pieza única como por las reminiscencias del arte lisérgico y de la música glam rock especialmente en la faceta dominada por el color verde.
Con la parte azul, por llamarla así, escucharíamos más bien a los Beatles ( Baby ride my car) por la sensación op art procurada por los colores acidulados, azul violeta ligeramente saturados, y la geometría bien definida de arriba hacia abajo ,círculos, rectángulo, franja horizontal. Algo de pop hay en la descontextualización de la bici, puesta en evidencia como un objeto publicitario, y la atmósfera es medio seria, reservada en todo caso, como suspendida, crepuscular, a punto de ser melancólica.
En cambio la otra faceta de la gráfica es flashy y vitaminada, remitiéndonos a los mini escándalos que provocó el video de bicycle race con la censura de las 65 mujeres desnudas y las exhibiciones de chicas topless en el escenario. Tenemos una obra estroboscópica con luces de cabaret, colores chillantes, cuerpos de mujeres esbozados a mano alzada, una suerte de baile kinestético que evoca una fiesta de los sentidos, algo de disco y mucho de glam rock.
Es una pieza única, precisa la autora. En efecto con dos facetas se da una fusión música pintura que puede remitir a un momento dado, pero Freddie Mercury se escucha hoy más que nunca, y el reventón perdura.
Bicicleta realizada por el maestro Rubén Rosas Cultura en Bicicleta
En esta obra encontramos uno de los temas predilectos de Rubén Rosas, el caleidoscopio con figuras de mariposas, que apareció en su exposición de 2017 en el salón de los Aztecas. El artista había descubierto por casualidad un cristal que se parecía a una mariposa y compuso una serie a partir de diferentes cristales que compró, encontró y configuró.
Quería, dijo, hipnotizar al espectador, tal cual como lo haría un caleidoscopio. Su motivación era el deseo de huir de la violencia urbana al evocar las transformaciones que proponen igualmente la naturaleza y el poder del ensueño.
Aquí, el marco de la bici podría haber sido hecho con dos cristales yuxtapuestos, como los animales que revolotean alrededor. Se transmite una sensación de alegría con la silla y la manilla, trazados tipo Matisse. Estamos en el mundo del silencio, un mundo en el que se deja tiempo al tiempo, en el espacio mental de la infancia o la primera juventud con el cual se asocia también el caleidoscopio.
Se podría evocar también la permanencia ,la solidez de la bicicleta opuesta a lo efímero, a la fragilidad de los animales, ciertamente hay algo de eso pero no es lo importante, me parece más bien que Rubén Rosas quiere invitarnos a entrar en un juego donde predomina la libertad de asociación triángulos mariposas bicicleta fondo gris, un poco como en un Test de Rorschach pero con siluetas nítidas.
Obra del maestro Fernando Aceves Humana para Cultura en Bicicleta.
Aparentemente, es una simple bici sobre fondo gris, un objeto de la vida cotidiana, desprovisto de cualquier sentimentalidad. Pero no hay una bici, son dos, la sombra en efecto zigzaguea más que lo “original”. La de abajo tiene algo de Giacometti, un fondo de temblor, mientras que la de arriba se ve tranquila, inmóvil, en buen estado y en reposo, por así decir. Es de notar que no hay ciclista.
No se evoca la velocidad sino la permanencia, la del hierro y la de cierta luz exterior, cierto momento del día que justifica la presencia de la sombra. Los trazos gruesos se oponen a los de abajo, que se ven como huidizos. La sombra misma, en cambio, provoca una sensación de desorden, de accidente.
Por el marco austero, uno puede imaginarse que se refiere al cine neorrealista italiano, más precisamente al “ladrón de bicicleta”. Se puede imaginar lo que uno quiere, que la deformación de la sombra se debe a la lluvia, que el dueño se fue al encuentro de su amada que luego se sentará atrás en la bici, todo, pues, lo que hay en la arqueología de esta bicicleta cuya composición evoca una foto de los tiempos pasados.
Cultura en Bicicleta/Redacción
En el recién inaugurado Aeropuerto Internacional Felipe Ángeles iniciará sus actividades la nueva librería del Fondo de Cultura Económica y Educal.
El local está ubicado en el módulo D, Send 05 y tiene una extensión de 95 metros cuadrados de exhibición con capacidad para 16 mil ejemplares. Además, cuenta con espacio para revistas y otros productos culturales.
La librería contará con una extensa oferta editorial que, por supuesto, incluye las colecciones emblemáticas del Fondo de Cultura Económica, como la Popular, Vientos del Pueblo, Breviarios, Cenzontle, Historia, Sociología, Tezontle, Poesía, Lecturas Mexicanas, A la Orilla del Viento, Los Especiales de la Orilla del Viento, Tierra Firme y A Través del Espejo, por mencionar sólo algunas.
En la Base Aérea de Santa Lucía, en Zumpango, Estado de México, la librería contará con una extensa oferta editorial que, por supuesto, incluye las colecciones emblemáticas del Fondo de Cultura Económica, como la Popular, Vientos del Pueblo, Breviarios, Cenzontle, Historia, Sociología, Tezontle, Poesía, Lecturas Mexicanas, A la Orilla del Viento, Los Especiales de la Orilla del Viento, Tierra Firme y A Través del Espejo, por mencionar sólo algunas.
La librería tendrá a disposición de los lectores volúmenes editados por instituciones gubernamentales y una muy amplia variedad de títulos de editoriales privadas, como, por ejemplo, Planeta, Akal, Colofón, Artes de México, UNAM, Raíces, Advanced Marketing y otras más.
Con la entrada en operación de esta nueva librería en el Aeropuerto Internacional Felipe Ángeles, el Fondo de Cultura Económica y Educal reiteran su disposición de seguir ampliando su presencia, para poner a disposición de los lectores los mejores libros a precios inmejorables.
La exposición propone un diálogo intergeneracional con una serie de actividades gratuitas y se presentará en las dos sedes a partir del 11 de marzo y hasta el 29 de mayo de este año.
Pilar Jiménez Trejo
Llega a CDMX la exposición Videojuegos. de la mano de Fundación Telefónica Movistar México
En alianza con el Centro Cultural de España en México (CCEMx), y el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes (CENART), presentan en la Ciudad de México esta exposición que, a través de una metáfora de la pantalla, se adentra en las implicaciones económicas, socioculturales, científicas y artísticas de los videojuegos.
La exposición propone un diálogo intergeneracional con una serie de actividades gratuitas y se presentará en las dos sedes a partir del 11 de marzo y hasta el 29 de mayo de este año, con la curaduría de Eurídice Cabañes.
La exposición cuenta con una Galería Virtual que brinda una experiencia paralela en el ecosistema digital, inmersa en la estética de los videojuegos, y que permite interactuar en tiempo real con otros visitantes.
La exposición Videojuegos. Los dos lados de la pantalla, que llega a México de la mano de Fundación Telefónica Movistar México –y después de abrirse camino en el Museo Materia del Centro de Ciencias de Sinaloa, con más de 58 mil visitantes presenciales de mayo a septiembre de 2021– ahora podrá visitarse en la Ciudad de México. Una exhibición que invita a recorrer el extenso territorio generado por los videojuegos en las últimas décadas, así como su un alto impacto en la cultura y la sociedad, convirtiéndose en motor de cambio tecnológico y científico. La exposición plantea la interconexión de dos ejes: Dentro de la pantalla, que explora el extenso proceso de desarrollo de un videojuego, y Fuera de la pantalla, que profundiza en la enorme repercusión e impacto de la industria más allá del mundo virtual. Como factor primordial encontramos las interfaces, elementos que permiten conectar al mundo físico con el virtual. La exposición educativa podrá visitarse en las sedes del Centro Cultural de España en México (CCEMx) y el Centro Nacional de las Artes (CENART), a partir del 11 de marzo y hasta el 29 de mayo de 2022.
La exposición contará con videojuegos disponibles, dispositivos y un programa in situ para proyectarse en la Galería Manuel Felguérez, del Centro Multimedia del CENART, que permitirán al visitante conocer cómo se hace un videojuego, cuáles profesiones y estudios tienen quienes lo hacen, qué relación mantienen con el cine, la música y otras artes, sus implicaciones económicas, laborales, socioculturales e, incluso, su capacidad para generar conocimiento colectivo.
Los visitantes también podrán participar en instalaciones interactivas como Line Wobbler, videojuego, compuesto únicamente de un joystick y una tira de LED desplegable, en el que transcurre la acción, o como Perfect Woman, un título que combina la Kinect y el cuerpo humano y que invita a la reflexión sobre el papel de la mujer en la sociedad actual. Bajo el compromiso
de Fundación Telefónica Movistar de impulsar la cultura digital, la exposición se complementa en el ecosistema digital. La Galería Virtual de Videojuegos permite a los visitantes digitales recorrer y conocer desde otra perspectiva la exposición, en un entorno inmerso en la estética de los primeros videojuegos, para analizar y explicar los diferentes componentes de la exposición y con la posibilidad de interactuar en tiempo real con otros visitantes.
Eje 1: DENTRO DE LA PANTALLA
Debido al avance de la tecnología y las posibilidades que ofrece, el proceso creativo de un videojuego se ha convertido en algo muy sofisticado. Esta sección aborda la enorme complejidad en el desarrollo de la experiencia del videojuego, explicada a través de distintas piezas, como el diseño de escenarios y de personajes, el guion, la animación, la narrativa, o la música.
Además, se mostrarán referencias artísticas que inspiran a algunos videojuegos, como las construcciones imposibles de Piranesi, que cobran vida en Monument Valley, las referencias geométricas de Mondrian en Thomas Was Alone o el paseo basado en el surrealismo daliniano de Back to Bed.
Eje 2: FUERA DE LA PANTALLA
Este segundo ámbito profundiza en la compleja relación entre el mundo físico y el virtual, así como en la enorme repercusión que tiene el videojuego más allá de la propia industria, y que modifica la forma en la que nos relacionamos entre nosotros y con el entorno.
La interacción y su capacidad de involucrar al jugador como elemento clave en cada experiencia se refleja como particularidad intrínseca del medio. Asimismo, se plantean otras reflexiones, como la relación entre la identidad real y la virtual. Durante el recorrido se muestra la investigación sociológica de Robbie Cooper, Alter Ego: Avatars and their Creators, sobre la identidad física y el avatar de cientos de personas, así como una aplicación interactiva en la que cada visitante podrá crear su propio avatar. También se analizará el fascinante fenómeno de los eSports, que en la actualidad generan una audiencia anual de unos 385 millones de espectadores en todo el mundo; y se presentará en el CENART una obra diseñada por el colectivo Arsgames, cuyo trabajo se enfoca en el media art, la programación y el paradigma tecnocultural.
CONECTANDO AMBOS LADOS DE LA PANTALLA
Esta sección de la exposición conecta estos dos universos a través de las interfaces. A lo largo de la sección se invita a realizar un recorrido desde el nacimiento y la evolución de estos dispositivos, hasta nuevas formas de viajar al otro lado de la pantalla. Cabe mencionar que todas las interfaces expuestas han sido prestadas por el público.
Los visitantes también podrán participar en instalaciones interactivas como Line Wobbler, videojuego compuesto únicamente de un joystick y una tira de LED desplegable, en el que transcurre la acción, o como Perfect Woman, un título que combina la Kinect y el cuerpo humano invitando a la reflexión sobre el papel de la mujer en la sociedad actual.
ACTIVIDADES PARALELAS
En simultáneo, se organizan talleres, conferencias y otras actividades educativas y experimentales vinculadas a la exposición.
Charla virtual | Women in Gamex | Viernes 11 de marzo, 18 h
En el marco del Mes de las mujeres y de la exposición Videojuegos. Los dos lados de la pantalla se propiciará un diálogo para abordar las narrativas y expresiones a través de los videojuegos, con un enfoque de género. + info. ccemx.org/evento/woman-in-gamex
Sobre Fundación Telefónica
Creemos en un mundo digital y solidario.
En Fundación Telefónica, apostamos por la cultura digital para comprender los cambios y difundir el conocimiento de esta nueva era. A través de formatos digitales, innovadores, creativos y de contenidos de calidad presentamos a la sociedad las últimas expresiones de la cultura y del arte. Nuestros proyectos expositivos, ciclos de debate y reflexión, publicaciones e iniciativas educativas se presentan física y virtualmente.
Trabajamos desde 2003 para ser catalizadores de la inclusión social en la era digital. Con esta visión, buscamos mejorar las oportunidades de desarrollo de las personas a través de proyectos con alma digital, con vocación global, e inclusivos, utilizando la educación, la formación y la divulgación del conocimiento como los vehículos fundamentales para la transformación social. Desarrollamos proyectos educativos, culturales, de empleabilidad y voluntariado que responden a los retos del mundo digital, para que nadie se quede atrás. Estamos presentes en 30 países -España, América Latina, África y Asia.
Además, en nuestros espacios culturales de Madrid, Lima, Buenos Aires, Santiago de Chile y Quito, todos los proyectos tienen su traslación y se complementan en el ecosistema digital. De este modo, nuestra apuesta por la cultura digital tiene también una vocación transformadora global.
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Sobre el Centro Cultural de España en México
Es una plataforma de promoción y cooperación cultural multidisciplinar innovadora, abierta e incluyente que presenta en México lo mejor del arte, la cultura, las industrias creativas y la ciencia españolas. Su programación está firmemente comprometida con el desarrollo humano como proceso fundamental y su trabajo se realiza de manera colaborativa con agentes locales. Forma parte de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y de una red de cultura en el exterior con 13 Centros Culturales, 6 Centros Asociados y más de 100 Embajadas que realizan actividades en todo el mundo.
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Sobre el Centro Nacional de las Artes
El Centro Nacional de las Artes (Cenart) es una institución dedicada a la difusión, investigación, formación, impulso, debate y enseñanza de las artes.
Genera e impulsa nuevos enfoques y modelos para la educación, la investigación y la difusión de las artes, con énfasis en las expresiones y debates actuales, la interdisciplina artística, y la vinculación del arte con la ciencia y la tecnología; promueve y estimula espacios de confluencia para la formación, la creación, la vida profesional y el desarrollo de públicos, a través de múltiples canales de cooperación académica y artística.
En este contexto, el Centro Multimedia del Cenart tiene como objetivo impulsar el uso de las nuevas tecnologías en la creación artística. Con sus programas sustantivos ha enriquecido durante más de veintisiete años la formación artística a través de un modelo educativo de vanguardia, que fomenta el arte electrónico, el debate y la reflexión sobre diversas áreas del conocimiento relacionadas con la creación artística.
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¿Por qué hablar en un museo de los videojuegos?
A medida que el confinamiento por COVID-19 avanzaba, la gente recurrió a los videojuegos como otra forma de distracción. Dentro y en torno a los juegos han surgido foros y grupos que han creado comunidades enteras dedicadas a las diversas bases de fans. Conforme entendamos más como los jugadores se benefician de los juegos y desarrollan habilidades que pueden ser valiosas en el mundo real, desde el 2020 las marcas y empresas se han centrado más en estas comunidades, lo que disipará el estigma asociado con los videojuegos.
Los videojuegos han permitido construir conexiones y relaciones digitales durante la pandemia. Los expertos estiman que estas comunidades se fortalecerán en los próximos años.
“El mundo de los videojuegos creció rápidamente en el último año, mientras que la motivación y el comportamiento de los jugadores también evolucionaron significativamente a medida que las interacciones y las conversaciones en línea adquirieron mayor importancia. El tiempo diario dedicado al uso de una consola de juegos aumentó a 1 hora y 12 minutos. Mientras tanto, más de 8 de cada 10 usuarios de internet de entre 16 y 64 años declaran jugar videojuegos en cualquier dispositivo en todo el mundo”.
Fuente: DIGITAL REPORT 2022: EL INFORME SOBRE LAS TENDENCIAS DIGITALES, REDES SOCIALES Y MOBILE. <https://wearesocial.com/es/blog/2022/01/digital-report-2022-el-informe-sobre-las-tendencias-digitales-redes-sociales-y-mobile/>
María Esther Beltrán Martínez Fotos: Museo del Prado
Madrid, España.- Se reúne por primera vez desde 1833, un conjunto de pintura mural de excepcional importancia y que puede considerarse el gran desconocido del catálogo de Annibale Carracci: los frescos que se conservan de la capilla de la familia de Juan Enríquez de Herrera en la iglesia de Santiago de los Españoles de Roma.
Andrés Úbeda, Director Adjunto de Conservación del Museo Nacional del Prado, explica que la reciente restauración de los siete frescos conservados en el Prado y la colaboración del Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Gallerie Nazionali di Arte Antica Palazzo Barberini de Roma han permitido el estudio, conocimiento y puesta en valor del conjunto.
“El extraordinario montaje de la exposición permitirá al visitante recorrer las diferentes alturas de la capilla y recrear su decoración”.
Detalla que en los primeros años del siglo XVII, Annibale Carracci (Bolonia, 1560 – Roma, 1609) se comprometió con Juan Enríquez de Herrera a pintar al fresco la capilla de su familia en la iglesia de Santiago de los Españoles de Roma. Carracci ideó todo el conjunto y llegó a ejecutar algunos frescos antes de que en 1605 sufriera una grave enfermedad que le apartó del proyecto, delegando la ejecución de las pinturas en Francesco Albani. A pesar de que se trata del encargo más importante recibido por Carracci en el final de su carrera, estos frescos, que reproducen escenas de la vida de san Diego de Alcalá, franciscano andaluz fallecido en 1463, son prácticamente desconocidos en su conjunto para el gran público debido, entre otras circunstancias, a su dispersión.
El arranque de las pinturas de los muros de la capilla a causa del deterioro de la iglesia, provocó que, de los diecinueve fragmentos de pintura mural existentes, solo dieciséis llegarán a España (7 fragmentos se conservan en el Museo Nacional del Prado y 9 llegaron a la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi desde donde fueron depositados en el MNAC), y los tres restantes se depositarán en la iglesia romana de Santa María de Montserrat, donde no han podido ser localizados. Allí se trasladó también el cuadro del altar, donde hoy continúa.
En la exposición el público verá siete frescos, los primeros son los cuatro trapecios que decoraban la bóveda de la capilla y que narran asuntos relativos a la vida del santo protagonista: San Diego recibe limosna, la Refacción milagrosa, San Diego salva al muchacho dormido en el horno y San Diego recibe el hábito franciscano. Además, tres de los óvalos que se situaban en las pechinas: San Lorenzo, San Francisco y Santiago el Mayor.
Además otras nueve pinturas murales, las dos que se situaban en el exterior por encima del acceso a la capilla, la Asunción de la Virgen y los Apóstoles alrededor del sepulcro vacío de la Virgen, y otras cuatro, arrancadas de las paredes laterales del interior, la Predicación de san Diego, la Curación de un joven ciego, la Aparición de san Diego en su sepulcro y el Milagro de las rosas.
Junto a estas pinturas se exponen dibujos relacionados, estampas que reproducen los fragmentos perdidos y libros de exequias de los reyes de España donde se reproduce el interior de la iglesia.
María Esther Beltrán Martínez
Fotos: J.Carlos Santana
Málaga, España.- El Museo Picasso Málaga en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Sevilla presentan la exposición Cara a cara y los maestros antiguos, en la que se muestran pinturas de El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zubarán, Cornelius Norbertus Gijsbrechts, Bernando Lorente Germán y Diego Bejarano junto con obras de Pablo Ruiz Picasso.
“Esta exposición ofrece al visitante una oportunidad única de descubrir vínculos entre la obra de Picasso y una selección de obras de grandes maestros del pasado, al yuxtaponer sus pinturas a las de El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zurbarán, Cornelius Norbertus Gijsbretchs, Bernardo Lorente Germán y Diego Bejarano. Estos emparejamientos no solo permiten al espectador establecer comparaciones específicas entre la obra de Picasso y la de los maestros antiguos para comprender el profundo arraigo del arte del pintor malagueño en las tradiciones españolas, sino que, además, las yuxtaposiciones nos permiten discernir cómo Picasso transformó estas tradiciones en el arte revolucionario del siglo XX.”, explica José Lebrero, director artístico del MPM.
En el recorrido por la exposición se ve la relación pictórica que forma diálogos con diversos artistas, entre ellos está El Greco, representaba al mismo tiempo las más altas cimas alcanzadas por los maestros españoles y una libertad frente a la tradición que le sirvió de inspiración para crear el cubismo. Encontramos la contraposición con Olga Khokhlova con mantilla (1917) y Cabeza de hombre (1971) de Picasso con la obra de Francisco Pacheco Retrato de dama y caballero orantes (1623). Al respecto explica Lebrero cómo queda patente el profundo arraigo del pintor malagueño en la tradición realista de la retratística española.
“También comprobamos su voluntad de transformar dicha tradición en sus propias interpretaciones, a veces lúdicas y a veces serias. Picasso se valió a menudo de temas violentos tomados del arte religioso para plasmar los acontecimientos trágicos de su tiempo y meditar sobre ellos con humor sombrío, como puede apreciar el visitante frente a su Composición (1933) y su Naturaleza muerta con gallo y cuchillo (1947), expuestas junto al óleo Salomé con la cabeza del Bautista (ca. 1630) de Giovanni Battista Caricciolo”.
Vemos también Busto de hombre (1970) de Pablo Picasso, presentado en contraposición con el Retrato del Infante don Felipe (1729-1735) de Bernardo Lorente Germán.
Explican cómo la obra del pintor español Picasso ha desmontado las fórmulas del retrato de gran estilo y las ha reconstruido de una forma radicalmente nuevas donde se destaca la pincelada notablemente libre por encima de una representación detallada.
Está exposición tiene la singularidad que es la primera que se hace en colaboración con el Museo de Bellas Artes, lugar donde se ha exhibido por primera vez está muestra pictórica y alcanzó un número importante de visitas.
En el contexto de la exposición se ha organizado el Seminario Cara a Cara, en formato online y presencial, que ahondará en la relación de la obra de Picasso con los maestros antiguos. Dicho encuentro consta de dos jornadas. En la primera, el 23 de marzo (online), de la mano de su comisario, Michael FitzGerald, se reflexionará sobre la reciente publicación del volumen IV de la biografía de John Richardson dedicada a Pablo Picasso. Por otra parte, la segunda sesión, el 6 de abril (presencial), se centrará en la revisión de la tradición española y su vinculación con la obra de Pablo Picasso. Las inscripciones a todas estas actividades pueden ya realizarse a través de la página web www.museopicassomalaga.org y en las taquillas del museo.
Pilar Jiménez Trejo
La Mercantil de Diseño presenta la obra de María Paula Suárez, una artista Colombiana, radicada en la ciudad de Nueva York; maestra en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá), que se considera una artista multidisciplinaria que sabe que el arte es una poderosa herramienta capaz de aportar nuevas formas de autoconocimiento y reflexión: una especie de conversaciones silenciosas.
En esta muestra titulada Paisaje Continuo veremos 12 piezas de orquídeas, o fragmentos de estas, bordadas y lápices de color sobre papel a pequeña, mediana y gran escala como una suerte de recorridos mentales realizadas por Suárez, artista certificada como ilustradora por el School of Visual Arts de NYC, y cuenta con un diplomado de pedagogía alternativa de la Universidad de Harvard. Actualmente cursa una maestría en Negocios del Arte en el Instituto de Arte de Sotheby’s.
También se podrá ver su instalación A Escala, un ejercicio de memoria y exploración donde el color y la deriva guían el proceso con pequeños fragmentos de flores bordadas persiguiendo “capturar una maraña de recuerdos codificados, desarrollando las flores a medida que avanzan, hasta que hablaba en sus propios términos, en una especie de lenguaje que tiene para mí en formas bellas e inexplicable”, cuenta Suárez cuya obra ha sido expuesta en Bogotá, Miami, y Nueva York, en galerías como Ki Smith Gallery y Big Arts Sanibel, y que por primera vez podremos ver en México.
Esta artista, que explora la resiliencia como eje central de su investigación a través de técnicas como el bordado y la ilustración con lápices de color, cuenta con la representación nacional de su obra en la galería Otros 360 grados, en Bogotá y está encargada de las relaciones publicas de la galería See Me, basada en Nueva York.
La exposición estará abierta del 17 de marzo hasta el 26 del mismo mes, y la instalación podrá verse hasta el 8 de abril en La Mercantil de Diseño en Fernández Leal #107, Barrio de la Concepción, Coyoacán, que abre todos los días de 10 a 18 horas.
Paisaje Continuo
María Paula Suárez ha enfocado su investigación en la resiliencia, el autoconocimiento y el amor. En sus obras, aborda complejos bordados en capas y evocadoras imágenes de la naturaleza y el lenguaje sobre diferentes tipos de papel.
A través de su práctica, la artista extrae múltiples historias, sistemas y creencias para crear un lenguaje visual que desdibuja el límite entre la abstracción y la figuración.
Suárez se inspira en los procesos personales y las diferentes etapas de la vida, para contar historias sobre experiencias individuales y colectivas.
Paisaje continuo, es una muestra en la cual las series tituladas “Profundo” , “A Escala” y “Derivado” Suarez nos muestra el recorrido de conversaciones silenciosas de sus diferentes estados emocionales, donde deconstruye imágenes que previamente ha explorado en su trayectoria, para proponer nuevas narrativas y en palabras de la artista renacer de las experiencias.
“ Me gusta mucho lo conocido, me hace sentir segura… así mismo siento que a medida que hurgo mas profundo en aquello que resuena conmigo puedo proponer ideas diferentes y mostrar las diferentes imágenes de un mismo eje de investigación”.
Paisaje Continuo está compuesto por de 12 obras en papel a pequeña, mediana y gran escala los recorridos mentales de la artista intrínsecos en sus procesos de investigación. Con estas obras, el artista utiliza formas lineales para explorar paisajes naturales y psíquicos. Sus composiciones dinámicas y enérgicas se basan en las orquídeas colombianas, y bocetos de híbridos de estas.
Si bien estos trabajos en papel parecen en gran parte abstractos, están profundamente comprometidos con los encuentros y recuerdos de María Paula de diferentes escenarios domésticos donde constantemente veía arreglos florales, orquídeas y ramos de rosas.
El título de la serie Profundo, hace referencia al proceso físico y el tiempo implicado en la realización de cada obra.
“Traté de capturar esta maraña de recuerdos codificados, desarrollando las flores a medida que avanzaba, hasta que en un punto sentí que me hablaban en sus propios términos, en una especie de lenguaje que tiene algún sentido para mí en formas que no puedo explicar”, cuenta.
Derivado, explora como su lenguaje sobre cómo se siente vivir, qué es ver las cosas de muchas maneras a la vez, imperfectas y bellas“.
Obras que contienen mensajes que buscaban ser encontrados, cuyo poder deriva de la sutileza y la sugerencia.
“Para mí, la línea es infinitamente misteriosa; a veces se esfuerza y me incomoda, pero en otras partes se detiene, se rompe o se marchita, se vuelve frágil, y es difícil saber por qué… Este diálogo me recuerda a los humanos, las relaciones, la vida interior de una persona, y los ecosistemas que conformamos”.
Esta muestra expone la personalidad de las líneas y el bordado, una muestra que reúne el trayecto de la artista y el poder de capturar la esencia de sus pensamientos.
Declaración de búsqueda
Mi obra reflexiona sobre la resiliencia, la cual entiendo como la capacidad de poder reinventarnos y superar momentos traumáticos de nuestras vidas.
Siempre he creído que el arte se aplica a la vida cotidiana como una forma de generar modelos capaces de brindar nuevas formas de autoconocimiento y reflexión. Lo que muestro ahora es el desglose de mi investigación sobre la resiliencia, dividida en tres etapas: el dolor, el amor propio, y la sanación. El dolor, desde el punto de quiebre, la sanación como el proceso y el amor propio como el resultado.
Constantemente realizamos ese proceso en nuestro paso por el mundo, y considero que la naturaleza que nos rodea es un ejemplo de ello, yo le llamo resiliencia cíclica. Las imágenes que exploro responden a las infinitas posibilidades de entender esos ciclos, y de ahí que las plantas y el lenguaje sean un tema recurrente en mi obra.
Desde afuera, hacia adentro, y desde adentro hacia afuera. Sigo buscando, y sigo encontrando.
