Cultura en Bicicleta

María Esther Beltrán Martínez Fotos: Museo del Prado

Madrid, España.- Se reúne por primera vez desde 1833, un conjunto de pintura mural de excepcional importancia y que puede considerarse el gran desconocido del catálogo de Annibale Carracci: los frescos que se conservan de la capilla de la familia de Juan Enríquez de Herrera en la iglesia de Santiago de los Españoles de Roma.

Andrés Úbeda, Director Adjunto de Conservación del Museo Nacional del Prado, explica que la reciente restauración de los siete frescos conservados en el Prado y la colaboración del Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Gallerie Nazionali di Arte Antica Palazzo Barberini de Roma han permitido el estudio, conocimiento y puesta en valor del conjunto.

“El extraordinario montaje de la exposición permitirá al visitante recorrer las diferentes alturas de la capilla y recrear su decoración”.

Detalla que en los primeros años del siglo XVII, Annibale Carracci (Bolonia, 1560 – Roma, 1609) se comprometió con Juan Enríquez de Herrera a pintar al fresco la capilla de su familia en la iglesia de Santiago de los Españoles de Roma. Carracci ideó todo el conjunto y llegó a ejecutar algunos frescos antes de que en 1605 sufriera una grave enfermedad que le apartó del proyecto, delegando la ejecución de las pinturas en Francesco Albani. A pesar de que se trata del encargo más importante recibido por Carracci en el final de su carrera, estos frescos, que reproducen escenas de la vida de san Diego de Alcalá, franciscano andaluz fallecido en 1463, son prácticamente desconocidos en su conjunto para el gran público debido, entre otras circunstancias, a su dispersión.

El arranque de las pinturas de los muros de la capilla a causa del deterioro de la iglesia, provocó que, de los diecinueve fragmentos de pintura mural existentes, solo dieciséis llegarán a España (7 fragmentos se conservan en el Museo Nacional del Prado y 9 llegaron a la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi desde donde fueron depositados en el MNAC), y los tres restantes se depositarán en la iglesia romana de Santa María de Montserrat, donde no han podido ser localizados. Allí se trasladó también el cuadro del altar, donde hoy continúa.

En la exposición el público verá siete frescos, los primeros son los cuatro trapecios que decoraban la bóveda de la capilla y que narran asuntos relativos a la vida del santo protagonista: San Diego recibe limosna, la Refacción milagrosa, San Diego salva al muchacho dormido en el horno y San Diego recibe el hábito franciscano. Además, tres de los óvalos que se situaban en las pechinas: San Lorenzo, San Francisco y Santiago el Mayor.

Además otras nueve pinturas murales, las dos que se situaban en el exterior por encima del acceso a la capilla, la Asunción de la Virgen y los Apóstoles alrededor del sepulcro vacío de la Virgen, y otras cuatro, arrancadas de las paredes laterales del interior, la Predicación de san Diego, la Curación de un joven ciego, la Aparición de san Diego en su sepulcro y el Milagro de las rosas.

Junto a estas pinturas se exponen dibujos relacionados, estampas que reproducen los fragmentos perdidos y libros de exequias de los reyes de España donde se reproduce el interior de la iglesia.

María Esther Beltrán Martínez

Fotos: J.Carlos Santana

Málaga, España.- El Museo Picasso Málaga en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Sevilla presentan la exposición Cara a cara y los maestros antiguos, en la que se muestran pinturas de El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zubarán, Cornelius Norbertus Gijsbrechts, Bernando Lorente Germán y Diego Bejarano junto con obras de Pablo Ruiz Picasso.

“Esta exposición ofrece al visitante una oportunidad única de descubrir vínculos entre la obra de Picasso y una selección de obras de grandes maestros del pasado, al yuxtaponer sus pinturas a las de El Greco, Francisco Pacheco, Giovanni Battista Caracciolo, Francisco de Zurbarán, Cornelius Norbertus Gijsbretchs, Bernardo Lorente Germán y Diego Bejarano. Estos emparejamientos no solo permiten al espectador establecer comparaciones específicas entre la obra de Picasso y la de los maestros antiguos para comprender el profundo arraigo del arte del pintor malagueño en las tradiciones españolas, sino que, además, las yuxtaposiciones nos permiten discernir cómo Picasso transformó estas tradiciones en el arte revolucionario del siglo XX.”, explica José Lebrero, director artístico del MPM.

En el recorrido por la exposición se ve la relación pictórica que forma diálogos con diversos artistas, entre ellos está El Greco, representaba al mismo tiempo las más altas cimas alcanzadas por los maestros españoles y una libertad frente a la tradición que le sirvió de inspiración para crear el cubismo. Encontramos la contraposición con Olga Khokhlova con mantilla (1917) y Cabeza de hombre (1971) de Picasso con la obra de Francisco Pacheco Retrato de dama y caballero orantes (1623). Al respecto explica Lebrero cómo queda patente el profundo arraigo del pintor malagueño en la tradición realista de la retratística española.

“También comprobamos su voluntad de transformar dicha tradición en sus propias interpretaciones, a veces lúdicas y a veces serias. Picasso se valió a menudo de temas violentos tomados del arte religioso para plasmar los acontecimientos trágicos de su tiempo y meditar sobre ellos con humor sombrío, como puede apreciar el visitante frente a su Composición (1933) y su Naturaleza muerta con gallo y cuchillo (1947), expuestas junto al óleo Salomé con la cabeza del Bautista (ca. 1630) de Giovanni Battista Caricciolo”.

Vemos también Busto de hombre (1970) de Pablo Picasso, presentado en contraposición con el Retrato del Infante don Felipe (1729-1735) de Bernardo Lorente Germán.

Explican cómo la obra del pintor español Picasso ha desmontado las fórmulas del retrato de gran estilo y las ha reconstruido de una forma radicalmente nuevas donde se destaca la pincelada notablemente libre por encima de una representación detallada.

Está exposición tiene la singularidad que es la primera que se hace en colaboración con el Museo de Bellas Artes, lugar donde se ha exhibido por primera vez está muestra pictórica y alcanzó un número importante de visitas.

En el contexto de la exposición se ha organizado el Seminario Cara a Cara, en formato online y presencial, que ahondará en la relación de la obra de Picasso con los maestros antiguos. Dicho encuentro consta de dos jornadas. En la primera, el 23 de marzo (online), de la mano de su comisario, Michael FitzGerald, se reflexionará sobre la reciente publicación del volumen IV de la biografía de John Richardson dedicada a Pablo Picasso. Por otra parte, la segunda sesión, el 6 de abril (presencial), se centrará en la revisión de la tradición española y su vinculación con la obra de Pablo Picasso. Las inscripciones a todas estas actividades pueden ya realizarse a través de la página web www.museopicassomalaga.org y en las taquillas del museo.

Pilar Jiménez Trejo

La Mercantil de Diseño presenta la obra de María Paula Suárez, una artista Colombiana, radicada en la ciudad de Nueva York; maestra en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá), que se considera una artista multidisciplinaria que sabe que el arte es una poderosa herramienta capaz de aportar nuevas formas de autoconocimiento y reflexión: una especie de conversaciones silenciosas.

En esta muestra titulada Paisaje Continuo veremos 12 piezas de orquídeas, o fragmentos de estas, bordadas y lápices de color sobre papel a pequeña, mediana y gran escala como una suerte de recorridos mentales realizadas por Suárez, artista certificada como ilustradora por el School of Visual Arts de NYC, y cuenta con un diplomado de pedagogía alternativa de la Universidad de Harvard. Actualmente cursa una maestría en Negocios del Arte en el Instituto de Arte de Sotheby’s.

También se podrá ver su instalación A Escala, un ejercicio de memoria y exploración donde el color y la deriva guían el proceso con pequeños fragmentos de flores bordadas persiguiendo “capturar una maraña de recuerdos codificados, desarrollando las flores a medida que avanzan, hasta que hablaba en sus propios términos, en una especie de lenguaje que tiene para mí en formas bellas e inexplicable”, cuenta Suárez cuya obra ha sido expuesta en Bogotá, Miami, y Nueva York, en galerías como Ki Smith Gallery y Big Arts Sanibel, y que por primera vez podremos ver en México.

Esta artista, que explora la resiliencia como eje central de su investigación a través de técnicas como el bordado y la ilustración con lápices de color, cuenta con la representación nacional de su obra en la galería Otros 360 grados, en Bogotá y está encargada de las relaciones publicas de la galería See Me, basada en Nueva York.

La exposición estará abierta del 17 de marzo hasta el 26 del mismo mes, y la instalación podrá verse hasta el 8 de abril en La Mercantil de Diseño en Fernández Leal #107, Barrio de la Concepción, Coyoacán, que abre todos los días de 10 a 18 horas.

Declaración de búsqueda

Mi obra reflexiona sobre la resiliencia, la cual entiendo como la capacidad de poder reinventarnos y superar momentos traumáticos de nuestras vidas.

Siempre he creído que el arte se aplica a la vida cotidiana como una forma de generar modelos capaces de brindar nuevas formas de autoconocimiento y reflexión. Lo que muestro ahora es el desglose de mi investigación sobre la resiliencia, dividida en tres etapas: el dolor, el amor propio, y la sanación. El dolor, desde el punto de quiebre, la sanación como el proceso y el amor propio como el resultado.

Constantemente realizamos ese proceso en nuestro paso por el mundo, y considero que la naturaleza que nos rodea es un ejemplo de ello, yo le llamo resiliencia cíclica. Las imágenes que exploro responden a las infinitas posibilidades de entender esos ciclos, y de ahí que las plantas y el lenguaje sean un tema recurrente en mi obra.

Desde afuera, hacia adentro, y desde adentro hacia afuera. Sigo buscando, y sigo encontrando.

La puja se llevará a cabo este jueves 10 de marzo a las 18 horas en la Galería La Mercantil de Diseño. Fernández Leal #107, Barrio de la Concepción, Coyoacán. La transmisión también podrá seguir por el Facebook live de Cultura en Bicicleta

Obras de: Fernando Aceves Humana, Magali Ávila, Chica Ayala, Claire Becker, Juan Berruecos, Fil Calixto, Alberto Castro Leñero, Jesús Cruz, Alejandro Escalante, Aldo Flores, René Freire, Ana Fuentes, Pilar Goutas, Rigel Herrera, Jazzamoart , Pedro de Jesús, Christa Klinckwort, Arturo Lazcano, Mayra León, Enrique León, Gabriel Macotela, MarLeón, Eric Martel, Octavio Moctezuma, Filogonio Naxin, Roberto Parodi , Néstor Quiñones, Jesús Reyes Cordero, Gerardo Rivera Kura, Rodrigo Rodríguez, Vicente Rojo Cama, Rubén Rosas, Juan San Juan, Luciano Spanó, Eloy Tarcisio, Adonay Vásquez, Barry Wolfryd, Ernesto Zeivy .

El portal Cultura en Bicicleta, creado en 2014, dedicado a la difusión y promoción de creadores culturales, convierte ahora su página también en una galería virtual, con una nueva sección llamada Bici Galería, en la que albergará un sitio para cada uno de los artistas que participan en esta subasta. La idea es que el público pueda conocer a fondo la obra y vida de estos artistas y los detalles de su manera de crear, así como adquirir sus obras a través de esta plataforma.

Cultura en Bicicleta ha querido con su nombre ser de alguna manera una metáfora como la que describe el esclarecedor libro del ingeniero mecánico devenido en poeta Gabriel Zaid Cómo leer en bicicleta en el que a partir de su agudeza ensayística habla, entre otros temas, del poder cultural que se puede generar desde los espacios libres.

Y no hay nada más libre que crear y andar en bicicleta, por eso queremos ser un portal de noticias culturales que da cabida a la literatura, las artes visuales, la danza, el teatro, la música, la arqueología, el cine, la gastronomía, los festivales, con un acercamiento a éstas disciplinas a través de la ciencia o la filosofía. La creación es un ámbito de ejercicio continuo de la imaginación, y es sin duda una de las labores que más noticias positivas genera en nuestro país.

Por una azarosa, pero afortunada, razón nuestro portal se ha fortalecido con la más pura y constante presencia del trazo de los artistas visuales. En estos años los creadores y promotores con los que más hemos trabajado son pintores, escultores, fotógrafos o galeristas.

Por eso hemos decidido dedicar en Cultura en Bicicleta, no una sección, sino un blog completo para cada artista, que buscaremos se convierta en un espacio de galería virtual, llamado Bici galería. Para arrancar este espacio hemos pedido a admirados artistas, y podemos decir que algunos son amigos cercanos, ayudarnos con la creación de una bicicleta, en el estilo libre de su imaginación, como una alegoría que simbolice a este transporte de dos ruedas. Las obras será subastada para crear la Bici Galería que ofrecerá información con investigación periodística y conocimiento de la vida y obra de estos creadores; utilizaremos la crítica de arte y los recursos audiovisuales para enriquecer la difusión de su obra.

Con la ayuda de la galería La Mercantil de Diseño, de Lupita Gamboa, y el montaje de la obra a cargo de Aldo Flores, presentaremos desde el lunes 7 de marzo de 2022 estas bicis -que estarán expuestas hasta el 15 de marzo- y que serán subastadas el próximo 10 de marzo a las 18 horas, con el encantador de remates Rodrigo Rodríguez, quien será nuestro martillero. La cita es en la Calle Fernández leal #107, Barrio de la concepción. Coyoacán.

Estamos seguros que la bicicleta es el motor de los creadores y lo será también de los coleccionistas, porque en este tiempo de aislamiento hemos comprobado que lo que realmente salva a este mundo es el arte, y la cultura en general.

Al preparar nuestra subasta, en la que contamos con 38 artistas, hemos visto todos tipos de bicicletas. En todas ellas hay una gracia, un sentido del color, una poesía que nos encanta, que nos muestran a estos poetas del pincel. En ellas se funde la tradición popular y la académica, prolongación y ruptura, fantasía y realismo, lo terrible y el humor negro; saudade o serenidad.

Son un abanico de esteticidades. Las hay tímidas, otras descaradas, eróticas, tristes, severas o loquitas, voluminosas, de humor feroz o muy amables, inmóviles o híper veloces, serias o apasionadas, de una o dos sillas…

No sabemos si las bicis tienen sexo. Aparentemente son femeninas, pero bien podría tratarse de un femenino neutro, como se dice del masculino para justificar su dominación. Para nosotros, la bici es definitivamente andrógina, incluso agnóstica. Igual se puede llamar también velocípedo, palabra que se usó al principio, porque aún no tenía los cambios, ni los frenos, ni la cadena de las bicicletas actuales, fue una moda y no ha vuelto a serlo.

El entorno de las bicicletas que han realizado varía: fondo de música electro, laberinto a la Chirico, bosque diseñados para recorrerlos en bicicleta, o pueden también yacer en el fondo de una pecera o peor aún de un ataúd. Tiempo detenido para después seguir su marcha.

Las bicis pasaron por todos los matices de la interpretación: analógica (se parece a un minotauro) lógica o semi-lógica ( bici-carrera contrarreloj-reloj), cósmica (los radios del sol) ,¡y hasta en uno o dos casos la bicicleta prevista se nos esfumó!

En cuanto a su acompañante natural, el o la ciclista, está sí es mujer o varón, elegante o fornido. Puede ser un pez, o un cuervo, o un conejo, incluso un secreto.

Nuestras bicis son como el niño según Freud -en vía de construcción- o como en el arte: un perverso polimorfo. Una violenta explosión de vitalidad.

Esta piezas muestran que la bicicleta se lleva muy bien con la cultura, el único problema es que no se puede leer pedaleando, ni menos escribir o pintar, sino: “ ¡Cuidado al caer!”

Pues ya lo dice Zaid en su libro, tomando unas líneas del artículo “Bicicleta” de la Enciclopedia Espasa:

“Para montar en bicicleta es preciso no tener miedo,

sujetar el manillar con flexibilidad

y mirar al frente y no al suelo”.

Contiene litografías realizadas por por el pintor Fernando Aceves Humana y un texto del escritor Pablo Soler Frost, editada por Gatopardo, e impresa en el Taller La Buena Impresión en Oaxaca.

Por Pilar Jiménez Trejo

La Carpeta Ecuestre, será presentada este miércoles 9 de mayo a las 18 horas en el

Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), la presentación será moderada por la escritora Karina Sosa, ganadora del Premio Primera novela 2021. La acompañaran Alejandro Legorreta editor de la carpeta, Daniel Barraza artista impresor, el escritor Pablo Soler Frost y el artista Fernando Aceves Humana.

La conexión y amistad de Fernando Aceves con los caballos, datan de su temprana infancia en el criadero de su familia, desaparecido hace décadas tras fallecer su abuelo.

Las imágenes ecuestres que vemos aquí son resultado de una estancia en el Rancho Santa Rosa donde también realizó una serie de dibujos y óleos conviviendo con las manadas de caballos y registrando a cielo abierto sus conductas sin la presencia humana. Las litografías, óleos y dibujos preparatorios muestran la vida cotidiana del rancho y la admiración del pintor por la conexión mental y física entre jinete y caballo durante los entrenamientos de salto. Una experiencia entrañable en una tierra que ha visto nacer a al menos quince generaciones de equinos.

En el texto de Pablo Soler Frost encontramos estas referencias literarias que completan la emoción de las litografías: “El caballo sigue allí, para quien lo busca. Es cierto que han dejado de ocupar vastas extensiones de la realidad, vastas ex- tensiones de la imaginación. Son pocos los seres humanos que aún se dedican a ellos, que los conocen, que los tienen como compañeros del día a día. Son pocos los símbolos en los que perviven, rarísimas ya las expresiones en nuestra lengua que a ellos se refieren: hoy en día una persona puede pasar toda su vida sin oír ni ver ni montar o conducir o abrevar un caballo, cuando antes estaban por todas partes y eran (menos en los lugares en donde no los había, fuera Venecia -Lord Byron tuvo que dejar sus corceles en el Lido- o el Ártico) prácticamente omnipresentes. De Darío el Persa, a quien coronó un relincho a su primera aparición, sobrenatural casi; en América, donde algunos de sus cráneos terminaron empalados en el tzompantli del Templo Mayor; de la indignación de Nietzsche frente a un hombre que azotaba a su jamelgo o el júbilo cuando se anunciaban los ganadores del Derby o en Longchamp, los caballos nos acompañaban todo el tiempo, desde el nacimiento hasta la tumba. Estaban enjaezados a nuestros destinos”.

Y sobre las litografías refiere: “La pintura también sigue allí. Como los caballos, es cierto que ha dejado de regir el inmenso espacio que le era propio, para ir cambiando, menguando, empequeñeciéndose o irse guardando, aceptando a veces matrimonios de conveniencia con otras artes que han adquirido preeminencia. También hoy en día la gente habituada al consumo de las imágenes puede vivir sin ver jamás una pintura ni detenerse morosamente en ella ni relacionarla ni colegir su importancia ni traerla al caso (…) Lo ecuestre precisa de amplias llanuras: es un arte de vastos horizontes. Los lienzos y los dibujos de Fernando Aceves Humana proveen esto. Son el espacio necesario para el cabrioleo del potrillo o las figuras de alta escuela, el lugar idóneo para un animal que pide y que brinda tiempo, como la pintura misma. Se pinta con los ojos, haciendo transcurrir los dedos sobre el papel, obligándolos a seguir lo que el ojo ve: en este caso, que se monta con el pie del corazón”.