Bicimundo / Viceversa

Actualizado: 15 feb

Henri Cartier- Bresson (1908-2004) fue reconocido como uno de los mayores fotógrafos del siglo XXI y es considerado como el padre del fotorreportaje. Aquí se le recuerda mucho por su amistad con Manuel Álvarez Bravo y su proximidad al surrealismo. Decía que su meta era atrapar «el instante decisivo» al captar las imágenes a hurtadillas, con su famosa LEICA. Para él, el fotógrafo era “El hombre que camina” como la estatua de Giacometti. Pero alrededor de los 60 años, sin dejar del todo la foto, decidió sentarse y dibujar, pintar, reflexionar sobre la mirada.

Elaboró el concepto de Fotografía sin aparato. Uno de sus biógrafos, Pierre Assouline, provocó un mini escándalo en Budapest al evocarlo en una conferencia, en presencia de su inventor. ¡ EN el país de Brassaï , de Kersetz, de Capa, casi en el templo de la foto!.. Pero es cierto que al francés le encantaba enseñar con las manos formando el marco lo que él acaba de fotografiar, “ Esas son fotos , decía con humor, realizadas, sin el recurso vulgar a la técnica “, solo válidas para uno mismo. Pero igual, lo importante es la mirada, una mirada organizada.

La foto sin aparato se queda sólo en la memoria de quien la toma y de los que estuvieron presentes. Para Henri Cartier- Bresson (era en sí mismo una actividad artística descrita después ampliamente por Gérard Macé en su libro La fotografía sin aparato(2001).

Otro aspecto interesante es la diferencia entre la perspectiva del fotógrafo y la del dibujante . Entre la rapidez y la lentitud, la intuición y el análisis. Al dibujante, Cuando una obra le interesaba, se le olvidaba todo, tenía que sentarse a copiarla y esto le tomaba horas. También en Budapest durante este mismo viaje, se puso a copiar una obra de Goya “ESCENA DE LA INDEPENDENCIA” , pero no pudo terminar de copiarla porque el museo cerraba . Pidió una foto para acabar el trabajo en Paris. ¡Qué diferencia con el instante decisivo!, pensará uno.

No tanto , en realidad al artista siempre le interesó más el “estado de gracia”, la especie de éxtasis que acompaña la realización que la obra terminada. Esta éxtasis la encontraba al buscar secretos de composición copiando obras que lo habían fascinado. Por eso copiaba… En 1995 casi copió puras ancianas de Goya. La paradoja es que quizás buscaba en la pintura lo que él había encontrado en parte en sus foto.

Goethe dijo al volver de Italia que lo que uno no dibujó, simplemente no lo vio.

De todo esto se puede inferir que el arte para Cartier-Bresson consistía en buscar cierta verdad , cierta organización de las formas a través del arte importando menos la obra acabada que la búsqueda infinita.

Otra pista que permite entender las aparentes paradojas de este artista es su amor a la geometría, bien visible en la composición de todas sus fotos. Pensemos en la fórmula de Platón inscrita en la entrada de su Academia: Que nadie entre aquí si no es geómetra.

Actualizado: 15 feb

La exposición Libro rojo. Sueños y pandemia se inauguró en el parque Luis Cabrera (colonia Roma Norte, Ciudad de México) el 18 de Febrero y estará a la vista hasta el mes de mayo. Consiste en 44 imágenes de distintas mujeres pertenecientes a dos colectivos, Women’s salon de Los Ángeles y Salón Mexico. Las obras se inspiran del ” Libro rojo. Liber novus” del psiquiatra suizo Carl G. Jung, figura clave en la etapa inicial del psicoanálisis.

Jung analizó su propio inconsciente a partir de sus sueños, agregándole a las técnicas de interpretación lo que él llamó la imaginación activa y los conocimientos venidos de tradiciones orientales como el yoga y la meditación.

Todo empezó en 2020 cuando los dos grupos de mujeres decidieron explorar sus sueños en un proceso de práctica creativa. La pandemia las obligó a reunirse de manera virtual, lo que hizo que al final participaran 44 mujeres de diez ciudades en de seis países del planeta.

Transcurrió en tres etapas: presentación de los sueños; comentario y análisis de sus imágenes y de su narrativa en base al libro de Jung, y elaboración de una obra por cada participante. Se dio también un clase de yoga semanal para explorar las imágenes producidas por la meditación y el cuerpo en movimiento. En la exposición, presentada al aire libre, se notan los procesos del sueño que también utilizaron los surrealistas, la amplificación, la desmesura, la dislocación y a menudo la fragmentación sobre todo en los collages, en una harmonía global que viene sin duda del proceso común y singular a la vez de su creación.Todas las obras forman parte del libro- objeto Libro rojo. Sueños de mujeres que estará a la vista , bajo cita previa, en la galería Terreno baldío, esquina San Luis Potosí con Orizaba,en la colonia Roma norte.

El boletín de prensa señala que “Las obras se ofrecen como fruto de un experimento que puede ser replicado para ayudarnos a sobrellevar estos tiempos difíciles y ayudar a sanar tanto la psique individual de cada participante como la psique colectiva de la colectividad”, pero explica también en otra parte que no se trata de una terapia sino de una actividad creativa. A continuación , algunos comentarios de los participantes,:

Lourdes Valdez y Sandra Pani: “La que lanzó la idea fue Mercedes Guetz, gran conocedora de la obra de Jung. Para nosotras, fue un diálogo de un año compartiendo sueños. Descubrimos que había muchos puntos en común entre los sueños de todas. Algunas ya habían trabajado con este material, y lo nuevo fue compartir el trabajo con las demás”. Al hablar del yoga, es preciso saber que antes de empezar la sesión se daba una idea directiva, un incentivo a producir imágenes mentales en relación al proceso global. Les pregunté si se podía hablar de un sueño colectivo:

-La exposición es un tejido de todos los sueños. Además, habrá muchos talleres de sueños y de yoga realizados de manera virtual. Es como el principio de algo que no conocemos, y en todo caso es un sueño realizado.

La muestra se concretó bajo los auspicios de la fundación Javier Marín, del Comité ciudadano Roma Norte II, de la delegación Cuauhtémoc y las Galerías de Arte Mexicanas Asociadas , así como de los dos colectivos de mujeres Women’s salon de Los Ángeles y Salón Mexico.

Por Dominique Legrand

El futbolista Lilian Thuram cuenta como aprendió a ver el arte a los 16 años, con una reproducción del “Buey desollado” de Soutine. Le dijo al profesor: -¿Este pedazo de carne, en verdad, es arte? – Entonces el señor le explicó que la obra se inscribía en el contexto de la Primera Guerra Mundial, lo que traducía algo muy violento. -Comprendí de repente que la obra de arte no es solo lo que uno oye o ve de ella: tiene un contexto, una historia. La revista francesa Beaux Arts( Bellas Artes)de Agosto de este año presenta un interesante análisis de la obra de Artemisia Gentileschi Suzana y los viejos( hacia 1610). Susana vivía en Babilonia . Dos viejos quisieron declararle su pasión mientras se bañaba. La amenazaron con denunciarla por adulterio si no les cedía. Suzana prefirió morir inocente pero fue salvada por el futuro profeta Daniel. Ella aparece desnuda pero no es exhibicionista, sino sorprendida y probable víctima de una injusticia. Muchos artistas representaron este episodio bíblico que, dice la periodista, les permitía mostrar la desnudez femenina y al mismo tiempo respetar un marco moralista. La lubricidad está en la mirada de los mirones. El tema del voyeurismo aparece muy a menudo en la pintura desde el Renacimiento ya que confronta el escándalo, el miedo y la virtud, y se relaciona con el tema pictórico de ver sin ser visto. ¿Cómo no contemplar, con estos elementos, la obra de otra manera ? El tema de este número es COMO LOS ARTISTAS TRADUCEN NUESTRAS EMOCIONES, con muchas obras clásicas o contemporáneas en las que se transmiten la risa, el dolor, el deseo, la ira , la melancolía o el miedo…

Si bien se conocen las revoluciones que transformaron la pintura, menos se sabe del noveno arte ( el cómic) y de las transformaciones sociales que provocó y acompañó en la segunda mitad del siglo XX. Uno de sus mayores representantes fue el francés Moebius, alias Gir, alias Giraud, con tres estilos totalmente diferentes, desde el vaquero sexy Blueberry a los personajes de Alíen o Blade Runner que él vistió o dibujó. Jean Giraud( 1938- 2012) se reía de que le llamarán el papá del cómic, como Bretón del surrealismo.Comenzó en 1963 con la serie Blueberry , con su héroe inspirado por la cara de Jean-Paul Belmondo, que pasa en en lejano oeste, en la revista Pilote donde también se publicaba Asterix y Obelix que muchos consideran como anunciadora del 68 francés, por la edad que tenían sus primeros lectores y el tono de gran libertad que la diferenciaba de Mickey Mouse. Fundó con amigos en 1974 con amigos la revista Metal Hurlant( metal aullando) retomada después en Estados Unidos como heavy Metal, inaugurando su estilo tan particular de “ciencia-ficción con lirismo oscuro”. Este dibujante trabajó a la vez en el campo de las series de cómic clásicas , entre otros el famoso XIII, y en las locuras esotéricas en otros planetas con Jodorovsky. Cuando él tenía 15 años, vino a Mexico a visitar a su madre que se había vuelto a casar con un mexicano y pasó unos meses en el desierto lo que, dice, siempre le hizo preferir dibujar superficies básicas arrasadas y diez años después volvió y tomó hongos halicinogenos, en “ una travesía iniciativa que literalmente me rompió el alma”. Eran los tiempos del Don Juan de Carlos Castañeda.Todo esto y mucho más se puede apreciar en YouTube en DOCUMENTAL SOBRE MOEBIUS, en tres idiomas. Muchos tomos se pueden conseguir en la CDMX en Global Cómics noveno arte que tiene un servicio en línea.

En el Petit Palais de Paris se presentó el año pasado la exposición Fernand Khnopff. El maestro del enigma. Este pintor belga nacido en 1858 fue quizás el más secreto de sus contemporáneos, tanto por el contenido de sus obras como por su vida privada, retirado y famoso a la vez, llevando una vida burguesa y luchando contra el académismo. Sus amigos lo tachaban de egoísta, frio, solitario, británico en fin.. Admiraba a los prerafaelitas y se hizo amigo de Edward Burne-Jones. Sus pinturas son enigmáticas , muchas de ellas centradas en la figura de su hermana representada siete veces en « Memories( lawn-tennis ) »a partir de fotografías y que muchos ven en la famosa esfinge de « l’Art ou Des caresses »( El Arte o De las caricias) que tanto fascinó a Klimt y en criaturas andróginas, en medio de paisajes crípticos. Extraño Khnopff( demasiadas consonantes, decía uno de sus detractores), creador de su propia mitología. Khnopff enclaustrado, pero Khnopff enamorado quizás de su hermana y seguramente de sí mismo, vean “Le masque au rideau noir”(La mascara con la cortina negra )” en su buscador favorito.

Dice el artista: -Donde yo vivo, en el monte entre Xochimilco y Milpa Alta, hay mucha serpiente de cascabel. Necesitaba salir de lo repetitivo, y por eso eso metafóricamente llamé esta exposición La piel de la serpiente. Estoy enseñando una nueva piel-.
Ex alumno de Gilberto Aceves Navarro, expuso en el museo Carillo Gil con el título IRA DE DIOS y también en en el museo del Chopo ocupando todo el enorme espacio del lugar.Este evento se llamó: INTEMPERIE RESGUARDO.
Hay artistas que miran, otros que ven y otros que ante todo dan a ver, y en este espectro entra Rubén. Para inventar la realidad, se vale aquí de la técnica del doblez( hecho y resultado de doblar) tanto las figuras como el lienzo mismo y de improntas de recipientes : tasas de café, copas, latas de sardina , inscritas en las obras y que les dan su título.
El doblez en las figuras se nota en las mariposas. Se utilizaron fragmentos de vidrio como plantillas para dar la forma triangular de cada ala que luego fueron duplicados o doblados como una imagen de espejo para generar mariposas. Esta técnica existe en el arte prehispánico en la Cuatlicue por ejemplo, nos informa Rubén.
El doblez en el lienzo es la utilización de los contrarios que se unen y configuran una imagen:-Pinto primero la mitad del cuadro con acrílico y luego doblo la tela húmeda, vuelvo a abrir y ya sale la imagen frontal.Son tres imágenes en realidad, la que pinté, la que sale azarosamente y tercera es la frontal. Encima de este fondo pinto otras cosas como mariposas o coloco las improntas-.
Al entrar a la derecha hay dos series de tres telas .En un fragmento abajo de cada lienzo hay una pequeña imagen que es lo que sostiene toda la composición. En la primera los dibujos son corazones y metáforas del ser humano. Lo que parece ser un melocotón abierto por la mitad es un niño que va a nacer y del que aparece la pura coronilla. Tiene que ver con la pintura que es nacer vivir y renacer, se comenta en nuestra conversación.
En la otra serie, el dibujo de la espada es una referencia a la conquista de Tenochtitlán, con un templo prehispánico en llamas, en referencia en parte al lugar donde se expone, ya que donde se encuentra el Rule estaba el zoológico de Moctezuma.
En todos los cuadros hay algo inesperado y a la vez provocado , como en un juego serio. El cambio de piel del que se habló al principio se hizo con la idea de mantener viva la creatividad , nos confía el artista. No solo lleva razón, sino que hizo mucho más.