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Exposición

“De mujeres y otros relatos fantásticos” una exposición en el Museo José Luis Cuevas que reunirá arte y filantropía

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“De mujeres y otros relatos fantásticos” es una nueva oportunidad en la que la filantropía y el arte plástico se unen para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos, y continuar con los programas de ayuda a la comunidad en situación vulnerable.

El Museo José Luis Cuevas, la Galería Arte Contemporáneo SMA y el Club Rotario Campos Elíseos invitan a esta muestra “De mujeres y otros relatos fantásticos” en la que participan 19 reconocidos artistas del arte contemporáneo en México y que será inaugurada el próximo jueves 26 de octubre a las 19 horas en el Museo Cuevas ubicado en la calle de Academia 13 en el centro histórico, corazón de la ciudad de México.

En la muestra veremos obra de Eduardo Beristáin, Jordi Boldó, Alberto Castro Leñero, Alonso Chimal, EH?¿, José García Ocejo, Manuela Generali, Claudia Huizar, Luis Granda, Magali Lara, Lifer, Rubén Maya, Flor Minor, Héctor Ornelas, Marisela Peguero, Nunik Sauret, Luciano Spanó, Esmeralda Torres y Theriuss Allan Zaragoza, todos creadores de primera línea que han destacado por sus propuestas estéticas desde los años 60 hasta la actualidad en el arte contemporáneo de México.

Las obras son una mirada abierta y multidisciplinaria sobre el tema de la mujer y otros corpus -realistas, místicos, míticos- partiendo, en ocasiones, de la filosofía, la literatura o la vasta  historia del arte, y forman parte sustantiva del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA (San Miguel de Allende). Los relatos de los artistas permiten entrecruzar la figura femenina con una narrativa fantástica. De ahí que la muestra lleva a un primer plano a las mujeres como motivos de belleza, de fortaleza, de transgresión, pero también como fuente directa de relatos fantásticos.

La muestra es también es una ocasión para que la filantropía y el arte se una con un grupo de artistas representados por esta Galería, que han decidido donar una de sus obras para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos-México; recursos que servirán para continuar con los programas de trabajo que este Club realiza con comunidades vulnerables.

En el catálogo de presentación Héctor Gómez, director general de la Galería Arte Contemporáneo SMA, advierte sobre esta exposición: «“De mujeres y otros relatos fantásticos” es el resultado del gusto por el arte visual y de todas sus disciplinas, de sus creadores, sus simbolismos, propuestas, formatos, tamaños, el olor del óleo, de los procesos de modelado y fundición y no menos importante, del interés por conformar un acervo artístico que se distingue por un sentido profundo en sus contenidos y evidenciara las identidades propias de cada artista. A través de varios lustros se fueron incorporando obras modernas y contemporáneas mediante adquisiciones y encargos -entendidas como producciones de la galería con los artistas- en las que podemos apreciar un culto a la creación del arte y su estrecha relación con el conocimiento, la reflexión y el oficio (…) no son trabajos anecdóticos o catárticos sino grandes composiciones de artistas nacionales y extranjeros que viven y trabajan en nuestro país.».

Este galerista coincide con lo que el historiador de arte Víctor Stoichita afirma en su libro Cómo saborear un cuadro: el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación. Y retoma las palabras del escritor y coleccionista de arte Javier Lumbreras en que la cuestión de coleccionar arte “va más allá de un asunto de dinero, es una combinación entre saber y pasión”.

En su texto añade «La intención de mostrar una parte sustantiva del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA, a través de la exposición “De mujeres y otros relatos fantásticos” se trata, por principio, de una invitación al público a que mire detenidamente las obras expuestas que muchas de ellas, a pesar de su calidad, no son tan conocidas (…) las diversas salas del Museo José Luis Cuevas, ubicado en el centro histórico de la ciudad de México en lo que fue parte del Convento de Santa Inés, nos brinda la posibilidad de descorrer las relaciones entre las miradas abiertas y multidisciplinarias sobre el tema de la mujer con otros contenidos adaptados -realistas, místicos, míticos- a partir de la filosofía, la literatura, la historia del arte, de expresiones culturales, de gustos personales, de entornos sociales, entre otros, gracias al trabajo artístico de diecinueve artistas». Y cita al ensayista alemán Walter Benjamín “La fascinación más profunda del coleccionista consiste en encerrar el objeto individual en un círculo mágico. congelándose éste mientras le atraviesa un último escalofrío (el escalofrío de ser adquirido).”.

Por su parte Rafael Antonio Castro Hernández, Presidente en turno del Club Rotario Campos Elíseos destaca el eslogan actual de la comunidad rotaria en el mundo “Crea esperanza para el mundo” para referirse a esta exposición. De esta manera, agrega, Rotary está contribuyendo a crear ese sentido de esperanza que tanto se necesita para el mundo, con las Bellas Artes. “En cualquiera que sea su expresión, en el arte, siempre habremos de encontrar un trasfondo de conocimiento, de reflexión, de diálogo, de diferencias, pero también de coincidencias. Confiamos en que las obras de la muestra “De mujeres y otros relatos fantásticos” muevan el sentido filantrópico que todos llevamos dentro, que las aceptemos como pruebas y testimonios del hombre por crear y vivir en un mundo con esperanza».

En su texto de presentación apunta que “De mujeres y otros relatos fantásticos” es una oportunidad en la que la filantropía y el arte plástico se vuelven a reunir, ahora en el marco del Museo José Luis Cuevas, con la generosidad de un grupo de artistas que representa la Galería Arte Contemporáneo SMA y la donación de una de sus obras para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos-México. «Recursos que servirán para dar continuidad a los programas de trabajo en los que nuestro club rotario ha venido trabajando y ayudando a la comunidad en situación vulnerable».

En el catálogo el crítico Erik Castillo, destaca al corpus (cuerpo) como hilo conductor de la muestra “El sentido global del imaginario visible en la colección de arte que se presenta tiene que ver, precisamente, con el cuerpo, la corporeidad, en tanto sistema complejo con funcionamiento orgánico. El “corazón” de la propuesta expositiva consiste, por lo demás, en una proposición plural de relatos comunicantes a propósito de la identidad del cuerpo (…) ninguno tiene primacía sobre el resto: la curaduría ofrece una constelación creativa horizontal.”

Por su parte, la crítica de arte, Sylvia Navarrete advierte «Los títulos de las exposiciones no son inocentes. “De mujeres y otros relatos fantásticos”, el que eligió la Galería de Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende para su presentación en el Museo José Luis Cuevas, amalgama dos registros: el del habla cotidiana que enfatiza el asombro ante lo descomunal, y un uso más especializado del léxico que vincula lo fantástico a un modo de expresión en la literatura y en las artes (…) Mediante la selección de 19 artistas de trayectoria variable ofrece un repertorio ecléctico de la gama de opciones que ha adoptado la plástica mexicana apegada a códigos tradicionales durante las décadas más recientes. Esta exposición nos recuerda que toda colección es un organismo vivo.”

El catálogo preparado para “De mujeres y otros relatos fantásticos” cuenta también con textos  Carlos Blas Galindo, Arturo Joel Padilla y Gabriel Santander en el que aportan sus ideas, conocimientos, reflexiones, y conceptos en torno a esta exposición que se inaugura jueves 26 de octubre a las 19 horas en el Museo José Luis Cuevas, y que podrá visitarse o hasta el 5 de noviembre del 2023 en Academia número 13 en el centro histórico de la CDMX.

Obras en torno a Picasso de 92 artistas mexicanos se presentan en Málaga

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Málaga, España.-  Este  año se han realizado diversas actividades en torno al artista y padre del cubismo Pablo Ruiz Picasso. Y no podía faltar la participación de México por lo que llega la exposición Picasso en la Memoria.

Es una exposición colectiva en la que participan 92 artistas mexicanos que por primera vez exponen en la Costa del Sol, ciudad donde nació Pablo Ruiz Picasso. La sede es la galería Alfajar  que se encuentra frente a la Catedral;  conocida como la Manquita, los visitantes pueden disfrutar de diferentes obras realizadas con distintas técnicas.

 

El sello mexicano imperó en la inauguración. En el entorno de la catedral se escuchaba la música de mariachi ejecutada por Juan Manuel Valencia  y Augusto Peña. Algunos peatones se acercaron a la galería para ser testigos de la presencia del arte mexicano. Todos se llevaron la sorpresa de ver  las obras y degustar de tequila.

Responsables de la galería José Ángel Ruiz,  junto a su esposa Lola y el organizador Fernando Aroche fueron los anfitriones de la velada a la que asistieron en representación de los artistas: Monique Colinas y Sonia Sabido.

 

“Es un placer poder tener está exposición colectiva una de las más grandes que hemos tenido”, expresó José Angel Ruiz. Aroche manifestó su alegría de poder presentar la exposición en Málaga después de haberse presentado en Madrid. Destacó la colaboración de los dueños de la galería y los felicitó por el espacio ya que  no sólo es la galería sino una tienda de artesanías importante en el centro de la ciudad.

La obra que puede verse en su mayoría es figurativa, abstracta y cubista en torno a Picasso,  que este octubre festejaría sus 142 años. Si se habla de este artista malagueño la ciudad de Málaga sale a la luz primero por ser donde nació, por tener dos museos dedicados al artista y por tener la historia de sus inicios en el arte.

Además que este año finaliza las miles de actividades que se han realizado en torno a su cincuenta aniversario del fallecimiento del artista español. No sólo en Málaga sino en diversas ciudades españolas como en el extanjero en museos en Nueva York, Inglaterra y Francia.

Fotos: J. Carlos Santana

 

El Palacio de Bellas Artes presenta: «Una lógica de la belleza» obra de Francisco Castro Leñero.

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La muestra comprende más de 60 obras provenientes de colecciones particulares e institucionales, entre las que se encuentran pinturas, grabados, dibujos y objetos tridimensionales.
Abordan en cuatro núcleos temáticos las distintas facetas plásticas del artista, a quien se recuerda en el primer aniversario luctuoso.

El Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA), presentan la exposición Francisco Castro Leñero. Una lógica de la belleza, retrospectiva que examina la trayectoria de uno de los principales exponentes del arte abstracto en nuestro país, en el marco del primer aniversario de su fallecimiento.

La muestra tiene por objetivo conmemorar y analizar la producción artística de Castro Leñero, a través de una cuidadosa selección de piezas, basada en la investigación de la geometría y la experimentación desde la abstracción.

En el recinto de la Red de Museos del Inbal se exhibirán al público, a partir del 14 de septiembre, más de 60 obras, entre las cuales se encuentran pinturas al acrílico, gráfica, dibujos sobre papel, escultura y otros objetos tridimensionales provenientes de colecciones institucionales y privadas.

Francisco Castro Leñero (1954-2022) emergió en la escena artística mexicana a finales de los años setenta, con una propuesta que se basó en patrones rectilíneos y sobrias escalas cromáticas que abrieron la vía a una percepción exclusivamente visual, sin referentes explícitos a la vida cotidiana ni a la realidad empírica. De no haber búsqueda de la belleza, comentaba Castro Leñero, “se le negaría al espectador una experiencia fundamental. La belleza depara la posibilidad de conmoverse”.

La curaduría de la exposición está a cargo de Sylvia Navarrete Bouzard, reconocida investigadora y escritora mexicana, quien ha publicado diversos libros, ejercido como crítica de arte y ocupado distintos cargos públicos en reconocidas instituciones culturales, como el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca o el Museo de Arte Moderno.

En la exposición se condensan cinco décadas de producción artística en cuatro núcleos temáticos. El primero, Resumen de una trayectoria, ofrece una visión general e introductoria del trabajo de Castro Leñero, a partir de un conjunto de obras representativas de distintos periodos. En éstas se logra un equilibrio entre las creaciones pictóricas tempranas y las más recientes. Desde los ensambles de la década de 1980 hasta las esculturas y mandalas tridimensionales, los visitantes podrán apreciar la evolución de la obra de Castro Leñero a lo largo del tiempo.

Materia, madera y damas: 1980-2000, el segundo núcleo, exhibe la primera etapa creativa del artista, donde el paisaje urbano se entrelaza con la construcción artificial alterada por la influencia de la naturaleza, la lluvia, el tiempo y la intervención humana. Después del terremoto de 1985, el artista transformó su lenguaje plástico para conceptualizarlo en segmentos geométricos cuadriculados que remiten a baldosas o a tableros de juegos de mesa.

En Desfases, vibraciones y curvas: 2000-2021, se muestra la consolidación del lenguaje artístico del autor, resaltando el valor expresivo del cuadrado y las tensiones generadas por las líneas. Los hilos conductores en esta etapa son la elocuencia del espacio, la poética de la luz, los ritmos musicales y la experimentación cromática inspirada en el estudio de Velázquez y Rembrandt. A partir del año 2000, el enfoque se orienta hacia un uso más libre, pero siempre deliberado de las relaciones estructurales, en las cuales lo normativo de la composición cede paso a lo orgánico, con combinaciones de colores exuberantes.

En el último núcleo, Los papeles del maestro, se exhiben los trabajos preparatorios y piezas sobre papel, incluyendo estudios de bocetos figurativos y variaciones temáticas a través de secuencias de dibujo, grabado y pintura. En el centro de la sala destaca una pintura monumental realizada por el artista como parte del proyecto AKASO, una evocación de los murales producidos por México para la Exposición Universal de Osaka en 1970.

Esta exposición ha sido posible gracias a los préstamos de 17 colecciones particulares y de las colecciones del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Museo Amparo, Museo de Arte Moderno, Inbal y Museo Jumex.

El Museo del Palacio de Bellas Artes desea expresar un especial agradecimiento a la Fundación Jenkins por su valioso apoyo en la realización del catálogo que acompaña a esta exposición, el cual contribuye de una manera significativa a enriquecer la visión sobre la obra de Castro Leñero.

Francisco Castro Leñero. Una lógica de la belleza estará abierta al público a partir del 14 de septiembre, de martes a domingo, en un horario de 10:00 a 18:00 horas. Además de la exhibición se ofrecerá un programa de visitas guiadas y actividades paralelas para enriquecer la experiencia de visita de los públicos.

Los papeles del maestro.

“Nada tan complejo en formas y expresiones como el cuerpo humano”, observaba Francisco Castro Leñero, quien empleó únicamente el dibujo con modelo en tanto que disciplina académica. En el papel improvisaba figuras, pero también investigaba los valores geométricos que, así madurados, trasladaba a la pintura. Profesor de dibujo durante casi 40 años en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, recomendaba al alumno practicar continuamente con el lápiz y la libreta para estimular la creatividad y fortalecer la expresión.

Le apasionaba la gráfica. Impartió talleres de grabado en y fuera de México, produjo estampas sueltas o reunidas en carpetas, y desarrolló secuencias de dibujo, grabado y acrílico sobre un mismo tema. Su obra pictórica y aquella sobre papel corren parejas en el perfeccionamiento de la línea, la estructura, la textura de los pigmentos: el proceso, cauteloso pero flexible, lo lleva de la opacidad a la transparencia, de la raya al cuadrado y al trayecto sinuoso, y de la monocromía a una cálida paleta multicolor.

Materia: años 1980-2000

La madera es el primer instrumento formal de Francisco Castro Leñero. Secciona sus cuadros tempranos con rayas leñosas y da textura con empastes; así armada, la “osatura” de tiras diagonales evoca los ciclos de construcción y destrucción en una ciudad contaminada. Más tarde, desmaterializa la rigidez de las líneas en grandes superficies cuadriculadas. Esta estructura, que imita los tableros de damas o las baldosas de los patios, propicia una opulencia cromática que ilumina la composición; a la vez,
jaspeaduras, frotis y manchas desvanecidas trastocan la percepción errónea de un espacio uniforme.

Un fenómeno mundial marcó el regreso a la pintura figurativa en la década de 1980. Por su parte, Francisco Castro Leñero se apega a la tradición moderna de la abstracción geométrica —Gunther Gerzso, Manuel Felguérez, Fernando García Ponce y Vicente Rojo—, si bien la factura constructiva de su obra lo asimila a un radicalismo conceptual más que a las derivaciones gestuales u
oníricas de los pintores de aquel momento. Esta singularidad le valió amplia difusión, fortuna crítica y posición en el mercado del coleccionismo.

Años 2000-2021

Francisco Castro Leñero siempre fue fiel a la abstracción. Hacia el final de su vida, mantuvo la retícula que estructuraba sus composiciones, pero le incorporó patrones curvilíneos que provocan una sensación de desplazamiento en la repetición. Sus gustos musicales se reflejan en la dinámica aleatoria de figuras orgánicas y colores francos que unifican fases rítmicas y áreas de silencio:
es la idea del “canon”, una técnica clásica en que varias voces entonan la misma melodía comenzando unas después de otras. Éste es el desajuste que estremece, con elementos activados a intervalos irregulares, una lógica que de otro modo resultaría demasiado estricta.

A partir del nuevo siglo, Francisco Castro Leñero se internacionaliza. Ante el relevo generacional y el despegue de las prácticas multimedia, procura alianzas con la Howard Scott Gallery de Nueva York y la Diaz Contemporary de Toronto. Su actividad pública se vuelve intermitente en nuestro país, dónde prefiere enviar versiones de las exposiciones inauguradas en sedes foráneas. Con todo, jamás desatiende la labor docente ni el debate teórico sobre la pertinencia de la pintura en el arte contemporáneo.

Trayectoria del artista.

Francisco Castro Leñero (CDMX, 1954-2022) fue el pintor abstracto más conceptual de la escena contemporánea y un influyente profesor de dibujo en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Tres de sus cinco hermanos son pintores (Alberto, José y Miguel Castro Leñero); sólo él se arraigó en una plástica que descarta la figura humana en favor de precisos esquemas geométricos y sobrias escalas cromáticas. Con otra reconocida pintora abstracta, Irma Palacios, se casó, viajó y compartió casa y taller en el barrio de Tlalpan, donde murió prematuramente.

¿Cuál es la lógica de la belleza en la obra de Francisco Castro Leñero, caracterizada por una presunta frialdad? La retícula en que se reiteran motivos con ritmo sereno, las veladuras y sus matices, los colores dosificados en gamas elegantes constituyen sus recursos básicos. Agenciados de manera magistral en el lienzo, insinúan formas engañosamente austeras que invitan a mirarlas con atención circunspecta, pero que culminan en la revelación de una armonía incorpórea.

La propensión minimalista de Francisco Castro Leñero se asemeja a una mística de la pureza. Pinturas, dibujos, grabados y ocasionales objetos en relieve encajan en un sistema autorreferencial que despliega sus mecanismos internos: progresivamente, adelgaza con delicadeza la materia, adquiere cierto compás musical y luce una paleta vivificante. El ascetismo de su factura se ve atemperado por el sutil ejercicio, casi preciosista, de una belleza inmaterial.

Esta exposición conmemora la trayectoria de uno de los máximos exponentes del arte abstracto en el ámbito nacional, en el marco de su primer aniversario luctuoso, al tiempo que busca vencer ideas preconcebidas que tienden a privar de contenido emocional a cualquier lenguaje plástico basado en la geometría.

Programa de actividades | septiembre a diciembre 2023

Del 13 de septiembre 2023 al 14 de enero 2024

Académicas

Charla curatorial presencial
Presenta: Sylvia Navarrete, Patricia Soriano y Rodrigo Flores Herrasti
Modera: Rodrigo Ímaz
Jueves 21 de septiembre, 18 h
Sala Adamo Boari, Palacio de Bellas Artes
Cupo limitado: 70 personas
Dirigida a público general
Entrada libre

Recorrido virtual

Presenta: Sylvia Navarrete
Lunes 9 de octubre, 21 h
Estreno en Facebook (cupo ilimitado)
Dirigido a público general
Entrada libre
FB: Museo del Palacio de Bellas Artes

Presentación del catálogo

Presentan: Sylvia Navarrete, Sergio Ricaño y Jaime Moreno Villarreal
Modera: Uriel Vides
Jueves 19 de octubre, 18 h
Sala Adamo Boari, Palacio de Bellas Artes
Cupo limitado: 70 personas
Dirigida a público general
Entrada libre

Recorridos anecdóticos

Recordando a Francisco Castro Leñero. Recorrido con ex alumnos del artista
Presenta: Miriam Barrón
Miércoles 25 de octubre, 20 h
Presenta: Carlos Mier y Terán
Jueves 23 de noviembre, 16 h
Acompañamiento: Uriel Vides
Salas Diego Rivera y Nacional
Cupo limitado: 30 personas
Dirigido a público general
Entrada libre

Recorrido a través de la exposición donde se tendrá un acercamiento a la faceta de Francisco Castro Leñero como profesor, por medio de las voces de dos exalumnos que formaron parte de sus clases de dibujo en la antigua Escuela Nacional de Artes
Plásticas y tiempo después compartieron otras experiencias relacionadas a su producción artística.

Clase

Introducción a la expresión en el dibujo*
Presenta: Marcos Castro
**Fecha por confirmar
Área de murales
Cupo limitado: 30 personas con registro previo
Dirigido a público general
Entrada libre

 

Explorando el mundo de Francisco Castro Leñero

Martes a viernes a partir del 19 de septiembre, 13 a 15 h
Área de murales | Actividad libre sin registro previo
Cupo limitado: 10 personas cada 20 min.

Activación que invita al público a acercarse de diversas maneras a la obra de Castro Leñero, a partir de dinámicas multisensoriales que detonen una experiencia mediante las expresiones abstractas del artista.

Visitas guiadas

Martes a sábado a partir del 14 de septiembre, 11:30 y 15:30 h
Punto de encuentro: módulo de informes del Museo
Cupo limitado: 20 personas por grupo
Dirigida a público general sin registro previo
Actividad libre con boleto de acceso al Museo

Tres fotógrafas presentan Memoria de las calles: un viaje a la Barcelona en Málaga

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Málaga, España.- Una mirada al pasado es lo que  ofrece el Museo Carmen Thyssen Málaga. En su reciente sala abierta a exposiciones  presenta Memoria de las calles: un viaje a la Barcelona de los años treinta y cuarenta del siglo XX a través de más de cuarenta fotografías de las fotógrafas: Margaret Michaelis, Kati Horna y Montserrat Vidal-Barraquer.

“Con esta exposición, el Museo continúa reivindicando el imprescindible papel de las mujeres en el relato artístico del siglo XX, como en las muestras que hemos dedicado a Juana Francés o las fotógrafas Lisette Model, Helen Levitt y Grete Stern”, expresa su directora artística del museo, Lourdes Moreno.

La directora agrega que proyectos como Memoria de las calles marcan una línea destacada en la  programación, de especial atención a las artes visuales y con la fotografía como apuesta principal.

La exposición, de producción propia que se muestra en el Espacio ArteSonado, conecta con la exposición anterior Street Life: Lisette Model y Helen Levitt en Nueva York -que se pudo ver hasta el pasado 25 de junio en la misma sala- y propone un recorrido de manera cronológica por las calles de la Ciudad Condal en tres momentos consecutivos y claves en el marco de la historia reciente de España.

Respecto a las fotógrafas explica Moreno que Margaret Michaelis, llegada desde Berlín en 1933, en el marco de la Segunda República a España, una fotógrafa judía de origen polaco, instaló su estudio en Barcelona entre 1933 y 1937. Por encargo del colectivo de arquitectos GATCPAC fotografió el Barrio del Raval y, entre el lunes 9 y el viernes 13 de abril de 1934, realizó un extenso reportaje de su zona más degradada, el llamado Barrio Chino, para apoyar las demandas de intervención urbanística e higienista en una zona que las fotos de Michaelis retratan además en su bulliciosa vida cotidiana.

Por su parte, y apenas tres años después, la fotógrafa húngara Kati Horna retrata la vida tranquila de las calles de Barcelona en la retaguardia de la Guerra Civil. El estallido de la guerra civil atrajo a España a numerosos fotógrafos europeos que se adentran en el frente o recorren las ciudades conforme avanza la contienda por el país.

Kati Horna -cuyo apellido tomó de su marido, el artista español José Horna- llegó en 1937 por encargo del Ministerio de Propaganda Exterior de la República y visitó varias ciudades. En Barcelona pasó unos días, recogiendo con su cámara la aún tranquila vida de la ciudad, en la que también llamaron su atención el Raval y el Barrio Chino. Niños en las calles, vendedores ambulantes, paredes empapeladas de carteles políticos muestran la calma antes de la tempestad, que ella misma documentará en un viaje posterior, en marzo de 1938, en que será testigo de un bombardeo y de la destrucción que sufre la ciudad.

Finalmente, y frente a la mirada más documental ofrecida por Michaelis y por Horna, la Barcelona de los años cuarenta es captada a través del lenguaje melancólico de la fotógrafa oriunda Montserrat Vidal-Barraquer  (1902-1992), que supo esquivar las restricciones del momento impuestas a las mujeres para presentar una fotografía tan moderna como poética y refinada.

Montserrat Vidal-Barraquer,  finalizada la guerra, la actividad profesional de las fotógrafas se interrumpió temporalmente, pues el régimen franquista impuso una severa represión a las mujeres y la cultura y las artes. Amparada por su condición de aficionada y buscando espacios donde pasar inadvertida, Montserrat Vidal-Barraquer fotografió la Barcelona de los años cuarenta, una ciudad casi vacía, donde la vida callejera se había vuelto más limitada, refugiada en los barrios como el Gótico o el Born, y en entornos vecinales. Su

fascinación por la luz dio forma a unas imágenes con una atmósfera de ensoñación y nostalgia. Muy prolífica –dejó más de 22.000 negativos–, Vidal fue también impulsora del Grupo Femenino de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, ya en los cincuenta, que formó y agrupó a numerosas fotógrafas que continuarán el retrato de la capital catalana en las décadas siguientes.

Fotos J. Carlos Santana

 

Las flores salvajes de Jorge Galindo presentes en Málaga

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Málaga, España.- El centro de arte contemporáneo de Málaga (CAC) presenta la exposición titulada Las flores salvajes. Una exposición del artista madrileño, Jorge Galindo. Uno de los exponentes de la pintura contemporánea de España. Inició su trayectoria a finales de los años 80 del siglo XX, ha hecho de la pintura un campo de expresión experimental. La muestra reúne una selección de 25 pinturas de gran formato con la temática de las flores como elemento vertebrador realizadas en los últimos cuatro años, incluyendo algunas de las primeras que pintó en la serie en el 2009.

Fernando Francés, curador de la exposición explica que las obras expuestas en Las flores salvajes, recuerdan en cierta manera a los grandes formatos utilizados en publicidad, como pancartas o vallas publicitarias. “A menudo, estas muestran imágenes en movimiento, lo que recuerda al dinamismo que el artista otorga a sus pinturas. Galindo persigue la creación de obras gigantes en las que el espectador se involucre, traspase  y sienta el lienzo. De esta forma, el espectador se adentra a modo de Alicia en el país de las maravillas, en un mundo lleno de magia, haciendo el espectador cuestionarse los límites entre lo real y lo ficticio”. 

Explica que Galindo continúa explorando el tema clásico de la representación de los motivos florales, incluyendo elementos de collage en sus composiciones con unas pinturas monumentales, coloristas, gestuales, expresionistas, casi abstractas, resultado de un proceso pictórico muy físico.

Sus obras muestran la celebración de la vida, el placer de pintar y la libertad creativa.

“El título de la exposición Las flores salvajes. Simboliza de alguna manera la forma en la que el artista hace referencia al aspecto más indómito de la naturaleza, que no se rige por formas ni metodologías humanas, sino por su propio carácter libre. En este sentido salvaje se entiende como lo espontáneo y lo natural, rechazando el concepto vasto y negativo para atender a su forma más racional. Como bien menciona Bernardo Pinto de Almeida en el catálogo de esta exposición. “Esa tensión y esa oposición se vuelven a escenificar en la obra de Galindo de un modo completamente nuevo, pues a lo que pues a lo que a asistimos es al hecho de que el hombre ya no se opone al mundo natural al que antes se enfrentaba, sino al propósito mundo cultural. Y ancestral de la pintura”.

Jorge Galindo,  es uno de los artistas más destacados y originales de su generación. El cual goza de repercusión internacional. Comienza su actividad expositiva a finales de la década de los 80 del pasado siglo, donde en sus comienzos carecía de estudios y pintaba directamente en las calles, plasmando de esta manera más directa y real la actualidad del momento. Dónde Madrid era el escenario perfecto.

En el trabajo de Galindo puede apreciarse tras esa vibración de colores tan característica en su obra el nacimiento de un arte oscuro y misterioso. Bernardo Pinto lo cataloga como un arte casi trágico, como lo puede ser la noche en una gran metrópolis en las calles acogedoras que esconde en la oscuridad y misterio. Creando sentimientos de protección frente al miedo y a la adrenalina, adrenalina que provoca este. Convirtiendo el lenguaje visual de Galindo en un lenguaje único y personal, al igual que la visión de un director de cine al escenificar una obra.

Galindo, aparte de trabajar los elementos pictóricos como lenguaje expresivo, también lo hace a través de su propia acción, de su pintura, en la que convierte su proceso creativo en un proceso físico y de sufrimiento, en el cual, utilizando metodologías características de Pollock al trabajar con el lienzo sobre el suelo, compone una sufrida danza que otorga a su pintura, una expresividad singular.

La constante investigación de Galindo sobre los elementos lo lleva a experimentar a incluir en sus pinturas objetos de todo tipo recontextualizado de esta forma cada enser y explorando la relación entre las imágenes y los objetos de la vida cotidiana. Por eso en su evolución pictórica es posible apreciar una sutileza en cuanto a la elección de materiales para componer ese collage pictórico con el que construye las pinturas.

  Fotos: J. Carlos Santana

Invitan a visitar la exposición BODIES: Cuerpos Humanos Reales

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LLa ciudad de Querétaro será por dos meses la capital nacional del estudio del cuerpo humano de forma recreativa y sumamente educativa, con la presencia de la exhibición BODIES: Cuerpos Humanos Reales!, la cual permite explorar el cuerpo humano como nunca se había visto gracias a la innovadora técnica de plastinación.

El gobierno de Querétaro y organizadores de BODIES! hacen una atenta invitación a toda la población del Bajío y de la Ciudad de México, así como a quienes visiten Querétaro hasta el 27 de agosto, para que asistan al Centro Comercial de la Plaza Antea a presenciar BODIES, además de disfrutar las atracciones turísticas que ofrece el histórico estado de Querétaro.

La muestra está integrada por ocho cuerpos completos; ocho torsos y más de cien órganos en forma individual, de los cuales algunos de ellos tienen patologías y la mayor parte de ellos se encuentran en formato normal.

Entre los órganos del cuerpo humano se exponen y comparan el corazón de una persona hipertensa y el de una sana, así como los pulmones de un fumador y el de otra persona que no tenía ese hábito, en otros ejemplos.

También hay un ojo humano y las partes craneanas, el sistema circulatorio, una columna vertebral integra.

La muestra también expone los sistemas digestivo, reproductivo, nervioso y muscular entre otras partes del cuerpo humano.

Considerada la Expo número uno  del cuerpo humano y la más vista en el mundo con cuerpos humanos reales, BODIES se presenta por cerca de dos meses en la capital queretana como parte de una gira latinoamericana en la que también ha estado en países como Argentina, Ecuador, Chile y República Dominicana; y ha sido visitada por cerca de 30 millones de visitantes.

Esta exhibición educativa se adentra como ninguna otra en el fascinante mundo de la anatomía humana. Cuerpos Humanos reales es una exposición científico-educativa en la que los visitantes tendrán la oportunidad de explorar el cuerpo humano desde adentro de manera real.

Cabe decir que los cuerpos humanos que se presentan en la exhibición han sido donados con el propósito de beneficiar a la ciencia y la divulgación científica, y han sido preservados mediante el innovador método de plastinación, desarrollado por el médico y científico alemán Gunther Von Hagens.

Los organizadores de BODIES aseguran que el objetivo principal de la exposición es brindar a todo el mundo la oportunidad de apreciar la verdadera obra de arte que es el cuerpo humano, conocer la estructura de sus órganos, su distribución y funcionamiento.

La exposición está integrada por ocho cuerpos completos, cinco torsos y más de 100 órganos individuales, a través de los cuales se podrán observar diferentes patologías y efectos en el cuerpo de los seres humanos.

Durante el recorrido, los visitantes son acompañados por guías profesionales, quienes brindan explicaciones precisas sobre cada sistema del cuerpo humano y responden a todas las dudas que puedan surgir.

La exposición ofrece una experiencia entretenida y recreativa para todas las edades, tanto para niños como para adultos.

Asimismo, los organizadores y autoridades de Querétaro hacen una atenta invitación a los habitantes de las entidades vecinas de Querétaro: Guanajuato, el Estado de México, Michoacán, San Luis Potosí e Hidalgo, así como desde luego de la Ciudad de México, para que presencien BODIES! y tengan esta experiencia vivida ya por miles de personas de todo el mundo y que ahora Querétaro recibe hasta el mes de septiembre.

Horarios

Martes a jueves: de 13:00 a 20:30 hrs Viernes: de 13:00 a 21:00 hrs

Sábado y domingo: de 11:00 a 21:00 hrs Lunes cerrado, excepto si es un día festivo.

Precios entre semana:
Entrada general adultos: $140
Entrada niños, tercera edad (65+) y personas con discapacidad: $80 pesos

Precios en fines de semana:
Entrada general adultos: $175
Entrada niños, tercera edad (65+) y personas con discapacidad: $90 pesos

Si usted inscribe formalmente a tu institución y obtendrá un 15% de descuento

Teléfono de Reservas: Cel y WhatsApp: +525561032575

Mail de reservas: reservasaetmx@gmail.com

Instagram: @bodiesexpo

Facebook Bodies Expo

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Exponen Ofrendas Ocultas del México Prehispánico realizadas por pintor Fernando Aceves Humana en Colegio Nacional

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Ofrendas ocultas esta compuesta por pinturas que el artista plástico Fernando Aceves Humana realizó al instante en que las piezas salieran a la luz, al trabajar de la mano de los arqueólogos.

La exposición, coordinada por el arqueólogo Leonardo López Luján, será inaugurada el viernes 19 de mayo, a las 6:00 p. m en la sede del Colegio Nacional, ubicado en Donceles 104, Centro Histórico de la CDMX.

La muestra forma parte de la actividades de celebración por los 80 años de El Colegio Nacional.


En el marco de los festejos del 80 aniversario de El Colegio Nacional, el arqueólogo y colegiado Leonardo López Luján inaugurará la exposición temporal titulada Ofrendas ocultas, obra reciente del pintor Fernando Aceves Humana. La ceremonia se realizará el 19 de mayo, a las 6:00 p. m., en la Sala de Exposiciones de la institución. 

Ofrendas ocultas busca ilustrar el ambiente singular de los escenarios rituales de las civilizaciones prehispánicas de nuestro país, objeto de estudio del curador y del arqueólogo Eduardo Matos Moctezuma, también integrante de este Colegio.

La muestra exhibirá la obra reciente del artista plástico Fernando Aceves Humana (Ciudad de México, 1969), quien ha registrado a través de su obra, el quehacer de los arqueólogos durante las excavaciones del Proyecto Templo Mayor (INAH), dirigidas por el doctor López Luján, y en las exploraciones del Huei Tzompantli, a cargo del arqueólogo Raúl Barrera Rodríguez, director del Programa de Arqueología Urbana (INAH).

Aceves Humana tuvo acceso durante varios años a dichas excavaciones en el corazón de la Ciudad de México, razón por la cual, su obra presenta una visión inédita de la labor que realizan en las ruinas de Tenochtitlan arqueólogos y conservadores.

López Luján explica, en torno de Ofrendas ocultas, obra reciente de Fernando Aceves Humana, que es una exposición que atestigua la manera virtuosa en que pueden imbricarse las ciencias y las artes en un espacio privilegiado como es el recinto sagrado de la antigua isla de Tenochtitlan, sepultado bajo el Centro Histórico de nuestra capital y a escasos metros de la sede de El Colegio Nacional”.

La muestra está compuesta por 33 obras elaboradas con distintas técnicas, como el óleo, la litografía, la acuarela y la plumilla, así como de diversos formatos y dimensiones: sus obras son verdaderamente impactantes. Fernando Aceves Humana ha sido testigo privilegiado de nuestros hallazgos al pie del Templo Mayor, donde estamos descubriendo en este momento muchísimas ofrendas, y también en el Huei Tzompantli en la moderna calle de Guatemala”, acotó López Luján.

La exposición también estará acompañada por una selección de material audiovisual que invita al visitante a adentrarse un poco más en el mundo de la arqueología y en el proceso creativo de Aceves Humana y su trabajo en el Taller Litográfico La Buena Impresión (Oaxaca, México).

Además, el público podrá disfrutar de fragmentos de algunas de las conferencias dictadas por los arqueólogos Matos Moctezuma, López Luján y Barrera Rodríguez, en El Colegio Nacional, así como clips cortesía del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

Ofrendas ocultas, obra reciente de Fernando Aceves Humana estará abierta a todo el público hasta el 19 de agosto de 2023, de martes a sábado en horario de 10:30 a. m. a 6:30 p. m. La entrada es gratuita y sin registro previo.

El pasado indígena en El Colegio Nacional

Desde su fundación hace 80 años, El Colegio Nacional se ha erigido en centro de irradiación del saber acerca del México prehispánico. A través de conferencias, seminarios, publicaciones y exposiciones, varios de sus miembros se han dado a la tarea de transmitir al gran público los más novedosos conocimientos acerca de las sociedades que habitaron en nuestro país antes del primer contacto con los europeos.

Baste recordar a insignes integrantes de la institución, hoy desaparecidos, como Alfonso Caso, Ignacio Bernal, Miguel León-Portilla, Beatriz de la Fuente y Rubén Bonifaz Nuño, quienes, desde los ámbitos de la arqueología, la historia y la estética, divulgaron las más diversas manifestaciones culturales del mundo antiguo.

En fechas más recientes, otros miembros han tomado la estafeta. De manera significativa podemos mencionar a los arqueólogos Eduardo Matos Moctezuma, Linda R. Manzanilla Naim y Leonardo López Luján. Este último organiza el ciclo de conferencias La arqueología hoy”, relativo a la actualidad de esa disciplina.

Sobre Fernando Aceves Humana

Cursó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, y se especializó en Grabado en la Academia de Belle Arti di Roma, Italia. Ha expuesto en México, Senegal, Suiza, Italia, España, Francia, Alemania. EUA, Inglaterra, Tailandia ,Camboya,Vietnam y China.

Aceves obtuvo varios premios incluyendo IX Encuentro Nacional de Arte Joven, Primera Bienal Nacional de Gráfica Rufino Tamayo” y Mención Honorífica en la XIV Bienal Rufino Tamayo”.  En 2002 Residió en la Cité Internationale de Arts  en París gracias a la Beca de excelencia artística de Francia. En 2007 impartió, con Javier Areán, los primeros cursos de grabado en metal en las Facultades Nacionales de Bellas Artes de Ventiane yLuang Prabang, en Laos. En 2008 ingresó al Sistema Nacional de Creadores, FONCA, México.

En 2011 fundó junto con Francisco Castro Leñero Tequio La buena impresión AC. que donó e inauguró junto con el Maestro Chan Vitharin el taller Char -RUFA en Royal University of Fine Arts, Phnom Penh, Camboya, el primer taller de grabado en la historia del país dando inicio al departamento de artes gráficas de la Universidad. Char RUFA y donde reinsertó las técnicas de litografía y Fresco, perdidas tras la guerra civil y el genocidio de finales del siglo pasado. En 2014 inauguró el taller de grabado del Centro Cultural Toot Young en Bangkok, Tailandia. En 2019 fundó con Daniel Barraza, Dr.Lakra y Daniel Flores el taller profesional de Litografía La buena impresión y escuela para jóvenes de comunidades rurales de Oaxaca, gracias a la donación de una prensa eléctrica Voirin de 1909 donada por Julie Gerbaud y Patrick Devreux ex profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes en París.

El beso, tema central de una exposición-subasta. Adquirir arte ofrece una experiencia estética de contemplar y experimentar las emociones.

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Octavio Paz, fragmento de Piedra de Sol.
Amar es combatir, si dos se besan
el mundo cambia, encarnan los deseos,
el pensamiento encarna, brotan alas
en las espaldas del esclavo, el mundo
es real y tangible, el vino es vino,
el pan vuelve a saber, el agua es agua,
amar es combatir, es abrir puertas,
dejar de ser fantasma con un número
a perpetua cadena condenado
por un amo sin rostro;
el mundo cambia
si dos se miran y se reconocen

 

La Galería la Mercantil, en colaboración con la promotora Cultura en Bicicleta invitan a la exposición/subasta: El beso, que llevará a cabo el jueves 24 de noviembre a las 19 horas en la Mercantil -Fernández Leal #107. Barrio de La Concepción, Coyoacán-.

Se trata de más de 50 obras en mediano y pequeño formato en diversas técnicas como óleo, acrílico, madera, fotografía, escultura, arte objeto…  Unas obras con este tema y esos formatos que en estas fechas de fin de año, estamos seguros, serán un aliciente para invertir en arte, por eso el mismo día de la inauguración haremos la subasta en la que la obra se ofrecerá a precios fenomenales más bajos del valor real de estas obras de grandes artistas y maestros.

Inspirada en un tema tan poético como el beso, estamos ciertos que será una muestra que contará con el entusiasmos de los espectadores, los compradores, los coleccionistas, la crítica especializada y la prensa.

«Besos», Gabriela Mistral

Hay besos que pronuncian por sí solos
la sentencia de amor condenatoria,
hay besos que se dan con la mirada
hay besos que se dan con la memoria.

Hay besos silenciosos, besos nobles
hay besos enigmáticos, sinceros
hay besos que se dan sólo las almas
hay besos por prohibidos, verdaderos.

La cuestión es el beso, y alrededor de él está la libertad de representar a su manera y estilo un tema tan personal… como decía Octavio Paz “si dos se besan el mundo cambia” o como afirma Alberto Ruy Sánchez “hay besos boca a boca que comienzan en la nuca” y otros como los que describió Gabriela Mistral “besos problemáticos que encierran una clave que nadie ha descifrado”… sin dejar pasar la descripción de Julio Cortázar en Rayuela: “las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio”, o Neruda “Parece que los ojos se te hubieran volado y parece que un beso te cerrara la boca”.

«La caricia perdida». Alfonsina Storni
Si en los ojos te besan esta noche, viajero,
si estremece las ramas un dulce suspirar,
si te oprime los dedos una mano pequeña
que te toma y te deja, que te logra y se va.

Si no ves esa mano, ni esa boca que besa,
si es el aire quien teje la ilusión de besar,
oh, viajero, que tienes como el cielo los ojos,
en el viento fundida, ¿me reconocerás?

 

Capítulo 7, «Rayuela». Julio Cortázar.
y nuestros ojos se agrandan,
se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran,
respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente,
mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes,
jugando en sus recintos donde un aire pesado va
y viene con un perfume viejo y un silencio.
Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo,
acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos
como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces,
de movimientos vivos, de fragancia oscura.
Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve
y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella.
Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura,
y yo te siento temblar contra mi como una luna en el agua.

Con esa libertad que nos proporciona la poesía y el arte se llevará a cabo esta exposición y subasta el 24 de noviembre de 2022 a las 19 horas. ¡Los esperamos!

Tenemos el privilegio de contar con la participación de 33 artistas: Fernando Aceves Humana, Gabriela Arevalo, Ricardo Arjona, Magali Ávila, Juan Berruecos, Alberto Castro Leñero, Lourdes Christlieb, Aidée de León, Alejandro Escalante, René Freire, Filogonio García Calixto, Antonio “Gritón”, Rigel Herrera, Jazzamoart, Emilio Jimone, Christa Klinckwort, Enrique León , Mayra León, Alina López Cámara, MarLeon, Héctor Massiel, Octavio Moctezuma, Néstor Quiñones, Oscar Ratto, Gerardo Rivera Kura, Cecilias Rodarte, Rodrigo Rodríguez García, Rubén Rosas, Vicente Rojo Cama, Mariana Salido, Juan San Juan, Adonay Vásquez Alvarado, Barry Wolfryd y Ernesto Zeivy. ¡Y casi un centenar de obras!

«Por la nuca te beso». Alberto Ruy Sánchez

Hay besos boca a boca
que comienzan en la nuca
como hay en la luna huellas
de los labios del sol.

Besos como dedos
que se abren y se cierran
en la nuca,
que despeinan,
o alborotan las ideas
sembrando su flor de anhelo
en raíces
donde esos labios
no suelen ir.

Son besos silenciosos
que acechan
detrás de las orejas,
muerden lóbulos,
exploran laberintos,
asaltan parpados
y dejan miradas húmedas
que, claramente, no se ven.

Besos mudos
que tardan en llegar
a su cita estruendosa
con la lengua amada
porque vienen siempre
desde muy atrás.

Besos de amaneceres ciegos,
Donde la luz aún no nos mira
Pero nos moja sin parar.

 

La subasta será transmitida, en tiempo real, a través de la página de Facebook de Cultura en Bicicleta, y se podrá subastar en este medio online.

La exposición estará en la Galería la Mercantil hasta la segunda semana de enero de 2023.

La ladrona de libros de Markus Zusak
“Se inclinó sobre el rostro sin vida y besó en los labios con delicadeza a su mejor amigo, Rudy Steiner. Rudy tenía un sabor dulce y a polvo, sabía a reproche entre las sombras de los árboles y el resplandor de la colección de trajes del anarquista. Lo besó larga y suavemente, y cuando se retiró, le acarició los labios con los dedos. Le temblaban las manos […] No se despidió”

El beso, esa cuestión que tanto ha intrigado a poetas, novelistas, compositores, pintores, bailarines o escultores, ahora vuelve a ser el tema central de más de 30 artistas que vuelven a reinterpretar ese tema que el pintor austríaco Gustav Klimt (1862 – 1918) inmortalizó en su lienzo Der Kussal (el beso) y que se convirtió una de las piezas más célebres del art nouveau.

Cada beso llama otro beso. ¡Con qué naturalidad nacen los besos en esos tiempo primeros del amor! Acuden apretándose unos contra otros; y tan difícil sería cortar los besos que se dan en una hora, como las flores de un campo en el mes de mayo.
Marcel Proust

DIÁFANA de Cecilias Rodarte. Una exposición dedicada a la luz.

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Se trata de cuatro series fotográficas que tienen como común denominador: momentos creados para la luz.

‘Diáfana’, se refiere a un cuerpo claro que deja pasar la luz a través de sí casi en su totalidad.

Tres caracoles enamorados

La exposición DIÁFANA de Cecilias Rodarte se trata de cuatro series fotográficas que conforman esta muestra que tienen como común denominador: momentos creados para la luz. Instantes que viajan de la noche al día, del pico de la mañana al atardecer: exploran la diversa temperatura de las horas. La luz, aquella que no sabemos si es onda o partícula, es la razón de todas las imágenes en “Diáfana” palabra que se refiere a un cuerpo claro que deja pasar la luz a través de sí casi en su totalidad.

“Laberintos en la Noche” es una serie en la que la artista ha estado trabajando por algunos años durante la época de lluvia, en la que emergen los caracoles durante las noches. La obscuridad queda intervenida por un relámpago: la luz del flash, que más tarde manipulará queriendo imaginar los colores que un caracol podría soñar, siendo que ellos soló detectan la intensidad de la luz con sus pequeñísimos ojos.

La colección “La Luz y el Polvo”, nace de un tema que a la artista le ha obsesionado desde su infancia: cómo cae el polvo sobre los objetos -¿cómo nos empeñamos en limpiarlo, por qué lo hacemos, y qué produce en los objetos?-. Durante 11 años decidió dejar quieto cierto espacio sobre el que fue apilando objetos que quería olvidar: espejos rotos, papeles y cartas que nunca envió, botellas, cuentas de colores, juguetes y muchos otros entes quedaron detenidos bajo la capa gris. En 2020 desmontó este espacio a la par que tomaba fotografías de aquellos que encontró dotado de hermosura.

Las otras dos series están relacionadas con el cuerpo humano, parten de “Fjefhiuhi, o del cuerpo” una serie de fotografía análoga realizada entre 2003 y 2012 titulada así ante su imposibilidad de nombrarla, con lo que optó por cerrar los ojos y escribir letras al azar para designar a cada una de las imágenes. Las instantáneas buscan explorar el cuerpo humano como un paisaje. Con los negativos fotográficos montó pequeñas cajas de luz para dar el valor de original a la fotografía y ya no poder realizar copias ilimitadas. “El cuerpo como línea” es la continuación de esa serie, realizada digitalmente, pero concentrándose en las líneas particulares de cuerpos humanos, buscando en algunas piezas continuar el tema del caracol.

Instrucciones para tocar a Eva, intento II-2

Instrucciones para tocar a Eva, intento II-2

 

‘Diáfana’ se inaugurará el jueves 3 de noviembre a las 20:00 horas en Z-Club, extensión del laboratorio fotográfico Bindu, fundado en 2004 por Alberto y Roberto Vázquez, padre e hijo, fotógrafos de profesión. La cita es en Ignacio Manuel Altamirano 48, colonia San Rafael, en la Ciudad de México.

Una mañana mientras trabajaba en mi serie sobre la luz y el polvo, al fondo de un espejo me descubrí. Autorretrato

Cecilias Rodarte nació en la Ciudad de México, un urbe que la envuelve y alimenta. Sus fotografías son producto de ello, pero también de cierta añoranza de contacto con la tierra, que resulta en una búsqueda de la voz de la Naturaleza. Como Goya, piensa que el tiempo también pinta, y busca entender –al menos captar—aquello que las huellas guardan y dicen aún. Se ha dedicado a la fotografía en varias ramas: al retrato, y una búsqueda por desentrañar la realidad. Continúa con la fotografía análoga, tanto a color como en blanco y negro, para (en contraposición al arte digital) alterar la realidad desde la mirada misma, hasta hacerla irreconocible. También incursionó en la fotografía y el arte digital, para continuar con su fotografía abstracta.  Añadió el plural a su nombre –la letra s— para asumir multiplicidad y saberse muchas dentro del infinito.Desde 1994 ha participado en muestras colectivas e individuales, entre las que destacan el taller y exposición Luna Rossa con el artista japonés Eikoh Hosoe, en el Centro de la Imagen; Evo (Evo m. En teol. persistencia de las cosas eternas // Duración indefinida), en la Galería Marie Louise Ferrari en Xalapa, Veracruz; Pieles, Centro Cultural El Atrio; fjhefhiuhi, o del cuerpo, en Estación Coyoacán Arte Contemporáneo, Fotografía x 6, en la Galería Traeger & Pinto en 2014; Poesía Visual, en la Galería Veracruzana; Agua, y su intervención Dibujar con agua, en la Galería Traeger & Pinto en 2016; #FotografíaSinRetocar, en Casa Quimera, en 2017, entre otras.

 

El coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga!

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Una exposición de arte que servirá como proyecto de recaudación para el Club Rotario Campos en la CDMX.

Este siglo ha estado marcado por conflictos armados, pandemias y diferencias sociales que han estado amenazando a la economía, al medio ambiente y, por consiguiente, a la humanidad. Nadie en todo el mundo ha escapado a su alto impacto, de tal manera que ya no somos los mismo después de haberlos vivido. Estamos llamados, nos dice la experiencia, a ser resilientes.

Importantes líderes políticos, religiosos, organismos civiles, académicos, sociedad civil, han coincidido en alertar a la humanidad de la multiplicidad de los problemas y del tiempo en contra para atenderlos y mitigarlos. Ante tal reto, Jennifer E. Jones, actual presidente de Rotary International, al inicio de su administración hizo un llamado a la comunidad rotaria a que “tomen acciones y sueñen en grande”. El mismo logotipo de su administración lo convirtió en una especie de guía, donde el círculo y los puntos se convierten en una especie de estrella de navegación. Y aun más, “La línea sólida que se encuentra en la parte inferior es lo que se conoce como palo de cavar y se utiliza cuando se realiza un trabajo arduo.” Un símbolo poderoso para “tomar acciones” acordes con nuestros objetivos.

En ese sentido “El Coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga!” es el título de la muestra plástica con la que el Club Rotario Campos Elíseos se suma a este conjunto de voces que advierten de una situación compleja, a la que nadie debe, ni puede ser indiferente. A través del arte, concretamente con la pintura, buscamos mediar entre esta realidad, la conciencia colectiva y la acción.

Gracias a Galería Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende y el artista EH?, desarrolló las series: “Hilos”, “La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos” y “Símbolos”. La primera de ellas, muestra la majestuosidad de los lugares sagrados de las principales religiones del mundo y ejemplos de resiliencia. Imágenes de símbolos que han sido capaces de recrear y difundir el lenguaje humano, la filosofía, las religiones, la cultura. La segunda serie, EH?¿ explora la forma de relacionar la representación visual de las mujeres con referencias literarias. Soluciones muy coloridas y plagada de símbolos que enaltecen la transformación hecha por estas. El artista logra representarlas, en una pasarela imaginaria, como seres inteligentes, luchadoras, modernas y con una voz fuerte y propia. Obras que, de acuerdo con el artista, retoma el halo dorado del arte bizantino para exaltar lo espiritual, lo divino y establecer un paralelismo entre el poder sobrenatural y el humano.

  1. Hilos
  2. La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos.

3. Símbolos.

Series que se definen como una sola al unirlos en la presente exhibición. En el diseño del nomenclátor o catálogo, utilizó el concepto de la nada tanto en el color negro como en la banda dorada que los invade como símbolo de esperanza.

En la serie “Hilos”, el artista busca representar, en la apariencia de la arquitectura, la presencia divina de las cinco religiones más importantes del mundo, definidas por el número de creyentes que al renglón son: Judaísmo, Cristianismo, Islamismo, Budismo e Hinduismo, presentadas en la proyección de monumentos sacralizadores por sus practicantes.

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Wat Arun, Bangkok, Tailandia (2022), EH?¿, serie: Hilos, óleo sobre hoja de oro y tela, 140 x 190 cm.

 La idea plástica se construyó sobre la base de que cada “Hilo” (religión) es la oración sobre lo que se construye el rostro piadoso de Dios; independientemente del nombre que tenga. En la obra “Que el mundo no se deshaga” se aprecia una caída interminable de engranes y piezas de maquinaria que definen la historia como un cúmulo de chatarra en la que sobresale la creencia de la fe, resaltando los íconos que identifican cada religión; confiando en que la rueda de veinticuatro dientes gire permanentemente en la búsqueda del altruismo hacia nuestros semejantes.

La segunda serie “La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos” la construye adverbialmente sobre dos conceptos que se diferencian completamente: la moda y la filosofía. Referencias unidas en la problemática actual del streetwear y el normcore, en cuanto definen la manera social en que nos representamos, v. gr., la actual tendencia del normcore. Al decir de los influencers “Es una crítica a la individualización, a querer ser único. Va en la dirección opuesta, bajo el lema: no, no soy peculiar, solo soy parte de la masa.” (DW, 13 nov, 2014). Idea expuesta en el libro “People of that one first century”, del autor Jon Hójek, quien fotografió a gente común, con cámara oculta en las calles de París, Ámsterdam, Nueva York y Shanghái, concluyendo que a partir de su trabajo, de más de 20 años, vio que la mayoría de ellos se viste igual en cualquier parte del mundo, no importa el estilo, no hay nada único, todo se repite.

 

En el texto de sala para la exposición Erik Castillo escribe: «Las series de EH?¿ que conforman la exposición que aquí se comenta, Hilos, La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos, y Símbolos, se muestran, en efecto, bajo un título-concepto que las integra de manera singular: El coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga! EH?¿ conecta la primera de dichas series con la recuperación metafórica de la energía de lo sagrado, a través de la representación (contemporizada) de la arquitectura de los templos emblemáticos de distintas confesiones religiosas».

El Club Rotario Campos Elíseos invita sus socios, a la comunidad rotaria y sociedad civil a participar en este proyecto de recaudación comprando sus boletos para la rifa de 8 de estas obras plásticas, cortesía del artista EH  a través de la Galería Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende.

“El coraje de la desesperanza: ¡que el mundo no se deshaga!” se inaugura martes 1 de noviembre de 2022,a las 19:00 horas en el Museo casa del risco Plaza de san jacinto 5 y 15, san ángel. Alcaldía álvaro obregón. Ciudad de méxico. Permanencia: del martes 2 al domingo 6 de noviembre, de 10:00 a 17:00 hrs

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