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María Esther Beltrán Martínez

 ¡Llega Alegría a Málaga! Trae belleza, elegancia, perfección y mucha alegría

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Málaga.- La Gran Carpa de Cirque du Soleil ya está en Málaga,  estrenó  Alegría – Bajo una nueva luz. Fue una función donde todos los asistentes salieron con gran alegría al ver un espectáculo único y super recomendable.

Cuenta con una producción de muy alta calidad, el desempeño de sus participantes tienen  un nivel de excelencia en sus ejecuciones. Son de diversos países : Rusia, Canadá, Reino Unido, Ucrania, Venezuela, España, Suiza, Samoa, China, Dinamarca, Biolorrusia, Brasil y Chile.

La luz, la música, los personajes y los doce números que se presentan  hacen que el público viva una historia única y  fantasía.

Con motivo del 25 aniversario del espectáculo en 2019, Cirque du Soleil estrenó Alegría – Bajo Una Nueva Luz, es uno de los espectáculos más queridos; un favorito de los fans que ha contribuido en gran medida a marcar el estilo característico de la compañía a nivel internacional.

En está ocasión los asistentes disfrutan de una completa reimaginación de su aclamada producción de 1994, rediseñada para inspirar al público actual. A través de una nueva dirección escénica, arreglos musicales, acrobacias, coreografías, vestuario, maquillaje y decorados, Alegría – Bajo Una Nueva Luz reinventa el clásico original a la vez que captura las emociones, melodías y esencia que residen en la esencia de su éxito.

Con un reparto internacional de 54 acróbatas, payasos, músicos y cantantes, Alegría – Bajo Una Nueva Luz es un renacimiento contemporáneo que encierra toda la emoción, la magia y la alegría que han hecho que el mundo se enamore de Cirque du Soleil. 

Voceros indican que: “Alegría transporta al público a un universo místico y visual salpicado de poesía y extravagancia acrobática. En el corazón de un reino que fue magnífico, y que ha perdido a su rey, Alegría es testigo de la lucha de poder entre el viejo orden y la juventud en lucha por la esperanza y la renovación. Mientras el bufón de la corte intenta torpemente hacerse con el trono, un creciente deseo de cambio surge en las calles para desafiar el statu quo y traer alegría al mundo”.

El público disfruta de la presencia de personajes:  el Sr. Fleur, los Aristócratas, los Bronx, los Ángeles, la Cantante de Blanco, la cantante de Negro, las Ninfas y los payasos que se roban la atención desde que aparecen en escena y conquistan adultos y niños.

Los números que se presentan son: Barras acrobáticas.  En esta disciplina nunca vista anteriormente, que combina las técnicas de circo de Barras Rusas y Banquine, los Aristócratas se balancean y rebotan en postes que normalmente se usan para satos con pértiga, y que se sostienen horizontalmente, lo que permite a los voladores ejecutar un impresionante ballet aéreo sobre las cabezas de los porteadores.

Rueda Cyr. Exhibe fuerza y poesía acrobática, un Bronx utiliza su propio impulso para hacer rodar y girar por el escenario un grande y majestuoso aro mientras realiza intrincadas proezas de gimnasia dentro de su estructura circular.

Dúo de trapecio sincronizado. Situados en trapecios oscilantes uno al lado del otro, dos Ángeles ejecutan giros complejísimos y saltos impresionantes en perfecta sincronización. 

Baile de cuchillos de fuego.  En simbiosis con un poderoso batería, un temerario Bronx da vida a un emocionante baile tradicional de Samoa. No solo realiza malabarismos con fuego.

La tormenta de nieve.  Los Payasos cuentan su propia historia de soledad, amor perdido y desesperación a través de la poesía y la comedia física. Con una sorprendente tormenta de copos de nieve de papel, sacuden el centro del reino para dejar espacio a la renovación.

Telas aéreas. Al son del tema musical Alegría, una sublime pareja se funde en una delicada nevada. Los dos trapecistas, un Bronx y una Ángel, se separan y se reencuentran en un abrazo en lo alto del escenario, a veces agarrándose únicamente el uno al otro.

Hula Hoops Usando las cuatro extremidades y, en realidad, todo su cuerpo, una Bronx deslumbra mezclando hazañas de contorsión con su habilidad para girar y hacer girar con ella una multitud de aros.

Y trapecio volante, ubicados a 10 metros sobre el escenario, cuatro trapecios se convierten en el patio de recreo aéreo de voladores que realizan increíbles saltos para alcanzar los brazos de sus receptores, suspendidos de sus rodillas. Este impresionante número, que requiere una coordinación, habilidad y ritmo impecables, culmina con impresionantes saltos a la red.

Se suman otros  números que hacen la delicia de los asistentes. No se pierda la oportunidad de vivir una gran experiencia.

  Fotos: Anne-Marie Forker et Matt Beard

Gran cierre de  la 35 Temporada Lírica del Teatro Cervantes 

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Málaga, España.-  Exitoso el cierre de  la 35 Temporada Lírica del Teatro Cervantes con  la versión de Manon Lescaut. La soprano malagueña Berna Perles, el tenor Carlo Ventre, el barítono Rodrigo Esteves y el bajo Giacomo Prestia protagonizaron la versión de Manon Lescaut.

El público dio  una gran ovación al finalizar la ópera que duró casi tres horas y contó con una muy buena producción comandada en el foso por el maestro barcelonés Daniel Montané, cuya batuta ha dirigido más de 60 óperas y que actualmente es el director principal del Staatstheater Mainz (Alemania)

Y en la escena por el florentino Pier Francesco Maestrini con la que se conmemora en la Costa del Sol el Año Puccini. Regresa al Teatro Cervantes después de dirigir aquí otro Puccini, la versión de Tosca programada en la 33 Temporada, y lo hace esta vez para dar vida a una ópera por la que siente especial predilección. El director toscano reconoce haber montado al menos quince veces Manon Lescaut, y compara su aproximación a la codiciosa y subyugante heroína retratada por el abate Prévost en la novela en la que se basa el libreto con la historia de Barry Lyndon, de Stanley Kubrick. 

Además se contó con el Coro de ópera de Málaga bajo la dirección de Mar Muñoz Varo.

Una ópera muy bien montada y con un buen elenco. El drama lírico en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano escrito sucesivamente por Ruggero Leoncavallo, Domenico Oliva, Marco Praga, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica, Giacomo Puccini y Giulio Ricordi, basado en la obra Histoire du chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut (1731) del abate Antoine-François Prévost. Fue estrenado el  1 de febrero de 1893 en el Teatro Regio de Turín.

En el programa de mano explican que: El primer gran triunfo del autor italiano es una ópera con evidentes referencias wagnerianas, en la que la orquesta dialoga de manera directa con los personajes, ayudando a subrayar sus emociones y psicología. La partitura está dotada de una fluidez melódica realmente brillante e inacabable, que expone la degradación moral de los personajes, a pesar de que Puccini prefiere no olvidar que el amor siempre prevalece. El uso de leitmotiv resulta recurrente desde el inicio al final de la obra, ayudando a construir toda la trama intrincada.

Agrega: “Cuando Puccini abordó su ópera, Massenet ya había triunfado con Manon. Pese a las reticencias de Ricordi, su editor, el de Lucca continuó con la idea de poner música a la novela del abate Prévost, argumentando que la historia de Manon Lescaut tenía que poder ser mostrada por más de un autor: “Una mujer como Manon puede tener más de un amante. Massenet la siente como francés, con polvos y minuets; yo la siento como italiano, con pasión desesperada”, afirmó. Tras Le villi (1884) y Edgar (1889), Manon Lescaut encumbraba al maestro toscano como uno de los referentes de la escuela verista y como el continuador del gran Giuseppe Verdi, que en esos días estrenaba Falstaff. Otra coincidencia es que ambos alcanzaron fama mundial en su tercera ópera, Nabucco (1842) y Manon Lescaut (1893) tras dos tibios estrenos con sus títulos previos”. 

Pier Francesco Maestrini, director de escena indica: “Me siento muy unido a Manon Lescaut, última ópera en la que pude hacer de asistente de mi padre en Palermo, en 1993, con la gran Raina Kabaivanska en el rol principal. Desde entonces es el título que más veces he puesto en escena, creo que al menos en quince ocasiones hasta hoy, con casi todas las mejores intérpretes de este papel en nuestros tiempos: de Daniela Dessì, Fiorenza Cedolins, Miriam Gauci y Amarilli Nizza a, más recientemente, Jennifer Rowley, solo por citar a algunas”.

Es uno de esos títulos en los cuales siempre he respetado el contexto, probablemente porque me siento fuertemente unido a la novela de Prévost, – explica-  he leído y releído en muchas ocasiones, y que me recuerda muy de cerca, tanto por la ambientación como por la temática, a la que es quizá mi película preferida, Barry Lyndon, de Stanley Kubrick. Como Barry, Manon cimenta su ascenso social en su irresistible encanto, sin ocultar su codicia y su oportunismo, para después pagar  inevitablemente las consecuencias en una especie de catártica redención. Me complace hacer referencia en varias ocasiones a la película en mi dirección escénica, como pequeño tributo a dos sublimes obras de arte que me fascinan desde siempre, al igual que Manon Lescaut no ha dejado de cautivar al público de todas las épocas. En Prévost, esta joven privada de una adecuada educación dejaba traslucir una innata elegancia y una belleza tales que hacían girarse a las personas para admirarla, incluso cuando era conducida encadenada para ser deportada, el humillante destino reservado a ladronas y prostitutas. Del mismo modo, el ímpetu del joven Puccini rezuma una pasión que hoy como entonces no deja nunca indiferente a cualquiera que ame la ópera”.

Fotos: Daniel Pérez/Teatro Cervantes

Bulevar Espacio Cultural Abierto presenta su primera exposición colectiva

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Torremolinos, Málaga.- Bulevar Espacio Cultural Abierto presentó  su primera exposición colectiva titulada Pintando la diversidad: un lienzo de unión en el Pride. Cuenta con 40 obras de 19 artistas. Cuatro extranjeros y quince nacionales de siete provincias españolas.

Los directores de Bulevar by Na,  Paulo Molleda y Juan Royo y la comisaria y promotora cultural  María Esther Beltrán,, se enorgullecen de tener su primera exposición colectiva con la calidad artística con la que se cuenta.

Paulo Molleda expresó su beneplácito de poder tener tan digna exposición. Ante la presencia de la mayoría de los artistas, emocionado indicó: “Me siento realmente orgulloso de exponer  obras de diversos artistas y poder ofrecer  un lugar donde se da cita la cultura.  y llegan obras tan maravillosas como las que tenemos. Agradezco a cada uno de los artistas por confiarnos sus obras para colgarlas en estas paredes. La cafetería se vuelve museo”.

Beltrán aseguró que Bulevar Espacio Cultural Abierto cumple con su tarea y objetivo: Tener un espacio abierto a la cultura donde todos tienen acceso y pueden expresarse por medio del arte plástico, literatura,  dramaturgia, actoral y musical.

La muestra permanecerá durante los festejos del Pride se extiende hasta el 8 de julio 2024. Los visitantes pueden ver obras de gran formato, mediano y pequeño. Técnicas Óleo sobre tabla,  Arte digital retocado con óleo, Técnica mixta óleo,  Ilustración, Acrílico y collage sobre periódico Granma, Óleo, Acrílico sobre lienzo, Acrilico sobre lienzo Mixmedia, Ilustración. Gouache, acrílicos y cartón, Acrílico sobre papel, y pan de oro, Acuarela, Acuarela y lápiz sobre papel, Collage sobre cartón. Óleo sobre lienzo y Collage, papel fotográfico sobre cartón. 

Los artistas que forman la exposición son: Adolfo Merino, Alicia Natale, Borjan Oliván, David Pasarin-Gegunde,  el mexicano Erik Rivera, Hortensia Martin, Jesús Román, José Manuel Velasco, Jogarez, José Larios García, Marisa Díaz, la chilena Mapuchika, el cubano Miguel Reyes, More Creativo, Ose del Sol, Pablo Ruiz, Paloma del Amo, de Eslovaquia Peter Varga y Sedeño.

Cómo característica de Bulevar Espacio Cultural será que cada inauguración de exposiciones tendrán un padrino. Y en está ocasión ha sido el Grupo Rainbow Voices , dirigido por Cristina Risueño, quienes armonizaron la velada con canciones pop.

La inauguración fue exitosa. Los artistas compartieron sus experiencias entre ellos y vivieron momentos muy especiales.

Vernáculo se presenta en Puerto Vallarta después de presentarse en Málaga

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Málaga, España.- Arte VallARTa Museo anuncia la inauguración de Vernáculo-vernacular, una exposición del artista mexicano, Erik Rivera, uno de los artistas LGBTQIA+. Formadas por 25 obras de diversos formatos.

Rivera conocido profesionalmente como El niño terrible, es la primera exposición en Puerto Vallarta. Tras iniciar su andadura en la Ciudad de México y trasladarse después a Málaga España, donde presentó la exposición en diversos municipios con gran éxito. Arte VallArTa Museo es el destino final de esta muestra internacional.

El público disfrutará principalmente por obras que representan a mexicanos y su cultura. Rivera pinta a sujetos a través de una lente queer incluyéndolos en una conversación social más amplia utilizando su propio vernáculo.

Compuesta por pintura y dibujos realizados en su mayor parte durante la pandemia de Covid, esta colección parte de la intención de recrear la raíz vernácula de la personalidad de un país y apartar un sentido de  mexicanidad a su propia comunidad mezclando la inocencia infantil; referencias históricas intelectuales, sociales, religiosas y políticas. Sus reinterpretaciones con otras contemporáneas emocionales globales y sexualmente diversas Rivera construye un México en el que todas las personas son incluidas y aceptadas a través de un hilo común y compartido de lenguaje y su percepción 

“Estoy convencido de que somos lo que nuestra infancia ha hecho de nosotros, los mexicanos. Crecimos desde niños desarrollando un poderoso y vasto imaginario, mágico, religioso, espiritual, cultural muy mestizo y diverso no necesariamente alineado a ningún dogma y que a diferencia de este evoluciona en algo que está constantemente expuesto a diversos referentes de un origen atemporal y sin fronteras de un mundo globalizado unido a experiencias personales y emocionales que resultan en una mezcla única que conforman una identidad particular incluye un sistema de creencias con interpretaciones singularmente propias”, explica Erik Rivera.

La exposición se inaugura el 24 de mayo durante la semana del orgullo en Vallarta la exposición permanecerá abierta hasta el 28 de julio del 2024.

Fotos: Erik Rivera

Una canción de amor une a Yuri y Diego Verdaguer

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El tema:  Quién de los dos será,  compuesto por los cantantes y compositores argentinos: Diego Verdaguer, Amanda Miguel y Teodoro Bello. Ahora se lanza en una nueva versión a dueto con la cantante mexicana Yuri. El Maestro Gustavo Farías fungió como productor y el resultado es magnífico, él tuvo la sensibilidad para engrandecer la canción y sin duda escucharla será una nueva experiencia, aún cuando en su momento, décadas atrás, fue uno de los grandes éxitos del también creador de: La ladrona, Que sufras más, Corazón de papel, El pasadiscos, Yo pescador del amor, Yo quisiera que tú, Usted que haría, El rostro del amor, Pídeme y Tonta, entre mucho otros.

La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, así como su respectivo video filmado por el cineasta Raúl Ramón, quien últimamente ha desarrollado los videos de Amanda Miguel en paisajes argentinos para su disco de folclore. 

“Para mí realmente ha sido un privilegio cantar con el Maestro Verdaguer. Realmente gracias a la tecnología pudimos unir nuestra imágenes y nuestras voces (no puedo creer que él ya no esté con nosotros), pero de alguna manera podemos estar con él y compartir juntos esta bella canción que ya se había hecho, pero ahora en dueto… espero que la disfruten y que todos los fans tanto de Diego como de una servidora puedan escuchar esta joya musical, para mí fue un honor unir nuestras voces. Como ustedes saben, a la familia Verdaguer-Miguel yo la quiero mucho; recibir esta invitación de parte de Ana Victoria y Amanda para formar parte de este disco tan especial, fue algo mágico. Cuando estaba poniendo la voz sentí muchas cosas y ahora que veo el video digo ¡Wow!. La primera vez que escuché la canción terminada lloré y sigo sintiendo muchas emociones hermosas y a la vez encontradas… que importante es amarnos, que importante es valorar a nuestros amigos, a la gente que tenemos cerca y no cerca, porque se van cuando menos lo imaginamos. Para mí este es un dueto mágico, no es un dueto común y corriente, así que espero que lo disfruten todos los que son fans, y los que no lo son también, porque realmente es algo mágico y muy especial”, expresa la cantante mexicana Yuri.

Amanda Miguel expresa al respecto que  esta es una de mis canciones favoritas y en la voz de Yuri y de Diego quedó fabulosa. El tema lo escribí junto con mi esposo y con el Maestro Teodoro Bello… lo que dice lo he vivido, habla de una gran verdad: en las parejas ambos tienen que poner de su parte para resolver los conflictos.

“El dueto quedó bárbaro, me encantó; sé que es uno de los grandes éxitos de Diego y seguramente también lo será uniendo su voz a la de Yuri, de hecho le dije a ella que el tema le va y le quedó divino; le dejamos una de las canciones más hermosas del repertorio de mi esposo por ser una magnífica intérprete. En cuanto a lo personal, tenemos muchos años de conocernos, ambas parejas nos hicimos realmente amigos, Yuri y Rodrigo son personas muy bellas, fuimos a su boda y desde entonces supimos que su unión sería inquebrantable”, con una gran sonrisa expresa Miguel.

Durante décadas, Yuri y  su esposo Rodrigo compartieron una estrecha amistad con la familia Verdaguer-Miguel, los unía la mutua admiración profesional pero también los principios que todos tenían y su fe en Dios; incluso Diego y Amanda cantaron Simplemente Amor en la boda de la veracruzana, fue un regalo que le hicieron con el corazón a los recién casados y siempre, con su ejemplo, los motivaron a valorar la importancia del matrimonio.

A poco más de dos años de la partida de Diego, por fin se está cumpliendo uno de los anhelos de

ambos artistas: interpretar juntos una de las canciones más hermosas que dejó para la posteridad el

Maestro Verdaguer, Quién de los dos será. Balada  que habla del dolor de una ruptura, del distanciamiento, del orgullo de no poder hablar y solucionar las diferencias, pero deja entrever una esperanza, una luz para la reconciliación pidiendo perdón y con ello poder “volver a la gloria de nuestro amor”.

Lorca en Nueva York comunión excelsa entre poesía y música

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Málaga, España.- El teatro Soho CaixaBank vuelve a sorprender por su acertada selección en su programación  y presentar a Lorca en Nueva York, montaje dirigido e interpretado por el actor madrileño Alberto San Juan. Está acompañado por la banda integrada por Claudio de Casas (guitarra), hijo de la única sobrina de Federico García Lorca, Tica Fernández Montesino que murió  a los 92 años  en 2023. Se suman Pablo Navarro (contrabajo), Gabriel Marijuan (batería) y Miguel Malla (saxofón y teclados).

A través del jazz y el son  durante más de una hora hacen posible que el público sienta el ambiente de Wall Street, Harlem, el campo y la Habana.

El público se ve envuelto en un ambiente íntimo, viaja a través de los versos de García Lorca por Nueva York , tal como lo hizo el poeta entre los años 1929 y 1930.

El escenario lo ocupa la banda, la iluminación a cargo de Raúl Baena da la atmósfera. Mientras que vemos a Alberto San Juan trasladarse por todo el escenario. Impactando con su voz y tonalidad trasladando a los asistentes a la conferencia que García Lorca dio en la Residencia de Señoritas de Madrid, en 1930.

Como se narra en libros, Federico García Lorca vivió en Nueva York desde junio de 1929 a febrero de 1930 el propósito de matricularse como estudiante de inglés en la Universidad de Columbia, no era el objetivo real, algunos mencionan que se encontraba mal y sus padres vieron beneficio que fuera a Estados Unidos para aliviar su pena. Además que era un autor muy famoso en España tras la publicación del Romancero gitano, vio la posibilidad de renovarse.

Durante su estancia en Nueva York hizo grandes amistades y recibió “la experiencia más útil de toda mi vida” expresaría durante su charla. 

Poeta en Nueva York  es una de sus obras más conocidas internacionalmente y Alberto San Juan la presenta de manera magistral con música. Si se ha leído el libro es recordar cada poema y si eres novel en el título de la obra,  la experiencia de escuchar  cada fragmento es vivir la experiencia  que vivió el poeta granadino al visitar Nueva York.  Esa ciudad tan codiciada para muchos y tan prometedora para otros, mientras que para algunos es sólo la tumba de sus sueños.

La obra empieza con las palabras de Lorca : “De todos modos, hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. A luchar cuerpo a cuerpo con una masa tranquila, porque lo que yo voy a hacer no es una conferencia, es una lectura de poesías: carne mía, alegría mía y sentimiento mío, y yo necesito defenderme de este enorme dragón que tengo delante, que me puede comer con sus trescientos bostezos de sus trescientas cabezas defraudadas. Y ésta es la lucha: porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros. Ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo sino arena o cicuta o agua salada. Lucha cuerpo a cuerpo en la cual no me importa ser vencido”.

Seguidamente van hilando con los temas de su convivencia con negros, la profundidad del capitalismo. Cómo vivió el  crack del 29 y cómo se deslumbró ante la ciudad neoyorkina y también cómo llegó a la decepción.

Si te gusta la poesía y escuchar buena música y ver una buena excelente presentación no dudes en ver está magnífica obra poética musical.

 

El duende brillo con la presencia de Rafaela Carrasco y su compañía

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Málaga, España.-  En la cuarta edición de Flamenco en el Soho,  propuesta cultural y flamenca de Green Cow Music y Teatro del Soho CaixaBank, llegó  a su fin, con la actuación que protagonizó Rafaela Carrasco, quien presentó Nocturna.

A través de varias coreografías se plantea a través de la exploración dancística, musical y poética en torno a los grandes motivos y contradicciones que genera la noche vista desde la lucidez  y la alucinación de quien vela, de quien vive el insomnio: la ensoñación contra la pesadilla, el subconsciente contra el pensamiento, la está contra la calma.

Carrasco explica  que : “Nocturna presenta sin olvidarnos de la noche como experiencia mística, como camino visionario, y su contrario: la noche como juego, como ritual lúdico de confusión de identidades. La noche, la gran sombra, ha constituido una inmensa fuente de inspiración para grandes artistas de todos los tiempos y disciplinas. Velar, mantenerse despierto, adquiere profundos significados culturales a lo largo de los siglos, desde la vela de las armas hasta la inquietud amorosa pasando por la vigilia mágica, trágica o festiva; pasar la noche en vela es internarse en nuestra cara oculta”

Como tiempo de sueño, de insomnio o de pesadilla, como espacio mágico o maldito, como lapso de descanso o de locura, como almacén de terrores o de fantasías, el ser humano halla en ese espejo oscuro el reflejo de sus mayores preguntas, que hoy formulamos en clave amenca, indica. 

Nocturna se compone de piezas cortas. 

La banda sonora es una exploración de sonidos y desarrollos de distinta índole con respecto al piano como instrumento. En su la información de la coreografía indican que el punto de partida del aria y de diversos fragmentos de las Variaciones Goldberg de J. S. Bach y el desarrollo de temas especialmente compuestos para la obra, el espacio sonoro se presenta como una entidad que cobra una personalidad y una presencia primordial en el desarrollo de la obra.

La sonoridad de este trabajo se desarrollará con música grabada y cante en directo, que interpretará poemas dedicados a la noche que guían por los diferentes estados y emociones. Los silencios adquieren una presencia fundamental en esta obra. En escena las bailarinas desarrollan evoluciones conjuntas y trabajarán su soledad. También compartirán sus inquietudes desde la libertad de participar del otro. El grupo, como ente, está en un espacio abierto y vivo. El vacío más denso o el ruido más abrumador de la noche.

La dramaturgia de Nocturna se estructura a partir de los textos de la Insomne, un personaje simbólico que desde su voz en off anota en su diario el largo viaje noche adentro.La inspiración de las coplas parte, por supuesto, de la tradición amenca, pero también de la poesía que ha recurrido a la noche y sus metáforas, desde los poetas de cancionero hasta las letrillas barrocas de Lope de Vega o Luis de Góngora; sin olvidar, claro, la influencia de la poesía mística de san Juan de la Cruz y Sor Juana Inés de la Cruz, entre otros, y la noche misteriosa erigida como un símbolo de los poetas románticos y modernistas desde Gustavo A. Becquer hasta Antonio Machado, desde Rosalía de Castro hasta Juan Ramón Jiménez.

La noche que vivió el público fue de gran energía, fuerza, elegancia y calidad en todos sus aspectos. La escenografía, las coreografías, el vestuario y la iluminación hacen comunión para dar como resultado un espectáculo completo. Qué es recompensado por la ovación del público por varios minutos.

Después de la función se realizó una charla con la maestra Rafaela Carrasco. En la que expresó todo el trabajó que lleva para realizar un espectáculo de gran calidad. Informó que a parte de ser la coreógrafa y productora también da clases y que siempre ha tenido en su equipo  bailarinas de gran nivel, y sin duda se mostró la calidad dancística de cada una de las ocho bailarinas que participan: 

Carmen Angulo, Carmen Coy, Alejandra Gudí, María Carrasco, Julia Gimeno, Cristina Soler, Blanca Lorente y Magdalena Mannion. La voz en off es de la actriz española Aitana Sánchez- Gijón.

La película Un día sin mexicanos vuelve a la gran pantalla 

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Ciudad de México.- “Veinte años después puedo decir que todo lo que suscitó esta película valió la pena; cambiamos la visión de mucha gente y desató un diálogo que antes era escaso, se visibilizaron temas importantes y se habló más abiertamente de ellos”, indica el director  Sergio Arau, respecto a la película Un día sin mexicanos.

Un día sin mexicanos fue el film nacional más taquillero de 2004, con un tremendo impacto no sólo en México sino también en Estados Unidos. Poco a poco su éxito se reflejó en otras latitudes y, a lo largo de veinte años, ha sido exhibida prácticamente en todo el Continente Americano y en naciones europeas como Rusia, Alemania, España e Italia, por mencionar algunas.

LA1 – LOS ANGELES – (EEUU) – 19/06/03 – El cineasta mexicano Sergio Arau (izda), acompañado del actor Eduardo Palomo (dcha), rueda estos días en Estados Unidos «Un día sin mexicanos», una «caricatura política» en forma de comedia. EFE/ Sonio Tercero.

Sergio Arau, director y guionista explica: “Desde 1992 vivo entre México y Estados Unidos, entre dos realidades muy diferentes que me han permitido tener una mirada más amplia y objetiva hacia el fenómeno de la migración, sin dejar a un lado la sensibilidad que conlleva. Ya soy ciudadano estadounidense, pero siempre seré mexicano, por supuesto que sí, mi obra como cineasta, músico y artista plástico está impregnada de mi país”.

El guión  toca el sensible tema de la migración, que en los últimos 20 años se ha agudizado y sigue vigente desgraciadamente. La película es una comedia muy seria. Desde su promoción causó polémica, pues con tan sólo un anuncio espectacular en Hollywood Boulevard que decía “El 14 de mayo no habrá mexicanos en California”, hubo reacciones tan encontradas que de inmediato tuvo que quitarse del lugar… pero la semilla estaba sembrada, los noticieros cubrieron el hecho y la película comenzó a volar con alas propias.

La premisa era y sigue siendo original, volteó totalmente el planteamiento que cualquiera hubiese imaginado, pues en lugar de mostrar el dolor de nuestros paisanos que emigran a la Unión Americana, evidenciaba el sufrimiento de los estadounidenses al no contar con el trabajo y la presencia de la comunidad latina en su día a día.

Una noche sin mexicanos, desarrollaron un trama singular.  La misteriosa desaparición, de improviso, de todos los latinos en el estado de California, Estados Unidos y cómo el extraño fenómeno afectaba las vidas de “los blancos” (como se hacen llamar los propios estadounidenses).

Voceros explicaron  que la película dirigida por Sergio Arau hace totalmente visibles a los migrantes latinos, valora su importancia tanto en lo económico como en lo social en el poderoso país del norte. Las cosas no han cambiado mucho desde hace 20 años y aunque actualmente hay muchos mexicanos en todos los niveles y puestos de trabajo en Estados Unidos, la realidad es que la mayor parte de los latinos siguen realizando los trabajos más sencillos y peor pagados, máxime si no tienen papeles que garanticen su legalidad en dicho país.

Sin embargo, hay datos determinantes: el estado de California es la fuerza dominante en la economía de Estados Unidos, es una verdadera potencia por sí solo y el 40% de su población es de origen latino, son millones de personas que trabajan y hacen que la “gran maquinaria” de Estados Unidos funcione. Por eso Un día sin mexicanos en este 2024 recobra fuerza y vigencia, su título y significado ha sido retomado en múltiples marchas pro inmigrantes, en foros de análisis en ambos países y lo más importante, se ha convertido en una especie de estandarte para aquellos que buscan una vida mejor al cruzar la frontera.

Vale la pena agregar que la frase “UN DÍA SIN…” se ha vuelto parte de la cultura popular en ambas naciones y se utiliza para apoyar diversas causas, la escuchamos a diario y parte de su uso masivo fue a partir de la exhibición de la película.

Habrá una celebración que es  iniciativa del Museo Nacional de Arte Mexicano de Chicago, cuyo Presidente Jesús Ochoa y su Fundador Carlos Tortolero, apoyaron el corto original; dos décadas después, ambos estarán presentes en la exhibición de en dicho museo.

 Posteriormente, el 7 de junio, la cinta se presentará en el Asu Yuhaaviatam Event Center de Los Ángeles, California.

La Cineteca Nacional, institución encargada de preservar  y difundir las mejores obras cinematográficas de México y el mundo, se une a la celebración con la exhibición del filme el miércoles 29 de mayo.

José María Pou recibe el premio en pijama y pantuflas

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Málaga, España.-  Después de una extraordinaria función de El Padre , un drama que llega al público con gran intensidad, José María Pou recibió el premio Málaga  de Teatro de manos de Josemi Rodríguez, director de Pata Teatro, compañía  teatral  malagueña desde 1998.

El galardón que recibió el actor de Barcelona en nombre de toda la profesión y toda la ciudad malagueña lo emocionó e indicó “que ni en sueños ni en su peor pesadilla hubiera imaginado recibir un premio en Pijama y pantuflas. Este premio es como recibirlos en mi casa”.Terminada la función que formó parte del 41 Festival de Teatro de Málaga,  El padre, de Florian Zeller. El primer actor recibió  una gran ovación, algunos con lágrimas.

José María Pao, Cecilia Soraguren, Elvira Cuadrupani, Jorge Kent, Alberto Iglesias y Laura Grube salieron varias veces ante la gran ovación del público.

Josemi entregó el galardón que Pou recibió emocionado, agradeció el reconocimiento e indicó la importancia que tiene Málaga en su vida. Pidió a sus compañeros de elenco lo acompañaran en el escenario.

Pou se suma a los otros dos galardonados por el Festival, Emilio Gutiérrez Caba, que recogió en el primer acto del pasado mes de enero un equivalente premio Málaga de Teatro, y Pepa Plana, reconocida con el Premio Ángeles Rubio Argüelles.

El padre es una obra  alabada por la crítica, representada en más de 50 países y galardonada con los premios internacionales más prestigiosos, incluido el Oscar a Anthony Hopkins en su versión cinematográfica.

La escenografía minimalista es de Paco Azorín, la iluminación de Ignasi Camprodon y el espacio sonoro de Jordi Bonet.

La dirección está a cargo de Josep Maria Mestre, quien logra trasladar al público a la mente de un enfermo con deterioro cognitivo. Muestra el drama que viven los familiares y la misma impotencia del enfermó que se ve atrapado en los juegos de su mente. El público va enfrentándose a  los estragos del alzhéimer. 

Está obra deja una gran huella en el público, los comentarios a la salida son de gran admiración por las actuaciones de los artistas, pero también por el tema  tan especial que maneja y lo que significa cuando se tiene un familiar que desgraciadamente vive una situación similar.

 Fotos: Daniel Pérez/Teatro Cervantes

 

El Festival de Teatro de Málaga un éxito por su calidad de programación

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Málaga, España.- Este año se lleva las palmas  el Festival de Teatro de Málaga. Ha sido inolvidable para los asistentes y deja el listón muy alto para futuras ediciones.

La comedia de los errores, Contracciones, Prima facie, La importancia de llamarse Ernesto han sido ovacionadas por varios minutos. Y falta ver El Padre con el primer actor que será en la 41 edición premiado Josep Maria Pou con el premio Málaga de Teatro. El padre, un texto de Florian Zeller sobre los estragos del alzhéimer alabado por la crítica, representado en más de 50 países y galardonado con los premios internacionales más prestigiosos, incluido el Oscar a Anthony Hopkins en su versión cinematográfica

La obra Prima Face,  trata un tema de absoluta actualidad que no deja indiferente a nadie. Multipremiado monólogo de Suzie Miller que el año pasado agotó todas sus entradas en el West End de Londres y que protagoniza Victoria Luengo en su primera producción en español. En España agotan también las entradas. Tal como sucedió en Málaga.

Está obra lleva a una catarsis en la que el público, ríe, llora y se remueve una y otra vez en el asiento. Victoria Luengo se come el escenario. Vive el papel intensamente y provoca que el público comulgue con ella y las emociones salgan a flote.

Tessa es el personaje que presenta. Vemos en el inicio a una mujer segura y triunfadora. Como va transcurriendo la historia se convierte en una mujer temerosa y débil. El final del personaje cuestiona y responde a preguntas dejando en el público mil cuestiones que por días  buscarán  respuesta.

Victoria mantiene diversos registros, hay momentos que rompe la regla y deja a una mujer desgarrada. Ha declarado que es uno de los papeles más complicados que ha realizado. Pero sin duda alguna lo enfrenta con éxito, recibiendo la más larga ovación del público y recibiendo el premio Talía a Mejor actriz protagonista de teatro de texto.

El escenario es minimalista con una luz fría. Y en otras ocasiones  la luz involucra al público. Hay una mesa que es movible por la actriz, según su texto. El vestuario es sobrio. Prima Face enfrenta al público al poder patriarcal de la ley, la carga de la prueba y la moral.

La dirección es de Juan Carlos Fisher,  expresa que “el personaje se enfrenta a aquello en lo que más cree para encontrar justicia, para sacar del camino eso que no nos permite ver y conocer la verdad. Prima Facie es un monólogo arriesgado lleno de teatralidad y posibilidades artísticas, con una construcción dramática inteligente, divertida y conmovedora. Pero es también profundamente cuestionadora. Y es, sobre todo, un grito necesario frente a la naturalización de una conducta que atraviesa a la sociedad de manera estructural”.

Prima Facie, es una obra necesaria y que debería presentarse en muchos institutos. Es la obra del año que dará mucho de qué hablar.

La Comedia presente en el festival

La comedia ha estado presente.  El legado de Shakespeare en La comedia de los errores, versión de Albert Boronat estrenada en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida 2023, con dirección de Andrés Lima y un reparto encabezado por el malagueño Pepón Nieto cautivo al público desde el inicio hasta el final donde se llevaron una gran ovación. En la comedia participan  Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido. Dieron momentos divertidos en la que el público no dejó de reír.

Los actores no paran en el escenario y entre el público. Desde el inicio sorprenden. Y mantienen la atención con sus bailes y textos. Y qué decir de cambios de vestuario y personajes. Todo esto para contar la historia griega de cuatro gemelos.

Es una comedia donde el descanso no está presente, el error en cambio sí. Es una comedia muy recomendable. Los asistentes salen con una sonrisa y comentando la obra.

La importancia de llamarse Ernesto, con Pablo Rivero y Silvia Marsó entre otros en la ácida comedia, sátira sobre la hipocresía social de Oscar Wilde. En la que muestra la importancia de ser uno mismo. Involucran la actuación y el cantó.