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Pilar Jiménez Trejo

El Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano podría definir la vida literaria de los jóvenes poetas.

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Convoca a partir del 31 de mayo a todos los poetas que escriben es español de hasta 30 años de edad –cumplidos al 31 de julio de 2025 que cierra la convocatoria a las 20:00 horas de la Ciudad de México–, nacidos y que residan en el continente americano, incluyendo Estados Unidos, Canadá y Brasil.
 El fallo del jurado se dará a conocer el 6 de noviembre y la ganadora o el ganador, recibirá un premio único e indivisible de cien mil pesos. El certamen no podrá ser declarado desierto.
La premiación se llevará a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2025, el 4 de diciembre, con la publicación impresa de la obra.

Este viernes en conferencia de prensa la Fundación Carmen Toscano IAP anunció las bases para participar en el Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano que, en su edición 2025, convoca a partir del 31 de mayo a todos los escritores nacidos y que residen en el continente americano, que escriben en español, incluyendo Estados Unidos, Canadá y Brasil, hasta 30 años de edad al 31 de julio, fecha en que cierra la convocatoria. Los poemarios de tema y forma libre deberán contar con un mínimo de 45 y un máximo de 60 cuartillas; el fallo se dará a conocer el 6 de noviembre y la ganadora o el ganador recibirá un premio de $100,000.00 (cien mil pesos 00/100 M.N.).

“Los poetas más jóvenes del continente, desde Canadá hasta la Patagonia que escriben en español ya tiene un premio que les dará visibilidad y que puede ser el inició de una fructífera carrera literaria”, comento el poeta Rodolfo Naró al dar a conocer las bases del Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano.

La ceremonia de entrega del premio, con la obra ganadora publicada en una edición impresa, se llevará a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2025, el 4 de diciembre de este año; el Comité Organizador correrá con los gastos de la ganadora o el ganador para estar presente en dicha celebración, según detallan las bases del certamen que se dieron a conocer hoy en conferencia de prensa en la Casa del Poeta Ramón López Velarde, localizada en la ciudad de México, en la que participaron la doctora en historia, Alejandra Moreno Toscano, presidenta de la Fundación; el poeta Rodolfo Naró, coordinador general del Premio; el escritor Adolfo Castañón, quien recibió en 1976 el Premio Diana Moreno Toscano 1976; y el editor y traductor Joaquín Díez-Canedo Flores.

La historiadora Alejandra Moreno Toscano, presidenta de la Fundación, habló de la importancia de la reanudación de este premio que nació en 1966, tras la muerte de su hermana la poeta Diana Moreno Toscano cuando apenas tenía 25 años de edad, y fue entonces que su madre, la escritora y cineasta, Carmen Toscano Escobedo convocó al Premio Diana Moreno Toscano para apoyar a jóvenes poetas.

Recordó que algunos de los ganadores fueron Elsa Cross en 1967, quien lo recibió con apenas 20 años de edad, y otros de los hoy reconocidos escritores como Héctor Manjarrez, David Huerta, Marco Antonio Campos, José Joaquín Blanco, Roberto Vallarino y Adolfo Castañón en 1976, el último año en que se convocó a este premio, y que ahora la Fundación Carmen Toscano reanuda y con ello impulsa y celebra el trabajo de los jóvenes poetas de todo el continente americano.

Por su parte el poeta Rodolfo Naró, Coordinador general del Premio, detalló sobre las bases de esta convocatoria que anima a los jóvenes a participar con un libro de poemas originales e inéditos, escrito en español, de tema y forma libre, con un mínimo de 45 y un máximo de 60 cuartillas, y que deberán ser obras que no sean enviadas simultáneamente a otros concursos, premiadas en otro certamen o que se encuentren en espera de dictamen editorial. Contó que el jurado, compuesto por tres especialistas en la materia, no podrá declarar desierto el premio. “La ganadora o el ganador recibirá un premio único e indivisible, de cien mil mexicanos y un diploma, entregados por la Fundación Carmen Toscano IAP, así como la publicación de la obra ganadora en formato impreso, y el viaje para estar presente en la entrega en la Fil Guadalajara”.

El autor de los poemarios Los días inútiles y Lo que dejó tu adiós, añadió que se otorgará una mención honorífica, sin recurso monetario, al segundo mejor trabajo recibido, pero que la Fundación no correrá con los gastos de traslado ni estancia en Guadalajara.

En la conferencia el escritor Adolfo Castañón y el editor Joaquín Díez-Canedo Flores, recordaron que en su primera edición este “premio a la promesa literaria” tuvo como jurado vitalicio nada menos que a Octavio Paz, Rubén Bonifaz Nuño, Juan José Arreola, José Luis Martínez y Héctor Azar. Por lo que vaticinaron que pronto el Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano será uno de los galardones de poesía más importantes en el continente y en el mundo.

Adolfo Castañón con el libro, fotocopiado,  Informe para un psiquiatra de Diana Moreno Toscano en la mano, expuso al tomar la palabra: “Cuando recibí el Premio Diana Moreno Toscano en 1976 tenía 24 años y además de los 10 mil pesos, que entonces me dieron, para mi significó mi consagración porque el premio lo recibí de manos de Carlos Monsiváis y Octavio Paz. Desde entonces la literatura fue mi camino a seguir”.

Durante la conferencia la actriz y cantante argentina, radicada en México, María Inés Montilla, leyó algunos poemas de Diana Moreno Toscano, por quien nació este premio que lleva su nombre.

Diana Moreno Toscano nació en la Ciudad de México el 31 de mayo de 1942. Fue una mujer de muchos talentos, estudió Música en el Conservatorio Nacional, e historia del arte en Francia, pintaba, era miembro del equipo de equitación, pero su pasión estaba en la poesía, publicó Informe para un psiquiatra en 1965, pero murió el 2 de enero de 1966. Ese año amigos y familiares reunieron algunos de sus escritos y a manera de homenaje póstumo y publicaron Cuando apenas existo, que estuvo al cuidado editorial de Alí Chumacero; los libros fueron editados por Talleres Gráficos de Manuel Casas.

Las bases completas y detallas del premio se pueden consultar:

https://premio.fundacioncarmentoscano.org/ de la WWW.FUNDACIONTOSCANO.ORG

INFORMES: RECEPCION@FUNDACIONTOSCANO.ORG

1 de junio de 2025
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La revolución impresionista: de Monet a Matisse en Bellas Artes

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El Palacio de Bellas Artes presenta la exposición: “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas”, explora la fascinante historia del impresionismo, desde su nacimiento en 1874 hasta el legado que alcanzó en los primeros años del siglo XX. Contada completamente a través de las excepcionales colecciones del DMA, esta exposición revela los orígenes rebeldes del colectivo de artistas independientes conocido como “los impresionistas” y la revolución que crearon en el arte moderno. Un movimiento que nació de la rebeldía y la inconformidad, y que transformó la manera de entender el arte.

 

“La exposición nos cuenta una historia del impresionismo que no se conoce tanto, y nos muestra que este movimiento en realidad va más allá, fue un colectivo de artistas que se reunieron porque el estilo de arte moderno en 1874 era demasiado controvertido, radical e innovador; se trata de un grupo de jóvenes pintores rebeldes cansados de las restricciones de la Academia, que, a través de un arte difícil y provocador, decidieron plasmar la vida moderna con pinceladas sueltas y colores vibrantes.”, explicó  Nicole Myers, directora de Curaduría e Investigación y curadora senior de Arte Europeo Barbara Thomas Lemmon del Museo de Arte de Dallas, lugar de dónde proviene esta muestra.

A través de 45 piezas de 26 autores diferentes, como Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot y Camille Pissarro, se muestran los inicios y el lado revolucionario del impresionismo, así como su importante aportación al arte del siglo XX. Artistas que capturaron escenas cotidianas, desde los bulliciosos bulevares de París hasta los tranquilos paisajes rurales, elevando lo mundano a la categoría de arte refinado.

La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda mitad del siglo XIX. Si contamos los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver».

Los impresionistas rompieron con la tradición. Cambiaron las técnicas, los temas y la forma de exhibir sus obras. Así, redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia. Las innovaciones únicas de figuras centrales del movimiento, como Claude Monet, Edgar Degas y Berthe Morisot, sentaron las bases a las que respondieron los artistas vanguardistas de generaciones posteriores, desde Paul Gauguin y Vincent van Gogh hasta Piet Mondrian y Henri Matisse.

“Estaban interesados en temas modernos, pero también en voltear la espalda a la manera convencional de hacer una pintura acabada de acuerdo a la Academia de Bellas Artes en Francia, es decir, ellos estaban más interesados en dejar el rastro de las pinceladas sueltas de su primera inspiración”, explicó Myers.

 

“No estaban interesados en los detalles, sino en utilizar los métodos renacentistas, mostrando densidad, volumen, eliminando colores como el negro, dando la espalda a las formas tradicionales para darle brillo a su paleta”, dijo la curadora sobre esta muestra que concentra a los artistas que desafiaron los cánones del arte para retratar paisajes y situaciones incómodas.

«Cuando la mayoría de la gente escucha impresionismo, automáticamente ven una pintura de Monet o de Edgar Degas y parecería que nuestro arte siempre era popular, que siempre había mercado y que los artistas eran famosos en su tiempo, pero la historia no podía estar más lejos de la verdad. Este tipo de exhibición en el que compras un boleto, entras y ves estas exposiciones, esto se inventó en 1874, por estos artistas radicales, por este colectivo que hoy se le conoce como expresionistas» explicó.

 

Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin o Vicent van Gogh, entre otros, son parte de los artistas que se distinguieron por compartir su pasión por captar la vida cotidiana y moderna de sus realidades, quedando alejados y en contraste con los temas y estilos tradicionales que eran favorecidos por lo que dictaba la Academia.

Es así que La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas muestra escenas de la vida callejera o lo íntimo de la vida doméstica. Sin embargo,  las diversas exposiciones que se realizaban escandalizaban al público y eran consideradas un fracaso.

“La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas es una exposición internacional y se divide en cuatro núcleos que guían al visitante a través de la transformación del impresionismo y su impacto en el arte moderno:

• Rebeldes con causa: presenta a los artistas que, en 1874, decidieron organizar sus propias exposiciones, que desafiaron el sistema oficial. Aquí se encuentran obras como El Pont Neuf, de Claude Monet, en la que el artista captura el bullicio de París con pinceladas rápidas y desenfocadas, y Place du Théâtre Français: efecto de niebla, de Camille Pissarro, que muestra la ciudad envuelta en una bruma invernal.

• Notas de campo: explora las técnicas innovadoras que los impresionistas desarrollaron al pintar al aire libre. Obras como El río Sena en París, de Paul Signac, y Valle Buona, cerca de Bordighera, de Claude Monet, demuestran cómo los artistas capturaron la luz y el movimiento con pinceladas fragmentadas y colores complementarios. También se pueden observar obras como Nenúfares (1908), el óleo sobre tela de Claude Monet, artista que hizo a un lado la tierra firme para posar su mirada en las escenas acuáticas.

• Efectos secundarios: muestra cómo el impresionismo influyó en artistas como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Matisse, quienes llevaron las ideas impresionistas más allá, al explorar el color y la forma de manera más expresiva y simbólica. Aquí se incluyen obras como I Raro te Oviri (Debajo del pandano), de Gauguin; o Gavillas de trigo (1890), de Van Gogh, , pieza que pintó durante su último mes de vida y que capta el trigo cosechado. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo.

• Para siempre: el último núcleo explora cómo el legado del impresionismo sentó las bases para movimientos como el cubismo, el fovismo y el expresionismo o la abstracción y cómo se originaron a raíz del desafío a los valores académicos tradicionales. Obras como Naturaleza muerta: ramo de flores y frutero de Henri Matisse, y Barcos pesqueros en L’Estaque, de André Derain, muestran cómo los artistas del siglo XX continuaron innovando a partir de las ideas impresionistas.

La muestra se acompaña de un cuadernillo que incluye textos de Nicole Myers, así como imágenes de las obras exhibidas en salas, material que fue realizado gracias al apoyo de la Fundación Jenkins.

El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas, en particular de artistas como Hokusai e Hiroshige. De hecho, ambos pintores fueron influenciados por este arte venido de Extremo Oriente y Monet llegó a poseer una colección de 250 estampas.

Confrontados con las negativas reiteradas de los salones oficiales y con las duras críticas de la prensa como del público de las pinturas presentadas en los años 1860, en la primer salón de las obras rechazadas por el jurado oficial, el grupo de impresionistas decide crear sus propias exposiciones. La primera de ellas fue organizada con la ayuda del fotógrafo Nadar. Sin embargo, la iniciativa es un fracaso. El público acepta con dificultad este nuevo estilo de pintura, demasiado moderno y alejado de las referencias clásicas. Desconcertado, el público encontraba que las pinturas impresionistas eran vulgares, similares a bocetos sin forma, y se burló del movimiento y de sus obras. No obstante, los impresionistas fueron respaldados por escritores, en particular por Émile Zola, quien publicó artículos en defensa del movimiento que conoció gracias a su amigo de infancia, Cézanne. Por ejemplo, en el diario l’Événement del 30 de abril de 1866, Zola declara: «escribo precisamente estos artículos para exigirEn el marco del 150 aniversario de la primera exposición impresionista de la historia, la revolución impresionista invita a reflexionar en torno a estos artistas, reconocidos hoy como los escandalosos renegados que fueron, y a repensar el innegable impacto que tuvieron en el arte del siglo XX.

La exposición ofrece un programa de visitas guiadas y un conjunto de actividades paralelas para la visita .  “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas” estará abierta al público hasta el 27 de julio de 2025, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h.

15 de mayo de 2025
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Subconscious Bloom de Hugo Maza, una exposición que explora la geometría, la sensualidad y la simetría de la flores.

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Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró el pasado 24 de abril en la galería Picci Fine Arts. La muestra reúne 13 ediciones especiales —10 fotografías de la serie Subconscious Bloom y 3 pinturas digitales de la serie Rouge— en las que Maza ha explorado por años la geometría, la sensualidad y la simetría natural de las flores, pero también de las formas del cuerpo o del todo.

Hugo Maza es un director y productor audiovisual que ha encontrado en las flores un motivo y una metáfora central para la vida: las flores son una expresión intensa de energía. «Para él –explica el texto de sala preparado por Juan Pablo Aguilar– condensan significados culturales de gran importancia: cargan y transmiten alegría en su gesto más sencillo, acompañan el duelo, evocan la fugacidad, el renacimiento y también el misterio. Esa es la energía cultural que portan en su acontecer cotidiano: cuando regalamos flores, cuando la ciudad se transforma con la llegada de la primavera y nos envuelve un recordatorio del tiempo cíclico, o cuando nos vemos sumidos en el acto contemplativo (…) Pero existe otra energía, más sutil, que se activa al acercar el cuerpo a las composiciones y objetos que Maza ha producido. Proviene, por antonomasia, de zonas quizás más ocultas de nuestro ser. Esta serie forma parte de un ciclo de creación iniciado durante la pandemia de COVID-19 (…) Luego vino la investigación –un proceso también prolongado de nutrición conceptual a través de textos- y, finalmente, la refinación formal de su trabajo. Hoy, ese recorrido le permite compartir su interés estético y artístico, que brota desde la contemplación y el asombro. Subconscious Bloom sostiene que, a través de la simetría y de las formas florales cuidadas y construidas por el artista, no se representa naturalmente el florecer de una flor, sino el de los impulsos internos – afectivos y psíquicos- que nos habitan», explica en su texto el coordinador de Picci Fine Arts.

Titulando a sus exposición Subconscious Bloom, Hugo Maza, explora los juegos de la conciencia y sus formas, incluso ha buscado en ese concepto tomado por Platón de las “Verdades Eternas”. Platón no aborda las flores específicamente en sus obras, pero su filosofía sí ofrece una perspectiva sobre la naturaleza y la belleza que se puede aplicar a las flores. Para Platón, el conocimiento verdadero no reside en la apariencia sensorial de las cosas, sino en sus formas o ideas ideales. Así, una flor no es simplemente el objeto que vemos, sino una manifestación imperfecta de la Idea de la flor, una entidad eterna e inmutable que existe en un plano superior, y en ese conciencia es dónde crea su obras Hugo Maza. Impresas sobre meta, aluminio, la definición de sus imágenes precisa, sugerente y poética.

Esto también ha conducido a Hugo Maza a una exploración visual profundamente personal. Las imágenes —sugerentes, íntimas, vibrantes— proponen que la sensualidad florece de manera espontánea desde los rincones más profundos de la mente. A través de composiciones que oscilan entre la precisión geométrica (simetría en espejo) y lo onírico, donde crea un universo visual, para el artista, el subconsciente toma forma.

La muestra de alguna forma dividida en dos, el realismo y la abstracción, incluye también 3 obras en las que las formas emergen libremente sin orden aparente. «Como un contrapunto a la serie Subconscious Bloom, esta pequeña muestra presenta tres obras pertenecientes a Rouge, una serie reciente en la que Hugo Maza se aparta de las imágenes florales para adentrarse en un gesto distinto de construcción. Las obras aquí expuestas no parten de una imagen natural previa, sino que emergen de composiciones pictóricas digitales creadas por el artista, impresas con la misma técnica fotográfica y escala inmersiva (…) Si en Subconscious Bloom las formas florales nos devolvían a impulsos internos a través de su simetría orgánica, en Rouge ocurre algo análogo pero desde la abstracción. La imagen ya no nos remite a lo reconocible, sino que activa una lectura libre y subjetiva, donde las formas sugieren, aunque no dictan (…) nos enfrenta a zonas profundas de lo emocional y lo psíquico», escribe en texto de esta sala de la galería Juan Pablo Aguilar.

Subconscious Bloom marca un momento clave en su tránsito de Hugo Maza hacia el arte contemporáneo. Maza ha desarrollado una destacada carrera como director y productor audiovisual para cadenas como TNT y ABC. Ha trabajado por varios años en Santiago de Chile, y este mexicano actualmente radica en Valle de Bravo.

Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró este jueves 24 de abril y en Picci Fine Arts —Alpes 700ª, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México— y se podrá visitar hasta el 10 de mayo; ee recomienda agendar cita a través de mensaje directo al instagram de la galería @piccifinearts o al correo info@piccifinearts.com.

 

29 de abril de 2025
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“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador» dice Ramón Durán ante su exposición “Confluencias y transfiguraciones”

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  • La exposición presenta el trabajo del editor y productor gráfico Ramón Durán Rivas, cuya complicidad por más de 40 años suma a las obras creadas con 34 artistas un resultado de unión y transformación en cada grabado, gráfica y monotipo. El título une la influencia del artista con el grabador, dos conocimientos en el proceso de creación, el resultado es lo veremos en esta muestra.

“Confluencias y transfiguraciones del Taller de Ramón Durán” es una exposición que reúne 65 obras trabajadas por Ramón Durán Rivas con diversos artistas, dando como resultado grabados de complicidad en unión y transformación con la labor de este editor y productor gráfico, que suma una experiencia de más de 40 años.

La muestra, que reunirá 34 artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, bajo la curaduría de Fernando Gálvez de Aguinaga, será inaugurada el sábado 12 de abril a las 13 horas en la Cabaña 1, del Complejo Cultural Los Pinos (Molino del Rey. Bosque de Chapultepec. 1 Sección. Miguel Hidalgo. CDMX), y podrá visitarse hasta el 18 de mayo de 2025.

Las prensas de Ramón Duran son testigos de la creación compartida con creadores como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Arturo Rivera, Flor Minor, Gabriel Macotela, Irma Palacios, Daniel Lezama, Patricia Sánchez Saiffe o Francisco y Alberto Castro Leñero, dejando ver en el resultado que el arte de imprimir es también es el arte de crear.

La exposición es una antología generada en su taller que reúne grabado, gráfica y monotipo de artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, en la que están obras de Alberto Castro Leñero, Arturo Rivera, Axel Rayón, Celeste Bejarano, César Oropeza, César Villegas, Cristina Estrada, David Crivelli, Daniel Lezama, Dorian Soto, Eduardo Ángeles, Elena Manero, Eric Pérez, Francisco Castro Leñero, Filogonio Naxín, Flor Minor, Gabriel Macotela, Gerardo Rivera Kura, Gustavo Monroy, Héctor de Anda, Iza Mendoza, Irma Palacios, Julián Madero, Marcos Castro, Margarita Chacón, Mr. Alc, Ms. Self Destruct, Olinka Domínguez, Octavio Moctezuma, Paulina Jaimes, Patricia Sánchez Saiffe, René Freire, Santiago Robles y Sergio Sánchez Santamaría.

El título de la muestra Confluencias y transfiguraciones busca unir la influencia del artista con el taller y hacer una transfiguración por medio de los dos conocimientos en el proceso de creación de dos oficios. Ahí está la relación entre artista y el taller: “El artista crea su idea, su poema, manifiesta lo que él quiere decir, y luego se puede olvidar de cuál es el proceso, porque eso lo llevo yo, ahí están las dos influencias y aparece la transfiguración: el resultado es lo que obtenemos. Quien tiene que desarrollar los detalles y técnica es el taller, el resultado es la transfiguración de las dos influencias” apunta Durán.

“La exposición es una selección realizada por el reconocido curador Fernando Gálvez, con la idea de presentar una sección del taller, luego habrá otras propuestas. En estas obras veremos una secuencia entre lo abstracto, lo surrealista o lo figurativo, por supuesto hay piezas que van muy relacionadas, pero con un paso diferente en la manifestación de las técnicas con la finalidad de mostrar los diferentes procesos: punta seca, litografía en piedra, aguafuerte, aguatinta o el azúcar, que es una técnica muy suelta que normalmente la usa Macotela, Francisco Castro Leñero, Irma Palacio, y Flor Minor; en cada obra el desarrollo de la técnica es muy importante” cuenta en entrevista Durán.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador. En el aguafuerte se barniza la placa, se calienta, se hace duro el barniz, el artista raya y descubre el cobre que es dónde va a atacar el ácido, dependiendo la intensidad del trazo son los efectos o las líneas; pero el artista no tiene que lavar la placa en ácido, solamente se enfoca en hacer el trazo, tallar el metal o la madera, él trae una idea y juntos vamos tomamos la decisión de qué técnica debemos desarrollar. Dependiendo la intensidad, menos tiempo más clara la línea, más tiempo más fuerte; el aguatinta que se maneja con resinas, nos da líneas; la resina llena una partes; la azúcar se descubre y en la placa se mete el ácido que definen las tonalidades. Ahí entra el taller, me encargo de ponerle barniz a la placa, meterla el tiempo justo al ácido, preparar los materiales, las herramientas, lo que se necesite para hacer el progreso de la transfiguración y sacar las impresiones, llevar el proceso y darle seguimiento hasta llegar al punto final”, abunda.

Con su taller independiente Ramón Durán ha logrado una carpeta con más de 60 artistas que han asistido a trabajar con él durante el tiempo necesario para lograr lo que ambos desean hacer.

Esta exposición es solo un fragmento del trabajo que se ha realizado en el taller de Ramón Durán, promete que luego vendrán otras exposiciones para mostrar otra parte de la función su taller donde los artista son libres de plasmar lo que quieren: “Normalmente no hago carpetas temáticas, no les propongo un tema, los invito a trabajar en el taller para hacer lo que ellos quieran”, dice.

La gráfica, para Durán, es un poema o también la manera de manifestarse, de mostrar inquietudes como protestas, cuestiones sociales, inquietudes en las que el artista encuentra la manera de decirlo. Y suscribe lo que decía el argentino Antonio Seguí: “el grabado es una forma de democratizar a la gente”, por medio de la gráfica se puede manifestar cualquier inquietud social y política como lo hemos visto también a través de la historia de la gráfica.

Una de las primeras litografías que realizó Ramón Durán como impresor fue de Francisco Toledo con la pieza llamada “La Cenicienta” que se logró a tres piedras; la segunda fue “La Hoja”, una de las obras más reconocidas de Toledo en la técnica de la gráfica. Fue el maestro impreso Andrew Vlady, a quién Durán le había pedido trabajo, con quién inició este oficio que le fascinó para siempre. Entonces tenía 16 o 17 años y comenzó a imprimir obras con otros maestros como Rufino Tamayo o Francisco Zúñiga.

Ser grabador es el oficio en dónde Durán se siente cómodo, en su trayectoria ha realizado apenas dos o tres piezas personales: “He intentado hacer obra, aprendo de los artistas que vienen al taller, su manera de componer, sus trazos, trato de asimilar y normalmente caigo en el sentido del artistas que está en turno, se me pega querer hacer lo mismo. En cambio me siento seguro cuando estoy imprimiendo, cuando desarrollo una colaboración con un artistas y puedo opinar, sugerir con toda la certeza”.

“Un grabado es la colaboración de dos oficios: la parte técnica de grabar en la placa y lo que realiza el artista con su tema. He adquirido la sensibilidad de poder entender qué es lo que quiere el artista o a dónde quiere ir, hacerle sugerencias. Algo que he desarrollado tanto que muchas veces hacemos monotipos, que es prácticamente es una pintura, el monotipo se trata de manifestar efectos con su debido control, he aprendido a controlarlos fielmente en lo que se realizan en la placa, esto me ha ayudado ha hacer no un monotipo sino serie de monotipos con importantes artistas”, concluye.

10 de abril de 2025
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MÉXICO CANTA un concurso de composición contra la apología de la violencia y el narco.

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Luego de la imagen que dio la vuelta al mundo en donde un grupo de banda regional hizo una apología del narco al proyectar en el escenario, durante  un concierto, el rostro de de un narcotraficante, el gobierno prende las alertas y se da cuenta de que la cultura es el mejor antídoto contra la violencia, la ignorancia y la ironía en la que vive México en estos días.

Con el concurso México Canta, se buscase fortalecer géneros y variantes tradicionales mexicanas como el mariachi, banda, corrido, duranguense, con temas que ya no sean una alabanza a la violencia contra las mujeres y el narcotráfico. Se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical.

 

Con esa intención es que el gobierno convocó a jóvenes mexicanos y estadounidenses a participar en el concurso binacional de música México canta por la paz y contra las adicciones, que tiene dos objetivos principales: promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología a la violencia o a las drogas; y, como parte del Plan México, traer al país parte de la industria creativa de Estados Unidos.

El concurso está dirigido a jóvenes intérpretes y compositores de entre 18 y 34 años, quienes podrán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo de 2025 a través de la página https://www.mexicocanta.gob.mx/ . La final será el 5 de octubre en el estado de Durango.

La información se dio a conocer el lunes 7 de abril durante la conferencia de prensa que ofrece por la mañana la presidenta Claudia Sheinbaum en dónde dijo que presentar este festival  tiene por objetivos, promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología de la violencia o de las drogas. Esto como parte de la «campaña por la paz y contra las adicciones, y además de impulso de la actividad creativa de las y los jóvenes mexicanos de este lado de la frontera, nuestro territorio, y del otro lado, el impulso a la música mexicana en ambos lados de la frontera». El concurso, dijo entra dentro del  Plan México, para traer parte de la industria creativa que hay en los Estados Unidos a nuestro país y promover esta actividad «que a veces parece que es muy pequeña, pero es muy grande, y genera muchísimos empleos en Estados Unidos y queremos que mucho de eso también venga a nuestro país. Es una iniciativa de ambos lados de la frontera con empresarios, empresarias, artistas, muy diversos” explicó.

Con esta iniciativa el gobierno busca confrontar  a la música que habla de drogas, narcotráfico y violencia, un concurso musical para buscar e impulsar nuevos talentos mexicanos que miren al país con los positivo que tiene, con valores y emociones que da el arte y la cultura.

Shembaum precisó que se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical. “Entonces es una iniciativa de ambos lados de la frontera, con empresarios, empresarios, artistas muy diversos”, algunos de los participantes que se han sumado a esta iniciativa, entre los que se encuentran artistas, productores, empresarios y representantes de la industria musical, tanto de México como de Estados Unidos.

 

 

Añadió que el concurso binacional México canta por la paz y contra las adicciones se transmitirá por los medios públicos y surgió con la idea de construir una narrativa distinta a la música que hace elogios de la violencia, y con esto buscar generar una identidad vinculada con el arte, la cultura y con el acceso a derechos como la educación y al empleo.

Además, dijo, que se insistirá en que en todas las escuelas públicas de México haya coros para incentivar la música y el canto.

“Estamos cambiando la realidad de los jóvenes dándoles acceso a todos los derechos y  queremos que haya una narrativa distinta. Esta falsa idea de que entrar a un grupo delictivo es una opción de vida; siempre lo he dicho: ‘no es opción de vida, es opción de muerte’”, puntualizó.

Parte de este esfuerzo, también se está conformando el Consejo Mexicano de la Música, precisó la mandataria.

El concurso está abierto a todos los jóvenes de entre 18 a 34 años que quieran participar con canciones de cualquier género desde mariachi, norteño, banda, corrido, tropical, duranguense, campirano, bolero, con fusiones de rap, rock, pop, hip hop, incluidos las de los pueblos originarios. Las inscripciones se harán por medio de la página arriba mencionada; posteriormente se hará una selección municipal y estatal, cuyos seleccionados se van a presentar en vivo en los diferentes estados, y la final será el 5 de octubre.

Por su parte la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, precisó que el concurso México Canta por la paz y contra las adicciones, es una alianza histórica entre el gobierno y la iniciativa privada gracias a que sus contenidos se van a profesionalizar con apoyo del Consejo Mexicano de la Música (CMM). El chiste, dijo, es formar nueva música mexicana inspirada en “valores y emociones ajenas a la apología de la violencia y la denigración de la mujer”.

Explicó que los participantes tienen tres semanas para prepararse ya que deberán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo en la plataforma: https://www.mexicocanta.gob.mx/. Los compositores deberán enviar a la plataforma una canción inédita de una duración de hasta 3 minutos, mientras que los intérpretes podrán concursar con canciones de 3 minutos que no sean de su autoría. Los materiales pueden estar en lenguas originarias, en español y en lo que Curiel de Icaza llamó: espanglish.

Una vez que termine el periodo de inscripciones, a partir del 31 de mayo iniciará la primera fase del concurso, en la que un jurado seleccionará a 10 personas por estado de la República Mexicana y 15 por cada región de Estados Unidos (Oeste: Los Ángeles; Centro: Houston; y Este: Chicago), dando un total de 365 seleccionados quienes pasarán a la fase dos, que se realizará del 5 de julio al 8 de agosto, para seleccionar ocho finalistas por región de México (Norte, Sur y Centro) y ocho por región de Estados Unidos.

La tercera fase será presencial del 17 de agosto al 21 de septiembre, con ocho semifinalistas, cuya participación será transmitida por todos los medios públicos de comunicación y su calificación será 70 por ciento de un jurado de especialistas y 30 por ciento por parte del público.

En esta fase iniciarán las presentaciones en vivo: en Chicago el 17 de agosto; en Houston el 24 y en Los Ángeles el 31 del mismo mes. Mientras que en Tijuana será 7 de septiembre; en la Ciudad de México el 14, y en Oaxaca el 21 de septiembre. En cada uno de los eventos se elegirán 8 semifinalistas, que llegarán a la gran final el 5 de octubre en Durango, donde se elegirá un ganador de cada categoría.

Todas las personas que lleguen a la fase Regional recibirán una mentoría por parte del grupo especializado del Consejo de la Música Mexicana  para su preparación profesional en estudios de grabación para la Final. Sin embargo, solo habrá tres ganadores: 1.Mejor canción: se llevará un contrato con una editora nacional, transnacional o independiente del CMN. 2. Mejor intérprete: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente. Igualmente tendrá la grabación y producción de un LP (12 canciones) y contenidos audiovisuales. 3. Premio del jurado: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente de la música, perteneciente al CMN. Además, grabación y producción de EP (6 canciones) y contenidos audiovisuales

 

En la conferencia estuvo presente Miguel Ángel Trujillo, miembro de Latin Grammy y director del CMM, quién manifestó su entusiasmo de que por primera vez hay una iniciativa por parte del Gobierno de México para «respaldar acciones que promuevan contenidos con valores y que abren espacios para nuevos talentos sin glorificar el vicio, la violencia o los discursos que normalizan el maltrato hacia cualquier género».

Presente también Guillermo González, director general de la Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), recordó que México es un terreno firme para las inversiones dentro de la industria musical y que es una de las mejores apuestas en la industria global.

Algunos de los presentes, compositores e interpretes todos de música popular, expresaron sus esperanzas, como América Sierra, cantante y compositora mexicana del género regional, reiteró que en nuestro país hay mucho talento. El cantautor romántico de banda Horacio Palencia,  expresó su confianza de que esta iniciativa ayude a cambatir las causas que generan la violencia y que afectan a los jóvenes. Jesse Martínez, cantante mexicoestadounidense del Colectivo Legado de Grandeza, dijo que la música mexicana captura el corazón de jóvenes de ambos países que es posible tener éxito sin hablar de violencia.

Estuvieron presentes Martín Urieta compositor y cantante, y actual presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México SACM; la cantante Regina Orozco; Mónica Vélez también compositora; Alfredo Delgadillo CEO y presidente de Universal Music México, Fonovisa US México; Oswaldo Díaz Grimaldo, locutor mexicoamericano; Juan Carlos Hidalgo, CEO de Monitor Latino; Erasmo Hernández, presidente de la Asociación de Empresarios de Entretenimiento en México; Mariana Escamilla vicepresidenta de Promotores Unidos US; Isale Gutiérrez CEO de Music VIP; Javier Ramírez productor musical y fundador del Consejo Mexicano de la Música.

Cabe recordar que después de la presentación que hizo el grupo de banda en un estadio de Jalisco, el Departamento de Estado de Estados Unidos revocó las visas de los miembros del grupo musical mexicano que proyecto las imágenes del rostro de un capo del narcotráfico en la pantalla gigante durante su concierto.

9 de abril de 2025
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“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe”, el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de X’ocen lleva a escena los últimos días de Felipe Carrillo Puerto.

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El Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, llevará a escena la obra: “Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Delia Rendón Novelo. Las presentaciones de esta pieza, hablada en maya y español, se realizarán en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, en Valladolid, Yucatán, la entrada es libre. El estreno es el sábado 5 de abril a las 18:30 horas; las siguientes funciones el viernes 25 de abril; y el 17 y 31 de mayo, todas a las 18:30 horas.

La historia  aborda los últimos días en la vida, y el asesinato, del prócer Felipe Carrillo Puerto, quien fue gobernador del estado de Yucatán de 1922 a 1924, y era  considerado un defensor de los mayas frente la despiadada oligarquía yucateca de fines del siglo XIX y principios del XX. Carrillo Puerto es reconocido por sus obras de tipo social y educativas que llevó durante su gobierno revolucionario y el compromiso social que sostuvo por el bienestar de los mayas y su enfrentamiento con los hacendados del estado. La obra es narrada por quien fuera un sindicalista y legislador constituyente yucateco Héctor Victoria Aguilar y contemporáneo del Apóstol de la raza.

Felipe Carrillo Puerto (8 noviembre 1874–3 enero 1924) fue un revolucionario con ideas socialistas, que también ejerció el periodismo. Nació en el pueblo de Motul, fue el segundo hijo de familia mestiza de 14 hijos y clase media, desde pequeño aprendió el maya yucateco, y la relación que tuvo con los indígenas de su estado hizo que se le considerara un aliado, se le creía descendiente de la dinastía Nachi Cocom de Mayapam. Durante su mandato instituyó el tipo de gobierno más moderno, el sistema económico y los métodos educativos más avanzados y laicos que hasta entonces se conocían en México. Organizó y mantuvo la primera clínica de control natal, promulgó leyes que otorgaron a las mujeres mayores de 21 años el derecho al voto, al divorcio, a la propiedad de bienes y a la educación; fundó una universidad en la que prevalecía la filosofía humanista; construyó pueblos con caminos para lograr que los campesinos pudieran trasladar más fácilmente sus productos al mercado.

Casado con Isabel Palma Puerto, con quien tuvo cuatro hijos, en febrero de 1923 conoció a la periodista norteamericana Alma Reed, con quien sostuvo un romance que inspiró la canción “Peregrina”, y con quien pensaba casarse. Ese mismo año apoyó la candidatura presidencial de Plutarco Elías Calles para el periodo 1924-1928; pero entre el 6 y el 7 de diciembre inició la rebelión de Adolfo de la Huerta frente a la supuesta imposición de Calles por Álvaro Obregón. Las tropas huertistas se levantaron en armas y el 12 de diciembre la rebelión llegó a Yucatán.

Carrillo Puerto y sus tropas intentaron combatir a los sublevados, pero se vio obligado a huir ante la superioridad de las fuerzas delahuertistas; se marchó en un barco que naufrago y fue apresado en Holbox, el 21 de diciembre, y llevado a la penitenciaría Juárez de Mérida. Adolfo de la Huerta había enviado un emisario para que se respetara la vida de los prisioneros, pero el coronel rebelde Juan Ricárdez Broca, autonombrado gobernador de Yucatán, ordenó que el 3 de enero de 1924, fuera fusilado junto con tres de sus hermanos y nueve de sus colaboradores. Cuentan que sus últimas palabras fueron: “¡No abandonen a mis indios!”.

El personaje que narrará esta obra será Héctor Victoria Aguilar, fue un político que destacó por su aportaciones a la Constitución de 1917, muy en especial en el artículo 123 para tratar los derechos de los trabajadores. En 1916 fue de los fundadores, junto con Felipe Carrillo Puerto, del Partido Socialista Obrero, y durante el gobierno de Carrillo Puerto, fungió como consejero de los Ferrocarriles Unidos de Yucatán.

Cabe resaltar la importancia de esta compañía de teatro que en abril de 2021 el Congreso del Estado declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán, de allí la importancia fundamental del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, que tras haberse iniciado este proyecto en el país hace 36 años, fundado a iniciativa María Alicia Martínez Medrano, dramaturga, directora de teatro y funcionaria pública, ha logrado el desarrollo del teatro en comunidades indígena sobre todo de Tabasco, Yucatán, Sinaloa y la Ciudad de México. Se trata de compañía con una trayectoria y experiencias teatro comunitario, masivo, indígena y campesino que ha proporcionado a numerosas comunidades marginadas, los instrumentos para desarrollar, valorar y disfrutar su propio lenguaje artístico, sus tradiciones, su teatralidad y la integración de sus rituales, con un profundo sentido de dignidad.

Una logro nuevamente de la cultura que parece que ahora contará con el reconocimiento y el apoyo gubernamental como deja ver la visita que la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo hiciera el viernes 13 de diciembre de 2024 a esa comunidad para presenciar la puesta en escena de la obra  “La Conjura”, también autoría de Delia Rendón.

“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Rendón Novelo, se lleva a escena con el apoyo de la Sede Valladolid de las Universidades para el Bienestar Benito Juárez García, esto en el marco del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura. La obra estará hablada en maya y español, y se presentará en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, Valladolid, Yucatán. El estreno será el sábado 5 de abril a las 18:30 horas. Y el resto de las funciones son el viernes 25 de abril, y el 17 y 30 de mayo, todas a las 18:30 horas. La dirección es Calle 6 por 13 sin número, X’ocen, Valladolid, Yucatán. La entrada es libre y para todo público.

Historia del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en la Comunidad de X’ocen

En 1989 la maestra María Alicia Martínez Medrano propuso al Instituto Nacional Indigenista un Programa de Teatro para la zona Maya de Yucatán y Tabasco. La Comunidad de X’ocen, su importancia como Centro Ceremonial Maya, sus orígenes prehispánicos, la riqueza y preservación de sus costumbres y tradiciones mayas, su organización comunitaria y la memoria histórica fueron determinantes para que en septiembre de ese año  se estableciera la sede del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena.

La comunidad entregó en comodato el terreno para la construcción del espacio en el que hasta hoy se realizan actividades de educación y producción teatral y presentaciones al público. Un espacio escénico natural, al aire libre, en el que las paredes son de árboles, follaje, arbustos y flores, con graderío de piedra para el público. Cuenta con bodegas, cabina de control de sonido e iluminación y las partes de un teatro convencional: escenario, desembarcos, ciclorama, piernas, etc., todo construido con materiales naturales de la región.En marzo de 1990 la obra X’ocen (Tómame en cuenta, soy alguien, no me olvides) fue su primera producción. En octubre del mismo año produjo Romeo y Julieta de William Shakespeare en versión indígena; esta obra se presentó en el Festival Shakespeare de Nueva York en el Central Park, y en el Festival Cultural Sinaloa en la ciudad de Culiacán.

En los 31 años de trabajo el LTCI de X’ocen ha producido una gran cantidad de funciones de teatro presentadas en más de 100 comunidades de Yucatán y Quintana Roo; cientos de niños y jóvenes mayas se han formado como actores, han viajado llevando teatro a comunidades del Sureste de México, a la Ciudad de México y Estados Unidos. En el 2020, antes de la pandemia este Laboratorio contaba con 468 alumnos de las comunidades de Nohzuytún, Tikuch, Dzitnup, Chichimilá, Xuilub, Tixcacalcupul, Valladolid, San Silverio, Yalchén, Chan Chen I, Yaxché. Actualmente participan 287 niños y jóvenes de 5 de las comunidades mencionadas.

Esta escuela de educación teatral ha sobrevivido con apoyos, becas, aportaciones, donaciones, pagos por proyectos realizados para instituciones públicas y privadas, dependencias del gobierno federal, estatal, municipal, organismos nacionales e internacionales. Pero sobre todo con la solidaridad de muchos; la confianza y apoyo de todas las comunidades mayas en las que el LTCI ha desarrollado su trabajo son el resultado de 31 años de existencia. En abril de 2021 el Congreso del Estado lo declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán.

Actualmente el LTCI de X’ocen trabaja con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural y con el apoyo de las Universidades del Bienestar Benito Juárez García, Sede Valladolid.

2 de abril de 2025
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Αυτοψια: ver por una misma, una exposición de Gabriela Murray en la que mostrará sus grabados por primera vez.

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La actriz Gabriela Murray dedicada también de modo análogo al arte de la cerámica y el grabado, presenta su primera exposición individual: Aυτοψια Ver por una misma, comprende una serie de grabados que son una invitación a poder ver el tejido interno como un reflejo de los que somos: venas, ríos que se bifurcan, conexiones, ramificaciones, fractalidades, pensamientos repetitivos, obras que son para ella una invitación a mirarnos adentro.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril a las 13 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX) de Gandhi; y la acompañarán el artista visual, docente e investigador en artes plásticas Arturo Rodríguez Döring y Francisco Paz, pintor con amplia experiencia en el grabado, ambos maestros de Gabriela Murray.

Aυτοψια es una palabra que proviene del griego, se compone de los vocablos autós (αὐτός) que significa «uno mismo» y opsis (ὄψις) que significa «observar», que para Murray encuentra su significado en lo que implica ser mujer y ver por una misma. “Las obras que veremos son de alguna manera ramificaciones del interior y son también patrones que se replican, como una fractalidad que se reproduce y queda grabada dentro de mi como quedan estos grabados”, dice en entrevista.

“La ramificación de árbol es una similitud de nuestra estructura pulmonar; los ríos que se bifurcan parecen unas venas; nuestros pensamiento que siguen patrones repetitivos, ¿Acaso las galaxias del universo no giran en espirales también? Es decir esta repetición casi matemática es lo que me interesa, por eso creo que el tejido que imprimo en esos grabados se vuelve a grabar en mi, y así sucesivamente, porque lo que yo miro afuera, lo tengo adentro, y en la medida en que lo puedo replicar, puedo mirarme”, precisa.

Actriz de profesión, pasión y legado. Hija del actor Guillermo Murray y hermana Rodrigo; para Gabriela el arte satisface también su necesidad de palabra que no se ha limitado solo a los escenarios. Casi paralelamente a estudiar Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, se adentra también en el mundo de la cerámica, estuvo en la escuela La Esmeralda del INBA, realizando estructuras con las manos, modelando el barro, esa relación sensual le hizo realizar piezas diminutas como una obsesión por los pequeños muros interiores que habitan en cada objeto, persona, universo, y cuyo límite llega a nuestra piel.

Los tiempos de espera en la actuación, le hicieron comenzar a realizar una serie de dibujos automáticos, casi involuntarios donde la línea iba  sola; dibujos que iba repitiendo una y otra vez en cualquier superficie que se lo permitía. Y tras una visita al Museo de La Estampa, se preguntó ¿Y qué es hacer un grabado? Y el tema se convirtió en su siguiente pasión y comenzó a aprender con diversos maestros e impresores, desde marcar la placa de metal hasta la pulsión de entintar.

Algunos de esos dibujos que se volvieron sorprendentes en el grabado son los que veremos en su exposición Aυτοψια Ver por una misma, que inaugurará el 6 abril, compuesta por 12 placas.

En el texto de sala Arturo Rodríguez Döring escribe: “Escribir acerca de la obra gráfica de Gabriela Murray es hablar de un acto de amor; de una artista que imprime toda su energía positiva en la práctica de la creación (…) esta sensible creadora ha incursionado desde hace muchos años en el ámbito de la cerámica, donde con infinita paciencia y destreza manual modela delicadas formas orgánicas que nos remiten al mundo vegetal en su aspecto más sensual: las formaciones florales, y que alude de manera inevitable a uno de sus distintivos más característicos, que es el color; también preponderante en muchos de sus grabados”.

Lo que miraremos en estos grabados, advierte Murray, es una visión cerrada, como la que se mira al bucear, solo un pedazo del espectro como una representación muy clara de que solo existe lo que miramos. “En los grabados me meto igual que en el teatro en la representación, es volver todo presente. En estas obras creo que lo que se verá, es como si alguien abriera mi piel, vería esas líneas que están en el grabado”.

Para Gabriela Murray exponer por primera vez significa liberar, pues para ella la cerámica y el grabado habían sido un trabajo muy personal, un refugio de la vorágine que tiene que ver con el afuera. “Pero nunca un hobby, es algo muy serio, es reinventarme. Y con ello me demuestra que la vida se ramifica y podemos tener varias  profesiones de manera muy seria y cambiante”.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril 13:00 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX), la entrada es libre y estará hasta 8 de junio de 2025.

Gabriela Murray es una actriz mexicana egresada de la licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ha tomado diversos cursos y talleres con los afamados profesores Hugo Argüelles, Luis de Tavira, José Luis Ibáñez, Mario Lage, Sergio Jiménez, René Pereyra, Pilar Medina y Elsa Cross en instituciones dedicadas a la formación actoral en México, además del acreditado Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, España. Desde muy joven ha trabajado tanto en radio como en televisión, teatro y cine. En televisión es recordada por las novelas Alondra, Gente bien, Ramona, Agua y aceite. En cine Profundo carmesí de Arturo Ripstein, Un embrujo, de Carlos Carrera, Todo el poder de Fernando Sariñana, Frida, producida por Salma Hayek y Ella es Ramona de Hugo Rodríguez. Como actriz de teatro ha trabajado en múltiples obras desde 1991 con giras por ciudades de la república e internacional, como con Los hijos de Kennedy, Pedro Páramo, Nortes de providencia Nortes de providencia y Las chicas del 3.5 floppies por la que fue nominada como mejor actriz en el Edinburgh FestivaL Fringe.

1 de abril de 2025
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Alberto Castro Leñero inaugura mural en San Idelfonso, lo llama Desplazamiento.

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Alberto Castro Leñero es sin duda uno de nuestros más grandes artistas visuales contemporáneos, pintor y escultor, siempre está experimentando también en la fotografía o el video para añadir nuevos elementos estéticos a su obra.

Este artista mexicano ha trabajado durante los últimos dos años en el mural transportable Desplazamiento, de 3.10 de altura por 10.55 metros de largo, que formará parte de las obras monumentales del Colegio de San Idelfonso luego de su inauguración el próximo sábado 29 de marzo a las 13 horas, en ese recinto localizado en la calle de Justo Sierra 16 en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

El tema general del mural tiene que ver con la migración y mezcla diferentes lenguajes en los que resalta lo figurativo. Después de la muerte del poeta David Huerta (octubre de 2022), amigo entrañable del artista, Alberto Castro Leñero fue invitado a hacer ese mural.

“Comencé a trabajar los bocetos cuándo falleció David, y los dejé un tiempo, luego los fui trabajando poco a poco hasta que me decidí a atacar la pintura en grande con lienzos de más de 3 metros que implicaba un ejercicio físico y una gran concentración.  El tema de la migración fue entrando, y sentí que ese tema estaba relacionado con toda la producción de los grandes muralistas que hay en San Idelfonso y tratan contenidos sociales. Entonces la migración que está tan viva empezó a aparecer en el mural, y al final la referencia a David Huerta es casi imperceptible y ambigua, hay un elemento circular en el mural que podrá representar un gran ojo que ve la escena, y que sería David que observa, es el observador”, explica en entrevista el artista.

Va narrando el resto de la imágenes que aparecen en Desplazamiento: “Está la imagen de la Virgen de Guadalupe, porque sentí que era necesario incluirla como un ícono que tiene que ver con la energía popular, con la energía de la gente que está buscando, era casi natural meter esa imagen que además está en diferentes murales de San Idelfonso, fue como establecer un diálogo”.

“Luego está la gente que forma como una mancha urbana y es como una especie de paisaje, busqué videos y captura de pantallas en internet, imágenes del metro que he tomado, de gente camina en la calle y lleva bolsas, imágenes que representan el esfuerzo de un movimiento y que me parecieron muy fuertes, con esto estructuré los puntos más importantes de la composición. También hay trazos figurativos muy libres que forman otro contingentes de personas que puede ser los que estamos atrás”.

Como artista en constante búsqueda Castro Leñero utilizó una paleta muy colorida “casi choqueante” en la que también están colores suaves, no quiso poner el clásico cielo azul, trabajó primero el fondo y el firmamento es rosa donde y en él aparecen piezas muy contemporáneas como drones que simbolizan la vigilancia. Abajo, en un parte, en la tierra, están elementos dolorosos como las cruces que representan los asesinatos.

“Traté de usar fragmentos de la realidad y mezclarla, para que la gente interprete lo que capta y también se refleje. Trabajé el fondo como manchado, con una pintura muy suelta, muy líquida, lo realicé sobre el piso con grandes brochas, cree una atmósfera que luego  me sirvió para iniciar el dibujo figurativo y todas las formas que tienen presencia el mural”.

La pintura del mural es plana, bidimensional. Pero en medio de la composición tiene un saliente triangular, prisma o doblez. A cada lado está la multitud que camina hacia algún lugar de vida mejor.

Invitado a hacer ese mural tras una propuesta de Déborah Chenillo Alazraki, entonces subdirectora operativa del Colegio de San Ildefonso, y Eduardo Vázquez Coordinador ejecutivo de San Idelfonso, que pensaron en una obra que tuviera cierta relación David Huerta, para mostrase en San Idelfonso junto a los murales de este tremendo recinto en el que están obras de Diego Rivera, Fernando Leal, Jean Charlot, Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Emilio García Cahêro, Carlos Mérida, Xavier Guerrero, Amado de la Cueva y Máximo Pacheco, se le pregunta a Alberto Castro:

—¿El artista debe ser un comprometido político con su realidad?—haciendo referencia a los murales  Rivera, Siqueiros y, decididamente, Orozco.
—El artista está inmerso en una realidad y en ese sentido la capta o la procesa, pero por otra parte no hay un deber de que “deba hacerlo”, porque el artista busca la libertad. Claro que el mundo contemporáneo que vemos ahora pide comprensión, sintonía de las cosas que vivimos, y al artista también lo siente.

Para Alberto Castro “llegar a San Idelfonso con muralista que desde muy jóvenes pintaron y que tenían un manejo tanto de la técnica como del compromiso social, simplemente Orozco que es como el abuelo de todo el muralismo, para mi es muy estimulante y a la vez riesgoso de qué ¿ahora que voy a decir yo?” reflexiona. Su pieza se exhibirá seis meses junto al fresco La ley y la justicia, de José Clemente Orozco. Castro Leñero piensa que el muralismo se dio en una época en la que hubo alguien que tuvo la visión para proyectarlo al futuro, y ahora debe continuarse con el arte contemporáneo y ahora con su mural en San Idelfonso: «Es como una grieta que se abre, una forma de ligar esta gran tradición a mi generación; es parte de nuestra cultura que le da fuerza al país. Continuar eso es algo que se necesita».

Este mural forma parte también del programa de actividades de divulgación entorno a las expresiones actuales del arte contemporáneo nacional e internacional que hace El Colegio de San Ildefonso, y que este año presenta el mural transportable: Desplazamiento del Alberto Castro Leñero.

27 de marzo de 2025
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Entre culturas, la exposición de una danesa que ama México: Charlotte Almsig

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«Entre culturas» una exposición de Charlotte Almsigm, acuarelas inspiradas en sus estancias por Dinamarca, México, Estados Unidos, Japón, Argentina y Groenlandia, se inaugura el 19 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Pedregal.

Nacida en Copenhague, Dinamarca,  Charlotte Almsig ha encontrado en México una país de conexión. Su interés por el arte y el folklore mexicano se gestó en su juventud; durante su residencia en Guadalajara, donde descubrió una profunda fascinación por la cultura del país y su vibrante gama de colores, que simbolizan la alegría y vitalidad del entorno mexicano. El amor por México  aumento cuando comenzó a visitar la Ciudad de México en 2013 y a vivir por periodos más prolongados entre la Ciudad de México y la capital danesa.

Resultado de esas dos visiones y sus viajes por el mundo, así como por su conocimiento por la pintura y el arte, le ha llevaron a realizar una serie de acuarelas que presentará este próximo 19 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Pedregal – -Av. de Las Fuentes 557, Jardines del Pedregal- en su exposición que ha titulado: «Entre culturas».

La muestra estará compuesta por cerca de 70 acuarelas, distribuidas en las nueve secciones, cada una con una historia y una mirada de lo que ha sido su recorrido visual por los últimos 25 años de exploración, convivencia y transformación que ha experimentado como viajera, historiadora del arte y mujer, universos en los que Charlotte captura una armoniosa dualidad entre sus raíces nórdicas y su fascinación por México.

Cada sección es una mirada inspirada en la cultura, la naturaleza, las emociones, las influencias y los colores que ha experimentado esta estudiosa en Historia del Arte. El concepto de la exposición es presentar las huellas que han marcado la vida
de Charlotte, representadas a través de obras de arte con acuarela que muestran historias, momentos, paisajes, culturas y emociones de los países donde ha vivido, trabajado y sentido un impacto memorable: Dinamarca, México, Estados Unidos, Japón, Argentina y Groenlandia. Los múltiples viajes que ha realizado a destinos tan diversos como Groenlandia, Argentina y Japón, y por supuesto México, han dejado una huella imborrable en su obra.

Desde los blancos icebergs de Groenlandia , las playas azul fuerte de Dinamarca, el Lago de Avándaro en Valle de Bravo y el morado y rosa de México; las flores de Japón o las calles de Buenos Aires, Argentina, cada obra de Charlotte captura una historia
contada a través de las posibilidades del agua que da la acuarela.

Este diálogo Entre Culturas – sin fronteras.- se convierte en un tema recurrente en su obra. La naturaleza ocupa un lugar central en su trabajo. Su representación de la flora y fauna revela no solo una conexión íntima con el medio ambiente, sino también una profunda preocupación por los efectos del cambio climático.

Charlotte explora la acuarela a través de una amplia variedad de trazos, temas y estilos que van desde lo abstracto hasta el surrealismo con un toque de figurativo. Su enfoque multicultural y su habilidad para integrar elementos modernos y vibrantes otorgan a su obra una singularidad  personal y a la vez universal.

El conocimiento de Charlotte Almsig por la pintura y el arte iniciaron en 1970 cuando realizó Estudios de Historia del Arte, en Villanova University, en Philadelphia, EE.UU; después en 1975 estudio Educación de Artes Plásticas en Copenhague, y un par de años más tarde comenzó con sus estudios de acuarela. Entre 2004  y 2006 estuvo a cargo de la curaduría de la exposición The Red Snowmobile, con la participación de 13 artistas de Groenlandia, en Dinamarca y esa enorme isla que se encuentra entre los océanos Atlántico Norte y Ártico. En 2007 realizó la Maestría en Historia del Arte por la Universidad de Copenhague. Su vida a estado ligada a la promoción cultural, la creación y los museos, en 2009 fue Secretaria de la Dirección en el Design Museum Danmark, en Copenhague. En 2011 fungió como Consejera en el Museo de Arte Moderno, MAP, en Dinamarca para la exhibición:
La Batalla sobre el Muro, con el tema de murales mexicanos. Su conexión con México la llevo a trabajar por un tiempo en el área cultural de la Embajada de México en Dinamarca Y desde hace más de 15 años es Miembro de ICOM, Consejo Internacional de Museos. Actualmente toma clases en el Taller de Pintura en el Centro Cultural Pedregal.

7 de marzo de 2025
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“Daniel Hourdé: De Paris à México” en Picci Fine Arts, el artista francés expone por primera vez en una galería de México.

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La galería Picci Fine Arts presenta “Daniel Hourdé: De Paris à México” una exposición que refleja los temas de la vanidad,  caducidad y a la vez de la esperanza humana. Del 30 de enero al 1 de marzo, la muestra reúne esculturas, carboncillos y mobiliario diseñado por el artista francés. Se trata de la primera exposición individual de Daniel Hourdé (Boulogne-Billancourt, 1947) en una galería de nuestro país.

La muestra se inaugura el jueves 30 de enero, 18:00 horas  en Picci Fine Arts —Alpes 700A, Lomas de Chapultepec, 11000, CDM— y es resultado de la relación de amistad y de trabajo, un logro luego de veinte años de colaboración, entre el artista francés y Pichi Aguilar, director de la galería.

Compuesta por  24 piezas el artista continúa en estas obras su exploración temática y su búsqueda en la corporalidad de las “sombras” tanto de la cultura occidental en su sentido histórico y artístico, como en el personal y auto-referencial del artista, buscando siempre introducir al espectador en una catarsis en torno a la vanidad humana.

En soportes de papel algodón o un espejo, los emblemáticos cuerpos dibujados a carboncillo de Hourdé se desdoblan a veces en un sentido literal, haciendo que el dibujo adquiera un valor material, tridimensional, que recuerda al Nuevo Realismo francés de los años 60, en donde en la apropiación directa de la realidad incorporan objetos cotidianos y explora en los límites entre el arte y la vida.

La temática del cuerpo que se retuerce, o es auxiliado por animados esqueletos, corresponde al interés del artista en una corporalidad presente en el arte cristiano flamenco del siglo XVI. La caducidad de la vida yuxtapuesta al esplendor de coronas de bronce componen uno de los principales ejes de su obra.

Sus motivos recurrentes son: los esqueletos, la Cruz y la Caída y la Redención, los depositarios de las danzas de la muerte de la Edad Media o el visionario retablo de Issenheim. Hace convivir a sus personajes, atrapados en una acción existencial, con objetos actuales y cotidianos o evocaciones quiméricas, para invitar a una reflexión sobre la vanidad.

En el trabajo de Hourdé, la expresión inconsciente no puede reducirse a una gama de temas autobiográficos, citas de obras de arte o episodios históricos, ni siquiera menos a reflexiones teológicas o filosóficas. Si todos estos aspectos están presentes, no determinan el curso narrativo ni ofrecen las claves para un código representativo. La expresión auténtica del inconsciente se encuentra en los contornos de la vida humana, en sus innumerables aspectos y manifestaciones. Este lenguaje expresivo está arraigado en una estética del doblaje, una indicación significativa del propio artista, y es el resultado de una afinidad elegida por los efectos de la división y la escisión, la duplicación del hombre y sus movimientos.

En su obra nos recuerda que los esplendores de la vida están acotados por el tiempo orgánico de los cuerpos, se vuelve más tangible en piezas como “Oh mon beau miroir, tu es ma croix” [Oh, mi hermoso espejo, eres mi cruz] (2013), involucrando directamente al espectador al reflejarlo en un espejo sostenido por dos esqueletos.

Esta exposición es el cúmulo de más de veinte años de relación de trabajo entre el artista francés con Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts. Relación que tuvo su primer esplendor público en la organización de la exposición Daniel Hourdé en México. París-Tenochtitlan que se celebró en 2022 en el Museo de la Cancillería en Ciudad de México.

En noviembre pasado una obra de Hourdé fue elegida para participar por primera vez a en la Bienal de La Habana, se trato de “El árbol de las mil voces” donde el artista con el soporte de Picci Fine Arts, llevó esta pieza cuya idea surgió en México, hace dos años, cuando recorrió el Bosque de Chapultepec y observó el movimiento de las hojas al caer, así  le vino la idea de crear un árbol monumental de acero, cuyas hojas fueran libros que se moverían igual que las que vio en su visita.

“Para nosotros es muy importante traer el talento de Daniel Hourdé a la Ciudad de México, luego de haberlo presentado en noviembre pasado en La Habana. Creemos que estas exposiciones no solo acercarán la obra de Hourdé al público latinoamericano, sino que también fortalecerán el diálogo cultural entre Europa y América Latina”, opina Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts.

Daniel Hourdé inició como galerista y pintor. Ahora se expresa principalmente a través de la escultura, el dibujo y las instalaciones. Estudio pintura y dibujo en École des Beaux-Arts de Grenoble y París, y se consagró a partir de los años ochenta esencialmente a la escultura, trabajó en la técnica y los materiales tradicionales como el bronce, las vanitas –género artístico que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos–, y en el realismo en el que encontró la mejor manera de dar cuerpo y alma a sus personajes. En su técnica de modelado hay un conocimiento quirúrgico de la anatomía humana. Su obra ha sido expuesta en diversas regiones del mundo; y en espacios públicos como en medio del río Sena, en el Pont des Arts. Vive y trabaja en París.

Picci Fine Arts cuenta con más de 60 años de historia y se ha consolidado como un actor clave en el panorama artístico de México y América Latina. Fundada por Poncho Aguilar en los años 60 bajo el nombre de Galería Ittati, su herencia incluye colaboraciones con figuras icónicas como Francisco Corzas, Ricardo Martínez o José Luis Cuevas. Hoy, bajo la dirección de Pichi Aguilar, la galería continúa esta tradición al combinar exposiciones innovadoras y proyectos de impacto cultural en un espacio que conecta creatividad, comunidad y excelencia artística.

28 de enero de 2025
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