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Sobre 2 ruedas

Mexicanos presentes en la principal Gala de España

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Marbella, Málaga.- El cantante Diego Boneta, por su implicación en diferentes proyectos sociales, y en especial en la crisis COVID. Estuvieron presentes también los mexicanos:  Renata Notni, Aislinn y Vhadir Derbez, y Lorenza Azcárraga.

La Gala Starlite en la subasta consiguió una de las cifras más elevadas en su historia, con una recaudación  superior al medio millón de euros en su decimotercera edición, para continuar con la labor de Sandra García-Sanjuán y Antonio Banderas de  llevar  una vida mejor para quienes más lo necesitan.

Lo más cotizado en la subasta fue el NFT del artista Pedro Sandoval, con Antonio Banderas, que se proyectó en la pantalla más importante del mundo, el Nasdaq de Nueva York, en Times Square. Quien lo desee, puede tener su propio NFT conmemorativo de la Gala Starlite Porcelanosa 2022, y sumarse a los artistas y celebrities que lo adquirieron durante la Gala, haciendo un donativo de 500 € para colaborar con los proyectos sociales.

Los anfitriones, Antonio Banderas y Sandra García-Sanjuán, compartieron  una velada deliciosa donde no faltaron las sorpresas, la música y la diversión, conducida magistralmente por los ya habituales presentadores de honor, la top model Valeria Mazza, el actor Iván Sánchez y la televisiva Luján Argüell.

 “Hablando antes con Antonio, amigo, cómplice y compañero de aventuras, pensábamos en todo lo que hemos logrado durante estos trece años juntos. Quiero dar las gracias a todos los artistas y los amigos que nos apoyan, que nos quieren y que nos siguen, no tengo palabras suficientes de agradecimiento”, agradecía Sandra García-Sanjuán, gran anfitriona de la noche junto a Antonio Banderas: “Sandra no para de decir que yo soy el alma de este proyecto, pero no es verdad. El alma real es ella, es la que se parte el alma porque esto suceda todos los años, y es la que un día hace ya trece años se presentó en mi casa para proponerme hacer esto juntos. Hemos pasado tiempos muy difíciles por la pandemia. Gracias a Dios, estamos aquí de nuevo y trataremos de que esta noche sea una buena recaudación para poder atender con los fondos todos los compromisos fundacionales”, respondía el actor.

Además del objetivo recaudatorio que permite hacer realidad los numerosos proyectos solidarios que la Fundación Starlite soporta, la Gala Starlite Porcelanosa distingue la labor y el compromiso de las personas más solidarias del momento. Entre los galardonados, el artista universalmente conocido Andrea Bocelli, quien recibió el premio especial Starlite Porcelanosa 2022 por su trabajo al mando de la Fundación Andrea Bocelli.

Entre los premiados estaba también Alejandra Gere, quien acudió acompañada de su esposo, Richard Gere,

William Levy fue otro de los grandes premiados por su compromiso social, además de por su historia (se escapó de Cuba en una patera, estando tres días en mitad del mar, y lo reportaron como preso político). Es un ejemplo de superación y demostración de la fuerza que tienen los sueños frente a la adversidad.

Ana Obregón, por su incansable lucha contra el cáncer en jóvenes y niños a través del trabajo de investigación de la Fundación Aless Lequio.

Carla Pereyra, quien lleva ocho años promoviendo y liderando la campaña anual “Contra el hambre lo damos todo” junto a Cruz Roja y  Chucho Valdés, como Embajador de Buena Voluntad de la FAO en su combate contra el hambre.

Entre otros invitados  estuvieron, la ministra de Industria, Comercio y Turismo del Gobierno de España, Reyes Maroto, Victoria Federica de Marichalar y Borbón, María Casado, Ágatha Ruiz de la Prada, Santiago Segura, Fran Rivera, Lourdes Montes, Ana Obregón, Ainhoa Arteta, Vanesa Romero, Loles León, Teresa Baca, Carmen Lomana, Fiona Ferrer, Luján Argüelles, Víctor Puerto, la princesa Beatrice de Orleans, Juan Peña, Iván Sánchez, Alfred García o Agustín Bravo, entre otros.

Fotos: Starlite

 

 

16 de agosto de 2022
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Arteesmex un sueño hecho realidad

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.– El proyecto cultural Arteesmex sigue dando pasos firmes en España y presenta la segunda exposición con el objetivo de tener un diálogo entre México y España por medio del arte. Y en está ocasión Vernáculo, es un proyecto expositivo que se presenta en la Sala El Portón en Alhaurín de la Torre, Málaga.

Poder presentar obras de artistas mexicanos en espacios españoles es un sueño hecho realidad. Dos mujeres con visiones diferentes, la malagueña Pilar Hernández Oriente y una servidora se han unido para poder llevar el arte mexicano a España.

Hernández Oriente, curadora de la exposición de Vernáculo, explica que en la obra de Erik Rivera se observa la mirada juguetona y penetrante de los rostros evoca un pensamiento de niñez, de inocencia. “Llevándonos a conectar con la propia infancia del artista, con su identidad. Los ojos de los niños se suelen representar abiertos llenos de brillo y curiosidad y nada cansados, ya que la vida les aguarda. Estos ojos infantiles nos fascinan. La mirada en el arte se convierte en aspecto retratado pero también en un espejo de la persona retratada, en este caso, de El niño terrible”.

La curadora agrega que en Vernáculo, Rivera brinda la oportunidad de poder disfrutar de esta serie, en la que se reivindica a modo de testimonio, los derechos de la comunidad sexodiversa y su tradición de forma irreverente y divertida. Siempre a través de la mirada naïf, limpia y alegre de personajes reconocibles, o no, de la comunidad LGBTTTIQ+ mexicana y LGTBIQA+ española.

La muestra cuenta con más de cuarenta obras de diversos formatos. Ha sido visitada por diversos públicos, los cuales se han sorprendido con las obras, por los detalles que se encuentran en cada obra y que sin duda alguna hablan de la cultura mexicana, tanto por su color, como por los símbolos mexicanos que han trascendido internacionalmente como identidad de México.

En la inauguración estuvo presente el Alcalde-Presidente de Alhaurín de la Torre, D. Joaquín Villanova Rueda, que expresó sobre dicha exposición: “Es una regresión, lúdica y abierta, a los recuerdos de la infancia que nos otorgan identidad, y a la vez, vulnerabilidad. La mirada de sus personajes son un diálogo abierto con el espectador, conforma una completa influencia visual para su desarrollo artístico y estético, que se fusionó con su interés por ahondar en su propio yo, logrando así un estilo particular, que se acerca al arte naïf y al neomexicanismo; un arte ingenuo, abierto y sin censura”.

Andrés García García Concejal-Delegado de Cultura, comenta en el catálogo realizado ex profeso: “ Erik ha desarrollado la mayor parte de su vida artística en México y, como es lógico, su pintura tiene grandes influencias del país norteamericano, tanto en estilo como en el fondo, pues recoge algunas de las tradiciones más conocidas, aunque dándole la vuelta de alguna forma. No faltarán sorpresas a modo de homenaje a personajes como Fangoria (Alaska) y Nacho Canut, dos referentes de primera magnitud de los colectivos LGTBI, o bien una reinvención del pasaje bíblico de Adán y Eva, aquí reconocibles bajo los nombres de Evo y Dana. Nos alegra poder ser pioneros a la hora de albergar esta vanguardista exposición en la provincia de Málaga, y también en Andalucía, España y Europa, y que se fijen en nosotros para poder llevarla después a otros muchos lugares”.

Si desean más información acerca de la exposición, no duden en contactar con las gestoras culturales a través de instagram: @arteesmex

Fotos: J. Carlos Santana

16 de agosto de 2022
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FRÍA CAPITAL

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El frío en Santiago de Chile se ha dejado caer sin piedad. Temperaturas que van desde los dos grados bajo cero, desde muy temprano por la mañana, hasta los catorce grados de la tarde, pequeño consuelo para muchos. La escarcha matutina se aglutina al césped como si fuera harina espesa, brillante y terrorífica. Una imagen perentoria y que tiene la última palabra (tomo prestada literalmente esta reflexión de Barthes), capaz de horadar abrigos, huesos y secretos personales. Santiago en este tiempo, donde más encima no ha llovido casi nada, nada, cobija el hastío y languidece bajo un smog imponente y apocalíptico. La gente tose, tirita y camina robóticamente a la vez. Sus miradas se congelan frente al asfalto callejero, al semáforo, a las veredas o a un punto perdido en el horizonte (quién sabe si allí encuentran algún recuerdo perdido del verano pasado, con ropa ligera y terrazas desbordadas en jolgorio y cerveza). La mascarilla pandémica es acompañada por bufandas negras. En esta capital de Sudamérica -pareciera estar hundida en una cadencia indolente  que llega a desconcertar- se multiplican los transeúntes con indumentaria oscura y gris, aunque el sello de la diferencia se puede hallar, a veces, en parejas caribeñas o grupos de adolescentes vestidos con chaquetas y zapatillas muy coloridas, transgrediendo la norma del estilo sombrío. Gonzalo Rojas afirmaba que Santiago era “capital-de-no-sé qué”. Esta ciudad podría manifestarse como paisaje de pesadilla nocturna donde reina el Imbunche, aquel monstruo cuadrúpedo y pequeño de la mitología mapuche y de la isla de Chiloé, con intenciones de deformar avenidas y edificios. Imbunchismo en todo su esplendor jorobado, de cemento, con ese espíritu desolador tan bien definido por Joaquín Edwards Bello en una de sus crónicas, aparecidas en su libro Mitópolis.

Hace unos días vi por televisión un documental de Carlos Flores del Pino donde retrataba a un cincuentón José Donoso, escritor chileno y figura clave del boom latinoamericano. Era el Chile de mediados de los setenta y el autor hablaba sobre su infancia, la monstruosidad latente en su obra, la evocación de lugares y personas de gran significado en su vida como Teresa Vergara, la sirvienta que lo cuidó y crió desde niño y quien aparece en el film al igual que el padre del novelista, su sobrina Claudia, el crítico y académico Cedomil Goic o María Elena Gertner, Enrique Lihn y Guillermo Blanco, amigos de la Generación Literaria del Cincuenta. Este trío mantiene con Donoso una animada charla en un restaurante capitalino, alrededor de una mesa con suculenta comida, ponche de durazno, borgoña (vino tinto con frutillas), humo de tabaco -cuando se podía fumar sin problemas al interior de los recintos cerrados- y al medio un micrófono que cuelga boca abajo, donde los ilustres tertulianos intercambian animadamente ideas, anécdotas y nombran con afecto a Teófilo Cid, poeta surrealista del grupo La Mandrágora, parroquiano de míticos bares y artífice indiscutible de la convergencia entre desvarío etílico y academia. Donoso se consideraba un “paria” frente a la sociedad, pero supo encontrar en la escritura su refugio ante la incomprensión del resto, su lugar sin límites, parafraseando el título de una de sus grandes novelas, apetecida por Luis Buñuel para llevarla al cine (al final la dirigió Arturo Ripstein con ese gran elenco mexicano formado por los entrañables Roberto Cobo, Lucha Villa, Gonzalo Vega, Ana Martín y Fernando Soler).

Una de las escenas del documental es el paseo en automóvil realizado por Donoso y el director por algunas calles de Santiago. Se deja ver la céntrica Alameda y los acelerados pasos del gentío. Donoso mira a través de la ventana del vehículo y otea el Café Il Bosco (uno de los epicentros del esplendor de la bohemia santiaguina desde 1947, pero que en ese instante de la filmación ya estaba en su máxima agonía, para dejar paso al cierre definitivo de sus puertas, cosa que afectó en esos mismos años de dictadura pinochetista a varios sitios de iguales características). Ante la fachada de Il Bosco, Donoso comienza a recordar sus correrías por esas turbadas noches con olor a brindis, sus largas conversaciones con gente diversa (bamboleos entre la intelectualidad y el hampa), situaciones magistrales e inolvidables junto con la marca honorable e irrepetible dejada por él y sus compinches en la historia de la cultura chilena, en ese Santiago que se fue (como el título de una obra de Orestes Plath, que tiene mucha relación con esa escenografía urbana tan singular, ya desaparecida). Quien escribiera El obsceno pájaro de la noche continúa su observación, con meticulosidad e inquietud, por unas calles traspasando los cristales de sus anteojos y no tarda en sentenciar a Flores del Pino y su camarógrafo que aquella realidad vista forma parte de una esperanza que no pudo ser y de algo incompleto. Un juicio fuerte, grisáceo en su vocalización, parecido al impacto de una feroz granizada invernal, bestial, contra un endeble techo de zinc.

Hace unos días vi como demolía una grúa –un Imbunche metálico- las paredes del restaurante Venezia, cerrado definitivamente hace ya unos meses, y ubicado en el barrio Bellavista. Desaparecían sesenta y cinco años de existencia, visitado por poetas como Neruda –su casa La Chascona está a unas cuadras de allí- y la admirable Stella Díaz Varín (de la misma generación que Donoso). Con ella, monumental amiga y maestra, fui varias veces al Venezia junto con queridas amistades de la revista Derrame, vates, artistas, músicos. Compañías y pláticas inolvidables, donde se compartían el vino y los sándwiches de carne. En esas reuniones aprendí mucho de la vida. Ahora pienso en todo aquello, proveniente de un determinado mundo ya ausente, alborozo de antaño que ya no se encuentra en la actual dinámica del desvivirse a medias, los miedos (los virus hacen de las suyas) y el desmesurado utilitarismo de las personas. Todo se pierde en las ruinas, con sus descoloridas puertas y ventanas. En las esquinas de Santiago de Chile el frío no cesa y los automovilistas se vuelven cada vez menos amistosos, más zafios.

12 de agosto de 2022
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Trevi ofreció su primer concierto en España y triunfo

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.- Ver a una compatriota triunfar emociona y ver que da todo en el escenario es un orgullo para los que vivimos fuera de nuestra patria. Gloria Trevi, se presentó en el festival boutique más importante de Europa, Starlite Catalana Occidente y triunfo.
Gloria Trevi y Mónica Naranjo ofrecieron un único concierto en Europa, para Trevi fue la primera vez que pisó un escenario español.
Desde varias horas antes de la cita del concierto empezaron a llenarse los estacionamientos y el flujo de público no dejaba de llegar. El espacio de Starlite se vio repleto, de un público deseoso de ver a las dos cantantes. Algunos por saber cómo era la Trevi y otros con el entusiasmo de poder escucharla en vivo.
Empezó tarde, pero valdría la pena la espera. Salieron después de una introducción de imágenes donde nos presentan a las dos divas en una hoguera. Se sumaba una cadena de palabras que las definen como: insolentes, guerreras, atrevidas, provocadoras, exitosas e irreverentes entre otras.
Cantaron el tema Grande y con una fila de piropos entre ambas agradecieron al público su asistencia.
“Para mí estar aquí está noche en Starlite es el inicio de un sueño que acaricié durante muchísimos años, es mi primer encuentro en concierto de verdad aquí en España, prepárense porque vengo feroz” declaró Trevi muy emocionada.


Mónica Naranjo al igual que Trevi tuvieron varios cambios de vestuario de diferentes colores, siendo los de la Trevi los más atrevidos.
“Hoy vamos a hacer algo diferente y vamos a cantar de forma especial, porque estamos en Starlite. Vamos a hacer magia”. Cantó Empiezo a recordarte, a capella.
Entre los temas más esperados de la noche, no podían faltar del lado de Mónica Naranjo: Entender el amor, Desátame, y el espectacular Sobreviviré con el que eligió poner el broche de oro a una velada mítica. “Sé que aquí la vais a cantar conmigo como en ningún otro lugar”, decía Mónica Naranjo sobre el escenario.
Por parte de Gloria Trevi, vimos a la atrevida, sin pelos en la lengua y hablando a la raza que la ovacionaba y ella emocionada agradeció con algunas lagrimillas. Y claro que cantó canciones convertidas en himnos de la música, como Todos me miran o No querías lastimarme, e incluso una versión de Gloria de Umberto Tozzi -haciendo alusión a su nombre-, que hicieron las delicias de seguidores de todas las edades. Sin duda, otro de los momentos más arrebatadores del concierto llegó con Doctor Psiquiatra, que nos recordó a una Gloria de sus inicios, ágil, atrevida e impetuosa que el escenario no era suficiente para ella y se lanzó al público dándose un baño de masas.


Llegó hasta la zona Vips y enloqueció al público. Ahí está presente Gloria la Trevi, la mexicana que se entrega al público.
Al final terminaron con el tema Grande.

Fotos: J. Carlos Santana

9 de agosto de 2022
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Aproximaciones a la realidad

“Aproximaciones a la realidad” de Aidee de León, una versión pictórica de la realidad del ser.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

 

Aidee de León (Ciudad de México, 1979) expone “Aproximaciones a la realidad”, un proyecto en el que busca, en un torbellino de colores y trazos, encontrar la parte espiritual de lo que es el ser, los que somos, un viaje, y una cercanía de lo que ella es la realidad, sabiendo, sin embargo, que se trata de algo que es inasible para todos.

“Es una versión de la realidad, que es tan compleja que nos reta a hacer todo un proceso mental para poder acceder a ella; esa es mi propuesta: cómo se puede acceder a la existencia a través de la reflexión, las lecturas, la meditación y la filosofía, sobre todo la japonesa”, dice esta artista que presenta su obra en la Fundación Sebastian (Patriotismo 304, San Pedro de los Pinos. CDMX) y que debido al  éxito que ha tenido la muestra se extiende hasta el 14 de agosto, con visitas de Lunes a domingo y entrada libre.

“Aproximaciones a la realidad”, es una exposición compuesta por 25 obras en pequeño y gran formato, en las que ha utilizado sobre lienzos en óleo y acrílico, para mostrar conceptos que tienen que ver con la vacuidad y la interdependencia del ser con la vida añadiendo elementos como el fuego, la tierra el aire, el agua, en obras en las que no existe ni el arriba, ni el abajo, ni el cerca o el lejos, ni lo pequeño ni lo grande porque éstos son conceptos humanos.

Cuenta: “Lo explico como imaginar tu cuarto y todo lo que hay en él: una cama, una lámpara, ropa…pero cuándo sales del cuarto y no hay nadie que lo conceptualice ¿qué es lo que hay en el cuarto?, es una realidad a la que no podemos acceder porque si no ponemos a trabajar la mente. Lo que pretendo con estas piezas es una búsqueda del interior, como un cosmos en el que escudriñamos la esencia de lo que somos realmente.

“¿Qué es la felicidad? ¿Lo que nos satisface los sentidos?… pero allí no está la felicidad, está en nuestro interior, y como es también un concepto, entonces también está en nuestro exterior. La temática de esta exposición se fortalece también en conceptos de filosofía oriental sobre la insistencia del ser y la búsqueda del ser. Conceptos que tienen que ver con la vacuidad, interconectividad, colectividad, interdependencia.

 

Y reflexiona: “Se cree que el yo es el cuerpo, pero si ese concepto está en el cerebro, en qué parte del cerebro, incluso los pensamientos nos hacen creer lo que somos, pero ¿en dónde queda el yo?, ¿puede ser desmembrable? Allí está la forma y el fondo, representaciones que funcionan en el fondo de otras, como construcciones son espacios nada más de otros espacios y formas” dice Aidee de León quien para este proyecto cuenta con el apoyo del Sistema Nacional de Creadores.

En sus cuadros, como en la filosofía oriental, no hay dualidades ni polaridades, sino significados intermedios, algo más complejo de entender si buscamos conceptualizarlo.

En su obra el color es vitalidad y reverberación, contrastes complementarios para hacer los tonos más luminosos en donde nada está colocado al azar y la pasividad no tiene cabida; algo en lo que pudo trabajar más intensamente, después de sufrir el desprendimiento de la retina del ojo derecho, que obligó a su cerebro a afanar más eficazmente, y le facilitó la construcción de los colores, la luminosidad como nos dice en su texto de sala Sofía Neri Fajardo:

«Iluminar es llenar de color, de luz o conocimiento nuestro intelecto; es tomar un vehículo para acceder a los mundos paralelos de la realidad dada. Pero iluminar no resulta sencillo. Existe el riesgo de perderse, ya sea en la técnica al servicio de un virtuosismo vacío o extraviarse en la maraña de la especulación teórica ¿Cómo conciliar entonces ambas facetas? Aidee de León ha descubierto un camino para tal propósito: la pintura de iluminación”, una reflexión intelectual, entre la generalidad del “somos” y la singularidad del “ser”, “cualquier intento de explicarlo será un esbozo”, advierte.

En su pintura también su experiencia con la Escuela Nacional para Ciegos en donde ofreció algunos talleres y aprendió “esa realidad aparte donde creer que lo real es una ficción”. Algunas de estas obras están inspiradas en esa experiencia de aprender a ver con olores, con los pigmentos, la meditación, para crear modelos e imágenes nada más en la mente.

Los cuadros llevan títulos como aproximaciones a la realidad, la interdependencia del ser para orientar la mirada del espectador a entender “Aproximaciones a la realidad” es una infraestructura al infinito, y podrá visitarse en la Fundación Sebastian (Patriotismo 304, San Pedro de los Pinos) de lunes a viernes de 11 a 18 horas y sábado y domingos de 11 a 14 horas. Estará abierta hasta el 14 de agosto y la entrada es libre.

 

Aidee De León comenzó sus estudios de manera profesional en la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad en Artes y Diseño de la UNAM, dónde su interés por la pintura figurativa continuó hasta el posgrado que realizó en la Universidad de Barcelona. Allí cursó el Máster en Producción Artística e investigación, lugar dónde su pintura comenzó a profundizar en los objetos mismos a manera de deconstrucción. Las nuevas espacialidades que descubre en la pintura la llevan a estudiar abstracción en Buenos Aires con Ricardo Maldonado. Desde el año 2005 la autora incursiona en la abstracción con un lenguaje que se ha ido desarrollando hasta la actualidad con una poética propia. Investigó dentro del desarrollo de los conceptos de abstracción en su tesis de Maestría en Artes Visuales de su casa Máter y en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1998 ha participado en muestras colectivas en México y Europa, en Argentina y Asia, e individuales en México y España. Su trabajo ha sido seleccionado en certámenes y Bienales de pintura, ganó Mención honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven, de Aguascalientes. También obtuvo el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana, por parte de La Tertulia Ilustrada de Madrid. En dos ocasiones ha sido acreedora a la beca de Jóvenes Creadores del FONCA y actualmente a la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Ha realizado estancias en Kanazawa, Japón; Estancia de Producción en Pintura, Fundación Rodríguez Amat; Centro de Arte Contemporáneo, Barcelona. Ha sido seleccionada para formar parte del Archivo del Programa Bancomer-MACG Arte. Ha sido invitada a proyectos Comparte Arte 7 Colección: PSYKHÉ, arte pictórico abstracto, en Guadalajara, y en dos ocasiones al proyecto La poesía vista por el arte, y El arte del vino para MilenioTV.

https://www.youtube.com/watch?v=lMxQd0HBSA4

6 de agosto de 2022
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Se terminó la fiesta

El artista francés Daniel Hourdé en el museo de la cancillería. Texto de presentación de la exposición

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasNo Comments

 DANIEL HOURDÉ EN EL MUSEO DE LA CANCILLERÍA

Al anunciar esta exposición, Daniel Hourdé dijo: “- Hay una correlación evidente entre mi trabajo y la cultura mexicana. En general compartimos la misma obsesión por la muerte” y precisó que se refería tanto a las iglesias como al arte popular de las Catrinas y del papel  picado. Varios de sus rostros deformados por un rictus o una expresión de angustia se asemejan muy fácilmente a las calaveras, confesó también. Con esto parece que estamos en un terreno conocido. Sin embargo , este artista muy singular nos reserva muchas sorpresas, con una obra marcada por la ambigüedad voluntaria, numerosas paradojas , una  representación del deseo y del duelo impregnada profundamente  tanto por el cristianismo como por la lucidez profana , todo eso dominado por una impresión   de incertidumbre y de desequilibrio.

Su arte y sus técnicas son clásicos , de manera voluntaria y totalmente deliberada. Al mismo tiempo, gracias al dominio de la forma, se introducen figuras e intenciones como en el manierismo en el siglo XVI . En este momento  la deformación ,el juego y el doble sentido son en el fondo las afirmaciones de una nueva libertad del artista que quería expresar sus propias sensaciones y dejar de obedecer a las consignas eclesiásticas o de la monarquía, como  venía sucediendo en el Renacimiento.

Al entrar en la exposición , hay una barca en bronce . Constituida por elementos  animales y vegetales, nos llevará simbólicamente  por un recorrido iniciático que se puede asemejar a una performance o un ritual, con una clara narrativa de la muerte y sus avatares. 

Nos reciben unos gigantes ,personajes con músculos hiperbólicos que llaman la atención . En la época medieval representaban una figura paterna, famosa tanto por su apetito de comidas como de saber intelectual. Eran nobles , en lo que se llama el pantagruelismo. Pero era también malos como los ogros, terribles como el Golem quien , creado para proteger  su pueblo, se había vuelto loco, o los gigantes atacados por Don Quijote. A los personajes de Daniel Hourdé  les sobran músculos, están estirados de manera sobrenatural, pero les falta equilibrio. 

Si no se les ve la cara  es porque representan  la humanidad entera. Son  como nosotros , oscilan entre la vida y la muerte.  Los pequeños bronces, en cambio, presentan personajes de la saturnales antiguas o de los festejos carnavalescos; son por ejemplo un espantapájaros o un esgrimista cuyas expresiones nos hacen pensar en una parodia de los rituales religiosos de la cosecha o de los divertimentos de la nobleza. En estas fiestas estaban siempre presentes la muerte y la resurrección, las sucesiones y la renovación, especialmente en tiempos de crisis o de trastornos, como lo muestra M. Bajtin en “La cultura popular en la Edad Media y en el renacimiento.”

En la pasión de Cristo, se afirma la dimensión espiritual  a través de los   tormentos de Jesús , con  sus movimientos convulsivos y sus contorsiones exacerbadas. La tensión se manifiesta en sus miembros cuya carne casi desapareció para dejar sólo venas y músculos. 

El dibujo tiene mucho aplomo, seguridad, intensidad gráfica, nos conmueve por el dolor que expresa y también por unos gestos casi extáticos que nos recuerdan los cuadros de los mártires cristianos. Pensemos en San  Lorenzo en la parrilla o  en San Sebastián acribillado. Es notoria la presencia de velos y de tejidos oscuros que desvelan y revelan.  La figura de de la caída, tan importante en el cristianismo  y central en la obra de Hourdé, es también muy dinámica y acorde con los temas de la incertidumbre y de la muerte,  con la sensación de que Cristo y la humanidad a través de él  están “  en vilo”, como suspendidos en su destino. 

La representación se  integra a  unos motivos geométricos, círculos, cruces, volutas, vueltas concéntricas, sensuales que desconciertan y terminan por   rivalizar seriamente con el motivo  inicial , lo que puede asimilarse a una tentación abstracta que se manifiesta  por otra parte en dos de las pequeñas esculturas.

En la renunciación o renuncia vemos a un Cristo que parece ofrecer su corona a quien la quiera, como si estuviera cansado de la ingratitud humana. es una  de las figuras del abandono pero la renunciación cristiana consiste también en privarse de sus bienes terrenales  y de sus placeres para dedicarse a Dios, otra ambivalencia  con las que parece deleitarse nuestro anfitrión.

Y en la parte final la muerte tira el mantel sobre una mesa inexistente . Se tira la toalla. Como en el espejo con los dos esqueletos, hay un tono metafísico contrapuesto con un aspecto lúdico : Narciso que se ahoga en su reflejo y los esqueletos al servicio de la belleza. En la narrativa del mantel  hay a la vez la idea de tabula rasa, la de terminar con todo, y  al mismo tiempo la simple travesura de la muerte que se aburrió , muy al estilo de Luis Buñuel.

Hourdé trata también el concepto de Vanidad, que pertenece a otra escuela de pintura,un siglo después del manierismo, marcado claramente con la frase del Eclesiastes: “Todo es vanidad y un correr tras el viento”, que presenta como vanos todos los placeres humanos, ya que son frívolos y la muerte inexorable.Más vale pensar en Dios y prepararse. 

La vanidad se verá  más particularmente en el espejo Psyché  evocado arriba, pero está omnipresente. La proeza de Hourdé es que, en vez de representarla de manera clásica con un bodegón y una calavera, la integra a sus cuerpos manieristas y barrocos, saltándose de manera insolenta unos decenios de años pretéritos entre dos siglos, realizando una fusión de los dos a la manera moderna.

En un ensayo muy perspicaz sobre el artista , Dominique Baqué  nos desvela sus múltiples facetas y paradojas: “ Cristianismo y paganismo, tragedia y sentido agudo del humor, muerte y erotismo, inscripción en el clacicismo e irrupción de motivos prestados de la cultura pop:( …)Hourdé  es sin duda un artista atormentado, lo cierto es que es un artista total( …) que se sitúa en “ otra parte”, eminentemente singular”.

La corona es uno más de los elementos constitutivos de su imaginario .  Se inscribe en la misma problemática de la creación y la destrucción.Es el símbolo del poder terrenal, y es igualmente la corona de espina que los romanos pusieron a manera de burla en la cabeza de Jesús  cristo. Aquí resplandece pero también fue quemada, se va a romper, su resplandor flamigero es el de las llamas que empezaron a devorarla. Como un puente  entre escultura y poesía, entre Europa y América  latina, como un eco a esta corona de Hourdé, se pueden citar estos versos del peruano Cesar Vallejo en “Trilce” , en los que el resplandor se mezcla al dolor cristiano en la cruz: 

¡Luna! Corona de una testa inmensa

Que te vas deshojando en sombras gualdas! 

Roja corona de un Jesús que piensa

Trágicamente dulce de esmeralda.

En esta oposición entre el resplandor y la decadencia, la gloria y la consuncion, aparece una gran paradoja del arte religioso o moral : si todo es vanidad, la cualidad estética es también fútil y debe rechazarse, pero es útil para hacer pasar el mensaje, ya que el espectador debe ver la obra para meditar.

En esta exposición, en este viaje se confrontan y se rozan el castigo y la gloria, los caprichos y el sino, la tragedia y el juego como en las fiestas tradicionales en las que la vida y la muerte se dan la mano y bailan juntas.

Dominique Legrand.

2 de agosto de 2022
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Luz Casal promociona Málaga

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Málaga, España .- La canción  Un lugar perfecto, será la que de promoción a la ciudad de Málaga. Así se dio a conocer por parte del Alcalde de Málaga, Francisco de la Torre y la cantante española Luz Casal.

En presencia de los medios de comunicación Luz Casal ha destacado como nació este tema: “Un lugar perfecto es una declaración de amor. Málaga me ha dado familia, casa, amigos y cosas extraordinarias que la ciudad comparte con todo el mundo. La música es de mi gran amigo Etienne Daho y el guitarrista francés Jean-Louis Pierrot y la letra la compuse desde la terraza de mi casa en los días oscuros de la pandemia.”

La banda sonora  será utilizada como campaña turística, se ha realizado un vídeo donde se muestran los principales puntos de visita de Málaga, entre los que destaca La Catedral, la Alcazaba, sus calles principales, museos y playas, entre otros aspectos turísticos.  

Emocionada Casal invita con su canción a venir a Málaga y como se subraya en la letra “Yo sé de un lugar perfecto, donde el mar es un espejo. Si quieres venir, te espero contemplando su reflejo”.

Esta canción se utilizará en las campañas de promoción de destino que el Ayuntamiento de Málaga tiene previsto llevar a cabo en los dos próximos años, entre 2022 y 2024, empezando por la de este verano. 

Indicaron que los soportes de difusión serán tanto redes sociales, como televisiones y webs de radio. Todos los materiales incorporan también la nueva marca territorio de Málaga, ‘La Ciudad Redonda’, que fue presentada a finales de junio.

Cabe destacar,  que Luz Casal es una cantante española del pop-rock, una de las solistas más valoradas de la música popular española. La artista ha vendido más de quince millones de copias de sus discos por todo el mundo y ha recibido diversos premios, como un Grammy Latino Honorífico, el Premio Nacional de las Músicas Actuales y la Medalla de las Artes y las Letras de Francia.

Foto: J. Carlos Santana

2 de agosto de 2022
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Starlite se consolida como el festival con mayor ingresos

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Madrid, España.-  La Consultoría PriceWaterhouseCoopers (PwC) destaca que Starlite Catalana Occidente está considerado uno de los festivales de música el Festival como el evento cultural líder en España por impacto económico, superando al Mobile Congress, Fitur o Mutua Madrid Open. Siendo el más importante del territorio nacional por su gran repercusión económica y social para Marbella, la Costa del Sol, Andalucía y el conjunto de España.

El informe elaborado por PwC, ‘Impacto socioeconómico del Festival Starlite Catalana Occidente 2012-2022: Dinamizando el destino de Marbella e impulsando la economía de Andalucía y España’, presentado hoy en Madrid con la presencia de la ministra de Industria, Comercio y Turismo, Reyes Maroto: “El Festival tiene 11 años de historia, 1,7 millones de visitantes que vienen prácticamente de todo el mundo, 95 nacionalidades; un impacto acumulado en el PIB de 1.430 millones de euros y más de 31.000 empleos generados en esta década de historia, en la que el Festival se ha convertido en el más importante de Europa”.

El acto de presentación contó con la participación de Sandra García-Sanjuán, presidenta del Festival Starlite Catalana Occidente; Ignacio Maluquer, presidente del grupo Starlite; Anna Merino, autora del informe y directora de Economics en Strategy&, el área de consultoría estratégica de PwC; y Gonzalo Sánchez, presidente de PwC España, quien puso de relieve el impacto que tiene el Festival, empleado más de mil personas de manera directa, lo que le sitúa por encima de la media de la pyme española. Sandra García-Sanjuán ha destacado el valor que aporta el Festival a la dinamización del turismo tanto a nivel nacional como internacional.

Destacaron el impacto total en términos de empleo durante los 11 años de presencia del Festival en Marbella ha sido de 31.784 puestos de trabajo FTE (equivalente a tiempo completo), de los que 3.795 son atribuibles a la organización del propio Festival y los 27.989 restantes al gasto realizado por los asistentes a los eventos que organiza Starlite Catalana Occidente. 

Además, el Festival, que se celebra cada año en el entorno natural Cantera de Nagüeles (Marbella), se ha convertido en una pieza clave de atractivo turístico para Marbella. Desde su primera edición en 2012 e incluyendo la de este año, el Festival ha recibido más de 1,7 millones de visitas. De acuerdo con el informe, el 48,3% del público es internacional, procedente de más de 95 nacionalidades, destacando Reino Unido y Alemania, las dos nacionalidades más representativas del turismo internacional en Marbella durante la década.

 

Entre el turismo nacional que visita el Festival (51,7%), destaca Andalucía, seguida de la Comunidad de Madrid, País Vasco, Comunidad Valenciana y Cataluña. Además, el 22% del total de viajeros son turistas de lujo que escogen Starlite Catalana Occidente por su amplia oferta de servicios exclusivos.

Desde la primera edición del Festival en 2012, el evento ha ido creciendo año tras año en número de asistentes, esta 11a edición (de junio a septiembre de 2022) es la más ambiciosa de su historia. Tal y como destaca el informe, tras la recuperación de la normalidad post pandémica, se espera que el evento alcance este año un impacto económico en términos de PIB de 305,2 millones de euros. Este importe es equivalente al 1% del PIB anual de Málaga en 2019 (prepandemia).

Las previsiones para la edición de 2022 son de que se alcanzará un récord de asistencia, con 350.000 asistentes (+775% desde 2013) durante los 69 días de apertura y las 690 horas de música en vivo, convirtiéndose en un evento líder en conciertos ofrecidos (63 artistas en el auditorio) y en duración (de junio a septiembre). 

Los asistentes al Festival gastan anualmente en torno a 266 millones de euros repartidos, principalmente, en los sectores de restauración, hostelería, ocio y comercio. Los 70.000 asistentes internacionales gastan de media 604,75 euros al día, mientras que el gasto medio diario de los 280.000 asistentes nacionales es de 527 euros.

FOTOS: J. Carlos Santana

 

2 de agosto de 2022
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Como un roble se encuentra Miguel Ríos

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 Málaga, España.-  El verano del 2022 será recordado por la cantidad de conciertos que se ofrecieron y el número de asistentes que acudieron. Si bien la música siempre ha sido bien recibida y los grandes conciertos triunfan, este año la gente ocupa los auditorios, playas y recintos donde se ofrecen conciertos después de haber vivido la pandemia del Covid.

Y uno de los que ha visitado Málaga fue Miguel Ríos que junto con The Black  Betty Trío ofreció un concierto acústico de más de dos horas. en la Plaza de Toros de La Malagueta en el marco del 101 Music Festival Costa del Sol.

Un largo camino, su reciente material discográfico es la pauta para llevar a diferentes escenarios de España sus nuevos temas como:  El blues de la tercera edad,  Por San Juan, Granada, Que salgan los clowns, A contra Ley y La estirpe de Caín,  que reflexiona sobre la pandemia.

Ríos ofreció un concierto para todos los gustos, el público disfrutó del ritmo de blues que traen los nuevos temas y de aquellos que han dejado a Miguel Ríos en la historia de la música en español.

A sus 78 años, Miguel en el escenario está como un roble, su voz resuena con la calidad vocal para saber que se tiene Miguel por mucho tiempo.

Vestido de negro salió al escenario y ofreció  lo mejor de él, su cantó, su carisma y su talento. 

Ríos agradeció a los asistentes su presencia y en cada canción que interpretaba su sonrisa fluía al ver la entrega del público. 

Fue una noche donde público y artista comulgaron. Los temas fluyeron y se cantaron y bailaron los que el ritmo permitía. Las palmas se hicieron sonar en diferentes temas y la petición de: “otra, otra”, sonó varias veces.

Ríos no se hizo esperar, salió y cantó. 

Su gira continuará por Cádiz, Ávila, Ourense y Ciudad Real.

   Fotos: J. Carlos Santana

2 de agosto de 2022
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Por primera vez la obra de Ben Sledsens, se exhibe en España

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Málaga, España.-  El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC)  presenta al pintor belga, Ben Sledsens que por vez  primera se exhibe en un museo de España. La muestra está formada por dieciséis pinturas de diversos formatos realizadas desde 2018 hasta la actualidad, algunas de ellas inéditas.

El comisario es Fernando Francés, explica que está exposición del pintor belga,  recoge los últimos cinco años de su creación artística. Sus pinturas representan escenas ficticias inspiradas en su entorno cotidiano, un relato donde toma como referencia la historia del arte, la literatura o el imaginario propio del artista en el que invita al espectador a adentrarse en un paisaje bucólico.

“Sus pinturas muestran un universo único donde la fantasía choca con su vida cotidiana con preferencia por algunos elementos y temas de la historia del arte y la naturaleza como fuente de inspiración. Sus obras quedan abiertas a la interpretación del espectador ya que permiten que puedan reconocerse en los personajes o en los parajes que el artista crea. Su trabajo está influenciado por diferentes periodos de la historia del arte como el modernismo y el posimpresionismo aunque destacan referencias a otros artistas que le han influenciado mediante el empleo del color, las reinterpretaciones de sus paisajes o la disposición de sus personajes en la escena pictórica como Cézanne, Matisse, Monet, Rousseau, Bruegel el Viejo o Hockney”, detalla Francés.

Empezar a ver la exposición es una invitación abierta a perderse en cada cuadro, diversos formatos  nos rodean y puede observarse paisajes con una gran carga de detalles forestales frente a otros en los que habitan animales salvajes o pinturas donde se muestran escenarios donde perderse representados por diversos personajes.

Entre las obras se encuentra Los paisajes Chopped Tree (2018) o Yellow Forest (2021) destacan por su abundante vegetación y detalles forestales en tonalidades verdes y amarillas, del mismo modo,  Tree Trunk (2018), Pink Pond Green Trees (2021) o Blue River (2020) en ellos Sledsens incorpora un río o un lago a sus composiciones invitando al espectador a adentrarse en un paisaje bucólico.

El curador detalla que sus personajes no son reconocibles como en Girl in the Hammock (2019) en el que muestra a  una mujer rubia con un vestido tumbada en una hamaca en medio del bosque; Yellow Blossom (2022) una panorámica nocturna con una mujer con vestido celeste sentada en la vegetación; Sitting on a Cliff´s Edge (2021) un paraje montañoso en el que un hombre disfruta de la puesta de sol o Egg Thief (2020) en el que una mujer trepa por un árbol para robar unos huevos.

Una de las obras en las que el visitante se pierde es  Morning Encounter (2019-2020) es la que tiene mayor dimensión de la exposición, compuesta por tres paneles de 5 metros de ancho por 2 metro de alto, en la que se muestra un paraje rodeado de vegetación con un lago en el que se refleja el entorno protagonizado por un chico con vestimenta informal mirando hacia el lago donde hay una mujer desnuda bañándose. 

Una característica de su obra es que predominan los colores vivos y las texturas debido al empleo del óleo, acrílico y aerosol ya que le permiten establecer una conexión entre los fondo mate y los brillos que proporciona el óleo. 

“La elección de la gama de colores para cada una de sus obras surge de un proceso muy meditado donde los colores dialogan entre ellos encontrando una armonía en la que predominan los tonos rojizos, azules, verdes o amarillos según la intención del artista en reflejar el día, la noche o las estaciones del año”.

   Fotos: J. Carlos Santana

27 de julio de 2022
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