Skip to main content
Tag

Exposición

Subconscious Bloom de Hugo Maza, una exposición que explora la geometría, la sensualidad y la simetría de la flores.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró el pasado 24 de abril en la galería Picci Fine Arts. La muestra reúne 13 ediciones especiales —10 fotografías de la serie Subconscious Bloom y 3 pinturas digitales de la serie Rouge— en las que Maza ha explorado por años la geometría, la sensualidad y la simetría natural de las flores, pero también de las formas del cuerpo o del todo.

Hugo Maza es un director y productor audiovisual que ha encontrado en las flores un motivo y una metáfora central para la vida: las flores son una expresión intensa de energía. «Para él –explica el texto de sala preparado por Juan Pablo Aguilar– condensan significados culturales de gran importancia: cargan y transmiten alegría en su gesto más sencillo, acompañan el duelo, evocan la fugacidad, el renacimiento y también el misterio. Esa es la energía cultural que portan en su acontecer cotidiano: cuando regalamos flores, cuando la ciudad se transforma con la llegada de la primavera y nos envuelve un recordatorio del tiempo cíclico, o cuando nos vemos sumidos en el acto contemplativo (…) Pero existe otra energía, más sutil, que se activa al acercar el cuerpo a las composiciones y objetos que Maza ha producido. Proviene, por antonomasia, de zonas quizás más ocultas de nuestro ser. Esta serie forma parte de un ciclo de creación iniciado durante la pandemia de COVID-19 (…) Luego vino la investigación –un proceso también prolongado de nutrición conceptual a través de textos- y, finalmente, la refinación formal de su trabajo. Hoy, ese recorrido le permite compartir su interés estético y artístico, que brota desde la contemplación y el asombro. Subconscious Bloom sostiene que, a través de la simetría y de las formas florales cuidadas y construidas por el artista, no se representa naturalmente el florecer de una flor, sino el de los impulsos internos – afectivos y psíquicos- que nos habitan», explica en su texto el coordinador de Picci Fine Arts.

Titulando a sus exposición Subconscious Bloom, Hugo Maza, explora los juegos de la conciencia y sus formas, incluso ha buscado en ese concepto tomado por Platón de las “Verdades Eternas”. Platón no aborda las flores específicamente en sus obras, pero su filosofía sí ofrece una perspectiva sobre la naturaleza y la belleza que se puede aplicar a las flores. Para Platón, el conocimiento verdadero no reside en la apariencia sensorial de las cosas, sino en sus formas o ideas ideales. Así, una flor no es simplemente el objeto que vemos, sino una manifestación imperfecta de la Idea de la flor, una entidad eterna e inmutable que existe en un plano superior, y en ese conciencia es dónde crea su obras Hugo Maza. Impresas sobre meta, aluminio, la definición de sus imágenes precisa, sugerente y poética.

Esto también ha conducido a Hugo Maza a una exploración visual profundamente personal. Las imágenes —sugerentes, íntimas, vibrantes— proponen que la sensualidad florece de manera espontánea desde los rincones más profundos de la mente. A través de composiciones que oscilan entre la precisión geométrica (simetría en espejo) y lo onírico, donde crea un universo visual, para el artista, el subconsciente toma forma.

La muestra de alguna forma dividida en dos, el realismo y la abstracción, incluye también 3 obras en las que las formas emergen libremente sin orden aparente. «Como un contrapunto a la serie Subconscious Bloom, esta pequeña muestra presenta tres obras pertenecientes a Rouge, una serie reciente en la que Hugo Maza se aparta de las imágenes florales para adentrarse en un gesto distinto de construcción. Las obras aquí expuestas no parten de una imagen natural previa, sino que emergen de composiciones pictóricas digitales creadas por el artista, impresas con la misma técnica fotográfica y escala inmersiva (…) Si en Subconscious Bloom las formas florales nos devolvían a impulsos internos a través de su simetría orgánica, en Rouge ocurre algo análogo pero desde la abstracción. La imagen ya no nos remite a lo reconocible, sino que activa una lectura libre y subjetiva, donde las formas sugieren, aunque no dictan (…) nos enfrenta a zonas profundas de lo emocional y lo psíquico», escribe en texto de esta sala de la galería Juan Pablo Aguilar.

Subconscious Bloom marca un momento clave en su tránsito de Hugo Maza hacia el arte contemporáneo. Maza ha desarrollado una destacada carrera como director y productor audiovisual para cadenas como TNT y ABC. Ha trabajado por varios años en Santiago de Chile, y este mexicano actualmente radica en Valle de Bravo.

Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró este jueves 24 de abril y en Picci Fine Arts —Alpes 700ª, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México— y se podrá visitar hasta el 10 de mayo; ee recomienda agendar cita a través de mensaje directo al instagram de la galería @piccifinearts o al correo info@piccifinearts.com.

 

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador» dice Ramón Durán ante su exposición “Confluencias y transfiguraciones”

By Sobre 2 ruedasNo Comments
  • La exposición presenta el trabajo del editor y productor gráfico Ramón Durán Rivas, cuya complicidad por más de 40 años suma a las obras creadas con 34 artistas un resultado de unión y transformación en cada grabado, gráfica y monotipo. El título une la influencia del artista con el grabador, dos conocimientos en el proceso de creación, el resultado es lo veremos en esta muestra.

“Confluencias y transfiguraciones del Taller de Ramón Durán” es una exposición que reúne 65 obras trabajadas por Ramón Durán Rivas con diversos artistas, dando como resultado grabados de complicidad en unión y transformación con la labor de este editor y productor gráfico, que suma una experiencia de más de 40 años.

La muestra, que reunirá 34 artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, bajo la curaduría de Fernando Gálvez de Aguinaga, será inaugurada el sábado 12 de abril a las 13 horas en la Cabaña 1, del Complejo Cultural Los Pinos (Molino del Rey. Bosque de Chapultepec. 1 Sección. Miguel Hidalgo. CDMX), y podrá visitarse hasta el 18 de mayo de 2025.

Las prensas de Ramón Duran son testigos de la creación compartida con creadores como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Arturo Rivera, Flor Minor, Gabriel Macotela, Irma Palacios, Daniel Lezama, Patricia Sánchez Saiffe o Francisco y Alberto Castro Leñero, dejando ver en el resultado que el arte de imprimir es también es el arte de crear.

La exposición es una antología generada en su taller que reúne grabado, gráfica y monotipo de artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, en la que están obras de Alberto Castro Leñero, Arturo Rivera, Axel Rayón, Celeste Bejarano, César Oropeza, César Villegas, Cristina Estrada, David Crivelli, Daniel Lezama, Dorian Soto, Eduardo Ángeles, Elena Manero, Eric Pérez, Francisco Castro Leñero, Filogonio Naxín, Flor Minor, Gabriel Macotela, Gerardo Rivera Kura, Gustavo Monroy, Héctor de Anda, Iza Mendoza, Irma Palacios, Julián Madero, Marcos Castro, Margarita Chacón, Mr. Alc, Ms. Self Destruct, Olinka Domínguez, Octavio Moctezuma, Paulina Jaimes, Patricia Sánchez Saiffe, René Freire, Santiago Robles y Sergio Sánchez Santamaría.

El título de la muestra Confluencias y transfiguraciones busca unir la influencia del artista con el taller y hacer una transfiguración por medio de los dos conocimientos en el proceso de creación de dos oficios. Ahí está la relación entre artista y el taller: “El artista crea su idea, su poema, manifiesta lo que él quiere decir, y luego se puede olvidar de cuál es el proceso, porque eso lo llevo yo, ahí están las dos influencias y aparece la transfiguración: el resultado es lo que obtenemos. Quien tiene que desarrollar los detalles y técnica es el taller, el resultado es la transfiguración de las dos influencias” apunta Durán.

“La exposición es una selección realizada por el reconocido curador Fernando Gálvez, con la idea de presentar una sección del taller, luego habrá otras propuestas. En estas obras veremos una secuencia entre lo abstracto, lo surrealista o lo figurativo, por supuesto hay piezas que van muy relacionadas, pero con un paso diferente en la manifestación de las técnicas con la finalidad de mostrar los diferentes procesos: punta seca, litografía en piedra, aguafuerte, aguatinta o el azúcar, que es una técnica muy suelta que normalmente la usa Macotela, Francisco Castro Leñero, Irma Palacio, y Flor Minor; en cada obra el desarrollo de la técnica es muy importante” cuenta en entrevista Durán.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador. En el aguafuerte se barniza la placa, se calienta, se hace duro el barniz, el artista raya y descubre el cobre que es dónde va a atacar el ácido, dependiendo la intensidad del trazo son los efectos o las líneas; pero el artista no tiene que lavar la placa en ácido, solamente se enfoca en hacer el trazo, tallar el metal o la madera, él trae una idea y juntos vamos tomamos la decisión de qué técnica debemos desarrollar. Dependiendo la intensidad, menos tiempo más clara la línea, más tiempo más fuerte; el aguatinta que se maneja con resinas, nos da líneas; la resina llena una partes; la azúcar se descubre y en la placa se mete el ácido que definen las tonalidades. Ahí entra el taller, me encargo de ponerle barniz a la placa, meterla el tiempo justo al ácido, preparar los materiales, las herramientas, lo que se necesite para hacer el progreso de la transfiguración y sacar las impresiones, llevar el proceso y darle seguimiento hasta llegar al punto final”, abunda.

Con su taller independiente Ramón Durán ha logrado una carpeta con más de 60 artistas que han asistido a trabajar con él durante el tiempo necesario para lograr lo que ambos desean hacer.

Esta exposición es solo un fragmento del trabajo que se ha realizado en el taller de Ramón Durán, promete que luego vendrán otras exposiciones para mostrar otra parte de la función su taller donde los artista son libres de plasmar lo que quieren: “Normalmente no hago carpetas temáticas, no les propongo un tema, los invito a trabajar en el taller para hacer lo que ellos quieran”, dice.

La gráfica, para Durán, es un poema o también la manera de manifestarse, de mostrar inquietudes como protestas, cuestiones sociales, inquietudes en las que el artista encuentra la manera de decirlo. Y suscribe lo que decía el argentino Antonio Seguí: “el grabado es una forma de democratizar a la gente”, por medio de la gráfica se puede manifestar cualquier inquietud social y política como lo hemos visto también a través de la historia de la gráfica.

Una de las primeras litografías que realizó Ramón Durán como impresor fue de Francisco Toledo con la pieza llamada “La Cenicienta” que se logró a tres piedras; la segunda fue “La Hoja”, una de las obras más reconocidas de Toledo en la técnica de la gráfica. Fue el maestro impreso Andrew Vlady, a quién Durán le había pedido trabajo, con quién inició este oficio que le fascinó para siempre. Entonces tenía 16 o 17 años y comenzó a imprimir obras con otros maestros como Rufino Tamayo o Francisco Zúñiga.

Ser grabador es el oficio en dónde Durán se siente cómodo, en su trayectoria ha realizado apenas dos o tres piezas personales: “He intentado hacer obra, aprendo de los artistas que vienen al taller, su manera de componer, sus trazos, trato de asimilar y normalmente caigo en el sentido del artistas que está en turno, se me pega querer hacer lo mismo. En cambio me siento seguro cuando estoy imprimiendo, cuando desarrollo una colaboración con un artistas y puedo opinar, sugerir con toda la certeza”.

“Un grabado es la colaboración de dos oficios: la parte técnica de grabar en la placa y lo que realiza el artista con su tema. He adquirido la sensibilidad de poder entender qué es lo que quiere el artista o a dónde quiere ir, hacerle sugerencias. Algo que he desarrollado tanto que muchas veces hacemos monotipos, que es prácticamente es una pintura, el monotipo se trata de manifestar efectos con su debido control, he aprendido a controlarlos fielmente en lo que se realizan en la placa, esto me ha ayudado ha hacer no un monotipo sino serie de monotipos con importantes artistas”, concluye.

Αυτοψια: ver por una misma, una exposición de Gabriela Murray en la que mostrará sus grabados por primera vez.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La actriz Gabriela Murray dedicada también de modo análogo al arte de la cerámica y el grabado, presenta su primera exposición individual: Aυτοψια Ver por una misma, comprende una serie de grabados que son una invitación a poder ver el tejido interno como un reflejo de los que somos: venas, ríos que se bifurcan, conexiones, ramificaciones, fractalidades, pensamientos repetitivos, obras que son para ella una invitación a mirarnos adentro.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril a las 13 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX) de Gandhi; y la acompañarán el artista visual, docente e investigador en artes plásticas Arturo Rodríguez Döring y Francisco Paz, pintor con amplia experiencia en el grabado, ambos maestros de Gabriela Murray.

Aυτοψια es una palabra que proviene del griego, se compone de los vocablos autós (αὐτός) que significa «uno mismo» y opsis (ὄψις) que significa «observar», que para Murray encuentra su significado en lo que implica ser mujer y ver por una misma. “Las obras que veremos son de alguna manera ramificaciones del interior y son también patrones que se replican, como una fractalidad que se reproduce y queda grabada dentro de mi como quedan estos grabados”, dice en entrevista.

“La ramificación de árbol es una similitud de nuestra estructura pulmonar; los ríos que se bifurcan parecen unas venas; nuestros pensamiento que siguen patrones repetitivos, ¿Acaso las galaxias del universo no giran en espirales también? Es decir esta repetición casi matemática es lo que me interesa, por eso creo que el tejido que imprimo en esos grabados se vuelve a grabar en mi, y así sucesivamente, porque lo que yo miro afuera, lo tengo adentro, y en la medida en que lo puedo replicar, puedo mirarme”, precisa.

Actriz de profesión, pasión y legado. Hija del actor Guillermo Murray y hermana Rodrigo; para Gabriela el arte satisface también su necesidad de palabra que no se ha limitado solo a los escenarios. Casi paralelamente a estudiar Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, se adentra también en el mundo de la cerámica, estuvo en la escuela La Esmeralda del INBA, realizando estructuras con las manos, modelando el barro, esa relación sensual le hizo realizar piezas diminutas como una obsesión por los pequeños muros interiores que habitan en cada objeto, persona, universo, y cuyo límite llega a nuestra piel.

Los tiempos de espera en la actuación, le hicieron comenzar a realizar una serie de dibujos automáticos, casi involuntarios donde la línea iba  sola; dibujos que iba repitiendo una y otra vez en cualquier superficie que se lo permitía. Y tras una visita al Museo de La Estampa, se preguntó ¿Y qué es hacer un grabado? Y el tema se convirtió en su siguiente pasión y comenzó a aprender con diversos maestros e impresores, desde marcar la placa de metal hasta la pulsión de entintar.

Algunos de esos dibujos que se volvieron sorprendentes en el grabado son los que veremos en su exposición Aυτοψια Ver por una misma, que inaugurará el 6 abril, compuesta por 12 placas.

En el texto de sala Arturo Rodríguez Döring escribe: “Escribir acerca de la obra gráfica de Gabriela Murray es hablar de un acto de amor; de una artista que imprime toda su energía positiva en la práctica de la creación (…) esta sensible creadora ha incursionado desde hace muchos años en el ámbito de la cerámica, donde con infinita paciencia y destreza manual modela delicadas formas orgánicas que nos remiten al mundo vegetal en su aspecto más sensual: las formaciones florales, y que alude de manera inevitable a uno de sus distintivos más característicos, que es el color; también preponderante en muchos de sus grabados”.

Lo que miraremos en estos grabados, advierte Murray, es una visión cerrada, como la que se mira al bucear, solo un pedazo del espectro como una representación muy clara de que solo existe lo que miramos. “En los grabados me meto igual que en el teatro en la representación, es volver todo presente. En estas obras creo que lo que se verá, es como si alguien abriera mi piel, vería esas líneas que están en el grabado”.

Para Gabriela Murray exponer por primera vez significa liberar, pues para ella la cerámica y el grabado habían sido un trabajo muy personal, un refugio de la vorágine que tiene que ver con el afuera. “Pero nunca un hobby, es algo muy serio, es reinventarme. Y con ello me demuestra que la vida se ramifica y podemos tener varias  profesiones de manera muy seria y cambiante”.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril 13:00 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX), la entrada es libre y estará hasta 8 de junio de 2025.

Gabriela Murray es una actriz mexicana egresada de la licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ha tomado diversos cursos y talleres con los afamados profesores Hugo Argüelles, Luis de Tavira, José Luis Ibáñez, Mario Lage, Sergio Jiménez, René Pereyra, Pilar Medina y Elsa Cross en instituciones dedicadas a la formación actoral en México, además del acreditado Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, España. Desde muy joven ha trabajado tanto en radio como en televisión, teatro y cine. En televisión es recordada por las novelas Alondra, Gente bien, Ramona, Agua y aceite. En cine Profundo carmesí de Arturo Ripstein, Un embrujo, de Carlos Carrera, Todo el poder de Fernando Sariñana, Frida, producida por Salma Hayek y Ella es Ramona de Hugo Rodríguez. Como actriz de teatro ha trabajado en múltiples obras desde 1991 con giras por ciudades de la república e internacional, como con Los hijos de Kennedy, Pedro Páramo, Nortes de providencia Nortes de providencia y Las chicas del 3.5 floppies por la que fue nominada como mejor actriz en el Edinburgh FestivaL Fringe.

ENTRE CALLES Y SECRETOS, una exposición de Mayra León.

By Sobre 2 ruedasNo Comments
  • Compuesta por más de 20 piezas en las destaca el color en el óleo, pero también mostrará dibujos y gráfica, constantes en su trabajo.
  • La exposición se inaugura el viernes 14 de marzo, a las 19:00 horas, en el espacio Arte Acción ubicado en Calle Tajín 196, col Narvarte, CDMX.

“ENTRE CALLES Y SECRETOS” de Mayra León, es una exposición compuesta por pinturas al óleo realizadas desde 2023 a la fecha, así como dibujos y obra gráfica, en donde la artista explora los temas constantes en su trabajo: La Ciudad de México, cómo un entorno capaz de recrearse a sí mismo ; y las escenas intimistas, quizá domésticas, en dónde recrea las múltiples posibilidades de la representación pictórica de la realidad.

Imágenes figurativas resultado de una búsqueda expresiva de la artista, en las que hay calles y secretos de la Ciudad de las que  Mayra abreva, y lo que ocurre al interior de los recintos, de los espacios, las habitaciones, incluso de las cocinas, historias que se pueden leer en cada imagen.

Los óleos serán parte importante de la exposición, pero también tendrá dibujos y gráficas, técnicas que le interesan mucho y en las que ha desarrollado su obra. Paisajes y escenas de la mano de una artista de continuidades que trata con diversas técnicas las imágenes y los temas.

En la exposición hay mucho color y memoria, como es para ella la ciudad de México. La invitación es una sirena que en la imagen se encuentre en el antiguo lago que ocupó lo que hoy es parte de México, un lago sobre el que vivimos, habitamos y construimos edificios y carreteras.

“La sirena es una reflexión en la que de algún modo el fantasma del lago; es la Tlanchana, esa leyenda de una sirena que habitaba en el llano de Metepec-Lerma, en México. Se dice que era la dueña del agua, mitad mujer y mitad serpiente acuática y que para los españoles fue un enigma. Con esta obra busco hablar de la México y sus historias. Recordar que en ese lago desecado en el que vivimos también compartimos históricamente espacios con entidades que no vemos pero que conviven con nosotros”, explica Mayra León.

Obras de colores vivos como es para ella el paisaje mexicano. En algunas obras también aparecen sus tres gatos como modelos que le ayudan a inventar la belleza y la presencia que ofrecen estos felinos en las casas.

Más 20 piezas serán expuestas en la galería Espacio Arte Acción, y se mostrarán allí durante dos semanas a partir del 14 de marzo, un espacio gestionado por Gerardo Sánchez, con quien ya han participado un puñado de artistas en su recinto abierto al arte y a la acción.

Mayra León está en su propia representación en blanco y negro y en color; en obras figurativa que representación de su realidad, una carga expresiva en la que prioriza situaciones de las mujeres en su entorno no femenino o masculino, sino social, y en el que nos podemos reconocer todos.

La exposición individual “ENTRE CALLES Y SECRETOS” de Mayra León, celebrará su inauguración el próximo viernes 14 de marzo, a las 19:00 horas, en el espacio Arte Acción, ubicado en Calle Tajín 196, colonia Narvarte, en la Ciudad de México. La muestra permanecerá abierta hasta el 25 de marzo.

Mayra León ha explorado diversas técnicas en su trayectoria. Se ha interesado por la obra figurativa, con una  iconografía va de lo realista a la imagen expresiva. La artista cuenta con más de una decena de exposiciones individuales, y casi un centenar de colectivas. Es licenciada en Artes Visuales (ENAP, hoy FAD/ UNAM). Ha expuesto en foros como el Festival Internacional Cervantino; el Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México; en la Galería José María Velasco/INBAL, y en El Rule. Ha participado en colectivas en México, Belice, Cuba, Inglaterra, Argentina y Japón, y recientemente en “Imaginaciones Radicales”, Museo de Arte Moderno / INBAL. En 2021 obtuvo Mención Honorífica en la categoría Artistas con trayectoria, en la XXI Edición “Libros arte objeto”, en el Espacio Cultural Rancho Tecomate/Casa del Poeta, del Maestro Nahum B Zenil. En 2011 recibió el Primer Lugar en Humor Gráfico, en el certamen que convoca el Comité Latinoamericano por los derechos de la Mujer / CLADEM, Argentina. En 2008 obtuvo apoyo a Creadores con Trayectoria, Programa Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico (PEDCA) en los estados, y en 2000 el de Jóvenes Creadores. Desde 2013 fundó Amoxcalli Taller de libros de artista, donde investiga, experimenta y elabora libros alternativos, con este proyecto ha impartido talleres en Recintos como la Galería José María Velasco, y la Antigua Academia de San Carlos, entre otros.

Entre culturas, la exposición de una danesa que ama México: Charlotte Almsig

By Sobre 2 ruedasNo Comments

«Entre culturas» una exposición de Charlotte Almsigm, acuarelas inspiradas en sus estancias por Dinamarca, México, Estados Unidos, Japón, Argentina y Groenlandia, se inaugura el 19 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Pedregal.

Nacida en Copenhague, Dinamarca,  Charlotte Almsig ha encontrado en México una país de conexión. Su interés por el arte y el folklore mexicano se gestó en su juventud; durante su residencia en Guadalajara, donde descubrió una profunda fascinación por la cultura del país y su vibrante gama de colores, que simbolizan la alegría y vitalidad del entorno mexicano. El amor por México  aumento cuando comenzó a visitar la Ciudad de México en 2013 y a vivir por periodos más prolongados entre la Ciudad de México y la capital danesa.

Resultado de esas dos visiones y sus viajes por el mundo, así como por su conocimiento por la pintura y el arte, le ha llevaron a realizar una serie de acuarelas que presentará este próximo 19 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Pedregal – -Av. de Las Fuentes 557, Jardines del Pedregal- en su exposición que ha titulado: «Entre culturas».

La muestra estará compuesta por cerca de 70 acuarelas, distribuidas en las nueve secciones, cada una con una historia y una mirada de lo que ha sido su recorrido visual por los últimos 25 años de exploración, convivencia y transformación que ha experimentado como viajera, historiadora del arte y mujer, universos en los que Charlotte captura una armoniosa dualidad entre sus raíces nórdicas y su fascinación por México.

Cada sección es una mirada inspirada en la cultura, la naturaleza, las emociones, las influencias y los colores que ha experimentado esta estudiosa en Historia del Arte. El concepto de la exposición es presentar las huellas que han marcado la vida
de Charlotte, representadas a través de obras de arte con acuarela que muestran historias, momentos, paisajes, culturas y emociones de los países donde ha vivido, trabajado y sentido un impacto memorable: Dinamarca, México, Estados Unidos, Japón, Argentina y Groenlandia. Los múltiples viajes que ha realizado a destinos tan diversos como Groenlandia, Argentina y Japón, y por supuesto México, han dejado una huella imborrable en su obra.

Desde los blancos icebergs de Groenlandia , las playas azul fuerte de Dinamarca, el Lago de Avándaro en Valle de Bravo y el morado y rosa de México; las flores de Japón o las calles de Buenos Aires, Argentina, cada obra de Charlotte captura una historia
contada a través de las posibilidades del agua que da la acuarela.

Este diálogo Entre Culturas – sin fronteras.- se convierte en un tema recurrente en su obra. La naturaleza ocupa un lugar central en su trabajo. Su representación de la flora y fauna revela no solo una conexión íntima con el medio ambiente, sino también una profunda preocupación por los efectos del cambio climático.

Charlotte explora la acuarela a través de una amplia variedad de trazos, temas y estilos que van desde lo abstracto hasta el surrealismo con un toque de figurativo. Su enfoque multicultural y su habilidad para integrar elementos modernos y vibrantes otorgan a su obra una singularidad  personal y a la vez universal.

El conocimiento de Charlotte Almsig por la pintura y el arte iniciaron en 1970 cuando realizó Estudios de Historia del Arte, en Villanova University, en Philadelphia, EE.UU; después en 1975 estudio Educación de Artes Plásticas en Copenhague, y un par de años más tarde comenzó con sus estudios de acuarela. Entre 2004  y 2006 estuvo a cargo de la curaduría de la exposición The Red Snowmobile, con la participación de 13 artistas de Groenlandia, en Dinamarca y esa enorme isla que se encuentra entre los océanos Atlántico Norte y Ártico. En 2007 realizó la Maestría en Historia del Arte por la Universidad de Copenhague. Su vida a estado ligada a la promoción cultural, la creación y los museos, en 2009 fue Secretaria de la Dirección en el Design Museum Danmark, en Copenhague. En 2011 fungió como Consejera en el Museo de Arte Moderno, MAP, en Dinamarca para la exhibición:
La Batalla sobre el Muro, con el tema de murales mexicanos. Su conexión con México la llevo a trabajar por un tiempo en el área cultural de la Embajada de México en Dinamarca Y desde hace más de 15 años es Miembro de ICOM, Consejo Internacional de Museos. Actualmente toma clases en el Taller de Pintura en el Centro Cultural Pedregal.

“Daniel Hourdé: De Paris à México” en Picci Fine Arts, el artista francés expone por primera vez en una galería de México.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La galería Picci Fine Arts presenta “Daniel Hourdé: De Paris à México” una exposición que refleja los temas de la vanidad,  caducidad y a la vez de la esperanza humana. Del 30 de enero al 1 de marzo, la muestra reúne esculturas, carboncillos y mobiliario diseñado por el artista francés. Se trata de la primera exposición individual de Daniel Hourdé (Boulogne-Billancourt, 1947) en una galería de nuestro país.

La muestra se inaugura el jueves 30 de enero, 18:00 horas  en Picci Fine Arts —Alpes 700A, Lomas de Chapultepec, 11000, CDM— y es resultado de la relación de amistad y de trabajo, un logro luego de veinte años de colaboración, entre el artista francés y Pichi Aguilar, director de la galería.

Compuesta por  24 piezas el artista continúa en estas obras su exploración temática y su búsqueda en la corporalidad de las “sombras” tanto de la cultura occidental en su sentido histórico y artístico, como en el personal y auto-referencial del artista, buscando siempre introducir al espectador en una catarsis en torno a la vanidad humana.

En soportes de papel algodón o un espejo, los emblemáticos cuerpos dibujados a carboncillo de Hourdé se desdoblan a veces en un sentido literal, haciendo que el dibujo adquiera un valor material, tridimensional, que recuerda al Nuevo Realismo francés de los años 60, en donde en la apropiación directa de la realidad incorporan objetos cotidianos y explora en los límites entre el arte y la vida.

La temática del cuerpo que se retuerce, o es auxiliado por animados esqueletos, corresponde al interés del artista en una corporalidad presente en el arte cristiano flamenco del siglo XVI. La caducidad de la vida yuxtapuesta al esplendor de coronas de bronce componen uno de los principales ejes de su obra.

Sus motivos recurrentes son: los esqueletos, la Cruz y la Caída y la Redención, los depositarios de las danzas de la muerte de la Edad Media o el visionario retablo de Issenheim. Hace convivir a sus personajes, atrapados en una acción existencial, con objetos actuales y cotidianos o evocaciones quiméricas, para invitar a una reflexión sobre la vanidad.

En el trabajo de Hourdé, la expresión inconsciente no puede reducirse a una gama de temas autobiográficos, citas de obras de arte o episodios históricos, ni siquiera menos a reflexiones teológicas o filosóficas. Si todos estos aspectos están presentes, no determinan el curso narrativo ni ofrecen las claves para un código representativo. La expresión auténtica del inconsciente se encuentra en los contornos de la vida humana, en sus innumerables aspectos y manifestaciones. Este lenguaje expresivo está arraigado en una estética del doblaje, una indicación significativa del propio artista, y es el resultado de una afinidad elegida por los efectos de la división y la escisión, la duplicación del hombre y sus movimientos.

En su obra nos recuerda que los esplendores de la vida están acotados por el tiempo orgánico de los cuerpos, se vuelve más tangible en piezas como “Oh mon beau miroir, tu es ma croix” [Oh, mi hermoso espejo, eres mi cruz] (2013), involucrando directamente al espectador al reflejarlo en un espejo sostenido por dos esqueletos.

Esta exposición es el cúmulo de más de veinte años de relación de trabajo entre el artista francés con Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts. Relación que tuvo su primer esplendor público en la organización de la exposición Daniel Hourdé en México. París-Tenochtitlan que se celebró en 2022 en el Museo de la Cancillería en Ciudad de México.

En noviembre pasado una obra de Hourdé fue elegida para participar por primera vez a en la Bienal de La Habana, se trato de “El árbol de las mil voces” donde el artista con el soporte de Picci Fine Arts, llevó esta pieza cuya idea surgió en México, hace dos años, cuando recorrió el Bosque de Chapultepec y observó el movimiento de las hojas al caer, así  le vino la idea de crear un árbol monumental de acero, cuyas hojas fueran libros que se moverían igual que las que vio en su visita.

“Para nosotros es muy importante traer el talento de Daniel Hourdé a la Ciudad de México, luego de haberlo presentado en noviembre pasado en La Habana. Creemos que estas exposiciones no solo acercarán la obra de Hourdé al público latinoamericano, sino que también fortalecerán el diálogo cultural entre Europa y América Latina”, opina Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts.

Daniel Hourdé inició como galerista y pintor. Ahora se expresa principalmente a través de la escultura, el dibujo y las instalaciones. Estudio pintura y dibujo en École des Beaux-Arts de Grenoble y París, y se consagró a partir de los años ochenta esencialmente a la escultura, trabajó en la técnica y los materiales tradicionales como el bronce, las vanitas –género artístico que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos–, y en el realismo en el que encontró la mejor manera de dar cuerpo y alma a sus personajes. En su técnica de modelado hay un conocimiento quirúrgico de la anatomía humana. Su obra ha sido expuesta en diversas regiones del mundo; y en espacios públicos como en medio del río Sena, en el Pont des Arts. Vive y trabaja en París.

Picci Fine Arts cuenta con más de 60 años de historia y se ha consolidado como un actor clave en el panorama artístico de México y América Latina. Fundada por Poncho Aguilar en los años 60 bajo el nombre de Galería Ittati, su herencia incluye colaboraciones con figuras icónicas como Francisco Corzas, Ricardo Martínez o José Luis Cuevas. Hoy, bajo la dirección de Pichi Aguilar, la galería continúa esta tradición al combinar exposiciones innovadoras y proyectos de impacto cultural en un espacio que conecta creatividad, comunidad y excelencia artística.

Rinden homenaje a la obra pictórica de la artística española exiliada en México: Elena Verdes Montenegro.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Como parte del homenaje realizado por el Colegio de San Ildefonso a la obra artística creada por mujeres españolas que llegaron a México durante el exilio, se inauguró en este lugar una exposición de la obra pictórica de Elena Verdes Montenegro y Martín, nacida en Alicante en 1904 y fallecida en la Ciudad de México en 1995 y 30 expositoras más.

Integrante de la reconocida Generación del 27, la pintora hispana fue miembro activo del Circulo de Bellas Artes en su país natal y directora del área de Artes Plásticas en el Ateneo de Madrid.

En España, radicó y trabajó en Madrid y en Barcelona antes de venir a México en donde creó una familia y murió el uno de diciembre de 1995, sin que dejara en ningún momento de enriquecer su legado

La trayectoria profesional de Elena Verdes Montenegro y Martín abre un claro panorama del escenario artístico que se vivía en la España previa a la Guerra Civil, la cual obligó a la pintora a llegar a tierras mexicanas en 1939 para nunca regresar a la península ibérica.

La artista perteneció a un importante linaje de militares y de los llamados caballeros de leyes, que estuvieron muy unidos a la realeza española, muchos de ellos ejerciendo como consejeros de derecho de la Casa Real.

En el evento estuvieron presentes el embajador de España en México, Juan Duarte Cuadrado; el rector de la UNAM, Leonardo Lomelí Vanegas, así como el ingeniero Lázaro Cárdenas Solórzano y Lázaro Cárdenas Batel, entre otras personalidades.

Este homenaje finalmente reconoce la labor hecha por una pintora cuya obra es sumamente valorada por los conocedores del arte pictórico, así como el trabajo de una mujer que nunca dejó de pintar, incorporando en su obra la tradición artística de México, país que le abrió los brazos y le permitió seguir creando arte.

Los cuadros de Elena Verdes Montenegro que estarán exhibiéndose hasta el mes de abril en el Colegio de San Ildefonso, serán posteriormente donados a las autoridades del Museo Bellas Artes Gravina (MUBAG) en Alicante, su lugar de origen, en donde recuerdan con mucho cariño a la pintora hispana-mexicana.

Elena Verdes Montenegro, quien viajó a México con su hija Josefina López Verdes, también fallecida, murió a los 91 años en la capital mexicana y le sobreviven cinco nietos: Elena, Federico, Valentín, Ulises y Desirée Navarro.

Noviolencia exposición se suma a la 3ª Marcha Mundial por la Paz y la Noviolencia

By Sobre 2 ruedasNo Comments

 La exposición de pintura en Café Bulevar by Na, marca  un momento significativo en el ámbito cultural y social de la región. Está exposición  se enmarca dentro de la 3ª Marcha Mundial por la Paz y la Noviolencia, que se celebrará el  26 de noviembre en Málaga. No solo destaca por su contribución artística sino también por su compromiso con la promoción de la noviolencia a nivel global.

 Bulevar Espacio Cultural  Abierto, conocido  por su dedicación a ofrecer un espacio para que artistas, escritores y creadores presenten sus trabajos al público, se ha convertido en un punto de encuentro para aquellos que buscan inspiración y diálogo a través del arte. La exposición de pintura, que cuenta  con la participación de artistas locales y provinciales, ofrece una variedad de obras que reflejan la diversidad y la riqueza del pensamiento humano, todo bajo el prisma de la paz y la noviolencia.

Recordamos que la exposición lleva ya varias semanas y  en la inauguración Paulo Molleda, con la alegría y ánimo que le caracteriza contribuyó a la conexión entre todos los asistentes, mientras que la periodista María Esther Beltrán, coordinadora de exposiciones del lugar, hizo una breve intervención presentando las obras y a los artistas que estaban presentes, entre ellos: Antonio Quero, Mapuchika  y Luis Pernía que nos hablaron de sus obras, además que aportaron la belleza de la palabra como lo que hizo Antonio Quero que declamó un  poema.

También estuvieron presentes los impulsores de la 3ª Marcha Mundial,  Hugo Rodríguez Ghira y  María José Gallardo Chica quienes tienen la tarea incansable de invitar a la  3ª Marcha Mundial e invitar a la participación. Y han realizado con éxito  el «Festival de las Artes» .

La 3ª Marcha Mundial por la Paz y la Noviolencia, que comenzó en San José de Costa Rica el 2 de octubre de 2024, tiene como objetivo denunciar la peligrosa situación mundial actual y seguir creando conciencia sobre la importancia de la noviolencia como camino hacia la paz. La marcha recorrerá los cinco continentes, finalizando en San José de Costa Rica el 5 de enero de 2025, y espera contar con la participación de un número aún mayor de organizaciones y personas comprometidas con estos ideales.

La exposición en Torremolinos es la primera actividad que se tuvo en Málaga, es un reflejo de cómo el arte puede ser un poderoso vehículo para el cambio social y la concienciación. A través de la expresión artística, los creadores tienen la oportunidad de comunicar mensajes de paz y armonía, influenciando positivamente en la sociedad y fomentando un diálogo constructivo sobre temas de relevancia mundial.

El arte, en todas sus formas, tiene la capacidad de trascender barreras y unir a las personas en torno a causas comunes.  Bulevar Espacio Cultural  Abierto es un claro ejemplo de cómo la cultura y la creatividad pueden jugar un papel crucial en la construcción de un mundo más pacífico y justo para todos. Y se enorgullece de colaborar en un proyecto social  y humanitario.

La exposición colectiva cuenta con quince obras de cinco artistas españoles:  Antonio Quero, Luis Pernía Ibáñez, Manuela GS,  Paloma del Amo y Sedeño  y una latinoamericana,  Mapuchika.  

“La marcha tiene como objetivo denunciar la peligrosa situación mundial actual, marcada por conflictos crecientes y el riesgo de una guerra nuclear. Además, busca seguir creando conciencia sobre la importancia de la «noviolencia» como único camino hacia la paz y un futuro próspero para la humanidad. Málaga mostrará al mundo su capacidad de ser un faro de esperanza y cambio. Con la participación activa de sus ciudadanos y la colaboración de diversas organizaciones, Málaga no solo será una parada en el recorrido de la marcha, sino un ejemplo vibrante de lo que significa vivir los valores de la paz y la noviolencia por lo que se realizarán diversas actividades como es la exposición que se hace en conjunto con Bulevar Espacio Cultural Abierto”, explica Gallardo.

Paulo Molleda y Juan Royo directivos de Café Bulevar by Na se suman a las actividades de la marcha en Málaga incluyendo en la programación de Bulevar Espacio Cultural Abierto la posibilidad de presentar obras que lleven a la reflexión y den esperanza de tener una sociedad mejor. No olvides que el 26 de Noviembre tienes una cita muy importante.

La Casa Natal Picasso tiene dos nuevas exposiciones

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Después de los festejos del natalicio de Pablo Ruiz Picasso, la Casa Natal Picasso presenta dos nuevas exposiciones: J. Fín (1916-1969). Hacia la liberación poética, la primera muestra antológica en Andalucía de José Vilató Ruiz, hijo de Lola Ruiz Picasso, la hermana de Pablo Picasso, y conocido artísticamente como J. Fín. La exposición estará abierta al público hasta el 2 de marzo de 2025 en la Sala de Exposiciones Temporales (Plaza de la Merced, 13).  Y la colección Hidden Jungle del artista Chen Chunmu, becado por la Fundación Mecenas de la Casa Natal Picasso. La exposición reúne una serie de obras que reflejan criaturas y plantas misteriosas, imágenes enigmáticas que parecen derivadas de los sueños del artista con formas híbridas y sorprendentes.

Fín (1916-1969). Hacia la liberación poética, recorre la trayectoria del artista desde sus inicios en la Barcelona de la posguerra hasta su consagración en París. A través de cuatro etapas, se podrá

conocer tanto su faceta más experimental en la capital parisina como su retorno a la figuración, hasta llegar a su fase final de “liberación poética”; en los años 60, caracterizada por el uso de colores intensos y la representación de bodegones, pájaros y figuras femeninas.

Por primera vez, Andalucía acoge una muestra antológica de J. Fín. El Museo Casa Natal Picasso, que durante años ha puesto en valor a los artistas de la familia Ruiz Picasso y Vilató Ruiz, ofrece ahora una amplia retrospectiva del pintor.

El museo ha mostrado previamente obras de otros miembros de esta dinastía, como Lola Ruiz Picasso o José Ruiz Blasco. Además, ha dedicado exposiciones a Xavier Vilató, biznieto de Ruiz Blasco y un artista multifacético. Entre las muestras anteriores destacan ‘La línea ininterrumpida. Picasso, Fín, Vilató, Xavier’, en la que se exhibió la obra gráfica de Fín junto con la de otros miembros de la familia, y ‘Vilató. Cien obras para un centenario’, centrada en Javier Vilató, hermano de J. Fín. Sin embargo, nunca se había exhibido en Málaga la amplitud de la trayectoria pictórica del artista.

La exposición reúne un total de 62 obras procedentes de distintas colecciones. La muestra se divide en cuatro etapas que permiten descubrir la evolución de Fín como artista. La primera, que abarca hasta 1945, se centra el realismo y la figuración. La segunda parte, dedicada a su estancia en París (1946-1949), recoge su incursión en la abstracción geométrica durante su tiempo en La Ruche, un espacio creativo de gran libertad para los artistas de la posguerra. En la tercera etapa, Fín regresa esporádicamente a Barcelona, y su obra vuelve a la figuración con una temática centrada en naturalezas muertas y bodegones. Finalmente, la última etapa, dedicada a los años 60, refleja la madurez artística del artista y su “liberación poética”, plasmada en composiciones luminosas y cargadas de simbolismo. La exposición también incluye una obra de Pablo Picasso, Retrato de Fín (1917), que subraya el vínculo entre ambos artistas.

La colección Hidden Jungle del artista Chen Chunmu, becado por la Fundación Mecenas de la Casa Natal Picasso. La exposición reúne una serie de obras que reflejan criaturas y plantas misteriosas, imágenes enigmáticas que parecen derivadas de los sueños del artista con formas híbridas y sorprendentes.

Chen Chunmu, nacido en 1981 en Quanzhou (China), vive y trabaja actualmente en Beijing. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías del país asiático y está presente en importantes colecciones. Hidden Jungle se podrá contemplar tanto en la Casa Natal como en la Colección del Museo Ruso y en el Centre Pompidou Málaga.

Influenciado por el taoísmo, el confucianismo y el budismo, la obra del artista chino se caracteriza por su búsqueda de la esencia espiritual a través de representaciones de la naturaleza, donde el paisaje se convierte en un tema central.

Chen Chunmu utiliza formas orgánicas y curvas en sus obras, que evocan una conexión íntima entre el ser humano y la naturaleza. Sus cuadros, que presentan organismos en descomposición, invitan a reflexionar sobre lo frágil de la existencia y lo incierto del progreso.

Gracias a la Fundación Mecenas de la Casa Natal de Picasso, el pintor ha estado unas semanas en la ciudad de Málaga, donde ha reconocido y se ha reconocido en paisajes muy distintos y distantes de su China natal, pero donde también ha encontrado ese punto de conexión ancestral con la tierra.

El Museo Picasso de Málaga celebró su XXI Aniversario 

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga.-  Málaga es una ciudad referente para  conocer  al pintor malagueño Pablo Ruiz Picasso que este año hubiera cumplido 143 años. Y todos los 25 de octubre se le recuerda con actividades culturales, exposiciones y presentaciones especiales.

Además se suma que el Museo Picasso Málaga cumple su XXI Aniversario, el 27 de octubre de 2003 fue inaugurado con la presencia de los reyes Juan Carlos I y la reina Sofía. Y con motivo del aniversario se realizó un programa muy atractivo donde participaron familias, amigos , estudiosos del pintor y aficionados al arte. 

Entre las novedades fue la presentación del nuevo catálogo de la colección en sus más de quinientas páginas profusamente ilustradas con obras en exposición y fotografías de las salas – incluye textos de Giovanni Casini, Joshua I. Cohen, Ross Finocchio, Michael FitzGerald, Blair Hartzell, Rocío Robles Tardío y Mėta Valiušaitytė, todos ellos especialistas en la obra de Picasso. Cuenta con una edición en español y otra en inglés, trasladando al papel la estructura concebida para esta exposición.

Michael Fitz Gerald profesor de Historia del Arte de la Familia Kluger en el Trinity College de Hartford, Connecticut (EEUU) y comisario de la exposición de Pablo Picasso: estructuras de la invención, ofreció  una sesión magistral y presentó dos nuevos espacios en el museo. Picasso y el grabado, este espacio educativo estará dedicado al fascinante proceso artístico de la obra gráfica, explorando sus diversas técnicas y tipos, así como su conexión con la obra de Picasso. Tanto el programa educativo 2024-2025 como el espacio educativo cuentan con la colaboración de la Fundación “la Caixa”.

Y el espacio Pablo Picasso. Línea de vidaPor primera vez los visitantes del museo tienen la oportunidad de sumergirse en la vida y obra de Pablo Picasso a través de un recorrido biográfico, artístico e histórico que contextualiza las obras expuestas en la muestra. Dividida en tres secciones entre su vida, obras y relaciones puede conocerse aspectos de la vida de Picasso. Desde que se presentó los visitantes se detienen para describir aspectos del artista malagueño.

Se presentó el  concierto de la cantante española Sole Giménez que lleva por título ¡Celebración! La cantante y compositora, nacida en París en 1963. Es conocida por su voz cálida y su estilo que fusiona jazz, bossa nova y pop. Durante más de dos décadas, fue la voz principal del grupo Presuntos Implicados, con el cual alcanzó gran éxito en España y Latinoamérica. En 2006, inició su carrera como solista, explorando nuevos sonidos y colaborando con otros artistas. Ha lanzado varios álbumes en solitario, destacándose por reinterpretaciones de clásicos y composiciones propias. 

Es atractivo el programa que presentan en Málaga en torno a Picasso, un pintor que trascendió y se ha convertido en referencia internacional. 

Su vida es interesante y se descubre la idiosincrasia de una Europa donde los valores y la relación hombre- mujer ha cambiado.

Además que artísticamente se descubre su técnica y cada vez se ve el valor que tiene Picasso en la historia del arte. Los directivos de los museos de Málaga trabajan para que la figura de Picasso sea cada vez más entendida y para que otros descubran la calidad pictórica del artista, a través de los talleres que se tienen para las nuevas generaciones y algunas que se disfrutan en familia.

Además que sin dudar visitar Málaga es visitar el Museo Picasso de Málaga, que siempre cuenta con fila para entrar al recinto. Y se duplicó el domingo 27  con una una jornada de puertas abiertas, en la que tanto malagueños como visitantes  accedieron  gratuitamente a las exposiciones del museo durante todo el día. Entre las muestras destacadas, los visitantes que visitaron fue la exposición Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra, además de la muestra fotográfica Joel Meyerowitz. Europa 1966-1967. Esta última exposición ofrece una retrospectiva de la obra del aclamado fotógrafo estadounidense, quien capturó con su lente la vida y el espíritu de un continente en plena transformación.