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Fernando de Ita

El polen cultural.

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Hay migraciones que polinizan su cultura artística en el país al que han trasladado sus raíces. La migración que provocó la guerra civil española de los años 30 fue una dichosa invasión intelectual y artística que amplió el panorama cultural y académico de nuestro país. Pero esa fue una avalancha. La de la doctora Elvira Popova es una migración de abeja que primero se empapó en la cultura teatral mexicana y desde esa apropiación fue regando el polen de su cultura búlgara para llegar al estreno de El Apocalipsis llega las 6 de la tarde, una construcción dramática del escritor, poeta y periodista búlgaro Georgi Gospodinov, que tuvo lugar el pasado fin de semana en el teatro del Centro de las Artes de Monterrey Nuevo León.

El primer acierto de esa presentación es conocer a uno de los narradores búlgaros que ha reorientado, según Wikipedia, la literatura de su país hacia la valoración del pasado como una forma de tener control sobre el futuro. Entre los países balcánicos que estuvieron bajo el dominio soviético Bulgaria fue de los más aislados del mundo y solo los especialistas conocían su literatura. Gospodinov fue uno de los hombres de tinta que rompió aquella cortina de hielo y les dijo a sus vecinos que Bulgaria también es Europa. Al día sus libros han sido traducidos a 25 idiomas y sus novelas han merecidos premios nacionales e internacionales de relevancia.

Ahora sé que sus dos primeras novelas están traducidas al español, Una novela natural, de 1999, que lo colocó de inmediato en la atención de la crítica y los lectores de su país, y Física de la tristeza, del 2011, que tan solo en un día agotó su primera y edición y fue el libro búlgaro más vendido de la década; además de su última narración llamada Las tempestálidas, del 2023. Estamos, pues, ante un escritor europeo de primer nivel que resumió en una entrevista el sentido de su literatura: “hallar lo sublime en la mediocridad del día a día”.

La segunda cuestión es que la traducción y la producción de El apocalipsis llega a las 6 de la tarde es de la doctora Elvira Popova y la dirección de Mayra Vargas, una dupla femenina que ya ha demostrado el rigor de la experiencia y el empuje de la juventud; el don del conocimiento y la aventura de la experimentación. No me atrevo a decir la visión búlgara del mundo y la representación mexicana de ese imaginario porque sería reducir el montaje a dos modelos culturales que en su mestizaje crearán sin duda un espectáculo para la era global donde lo que pasa en Sofía, la capital de Bulgaria sucede a su manera en Monterrey la capital de Nuevo León.

Con un equipo de primer nivel académico y artístico en la producción destaca la vuelta a los escenarios del fotógrafo Enrique Gorostieta luego de 30 años de ausencia. Lamento no haber estado el fin de semana en tierras regias para ver el espectáculo pero aun así puedo decir que estos granos de oro entre tanta arena son los que mantienen la ilusión de que el teatro es importante para una sociedad que quiere pensar en su pasado para hablar de su porvenir. Por eso seguimos haciendo teatro pese a todos los obstáculos.

22 de enero de 2025
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De mugir a mujer.

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En los años 80 una fotógrafa (Lourdes Grobet), una cantante (Margie Bermejo), una investigadora de la danza (Patricia Cardona), una escritora (Ethel Krauze) y una actriz (Ariela Ashwell), montaron en Casa del Lago De mugir a mujer, un espectáculo multidisciplinario que en el nombre tenía su propia declaración de principios, para exponer desde la feminidad, aunque no desde el feminismo, su condición de mujeres dedicadas al artificio artístico en un ámbito dominado notoriamente por los masculinos.

 Naturalmente armaron aquel artefacto escénico con vivencias individuales que trasladaron al escenario como un soliloquio corporal que en conjunto formó una poderosa manifestación colectiva de una identidad que hoy sopla en las capitales del mundo con un empuje ciclónico. Hace medio siglo esa identidad estaba oculta entre las capas del patriarcado que constituían la estructura del poder establecido. De ahí que ahora me parezca admirable aquel coro de solistas que alzó literalmente la voz en un tiempo en el que solo hablaban los señores.

En esos ayeres era notorio que las feministas estaban casadas o vivían en pareja con machos de pelo en pecho que llegaban al maltrato físico que acompaña el tormento psicológico. Incluso los próceres que estaban iniciando la formación del Partido del Trabajo, antecedente del PRD, trataban a las mujeres como Adelitas y los líos de faldas con la mujer ajena provocó más peleas entre camaradas que las históricas escisiones de la izquierda mexicana.

Lo valioso de aquella experiencia fue que el discurso artístico era político de la mejor manera; evitándolo. Al concentrarse en buscar los resortes internos de su identidad personal descubrieron que el machismo no era el unico obstáculo de su redención femenina. El patriarcado era el muro, y uno tan denso y duro que no había que tirarse de cabeza sobre del sino darle la vuelta. Así, la acción artística no se contaminó ni con la ideología ni con la denuncia feminista porque cada una de esas mujeres se ocupó de mostrar, fundamentalmente, el efecto del quehacer artístico en su vida, y esa conmoción superaba con creces el conflicto con el sexo opuesto, sin evitarlo pero ya no desde la inferioridad del sujetado sino a la par del sujetador porque ahora confirmaban que al igual que sus machos ellas también utilizaban la realidad para sacarle un conejo de la chistera.

El espectáculo fue celebrado por esa minoría de minorías que asistía la minúsculo foro de La Casa del Lago, y quedó como otra de las manifestaciones “extrañas” de aquel refugio de la vanguardia escénica. Pero es el tiempo el que me permite observar ahí el inicio de una toma de conciencia entre las mujeres de los diversos gremios artísticos que sólo nominalmente forman la comunidad artística. Porque abusamos de los términos, como nos excedemos con la corrección política. Como el espacio se acaba los remito a la serie hispano-argentina, Las Bellas Artes, del 2024, en la que los hermanos Gastón y Andrés Duprat ironizan hasta la carcajada no sólo respecto a las formas del lenguaje inclusivo, la diversidad de géneros y la corrección política en el arte, sino dejan en claro la superficialidad y la inconsistencia de una tendencia que noble en sus fines utiliza medios deleznables por contradictorios e ineficaces.

Dirán ustedes; ¿Qué le pasa a de Ita que comienza el año 2025, hablando de una obra de hace 45 años? Bueno, si prefieren el triunfalismo centralista, consulten el diario La Jornada del 30 de diciembre del 2024 donde se afirma en el encabezado de la sección cultural que el teatro se consolido el año pasado como motor del cambio social. Como pruebas da una lista de obras públicas y privadas de la ciudad de México porque el teatro de los estados no existe. Frente a eso, mejor recordar un tiempo en el que el teatro fue escrito en el cuerpo de cinco mujeres tan libres, tan ellas mismas que aún las veo desnudarse en el escenario.

14 de enero de 2025
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Las Reinas del imaginario escénico.

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Si hacemos el recuento de este año, y si lo hacemos desde la estructura del sistema de producción del teatro en México, podemos decir que nada ha cambiado, o que sigue siendo la misma burra pero revolcada. El teatro público a nivel federal sólo subvenciona a la Compañía Nacional de Teatro y las pocas ventanillas que hay para pedir algún apoyo exigen una maestría en llenado de formularios entrega de documentos y una paciencia infinita para esperar el día del fallo en el que de 270 solicitudes…, escogen siete.

Como ya me aburre mencionar por milésima vez la falta de seguridad social y la autoexplotación laboral del gremio, mejor pregúntense ustedes que ha cambiado en estos doce meses en su condición de gente de teatro que aspira a vivir dignamente de su trabajo. No olvido que Nuevo León es acaso el único estado que tiene representación de los gremios artísticos en algunas decisiones de la secretaria de Cultura estatal, y aun así me parece que la batalla por conseguir una producción escénica sigue siendo cuesta arriba de manera que seguimos laborando con nuestras propias uñas y viviendo de prestado.

En el año 2006 el entonces Consejo Nacional para la Costura en las Tardes, como le decía Jesusa Rodríguez al CONACULTA, reportó que únicamente el once por ciento de las miles de personas dedicadas profesionalmente al teatro vivían holgadamente de hacer teatro. El resto sobrevivía de dar talleres, cursos, lecturas y demás actividades en torno al teatro (como la Academia), pero no de hacer teatro, que es para lo que están en esta tremenda comedia humana.

Lo que me llamó la atención de aquel dato del CNCA es que había dos tipos de actores, directores, vestuaristas, iluminadores, escenógrafos y productores ejecutivos, en aquel once por ciento que vivía bien de su trabajo. En primer término los actores, directores, etcétera dedicados al teatro privado o comercial, y aquella gente de teatro que por el teatro había llegado al cine, ocasionalmente a la televisión, pero que volvía al teatro como forma de vida. Hoy los autores de teatro se convierten en guionistas de series y los actores, directores y etcétera se van felices a grabar a casa del peje porque una serie les salva el año. Pero ya no hacen teatro, aunque en algunos casos, gracias a las series pueden volver al teatro.

Hay mucho que indagar sobre los cambios que los medios digitales están provocando en los formatos y los contenidos de las artes escénicas. Los años de la pandemia nos enseñaron que la esencia presencial del teatro se modifica en los medios audio visuales de tal modo que el teatro se vuele otra cosa. Por ello, al menos en lo que yo pude ver ese par de años, los mejores intentos de la gente de teatro por no perder visibilidad fueron aquellos que utilizaron el lenguaje tecnológico y digital de la cámara y el sonido ya no para hacer teatro sino para contar una historia.

La discusión es larga y puede ser bizantina, pero volviendo al resumen del año, algo que sí cambió en nuestro teatro es la presencia de la mujer en todos los terrenos de la creación dramática que el macho ocupó por tanto tiempo. No podemos negar que el  (Me too) «yo también” de las actrices de Hollywood desató en algunas escuelas de teatro de la ciudad de México y Xalapa, notoriamente, una reivindicación necesaria y por lo mismo arbitraria, como toda revuelta que pone en manos del agraviado la venganza.

Este año los coloquios, mesas redondas, encuentros, ediciones, programas y celebraciones públicas de todo tipo, antes atiborradas de todo tipo de hombres estuvieron repletas de todo tipo de mujeres. El FONCA se lo llevaron todo siete dramaturgas y este año las obras dirigidas por mujeres estuvieron al parejo de los directores. En la MNT las mujeres dominaron las áreas neurológicas del evento y ni hablar de las actrices de mi tierra y la tuya porque desde hace rato son las reinas del escenario, sin olvidar que ya hay vestuaristas e iluminadoras imprescindibles y más mujeres que hombres en tareas administrativas, ejecutivas, publicitarias y de otra índole en el teatro de hoy en México.

Así que a mi juicio nada cambió este año en el teatro nacional, salvo la presencia femenina, que no es poca cosa para comenzar a moldear la nueva masculinidad de los machines, si eso es posible.

Finalmente, cuando los deseos de que todos disfrutemos la vida no se dicen sólo con la boca sino con genuina emoción, vale la pena repetirlos: camaradas, dedíquense estos días al amor en todas sus formas, y citando a mi maestro Nicolás Núñez, porque todos nos vamos a morir. Feliz Navidad y mejor año nuevo.

18 de diciembre de 2024
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Cuando el presente es pasado…

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Y ocurre de nuevo que la secretaria de cultura federal está feliz porque halló el remedio para el desastre de la educación artística: Aliarse con la SEP…

Ocurre que los antiguos comediantes se formaban en las tablas, las plazas y los caminos que recorrían para decirle a sus congéneres algo que ignoraban de sí mismos porque la comedia clásica se encargaba de mostrarles sus defectos, sus vicios y su mano larga con las mujeres, mientras que la tragedia los deprimía contándoles la historia de un rey que mató a su padre y casó con su madre por culpa del destino que juega con la criatura humana.

En el esplendor de la comedia isabelina en Inglaterra y de la comedia española en España y en América, los comediantes actuaban para la nobleza pero eran proscritos sociales. Abajo del escenario las actrices solo podían ser unas furcias y los actores unos descastados. Fue hasta finales del siglo XVIII y en la lejana ciudad de Moscú donde el célebre director ruso Constantin Stanislavski sentenció que la preparación del actor requiere de un método científico que fue uno de los orígenes de la pedagogía del actor en el mundo occidental desde entonces al final del siglo XX.

La equivocada interpretación del Método comenzó por su traducción y se magnificó en el Actor’s Studio de Nueva York fundado por Lee Strasberg y Elia Kazán en 1949. Ambos directores sacaron sus conclusiones del Método, ya pervertido por la traductora, para meterle la intensidad de un mundo que apenas salía de la mayor matanza de la humanidad, como fue la segunda guerra mundial, Y el resultado fue Marlon Brando, Paul Newman, Anne Brancfort, Marlyn Monroe, Jane Fonda, Al Pacino, Dustin Hoffman, De Niro y el resto de las estrellas de Hollywood que le dieron al Método su globalización. Porque la mayoría de esas y esos comediantes llegaron a Hollywood por el teatro, pero fue la meca del cine la que les dio la fama.

En México tuvimos a uno de los pocos alumnos directos de la Escuela de Arte de Moscú que salió al extranjero, el intenso maestro Seki Sano que presumía de haber tenido al menos cinco mil alumnos en México y Colombia, adonde fue expulsado por haber dicho públicamente que doña Teresa Montoya, la máxima diva del medio siglo XX mexicano, era una cacatúa que gritaba como desenfrenada y el teatro que hacía, un melodrama inmundo. El caso es que todos los que eran algo en el “teatro de ideas”, como se decía entonces en el México de fines de los 50 y 60, fueron alumnos de Seki.

 

 

 

Ahora sé que el teatro de la UNAM de 1975 a 1990 fue un movimiento más coherente y productivo artística y pedagógicamente que Poesía en Voz Alta, que es su antecedente inmediato, primero porque Héctor Mendoza y Juan José Gurrola comenzaron ahí, mientras que Ludwik Margules y Alejandro Luna estuvieron ahí. Así que siendo tan diferentes, los cuatro pilares del teatro UNAM de finales del siglo XX compartían la convicción de que el director y no el dramaturgo era el creador escénico; salvo Alejandro Luna, que que le daba a cada parte de ese todo que es el teatro, su propios sitio. Aunque los cuatro sabían de cierto que sin el actor no hay teatro. Así cada uno, según su temperamento, sostuvieron con “sus” actores una dominación emocional que acaso ellos propiciaban pero sobre todo que los actores no sólo permitían sino que se ponían de pechito porque tenían en la sala de ensayos al padre, el terapeuta, el oficiante, acaso el amante secreto, Salvo Alejandro Luna a quien sólo le interesaba el último ejercicio.

Como se agota el espacio, debo agregar que comencé esta reflexión por la crisis pedagógica que azota a la educación pública en general y a la educación artística en particular. Ese estado de emergencia ha sido constante pero alcanzó la catástrofe en el gobierno del señor López Obrador, tanto en el Conservatorio Nacional de Música, que está en ruinas, como en la Escuela Nacional de Teatro, que está ciscada (Ciscado, verbo transitivo que implica equivocación, inhibición, evacuación del vientre). Y ocurre de nuevo que la secretaria de cultura federal está feliz porque halló el remedio para el desastre de la educación artística: Aliarse con la SEP que es la culpable de esa calamidad, como puede comprobar cada uno de ustedes recordando que aprendió de música en sus seis años de primaria y tres de secundaria.

Para que la regla sea real requiere la excepción. Tengo la esperanza de que alguno de ustedes haya comenzado ahí su carrera de concertistas de violonchelo, pero cada vez que escucho el himno nacional en un estadio con mexicanos, sé que la educación artística de la SEP no alcanza ni para entonar el himno patrio, como lo hacen los europeos, por ejemplo, o los africanos, que tienen el ritmo en la sangre. Ya hablaremos de eso. Por lo pronto, la amenaza de estos días festivos tiene otro nombre: se llama Guadalupe y de apellida Reyes.

 

12 de diciembre de 2024
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La crisis del saber.

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Me pasa por la mente que Sócrates fue el primer pedagogo en manifestar públicamente que saber algo de algo solo es parte de la ignorancia del resto, es decir del todo. Nadie de condición humana puede afirmar que tiene conocimiento de la totalidad de los seres y las cosas. De ahí el “solo sé que no sé nada”, como varios de los pasados y presentes secretarios de Educación Pública que arruinaron de fondo y forma la hazaña educativa de la generación que en 1924 halló el destino de la educación pública en este corazón de espinas llamado México.

“solo sé que no sé nada”,

“solo sé que no sé nada”, 

Mi culterana cita viene al caso porque la secretaria de cultura federal, Claudia Curiel de Icaza (ojo, apellido fifí como el mío que soy Álvarez Icaza), declaró en La Jornada que en este sexenio se atenderá integralmente la crisis de la educación artística que tiene en paro a diversas escuelas de arte por diversos motivos. Entre ellos la falta de atención al debacle que estaba a la vista en el Conservatorio Nacional y la Escuela Nacional de Teatro, ambas del INBAL, por parte de la administración del fantasma macuzpano cuya sombra abarca todo el gobierno de la señora Sheinbaum. Naturalmente su secretaria de cultura no pronunció una palabra al respecto pero sí comentó que la educación artística está como la finca del peje: muy lejos.

Pero tan próxima que anunció como eje de su medicina integral la cooperación con la Secretaría de Educación Pública para solucionar la crisis, que es como considerar que gracias a Delfina Gómez los problemas del estado de México se van a corregir. Me entusiasma la energía programática de Claudia Curiel de Icaza porque tiene clara esa parte de la totalidad que es la educación pública que ya no soporta remedios sino una operación de fondo. Lo que frena mi admiración es que considere que la SEP es el remedio del mal que le ha hecho a la educación artística desde hace un montón de fincas del ahora ciudadano López Obrador.

Como padre primero y como periodista después, atestigüé cómo una niña o niño de primaria se tarda todos el ciclo escolar de esos años, tratando, no aprendiendo, tratando de tocar do re mi fa sol con entonación. Mi hijo es hoy un músico en todo el sentido del término, pero de haber sido por la educación artística de las escuelas públicas y privadas, hoy sería juez de distrito gracias a las facilidades que está dando Morena para hacer de la justicia lo mismo que la educación artística: un desastre.

Ciudadana secretaria de cultura, la educación artística de la SEP es como Acapulco luego de los dos huracanes: zona devastada. No me crea a mí, vaya sin anunciar a una escuela primaria promedio de la SEP (porque las hay magnificas por excepción), y dígale al director que junte a los mejores alumnos para tocar “estrellita” de Manuel M. Ponce, un caballito de batalla de la educación musical. Y acaso considere enseguida que ese aliado no sacará al buey de la barranca porque lo tiene hundido hasta el cuello.

A mediados de los años 80 Manuel de la Cera convenció al preciso de hacer un programa cultural que llevara las bellas artes a las escuelas mas apartadas del país. Fue un desafío inmenso en el que pude participar gracias a Margie Bermejo, y el problema central de aquella iniciativa formidable fueron los maestros y directores de aquellos alejados centros de estudio, porque les daba hueva la cultura ¡A los maestros! De la Cera logró incluso una remuneración económica que permitió cierta atención de los docentes que atendieran el programa, y aun así acaso no la mayoría pero casi, lo hizo por el estímulo económico, no por convicción. En contra parte debo decir que en muchos rincones ignorados del país siempre hubo maestros que apoyaron de verdad los programas de teatro, danza, música, cine, poesía, y por eso valía la pena ir a casa…del peje para compartir el saber artístico de cada quién. Pero fueron las personas, Claudia, no el sistema educativo. Si tu fe para resolver la crisis de las escuelas de educación artística del INBAL está ahí, será un fracaso. Por dios, con un operador político como el actual secretario de la SEP seguro ganas una curul, pero jamás resolverás el problema de la educación artística en los centros especializados para la tarea.

No es el espacio para sugerir alternativas, pero sin duda hay educadores que como Sócrates hacen de la enseñanza una duda, una pregunta a resolver y no la certeza del ignorante que nos tiene en esta situación educativa. En verdad, secretaria, la educación artística de la SEP es el hoyo negro del sistema educativo y si contemplamos el lugar en donde nos coloca la evaluación internacional al respecto, dan ganas de llorar. Está bien la interacción institucional pero en los hechos considerar que trabajar con la SEP la solución del problema de la educación artística, insisto, es como nombrar de nuevo a Delfina Gómez secretaria de educación pública. Punto.

 

2 de diciembre de 2024
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La Pinal

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Entre el barullo de la farándula, magnificado por la avalancha mediática sobre la muerte de la actriz Silvia Pinal, hay que rescatar el fondo de esa vida dedicada a representar personajes que ya quedaron en la historia del teatro, el cine y los medios electrónicos de habla española, porque en la cúspide de su carrera la actriz mexicana estuvo entre las divas mas atractivas del mundo de habla castellana, pues además de ser una mujer muy bella su registro dramático era muy amplio y por ello lo mismo trabajó con Luis Buñuel que con Chano Urueta.

Silvia Pinal se entusiasmó por el ambiente artístico desde niña aunque fue hasta que fracasó como estudiante de bel canto que se metió a estudiar actuación en Bellas Artes nada menos que con Salvador Novo, Carlos Pellicer y Xavier Villaurrutia y debutó com actriz en 1947 en El sueño de una noche de verano, de Shakespeare. Yo tuve una larga conversación con ella en los años 80 a propósito de su personaje de Ana Karenina en el montaje del maestro Héctor Mendoza en el que Alejandro Luna metió una autentica máquina de tren al teatro Hidalgo, aunque a pesar de la espectacular escenografía la obra fracasó estrepitosamente. Y no por ella que era muy diciplinada y seguía las ordenes de su director al pie de la letra.

En aquella charla comentó que el teatro fue su escuela y la herramienta que le permitió hacer sus primeras películas con cierto conocimiento de causa, El resto, agrego yo, lo hizo su don natural para la actuación y una sensualidad interior que podía ser explícita, sugerida, subterránea, picara o contenida pero siempre notable y efectiva. También en los años 80 participé en una gira que se llamó 24 horas con Cantinflas en la que el cómico de la gabardina se hizo acompaña de Silvia Pinal, me parece que a Mérida, donde el grupo de periodistas que nos reíamos a fuerzas de los malos chistes de Cantinflas, nos enamoramos en un día del encanto y el carisma de esa mujer admirada por tantos hombres aunque su lista de maridos no es muy recomendable.

El último de ellos fue el priísta Tulio Hernández, gobernador de Tlaxcala, lo que le permitió a la actriz remodelar y reabrir el histórico Teatro Xicoténcatl en la capital del estado.

Ahí tuve mi ultimo encuentro con esa mujer inteligente y simpática que fue pionera en la comedia musical de nuestro entorno, aprovechando las clases de canto lírico que tuvo de muy joven. Como sabemos, el teatro musical exige interpretes completos que pongan en acción las diversas disciplinas artísticas que lo componen, y la Pinal dejó a cientos de miles de espectadores con la boca abierta.

Ahora están pasando por televisión tanto las tres películas que le dieron fama internacional; Viridiana, El Ángel exterminador y Simón del desierto, pero también algunas de las comedias en las que su gracia y su talento se despliegan en diversas direcciones dejándonos en claro porque fue una de las actrices más completas del siglo XX mexicano.

La Pinal murió prácticamente en el escenario porque la televisión fue su último reducto, ya no como la joven deslumbrante y mujer madura de gran porte y personalidad, pero siempre actuando. Con tantos años de existencia no pudo evitar el bochorno de una vida personal digamos agitada, aunque en la memoria de sus admiradores, entre los que me cuento, quedaran las imágenes de una de las actrices más bellas y profesionales de nuestro medio artístico. He dicho!

 

 

1 de diciembre de 2024
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El poder del escritorio

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Para crear, los dioses, y para inventar los hombres: Alejandro Luna

En cuanto se supo que el presupuesto del 2025 contenía un 30 por ciento menos de lo que recibió el sector cultural éste año, un músico, Horacio Franco, un autor dramático y empresario teatral, Enrique Olmos, un coreógrafo, Jaime Camarena, una pintora, Sandra Pani, y una documentalista, Luciana Kaplan, hicieron anteayer rueda de prensa en la ciudad de México para protestar por el recorte, al tiempo que docenas, acaso cientos de artistas firmaban una petición para Claudia Sheinbaum pidiendo que no se cumpla esa amenaza presupuestal.

 

Como soy un hombre contento con su vida no es la amargura la que me lleva a considerar que, con todo y el despliegue mediático que recibirá la protesta no pasará nada que no quiere que pase el gobierno morenista. Vean la entrevista que le hizo José Cárdenas al presidente del senado, Fernández Noroña a propósito de la ratificación de la presidenta del Consejo Nacional de Derechos Humanos, cuyo nombre no pronunció para no tener que enjuagarme la boca con legía. En suma, el periodista le expresa a Noroña las contradicciones, imposiciones, agandalles camarales y la vergüenza política que debería provocar esa ratificación, y el senador sólo responde que los contrarios de Morena pueden decir misa, pero el partido decidió que era lo mejor para ellos y basta.

 Así las cosas, mejor me ocupo de un tema central al respecto que también me sugirió el joven empresario Olmos cuando publicó en Instagram un cartel para las instituciones culturales que resumo de este modo: “pongan un letrero en sus puertas que diga: No hay dinero. Cierren la puerta y ahórrense los12 mil millones de pesos y centavos de este año”.

Ese mínimo mensaje contiene una verdad inmensa: De no existir la burocracia cultural, es decir, el poder del escritorio que es lo que significa la palabra burocracia semánticamente, habría por lo menos 6 mil millones de pesos para la formación artística que está en crisis y para la creación de obras en toda la gama de acciones culturales del siglo XXI. Si la burocracia cultural fuera como la de Dinamarca -eficaz y reducida en número-, el 80 por ciento del presupuesto cultural llegaría directamente a los inventores de ficciones ( cuando digo inventores en lugar de creadores, siempre recuerdo la sentencia de Alejandro Luna, porque él decía que para crear, los dioses, y para inventar los hombres).

Aprovecho el paréntesis para advertir que hay burócratas de la cultura que merecen la santidad por haber trabajado tanto tiempo a favor de las comunidades culturales en condiciones tan adversas. Un ejemplo reciente de este camino de espinas ocurrió hace unos días en la MNT de La Paz, cuando Alma Rosa Castillo anunció su jubilación del INBA y las diversas generaciones presentes se volcaron en un abrazo amoroso hacia su persona, y desde nuestro olvido las generaciones pasadas nos unimos a ese contento porque la Castillo tiene alma de rosa o una rosa en el alma. Si esto no convence hay que preguntarle a Juan Melia, Luis Mario Moncada, Mario Espinoza y Antonio Zúñiga, cuatro venturosos funcionarios, qué harían en sus puestos si el sistema burocrático mexicano fuera como el de Dinamarca.

El caso es que con o sin el 30 por ciento del presupuesto la invención artística, el derecho de sus inventores a la seguridad social y al trabajo remunerado, esperará otro sexenio para resolverse porque apenas lleva 78 años de postergación si tomamos la invención del INBA en 1946, como un punto de partida. Con la estructura actual del Sistema Cultural Mexicano no hay manera en que el presupuesto para cultura sea para los artistas, promotores, maestros, entrenadores y demás participantes en la invención artística, porque hay en medio una multitud de 40 o 50 mil personas que sí cobran en esa ventanilla, mal, pero cobran, Los artistas no. Se alquilan por temporada. Y como dice Olmos, sin ese 30 por ciento el alquiler será menor en tiempo y banco.

 Bien por las protestas porque fue así como Morena llegó al poder, y precisamente por ello, las protestas contra las arbitrariedades de todo tipo contra el partido gobernante no tendrán consecuencia porque cuando se controlan los tres poderes de gobierno comienza la dictadura de partido. Como dijo Noroña, el prototipo de la nueva casta gobernante: digan y protesten lo que quieran, el poder es nuestro.

 En ese contexto el futuro del teatro sería una trivialidad, pero lo impide su propia naturaleza en la que se depositó por tanto tiempo la conciencia de ser humano en la tierra. Hoy la manera de formular esa premisa tiene mil formas y muy diversas intenciones, propósitos o contenidos. Aunque acaso por nuestro descuido, el teatro ha perdido su connotación simbólica, que es la de encarnar la condición humana en todas sus facetas. De manera que seguir haciendo teatro será nuestra mejor defensa contra nuestro propio desamparo.

27 de noviembre de 2024
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LA CRITICA DE TEATRO…

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Alguna vez la crítica de las artes que se hacía en diarios y revistas formó opinión pública. Era el tiempo del homo legere en el que primero los suplementos y luego el diarismo cultural propició el auge de asociaciones de periodistas y críticos de teatro cuya misión principal era organizar su fiesta anual de premiación a la que concurría la crema y la nata de aquella comunidad teatral en donde el teatro privado, más comúnmente llamado comercial, era más atendido por la prensa que el teatro del INBAL y de la UNAM.

El Covi y la universalización del internet terminaron con los lectores en favor de los internautas que viven la realidad a través de sus pantallas. Ahora es posible leer critica de las artes en las plataformas digitales y eso modificó la relación del público con la crítica porque ahora el lector del texto crítico puede hacer la crítica de la crítica. En ese sentido la aparición de Teatro Mexicano en la nube virtual hacia el 2009 propició un intercambio de opiniones y puntos de vista que le dieron color y calor a discusión pública del teatro. La iniciativa fue de Luis Enrique Gutierrez Ortiz Monasterio, LEGOM, aunque la operadora del sitio era Alejandra Serrano que ahora reabre Teatro Mexicano para difundir la iniciativa de otra mujer con luces en la cabeza y excelente pulso narrativo: Luz Emilia Aguilar Zinser que a partir del 2017 inició el registro crítico de la Muestra Nacional de Teatro que en este momento se da en la ciudad de la Paz.

Durante varias generaciones se ha repetido que el grueso de la gente de teatro lee poco teatro y menos teoría y ensayo, y eso resulta cierto en el caso de los registros publicados por la Muestra Crítica a lo largo de varios años porque ni los críticos hemos revisado el material recopilado para darnos una idea de los cambios que ha tenido el teatro en la última década. Acaso por ello, este año el trabajo del equipo de Luz Emilia y Alejandra está más visible y su formato periodístico de lo hace más atractivo no solo para la gente que está en la Muestra sino para la gente de teatro en general.

 En otro tiempo la crítica fue simplemente la búsqueda de la verdad y la belleza. ¿Qué es hoy la crítica, quién la hace, quién la atiende, quién la propicia?

Algunos notables colegas siguen haciendo crítica periodística en diarios y revistas, pero ya son más leídos cuando su columna pasa a las redes que en su original de papel y tinta. Cada vez mas los grupos y solistas de las artes escénicas utilizan creativamente las plataformas digitales que son ya la cartelera principal de los grupos no institucionales. Sin duda la propaganda y publicidad del trabajo artístico se hará en las redes, aunque en su inmediatez no es un buen refugio para la crítica que se supone debe ser una opinión formal fundada y razonada en busca del análisis del objeto de estudio. Es decir, que tanto para escribirla como para leerla se requiere concentración y tiempo, y es lo que no tenemos en la cultura líquida.

 Como sea, lean teatro mexicano.

19 de noviembre de 2024
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Llegamos todas…

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“Llegamos todas”, el mantra con el que tomó la presidencia de la república la doctora Claudia Sheinbaum sólo puede ser una figura de lenguaje porque las 65 millones de mujeres que hay en México no caben en palacio nacional, aunque este pregón está lejos de ser solamente una frase publicitaria porque el efecto mujer en la silla presidencial se ha sentido en las 13 gobernadoras que habrá a finales del 2024 y en el crecimiento exponencial que ha tenido el número de alcaldesas, diputadas, senadoras y regidoras del país.

 

Pero hablando de la cocina, el sótano, la bodega, el mingitorio que ocupa el teatro en el interés gubernamental…, los hombres lloran, sobre todo los autores dramáticos que siguen consternados porque las siete becas disponibles para escribir teatro en el Sistema Nacional de Creadores de Arte se las dieron a siete mujeres y ningún varón, no de título sino de género. Aunque entre los pedinches del género masculino estuvieron autores laureados y multipremiados, y estaban dos señores y una mujer en el jurado, ganaron ellas, no solo porque cinco de las autoras son irreprochables y las otras dos joyas ocultas, supongo, al no conocer su obra, sino en virtud de que hay un cambio de paradigmas en las premiaciones del FONCA, como todos seguimos llamando al estímulo correspondiente.

 Una de las poquísimas ventajas de ser viejo, en mi caso, es que como hombre de tinta y hombre de teatro fui testigo del nacimiento y evolución del FONCA que se fue democratizando sin perder la intención central que impulsó a Octavio Paz y sus allegados a la creación de este: la meritocracia artística. Gracias al concepto hubo creadores individuales y colectivos de teatro que recibieron el apoyo de los fondos públicos innumerables veces porque las bases del FONCA nunca pusieron un limite al respecto. Y sobre todo en el caso de los colectivos, fue la mejor manera de apoyar la formación de agrupaciones estables para cumplir con la premisa mayor del teatro emergente; crear públicos. Eso hicieron los mejores núcleos de producción escénica solo para descubrir que sin el apoyo institucional esa labor estaba comprometida porque el público que crearon nunca fue el suficiente para pagar los gastos de producción de los grupos.

 Yo tuve mi última beca del FONCA en el 2019 cuando el presidente López Obrador ya estaba destruyendo fideicomisos como el FONCA, y un año después fui jurado y me extrañó que el discurso de igualdad de género que ya era una bandera de Morena no se aplicara a esa premiación. El caso es que hay un relevo generacional en la presidencia de la república, en cultura, en el Fonca, en los jurados y en los beneficiarios. Tan inevitable como el paso del tiempo. Ya mamamos mucho tiempo esa teta los antiguos y es hora de que nuevas generaciones reciban el estímulo del dinero público para vivir tres años como la oruga que se convierte en mariposa, es decir, en un individuo capaz de vivir de su escritura. Aunque al final del periodo descubra que las becas tienen un problema tremendo: se terminan.

 Dice la historia con mayúscula que lo único que no se debe hacer con el poder es compartirlo. De ahí que los hombres subyugaron sin miramientos a las mujeres la mayor parte del tiempo histórico, esto es, registrable. Mas toda opresión termina por generar la liberación de la víctima. Entre tanta faramalla por el empoderamiento de las mujeres en la vida pública, se pierde de vista el fondo de esa trasformación. ¿La mujer será más justa, más ecuánime, más generosa, más inteligente, mas productiva, mas honesta, menos vengativa, menos corrupta, menos arbitraria, menos criminal, menos arbitraria y mas democrática que los hombres, sólo por ser mujer?

 En todo caso, hoy y aquí la cancha es suya, suya es la pelota, suyo el juego, suyo el árbitro. El inconveniente que yo le veo a ese triunfo histórico es, mejor dicho, son, sus compañeros de partido.

12 de noviembre de 2024
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MUESTRARIO. Muestra Nacional de Teatro en la Paz, Baja California Sur.

By Rutas literarias, Sobre 2 ruedasNo Comments

Como toda proeza cultural la Muestra Nacional de Teatro tiene principio, desarrollo y cambio de objetivos porque ya va para su celebración número 44.

Los jóvenes que compartirán del 7 al 16 de noviembre en la ciudad de la Paz, Baja California Sur, la reunión anual de la República del Teatro, acaso se asombren al saber que la Muestra nació para que los parientes pobres de las provincias mostraran sus afanes artísticos en la gran capital del país, patrocinada por Cigarrera la Moderna que repartía paquetes de humo en la sala desierta donde se presentaban las obras de los grupos estatales. Soy testigo de que a la gente de teatro y al público de la ciudad de México le importó un rábano la temporada que se dio en algún destartalado teatro del INBAL, y por ello la Muestra se fue a provincia donde encontró su sentido y su porvenir.

 José Solé y Ramiro Osorio son dos hombres claves para agregar que gracias a las muestras de Morelia y Xalapa en los años 1983 y 1984 respectivamente, el teatro de los estados comenzó una trasformación que hace posible el teatro que se verá en los 17 escenarios habilitados en La Paz este año. Antes de Morelia y Xalapa el teatro fuera de la ciudad de México era costumbrista, ilustrativo, literario, salvo algunos intentos de modernidad que ocurrieron en Monterrey, Xalapa y Mérida. La primera Muestra de Monterrey fue en 1986 aunque a partir de 1988 la ciudad fue la sede permanente de la Muestra por 10 años, por los empeños de Luis Martín.

Actualmente ya nadie llega a la Muestra sólo con su ignorancia sobre el teatro del mundo porque la virtualidad nos permite estar al día al respecto, de manera que los cómicos de hoy no pueden atesorar la conmoción que les causó a sus padres dramáticos estar ante la aurora boreal del teatro que ellos querían hacer, pero no sabían cómo. Era el teatro de Margules, de Mendoza, de Gurrola, de julio y Germán Castillo, acaso el de Marta Luna porque eso sí, los machos dominaban la escena y los directores podían insultar a sus actores sin consecuencia alguna.

 Del 2000 a la fecha la Muestra ha cambiado formatos, convocatorias, propósitos, direcciones artísticas, pero la esencia de su misión sigue siendo la de Morelia-Xalapa-Monterrey: Construir una comunidad teatral, como dice el lema del Espacio Abierto  que desde hace algunos años es donde se reúnen, al filo de la media noche, los cómicos que quieren palabrear sus afanes sin moderador ni otra restricción que no sea la rechifla de sus iguales. Aunque el propósito final de esa tribuna libre sea agarrar jale, digo, qué caso tiene engañar a nadie.

 Yo no creo que todo tiempo pasado sea mejor, pero por definición es un tiempo fundacional porque sólo en el ayer está el hoy. La virtualidad está borrando el origen de las cosas para el impresionante volumen de gente que desconoce quiénes fueron los griegos y los toltecas. El mejor teatro de todos los tiempos occidentales no es el que ignora la tradición sino el que honra su memoria actualizándola. No saber en el teatro quienes fueron los griegos y los toltecas sólo puede producir un teatro líquido que acaso nos entretenga en la butaca, pero no en la vida.

 Para terminar con la Muestra debo decir que luego de dudar públicamente en este espacio de la capacidad de Claudia Icaza como secretaria federal de cultura, advierto que en su corto periodo en el cargo ha mostrado capacidad de diálogo y de atención a los problemas centrales de su obligación, que no es, para decirlo con ella, con la comunidad cultural porque la vieja comunidad hegemónica se ha convertido en comunidades. Plural. Es alentador que el funcionario que cumple la política cultural del gobierno esté al tanto de la complejidad del sistema. Por eso agrego que una de las virtudes políticas de la MNT es que desde que el escritor Saúl Juárez fue director del INBAL la organización de la Muestra ha estado en manos de la gente de teatro.

En este marco, el que Haydeé Boeto sea subdirectora general del INBAL y Luis Mario Moncada responsable de la Coordinación nacional de Teatro del mismo instituto, es un alivio en la medida que llegan a esos puestos gente capaz, preparada y comprometida con su función pública. Pero medio siglo de registrar en el papel y la memoria el origen, el desarrollo, el ascenso y la caída del aparato cultural mexicano, me llevan a la conclusión de que sólo un cambio radical podría darle su lugar a la creación artística porque los únicos que están fuera del sistema laboral y de seguridad social de las instituciones culturales del estado mexicano son los creadores, siendo ellos el motivo, la razón, el sentido de la cultura institucional. Por cierto, me parece estupendo el nombramiento de Nadia López García como coordinadora nacional de literatura porque es una de las poetas del porvenir.

 En fin, como dice mi maestro Nicolás Núñez, tal vez ustedes no estén al pendiente, pero en este instante el mundo está dando vueltas en el espacio a una velocidad vertiginosa, impresionante. Muévanse con ella.

 

7 de noviembre de 2024
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