El Museo del Prado cerro 2024 con la novedad en sus redes sociales de un vídeo que recoge la interpretación de Ana Belén “España camisa blanca”, un tema compuesto por Víctor Manuel en 1981 a partir del verso de Blas de Otero que da título a la canción.
La grabación, que Ana Belén ha hecho de manera desinteresada, tuvo lugar el 27 de noviembre en la Galería Central y fue interpretada ‘a capella’ por la artista -quién solo necesitó tres versiones para situar este himno en el espacio emblemático que la albergaba- ha sido realizada por el equipo audiovisual de la institución.
El Museo del Prado cerró 2024 como el mejor año de su historia, con cerca de tres millones y medio de visitantes, nuevo récord que supera el anterior que se logró en 2023.
Además que superó los 3,4 millones de visitantes. A esta cifra se añaden los más 530.000 que han disfrutado del Prado fuera de Madrid: 327.663 lo han hecho en Shanghái en la exposición “Ages of Splendor. A History of Spain in the Museo del Prado”; 100.622 en la iniciativa “El arte que conecta” de la mano de Telefónica en todo el territorio nacional y 102.551 en la exposición “XIX.
“El siglo del retrato” coorganizada con la La Caixa que ha recorrido diferentes localidades españolas. Lo que arroja un total de casi 4 millones de personas que han disfrutado este año de las colecciones del Museo del Prado. Por otro lado, el Museo Nacional del Prado continúa acercando sus colecciones a través de sus redes sociales a más de 4,5 millones de seguidores.
El vídeo más visto en 2024 ha sido el protagonizado por Ana Belén para dar la bienvenida al nuevo año con más de 2,8 millones de visualizaciones.
Además ha renovado sus salas. Las colecciones escultóricas del Museo del Prado cuentan con las más excepcionales representaciones de escultura renacentista en bronce y mármol que saliera de los talleres de Leone (1509-1590) y Pompeo Leoni (h. 1533-1608), afamados escultores milaneses que trabajaron para la Corte española. Se trata de uno de los grupos más icónicos del panorama artístico del aquel momento. La alta calidad técnica y formal de diversos retratos de la familia del emperador Carlos V se sitúa en uno de los estadios más elevados de excelencia artística de lo que se estaba llevando a cabo en la escultura europea del siglo XVI.
Voceros del museo informan que con una función conmemorativa, que buscaba perpetuar el linaje y la fama a través de la representación plástica, las esculturas suponen un verdadero alarde no sólo en su mismo concepto compositivo, derivado de los consagrados modelos grecolatinos, sino en un esmerado acabado, de extraordinaria minuciosidad, propia de un trabajo de orfebrería.
El origen de las tres representaciones en bronce de cuerpo entero con las imágenes de la emperatriz Isabel, su hijo el rey Felipe II y su tía María de Hungría está en la galería de retratos que María, hermana del emperador proyectaba para su castillo de Binche, en las inmediaciones de Bruselas y que tenía su inspiración en el ambicioso programa dinástico que rodeaba el sepulcro del emperador Maximiliano de Habsburgo en Innsbruck, que todavía hoy se conserva in situ. Pero a su lado, obras de extraordinario valor como el busto en bronce de Carlos V, utilizando en su base tipologías derivadas del mundo clásico o la escultura en mármol de cuerpo entero del mismo monarca, armado, con manto y con el símbolo del águila como si se tratara de un emperador romano, son la expresión más acabada de un exquisito encargo.
La nueva ubicación de estas obras en la Galería Central del Museo, en las proximidades de la obra de pintores tan sobresalientes como Tiziano -que sirvieron de igual modo y en las mismas coordenadas espacio-temporales a la difusión de la imagen de la familia real-, contribuye a establecer un juego enriquecedor entre la pintura y la escultura, colocadas en un mismo plano para evocar el contexto en que se alumbraron y valorar la íntima vinculación iconográfica, de indumentaria, y simbólica.
Por otro lado, su disposición expositiva a una altura más comprensible permite disfrutar los detalles de su factura y valorar la extraordinaria habilidad de unos artífices para los que el detalle formaba parte inherente de una obra cargada de diversos significados. Las esculturas se ubican ahora en su entorno natural, conformando un espacio de alta densidad simbólica. Con el objetivo de fomentar la integración de la escultura en el discurso expositivo, esta actuación se suma a las nuevas instalaciones museográficas en el Patio Norte del Edificio Villanueva, o Sala 58 B, con la presentación de un conjunto único en España de 18 medallones anónimos, de mármol, con perfiles de diversos personajes, datados en fechas anteriores al siglo XV, y en la Galería Jónica norte de la primera planta del edificio Villanueva, que propone al visitante un acercamiento más panorámica, completa y sugestiva a la creación en estas disciplinas artísticas desde al Antiguo Egipto al Barroco.
En la inauguración se contó con la participación de la cantante Naiala Narciso, ganadora del Festival de la Canción de Extremadura 2024 y reciente merecedora del prestigioso Micrófono de Oro. A sus 16 años se plantó en el centro del escenario y mostró su talento vocal por lo que confirma que es una de las jóvenes figuras de la canción española.
Además de tener un espacio para el karaoke y ofrecer una oferta de bebidas y aperitivos. Las tertulias que se han celebrado han reunido un buen porcentaje de visitantes que gustan del diálogo y debatir diversos temas.
El documental 
Destaca que sin duda es un símbolo que reúne durante todo el año a más de 20 millones de visitantes, siendo más patente en los primeros días de diciembre cuando el día 12 es su celebración.
Además de su trascendencia religiosa, punteó el inicio del sentimiento nacionalista de la Nueva España, hasta transformarse en el ícono que abanderó la independencia de México.
El documental de lo que habla en palabras de Muñoz es sobre el relato de las apariciones. La Virgen de Guadalupe aparece en el Tepeyac en 1531, esto es seis años después de la caída de Tenochtitlán. Pero la primera vez que aparece un documento en la Nueva España que habla sobre el relato de las apariciones, como lo conocemos hoy en día con Juan Diego, la Virgen y Zumárraga es en 1648. Entonces quiere decir que se apareció la Virgen de Guadalupe en la Nueva España y nadie lo registró. No lo registró el obispo con el que fue a hablar Juan Diego, no lo registró nadie, ningún fraile, ni cronista de la época. Y ese silencio es que a los historiadores les causa mucho ruido. Una de las reglas básicas de la historia científica para que algo se pueda considerar historia es que tiene que haber una evidencia de que algo ocurrió, ya sea una carta, una crónica y no hay absolutamente nada sobre lo sucedido. Aparece en 1648 y está escrito en náhuatl. Y eso es lo que trata el documental, que pasó en ese segmento. Ahora no estamos tratando de decir que la virgen no se apareció , ya que no es algo que nos compete a nosotros. La fe es algo personal y se debe respetar. Queremos tratar el ¿Qué pasó en ese plazo? ¿Por qué existe el silencio? ¿Por qué es hasta 1648 cuando la iglesia empieza a difundir el relato, ¿Por qué no fue antes?
Recordamos que la exposición lleva ya varias semanas y en la inauguración Paulo Molleda, con la alegría y ánimo que le caracteriza contribuyó a la conexión entre todos los asistentes, mientras que la periodista María Esther Beltrán, coordinadora de exposiciones del lugar, hizo una breve intervención presentando las obras y a los artistas que estaban presentes, entre ellos: Antonio Quero, Mapuchika y Luis Pernía que nos hablaron de sus obras, además que aportaron la belleza de la palabra como lo que hizo Antonio Quero que declamó un poema.
Fín (1916-1969). Hacia la liberación poética, 
La colección
Pese a los esfuerzos de la delegación española por presentar una urbe abierta, plural, inclusiva y segura para el colectivo la candidatura no ha recabado los votos suficientes para alzarse con la victoria. 
Alessandro Battaglia del Coordinamento Torino Pride dijo:
Miró indica que 
Voceros de Proyecto H señalan que “Miró pinta una imagen en el lienzo que luego recubre línea a línea con acrílico para dar volumen y textura a la obra haciendo un símil al textil. Los patrones e imágenes pertenecen a otra época. Estos elementos invitan a reflexionar sobre el tiempo que implica la creación de sus piezas. Su obra es una yuxtaposición de épocas donde rescata una tradición que ha acompañado a las culturas por siglos y también cuestiona el papel del artista y el artesano”.
Antonio Banderas conocido mundialmente, cumple sus sueños como director y muestra su capacidad para producir y dirigir musicales prestigiosos y de gran reconocimiento en los principales escenarios internacionales. Ha trabajado desde que se inauguró su teatro en captar elenco de gran calidad y en está puesta se ve reflejado el trabajo desde que inició el Soho.
En está puesta, el actor Aaron Cobos , quien interpreta a Tulsa, desde que sale al escenario muestra su energía y nunca pierde su sonrisa y el brillo de su mirada. Y qué impresión es verlo en su totalidad de potencia en el número musical