Skip to main content
Category

Sobre 2 ruedas

Nacimientos monumentales en España

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-  Las fiestas decembrinas son tradicionales en todo el mundo, y en cada país hay tradiciones que se realizan de generación en generación. En España una de ellas son los nacimientos que en algunas instituciones son monumentales.

Un ejemplo es el belén que año tras año se instala en el Patio de Banderas del Ayuntamiento de Málaga, este año se recobra la instalación de una cámara oscura que ocupa 140 metros cuadrados que dota de efectos de iluminación: luces de amanecer, nocturnos, lunas, cielos estrellados y música, además cuenta con más de 400 figuras.

Teresa Porras, concejala de Servicios Operativos y Fiestas explica que se han aumentado los trabajos de fontanería recreando fuentes, cascadas, molinos y acueductos que hacen recordar la importancia vital de cuidar el agua en este tiempo especialmente seco. Como símbolo de ello, el Niño Jesús nace este año cobijado bajo el arco de un puente del acueducto principal.

“En esta edición, se estrenan cuatro figuras de la colección Arte Cristiano que el Ayuntamiento va acrecentando: un grupo de tres pastores para la Anunciación, una elegante hebrea y un niño con cerditos, estos últimos se ubican en un mercado central lleno de encanto y perspectiva. En cuanto a la orografía del terreno, este Belén se desmonta y se construye anualmente desde cero, por lo que permite la posibilidad de diseñar siempre nuevas escenas y por ello donde en años anteriores había montañas en este podemos encontrar mares o desiertos con pirámides, siendo un motivo más de visita, pues todo aparece reinventado”.

Los visitantes verán la Anunciación a la Virgen María abre el Belén ante un desfiladero por el que se acercan los pastores caminando con sus rebaños desde pueblos lejanos en busca de manantiales y fuentes. Coronando este paso se encuentran los Reyes Magos que atraviesan en cabalgata puentes altos y estrechos para acercarse al palacio de Herodes, símbolo del poder del tiempo romano. Entre riquezas, circos con gladiadores, animales y fieras exóticas aparece la cruel escena de la matanza de los inocentes. Después, se puede ver la ciudad de Belén, donde se le niega posada a la Sagrada Familia. Aquí en una populosa plaza se encuentran escuelas, negocios, templos y se representan distintos oficios, en un gran mercado. Hasta que se llega a la escena de Egipto se recrea en un territorio siempre con vistas a un mar que asoma entre arcos y callejones. Este encaje marinero es un guiño a la Málaga marinera en la que aparecen personajes como el espetero, el biznaguero, el cenachero o toreros. También están la Farola, y las playas con sus moragas. Entre estos guiños locales este año aparece uno a la Expo 2027. Así hasta llegar a los montes donde se ubican otros pastores y su Anunciación con un nuevo detalle local dedicado a la Fiesta de Verdiales. Finalmente la escena del Belén Municipal termina con una temerosa huida a Egipto, en la que no faltan lobos, cocodrilos y serpientes, así como enigmáticos templos, pirámides y poblados de África.

La ciudad de Málaga cuenta este año con más de ochenta misterios para visitar. Pero si sale a cualquier ciudad se pueden ver belenes tradicionales, algunos con figuras milenarias, otros con escenas específicas de los Evangelios y otras buscan la modernidad con temas actuales.

Los belenes fue una de las tradiciones que se adoptaron en diversos países Latinoamericanos que continúan con la tradición que hace sin duda la alegría de quien los visita.

 

México descubre su primer Guerrero de la fertilidad en zona maya.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Una escultura dual descubierta en Oxkintok (Yucatán) es la primera en su tipo localizada en este sitio maya. La imagen representa a un hombre maya del culto fálico, la cual permitirá abrir una nueva investigación sobre la fertilidad en el concepto general de la vida.

En zona arqueológica de la región Puuc de Yucatán son recurrentes las representaciones de falos, las cuales en la época prehispánica estaban asociadas con la fertilidad no solo humana, sino también agrícola. No obstante, la escultura recientemente hallada por en la Zona Arqueológica de Oxkintok, es la primera de carácter dual recuperada en este sitio, según información del diario Yucateco PorEsto! aparecida el pasado 8 de diciembre y reproducida 20 de este mes en un boletín de la Secretaria de Cultura.

La información ofrecida por el arqueólogo del Centro de Yucatán del  INAH ( Instituto Nacional de Antropología e Historia) y director del proyecto Oxkintok, Luis Pantoja Díaz, contó que el monumento fue descubierto en el marco del Programa de Mejoramiento de Zonas Arqueológicas (Promeza), que la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del INAH, lleva a cabo en acompañamiento a las obras de construcción del Tren Maya. 

 El arqueólogo explicó que se trata de una efigie cuya dualidad radica en contar con dos representaciones: la de un hombre y la de un falo; “Por el lado frontal, se observa a un hombre desnudo, con rasgos anatómicos desproporcionados que alargan su torso y dan a su abdomen una apariencia flácida, y por la parte posterior, la representación de un falo, donde los glúteos del individuo pueden interpretarse como los testículos, y dos comisuras a la altura de los hombros asemejan un glande”.

La escultura de piedra caliza pesa aproximadamente 150 kilogramos y mide 1.35 metros de altura, por 53 cm de ancho y 25 cm de grosor; dadas sus características, se plantea incorporarla al acervo del Museo de la Ruta Puuc, el cual se construye en la Zona Arqueológica de Kabah, como parte del Promeza.

Sobre el simbolismo de la escultura, el arqueólogo sugirió que  la pieza no puede asociarse con deidad alguna, ya que no presenta atributos suprahumanos distinguibles. “La erosión del material solo nos permite interpretarla como una figura humana decapitada, de cuyos hombros parece colgar una serpiente”.

Dado que no se hallaron los elementos faltantes de la cabeza y los pies, señala, se sugiere que la escultura fue ‘matada ritualmente’ (rota intencionalmente), quizá para marcar el fin de su ciclo o asociarla a la renovación o abandono del espacio donde fue descubierta, el cual los arqueólogos han denominado Estructura DZ-7 del Conjunto Arquitectónico Dzib, en donde la figura estaba acostada bocarriba, asociado al talud de la escalinata de dicha pirámide.

 

 La temporalidad de la efigie se ha establecido mediante la asociación con la cerámica hallada en el contexto, hacia el periodo Clásico Tardío (750- 900 d.C.) .Durante la ejecución del Programa de Mejoramiento de Zonas Arqueológicas (Promeza) también se han descubierto entierros, cerámica y ofrenda. 

Yucatán es un Estado que aún conserva una gran variedad de joyas arqueológicas. Tal es el caso de Oxkintok, un espacio cuyas piezas primitivas se definen como las más originales y destacadas de la zona.

 

 El grupo de mas de 60 trabajadores manuales especializados e investigadores, entre arqueólogos y arquitectos, que colaboran en Oxkintok, como parte del Promeza, ha registrado otros hallazgos notables durante las tareas de exploración y mantenimiento mayor a estructuras de tres conjuntos del sitio maya: Ah Canul, May y Dzib.

Destacan tres entierros humanos: de un individuo masculino de edad desconocida; de un infante, aparentemente de sexo femenino; y de una mujer, quien se estima falleció entre los 20 y 25 años. Esta última, además, se halló asociada a una sencilla ofrenda, consistente en una vasija trípode fragmentada, de estilo Muná, fechada hacia el periodo Clásico Tardío.

 “La relevancia de estos entierros estriba en que son los primeros de gente común que encontramos en Oxkintok. Las exploraciones anteriores se habían centrado en los edificios principales de la elite; sin embargo, al explorar ahora las unidades habitacionales asociadas a esos recintos centrales, podemos ampliar nuestras nociones sobre las y los antiguos pobladores”.

 Otros descubrimientos en estructuras o plazas principales complementan los datos sobre los hábitos y el poder adquisitivo de los jerarcas del señorío maya. Por ejemplo, en un altar del conjunto Ah Canul se localizó una ofrenda compuesta por dos vasijas trípodes, dispuestas una sobre otra, en cuyo interior había un pendiente de cerámica con forma de media luna, un par de conchas marinas y un mosaico de 10 teselas de pirita, “este último es un material que solo pudo ser importado o dejado por grupos que migraron desde áreas con acceso a este mineral”.

 

Todos los elementos aguardan una limpieza y un procesamiento a profundidad que se hará en laboratorio. Es el caso de un par de ollas que se encontraron tapadas, en las cuales deberá realizarse una microexcavación y una cuidadosa consolidación. “Estos vestigios nos permiten recorrer dos etapas de Oxkintok: la del Clásico Temprano (300-550 d.C.), cuando tuvo su auge político y urbanístico; y el Clásico Tardío (750- 900 d.C.), cuando su influencia empezó a decaer y el centro de poder se trasladó a Uxmal”, añadeLuis Pantoja.

 

Este invierno Cirque du Soleil presenta Cystal en España

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.- Este invierno se presenta en la ciudad de Málaga el Cirque du Soleil con  una experiencia de hielo revolucionaria, el primer espectáculo sobre hielo: Crystal. La creación número 42 que explora el arte y desafíos que supone el hielo.

Para conocer más la producción y el trabajo que tiene el espectáculo, visitamos las instalaciones unas horas antes del estreno y penetramos en la esencial de Crystal.

Una enorme pista de hielo es el escenario  donde se realizan diversas hazañas acrobáticas que desafían la imaginación. Diversos patinadores practicaron sus números mostrando la velocidad y fluidez en cada una de sus ejecuciones desafiando las leyes de la gravedad.

Es un espectáculo que cuenta con once nacionalidades diferentes representadas en el reparto, entre los que se encuentra un mexicano, quién hace malabares. Asimismo se puede ver mano a trapezio,mástiles pendulares y patinaje extremo entre otras categorías de patinaje.

Cirque du Soleil es una empresa en movimiento que lleva todo desde lavandería, costureras, producción creativa y electrónica. 

El espectáculo dura más de dos horas y sin duda alguna cumple con el entretenimiento familiar, los gimnastas y patinadores hacen acrobacias en el hielo y el aire, fusionando varias disciplinas que son la delicia visual para todo el público.

No defrauda, cumple con toda la perfección tanto en la producción, iluminación, vestuario y maquillaje. Ver las ejecuciones de los patinadores sincronizados, las figuras libres y el patinaje extremo aparecen  junto a disciplinas circenses, como un trapecio oscilante, correas aéreas y mano a mano.

Por unas horas la historia lleva al público a suspenderse de  la realidad y deslizarse en un mundo que se  caracteriza por  el color. Con el uso de proyecciones visuales y la música es reconocible debido a que son temas de éxito, el viaje a la reflexión es muy espontáneo.

La historia central es sobre una joven creativa que se siente incomprendida y confundida ante su propia vida.  Toma la decisión de escapar de su realidad, y se aventura en un estanque congelado y a partir de ahí se encontrará con una experiencia que la hará reflexionar sobre su existencia.

Sin duda alguna es un espectáculo cien por ciento familiar y que deja muy satisfecho al público. 

Una cuestión que debe tomarse en cuenta por la seguridad del recinto es darse cuenta que hay prohibiciones obsoletas y absurdas. 

Al llegar al Palacio de Deportes José María Martín Carpena me revisaron mi bolsa y llevaba mi cámara que nada tiene que ver con un tamaño  profesional, es pequeña y de bolso, con la cual me desempeño para llevar información. Pues me prohibieron la entrada, una chica de seguridad. Por más que le explique que era periodista y que no sacaría la cámara ella cumplió muy bien con su trabajo. No me dejó entrar.  Por suerte encontré al personal de prensa y me dio acceso.

Al empezar la función recomendaron sacar fotografías sin flash por lo cual todos los que quisieron sacaron fotos con sus teléfonos móviles. Absurdo que me prohibieran la entrada por llevar una cámara y dentro con los móviles estaba permitido sacar fotos.

Pero volviendo a Crystal sin duda alguna es una buena oportunidad para distraerse y disfrutar del excelente trabajo que presenta el Cirque Du Soleil en cualquiera de sus espectáculos. 

Crystal, después de Málaga se presentará en diversas ciudades españolas entre las que se encuentra Pamplona a principio del 2023.

Lista la iluminación navideña de Málaga

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.- Son 16 ángeles celestiales  que brillan en la calle  Larios del Centro de la Ciudad de Málaga. Con un diseño exclusivo para Málaga  recibe a sus visitantes con gran alegría. Además que se puede  disfrutar de un  vídeo mapping en la torre mocha de la catedral y un novedoso espectáculo luminoso con drones completan la oferta navideña de luz y sonido. Sin dejar a un lado el consumo energético, este año  se reduce el alumbrado con dos horas menos.

Autoridades de  Málaga han declarado que desde el año 2010, el Ayuntamiento de Málaga viene realizando este alumbrado usando tecnología led por lo que el consumo eléctrico es pequeño. Se estima que la restricción del horario puede suponer 7.000 euros de ahorro en relación a los 21.072,3 euros en 2021. Esta reducción significará también el ahorro de 4 toneladas de CO2 que ya no se emitirán a la atmósfera, mientras que un solo trayecto de avión de Madrid a Barcelona emite seis veces más toneladas de CO2.. Por otra parte, este año, calle Larios estrena una nueva decoración luminosa diseñada en exclusiva para Málaga por la empresa concesionaria de este suministro.

Son tres lugares primordiales que se pueden visitar en Málaga, para disfrutar del alumbrado navideño.

Primero tenemos un total de 16 ‘Ángeles Celestiales’ toman el relevo al ‘Bosque de la Navidad’ “vistiendo Málaga de elegancia, luz y Navidad”, como señala la concejala de Sericios Operativos y Fiestas, Teresa Porras. Estos impresionantes ángeles de 4 metros de altura darán la bienvenida a locales y visitantes. Sus colas de 12 metros de largo están diseñadas con efectos efervescentes, comenzando en blanco cálido y terminando en un full flash blanco puro, como estelas que se deshacen al pasar. Adornados con glitter (brillos) de hojas dicroicas para poder lucir también de día. Esta instalación se completa con columnas que decoran los postes. Tonos cálidos y fríos visten la estructura dorada, ricamente decorada con lentejuelas oro y cristales. Explica  Porras que la  música que sonará en los pases de juego de luces será navideña: ‘Carol of the Bells’ (Libera chidren choir) y  ‘Jingle bells’ (Herd de lord). Habrá tres pases cada día.

La segunda atracción está en  el Palmeral de las Sorpresa, plaza de la Marina, Muelle Uno y Gibralfaro van a ser algunos de los puntos de la ciudad en los que el espectáculo luminoso de drones podrá verse. Se representarán imágenes navideñas para lo que se emplearán 120 drones al unísono que estarán situados en la zona de la Terminal de Cruceros.

Y la tercera es la fachada de la torre mocha de la Catedral en su lateral sur  sobre ella se va a proyectar un vídeo mapping o proyección arquitectónica utilizando la última tecnología en proyección láser se han creado a la carta infografías en 2 y 3 dimensiones  para completar un espectáculo de gran formato. La temática de las proyecciones  es navideña en su más amplio significado de la palabra, con guiños a los olores y sabores malagueños. La banda sonora recorrerá sensaciones de cascabeles, trenes, renos, panderetas, campanas, etc.

Se suman diversas calles del centro  donde habrá una decoración especial basada en lámparas de salón de araña.

Al pasar por la ‘Cueva mágica’ el paseante tendrá la sensación de discurrir por el interior de una caverna. Mirando hacia arriba se descubrirán las estalactitas como elementos lumínicos colgantes.    Para estas instalaciones se usarán 300 metros lineales de guirnaldas de microled. La zona del ‘Cielo de mimbre’ ofrecerá la sensación de discurrir por un camino con un manto natural de este material vegetal. Se completa con bombillas artesanas y rústicas tipo Edison que ofrecen una luz cálida con un toque rústico y tradicional. Para ello se requieren 300 metros lineales de guirnaldas de bombilla con fundas en mimbre natural hecho a mano. El concepto del ‘Salón de araña’ transporta a una cámara barroca. Sobre las cabezas se podrá percibir la calidez de las bombillas de vela y la frialdad del cristal helado brillante. 

Fotos: J. Carlos Santana

Winy Amaya convoca a su Posada Flamenca

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El domingo 11 de diciembre a las 19 horas Winy Amaya celebra su Posada Flamenca en  Francisco Sosa 165 en Coyoacán, en donde se pondrá el tablao para esta juerga.

Promete que será un espectáculo de pasión, arte, cante jondo, bailaoras, toque de guitarra, fusión entre Andalucía y la sangre gitana: “La posada flamenca es un espectáculo que realizamos como despedida del año y aprovechamos para celebrar las fiestas navideñas, tenemos artistas invitados de España en este caso Karime y Tati, dos Amaya que llevan la pasión en la sangre de la legendaria Carmen Amaya. Festejamos el poder misterioso del duende del flamenco que todos sienten y que ningún filósofo ha podido explicar”, dice la cantaora y bailaora Mercede Amaya, la Winy, quien está a la cabeza ahora de la Academia de Las Amaya, y es sobrina de Carmen Amaya quien fue considerada la máxima bailaora de flamenco a nivel mundial.

El donativo para disfrutar de este espectáculo de Flamenco es de 600 pesos, incluye una copa de vino. Los boletos se pueden solicitar a los teléfonos, 5543391626 y 55 7576 0946, o buscarlos en los sitios de Academia Las Amaya. Pomona 27, col Roma,  y Los Amantes, Cafe & Bistro en  Felipe Carrillo Puerto 19, Coyoacán.

Winy quien durante ya más de cuatro décadas ha dejado su alma en los escenarios, ha sido una apasionada y entregada bailaora que ha ganado el reconocimiento del público y es considerada ya una figura clave en la historia del flamenco en nuestro país, se ha presentado en los escenarios más importantes de México como el Palacio de Bellas Artes, y ahora trabaja incansablemente en la formación de nuevas bailaoras de flamenco desde la Academia las Amaya.

Karime Amaya

En la Posada participan como invitados especiales Karime Amaya, bailaora, nacida en México en 1985, en el seno de una familia de profunda tradición flamenca. Es sobrina nieta de Carmen Amaya. Con sólo nueve años de edad, debutó en la compañía de sus padres, la bailaora Mercedes Amaya “La Winy” y el guitarrista mexicano Santiago Aguilar; ha llevado su arte por el mundo desde México a España, Japón, Estados Unidos, Costa Rica o Francia, entre otros países.  Luis Santiago “Tati” Amaya guitarrista y compositor, también con los genes del linaje de los miembros de la familia Amaya, comenzó su carrera a los 12 años, inicialmente como percusionista y posteriormente como guitarrista, acompañando a sus padres, es hermano de Karime y como ella ha recorrido el mundo interpretando toque flamenco de tocaores con el picado, la alzapúa, el trémolo o el rasgueo y componiendo está música religiosa y profana con inspiración y absoluto manejo de la técnica para producir emociones y placer. Karime y Tati no llegaron a conocer a la mítica Carmen Amaya, que falleció en 1963, a los 50 años, pero sí a sus tres hermanas, una de las cuales era la madre de su madre la Winy.

Mercede Amaya, la Winy, con sus alumnas

El flamenco, dice Winy Amaya, tienen en común el beneficio de poder expresar a través del mismo sentimientos emociones y crear una conexión con el público, una energía maravillosa, dice esta maestra bailaora que en cada espectáculo que prepara deja parte del alma de ella y de todos los creativos que lo conforman.

“El flamenco al igual que muchas artes, como la pintura, el cine, la literatura, la poesía, la ópera, tienen la similitud de poder expresar y abrir los sentimientos del ser humano y hacerte sentir parte de lo proyectado por los creadores” dice para invitar a esta juerga que encuentra sus raíces en el bagaje cultural que el pueblo gitano arrastró desde su peregrinaje de la India y fue a converger con los sonidos autóctonos andaluces, dando lugar al flamenco.

La cita de esta Posada Flamenca es este domingo 11 de diciembre a las 19 horas en  Francisco Sosa 165 en Coyoacán. El donativo para acceder al espectáculo es de 600 pesos, con una copa de vino de cortesía, y los boletos se pueden solicitar a los teléfonos, 5543391626 y 55 7576 0946, buscarlos en los sitios de Academia Las Amaya. Pomona 27, col Roma,  y Los Amantes, Cafe & Bistro en  Felipe Carrillo Puerto 19, Coyoacán.

 

 

 

Rafael Cauduro el artista que innovó para hablar de la otra realidad.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Rafael Cauduro nació en la capital de México el 18 de abril de 1950, perteneció a una familia de seis hermanos. Su padre era fanático del renacimiento italiano, tenia muchos libros y le heredo ese gusto. Helena, su madre, era cantante de ópera. Con mucha distancia entre las edades de cada uno, se acostumbró a jugar solo y pasaba muchas horas dibujando sin sentir, desde entonces, ninguna atracción por la escuela y padecía déficit de atención. En un minucioso estudio biográfico publicado en la Jornada, se precisa que el talento y las horas de práctica lo convirtieron en un gran dibujante. Tuvo una influencia para perfeccionarse: las obras ilustradas de La divina comedia con trabajo del artista Doré, lo que lo aproximó a un elemento fundamental de su obra: el erotismo. Discípulo de los jesuitas, sigue las humanidades y las artes; pero se vio obligado por su padre a estudiar la licenciatura en arquitectura y diseño industrial en la Ibero, estudios que abandonó a la muerte de su progenitor. En ese momento que decide ser artistas, artista autodidacta, independiente, encuentra su camino aparte, su propio estilo y se mudó a Cuernavaca, Morelos,

Desde hace unos ocho años una enfermedad sin diagnóstico le afectó el habla y le impedía sostener una conversación fluida, aunque su mente y memoria permanecían intactas, murió a los 72 años con una obra sólida de enorme fuerza como los murales que realizó para Un clamor por la justicia. Siete crímenes mayores ,entre ellos la tortura, el homicidio, la represión, el secuestro y la violación. que ocupa tres pisos del edificio de la Suprema Corte de Justicia de la Nación, se trata de una impecable visión crítica de la justicia en México. “La justicia existe, porque existen los crímenes”. No sabía con exactitud cuál de los crímenes era el peor “todos son horrendos, decía, pero quizá el más simbólico sea los procesos viciados, la materia de los juzgadores, por eso hice la imagen de los archiveros con rostro humano, en cada expediente hay una persona humana, esos papeles son almas en espera, un drama que está en cada página que será un destino, y eso lo deben recordar todos los que se dediquen a la justicia”. El tema de la injusticia se quedó permanente en su pintura.

En la madrugada del 3 de diciembre fue precisamente el ministro de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN)  Arturo Zaldívar, quien en su cuenta de twiyyer, daba a conocer la muerte de uno de los artistas visuales más importantes de México: «Lamento profundamente el fallecimiento del gran Rafael Cauduro. Una enorme pérdida para el arte de México. Su mural en la SCJN será un grito permanente en contra de las injusticias. Mi pésame y un abrazo solidario para Liliana, Elena y Juliana. Descanse en paz»

Cauduro exploró en la experimentación de materiales para su obra una necesidad de investigación, paso del dibujo a las primeras pinturas con aplicaciones de cera, a saber cómo lidiar con acrilatos o pigmentos sólidos, impermeabilizantes y otros materiales utilizados en la construcción. El estudio del arte clásico fue un paso importante, tanto como lo fue el paso posterior: el aprecio del arte comercial, el de la publicidad, el arte gráfico, el graffiti y, particularmente, el cómic.

Encontró su propia voz en las condiciones icónicas de los mensajes en los carteles publicitarios, los anuncios de rock, los vidrios rotos, las paredes que pierden segmentos de pintura; el vidrio para semejar el mármol fragmentado, los usos del color en los múltiples tipos de pigmentación, orientaciones de la luz para definir matices que emulan efigies de fervor religioso, los personajes como espíritus emergidos de las historias que los objetos podrían contar, en ocasiones como trazos perfectos, en otras como los estudios de borradores con materiales corrosivos, delineados en la idea de la perpetuidad que no llega; la madera despostillada era un lienzo, como los hierros oxidados de los vagones de tren, las fachadas viejas, los pizarrones, las telas o los azulejos partidos de los que surgen figuras de alguna memoria inaprensible, quizá sólo visible en la imaginación de Cauduro.

Se interesó por los objetos y su relación con el ser humano a través del concepto del deterioro. “Los seres se van y las cosas permanecen” afirmaba. Construcciones y objetos abandonados alcanzaron otra significación en sus manos, con nuevos habitantes. Grietas, yerbas o pinturas escurridas dan otro rostro a una casa, donde también están los fantasmas en el devenir del tiempo. La mujer que se recuerda sigue en una pared, capturada en el recuerdo que parece vivo. Hizo piezas donde combinó el arte clásico barroco con la modernidad en un estilo propio.

Su primera exhibición fue en 1976 en la Casa del Lago. En 1995 inauguró su más importante exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes, donde se mostró la obra de un artista con un estilo ya maduro.

Aunque la crítica de arte Raquel Tibol lo llamó hiperrealista, a Cauduro no le gustaba el término porque veía más su trabajo como una realidad y una ficción que conviven, en una especie de realismo mágico. Cuando representa a una figura humana en una de sus obras, no implica que sea la realidad, sino la huella, un  fantasma que pudo haber quedado en ese momento. “Si acaso, es una mentira bien dicha, pero no tiene nada de realidad.”

El deterioro tiene un sentido de permanencia. Uno envejece, muere y el objeto puede seguir igual 200 años después, lleno de capítulos que una pintura puede captar. Algo nuevo es inerte, conforme se oxida se mancha, se humedece, entonces vive, tiene una historia qué contar, y le nace musgo, hongos, flores; experimenta su regreso a la naturaleza, poniendo en orden lo que las personas violentan. En su obra los seres humanos se integran con lo que las cosas son. De repente hay figuras que se vuelven parte de las paredes, de las maderas, de los muebles… Los seres humanos vamos de la vida a la muerte y los objetos van de la muerte a la vida. El camino de las personas y los objetos van en un camino opuesto, como afirma el artista. “Hay una paradoja ahí: nosotros nacemos vivos y cada día nos estamos muriendo; los objetos nacen muertos y ese deterioro es la vida de los objetos”. Lo que pinta no son seres de carne y hueso, sino seres huellas, las huellas del tiempo de lo que va sucediendo y vestigio de una vida. Seres que existieron en algún momento.

En su obra también son importantes como los cráneos de evocación prehispánica, los “altares celebratorios” del tzompantli .

Su exposición De ángeles, calvarios y calaveras, tuvo gran éxito en el Palacio de Bellas Artes en 1995, puso en su sitio la estatura de su arte con la atención de la crítica y el conocimiento de un público nuevo que abrazó para siempre el conjunto de su obra. Ésta ha andado el mundo.

En una entrevista su ex esposa, con la que tuvo dos hijas, que continuó siendo su representante hasta el final de su vida contó que Cauduro era tan obsesivo con cada obra que pinta, que por la noches pedía que llevaran a su cuarto el cuadro que estaba pintando y se dormía viendo la obra, soñaba con ella, y durante la noche, en el sueño, el cuadro conversaba con él y le decía que debía continuar pintando.

Su obra es una constante oportunidad de un nuevo e inquietante asombro con su propia poética. Cauduro es el autor del mural del Metro Insurgentes, titulado Escenarios subterráneos, de los metros de Londres y París; así como del mural titulado El Condominio, ubicado en Avenida Veracruz en la Colonia Roma.

            Este año, la editorial Trilce publicó un libro que reúne más de 400 obras, bocetos y anotaciones inéditas que permiten entender cómo creaba el pintor. También se organizó la exposición “Un Cauduro es un Cauduro, (es un Cauduro)” en el Colegio de San Ildefonso, que celebró los 50 años de trayectoria artística y que se exhibió de febrero a junio del 2022 “con más 156 obras de uno de los grandes muralistas contemporáneos”. Una muestra a la que el artista no asistió por motivos de salud.

Este lunes 5 de diciembre recibió un homenaje póstumo en el Palacio de Bellas Artes.

 

 

Federico Silva: «la única forma de hacer arte es buscar el riesgo»

By Sin categoría, Sobre 2 ruedasNo Comments

La madrugada del miércoles 30 de noviembre murió el maestro  Federico Silva murió a los 99 años de edad. Al día siguiente, justo a las 19 horas sería inaugurada su exposición,  Federico Silva, lucha y fraternidad. El triunfo de la rebeldía en el Palacio de Bellas, el 1 de diciembre el máximo recinto cultural recibió el féretro del maestro Silva para rendirle un homenaje póstumo.

La muestra  retrospectiva, que ahora se está exponiendo, busca homenajear su trayectoria en la antesala al centenario de su nacimiento, a partir de la revisión histórica de su obra producida a lo largo de ocho décadas. A sus 99 años era asombrosa la claridad que Silva tenía para definir su experiencia sensible que el artista tiene ante la sociedad: “La única forma de hacer arte es buscar el riesgo. La forma de continuar y reafirmar la vocación es vincularse con la sociedad en movimiento, la sociedad es el alma y el artista debe establecer vínculos con la sociedad, de otro modo estará vacío”, reitero hace menos de un año en una entrevista de televisón.

Federico Silva nació el 16 de septiembre de 1923 en la Ciudad de México. Desde niño le interesó el dibujo, de manera autodidacta aprendió las técnicas de encáustica, frescos y temple en los libros.  Realizó estudios de medicina, veterinaria, derecho y antropología. Conoció a David Alfaro Siqueiros y el artista lo invitó a ser su ayudante; uno de los primeros trabajos en que colaboró con Siqueiros, fue el mural Nueva Democracia, que se encuentra en el Palacio de Bellas Artes. Se vinculó con la izquierda de entonces, una generación histórica que creía en la clase obrera. Por esa época, presentó su primera exposición de pintura.

En la biografía sobre su vida que está en la web del Museo que lleva su nombre —que se encuentra en el Centro Histórico de San Luis Potosí— se precisa que Viajó a Europa poco después de iniciada la posguerra y estuvo principalmente en Austria e Italia; de regreso a México, se dedicó a la organización del Primer Salón de Pintura del Instituto Nacional de Bellas Artes. A partir de 1950, empezó a pintar murales, primero en el edificio del Instituto de Capacitación de la Secretaría de Educación Pública y después en el Instituto Politécnico Nacional, el mural titulado la Técnica al Servicio del País. En 1962 presentó una exposición en la Universidad Obrera, en la que reunió obras de ocho años de trabajo de carácter crítico-político. Después pasó a la escultura y el arte cinético —una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos «exteriores» como pueden ser el viento o el agua— en los que experimenta y realiza objetos “solares” con prismas, lentes de fresnel, espejos, imanes, rayos láser y diferentes cuerpos suspendidos en el espacio.

Fue un hombre de convicciones ideológicas que están presentes en su extensa producción que comprende la escultura, la pintura de caballete y mural, incursiona más tarde en la gráfica digital. En 1950 ejecutó su primer mural con formas apegadas al realismo naturalista, estilo que más tarde abandonó. Su cambio del muralismo figurativo a la escultura abstracta, dijo, fue inevitable, las cosas van sucediendo y no se puede hacer toda la vida una sola cosa “el geometrismo es un paso adelante un lado de la abstracción pero no hay choque; el fenómeno constantes para el artista es el cambio”. En 1981 al realizar los murales de la facultad de ingeniería de la UNAM, recurrió a una expresión geométrica-abstracta que utilizaría de nueva cuenta en los murales de la capilla de la exhacienda de San Andrés Tectipan en el Estado de México. Estas obras vinieron a constituir algo así como el antecedente de los murales de la cueva de Huites, un largo túnel perforado en una de las montañas de la Sierra Madre Occidental, como parte de los trabajos de construcción de la presa hidroeléctrica del Río Fuerte, situado al norte del estado de Sinaloa; en 1992 inicia el proyecto y la termina en 1996, pintando más de seis mil metros cuadrados en la superficie rugosa de la roca, considerado como el mural más grande del mundo..

Su trabajo como investigador de la Coordinación de Humanidades de la UNAM a lo largo de más de veinte años, lo ha llevado a profundizar sobre el sentido del arte y el artista en la sociedad. Producto de estas reflexiones son sus libros: El viaje del Nahual de Tonacacíhuatl, 1989 o Cuadernos de Amaxac, 2006.

Promotor del ya emblemático Espacio Escultórico en Ciudad Universitaria. La historia cuenta que en 1977 diseñó el proyecto, con el apoyo del Dr. Jorge Carpizo, coordinador de Humanidades de la Universidad. Fue Silva el orquestador, propuso que hicieran obra insólita en términos interdisciplinarios. En ella participarían ecólogos, biólogos, escultores, arquitectos. Se trataba de una escultura monumental colectiva en la que participaron Helen Escobedo, que era la directora general de Artes Plásticas; Mathias Goeritz, profesor de la Facultad de Arquitectura; Sebastián y Hersúa, maestros de dibujo auxiliares en la Facultad de Arquitectura; Manuel Felguérez, y el Federico Silva. Así nació el Espacio Escultórico. “Nadie recibió dinero extra de su salario, era una obra regalada, con material del lugar. No existe en el mundo un espacio así, tiene una escala perfecta. Se convirtió en un centro ceremonial donde está resumida, en un lenguaje contemporáneo, una voz antigua de nuestra cultura. De verdad dan ganas de atribuírsela, pero no está bien, es como las pirámides, no están firmadas”, recordó en una entrevista realizada hace años en La Gaceta de la UNAM.

A partir de 1985 estableció su taller en Amaxac de Guerrero, Tlaxcala, transformando la ex fábrica de hilo la Estrella en una factoría de obras de arte, utilizando los más variados materiales de la región proporcionando una renovada presencia de la escultura en el arte mexicano. Ingresó a la Academia de Artes el 8 de julio de 1993. En 1995, recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes. En 1993, es nombrado Creador Emérito del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. En 2010, las Universidades de San Luis Potosí y la UNAM  le otorgaron el Doctorado Honoris Causa.  En noviembre de 2016 recibió la Medalla de Bellas Artes. Apenas el pasado 8 de noviembre fue nombrado como creador emérito en el arte contemporáneo nacional por el Congreso Local de Tlaxcala a propuesta de la Comisión de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología.

Su obra escultórica más importante se encuentra en Ciudad Universitaria, y a lo largo de su trayectoria realizó  más de media centena de exposiciones individuales y otras tantas colectivas, conservándose una cuantiosa obra pública en Baja California, Ciudad de México, Tlaxcala, en Kingston, Jamaica; en Washington, EUA; Tokio, Japón; Estocolmo, Suecia; Ciudad Real la Mancha en España; Ville de Pathenay en Francia. Su trabajo lo realiza en madera, aluminio, acero, cemento, fierro y piedra.

Algunas de sus más hermosas obras son: Ocho Conejo o “el chapulín” (1980, piedra volcánica. Sendero Escultórico, UNAM, CDMX); Aluxe de la Muerte (Plaza de las Tres Culturas, CDMX); La Muerte Presente (1988, concreto armado. MUAC, CDMX) y Serpientes del Pedregal (1986, piedra volcánica. Sendero escultórico, UNAM, Ciudad de México)

José Luis Puche  se presenta ante los brasileños  

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El artista malagueño José Luis Puche brinca el océano y llega con sus obras a Lifetime Investimentos en Sao Paulo, Brasil. El lugar elegido para mostrar por primera vez su  obra es el corazón financiero de Sao Paulo. Lifetime está especializado en el asesoramiento financiero y ha sido acreditado como el mejor asesor por BTGP actual, que es el mayor banco de inversión de América Latina. Lifetime tiene diferentes sedes repartidas por todo el país.

Puche, presenta la obra Três Olhos (Tres Ojos)  se centra en una mujer colmada de atuendos ancestrales brasileños, luchadora y en acto victorioso, de ahí toda la simbología de plumas que soporta en su espalda. 

Respecto a está pintura realizada con carbón graso, pastel graso y lápiz de color sobre papel Saunders Waterford.  Puche señala que las plumas simbolizan la idea de la lucha y su posterior victoria, la diadema que posa sobre su cabeza está inspirada tanto en los colores de la bandera brasileña como en indumentarias de los indígenas brasileños.

La obra se presenta no como un ser común que podemos encontrarnos -explica el artista- en cualquier calle o sala, sino como un ideal, con pocos nexos de unión que nos lleve a la normalidad y a lo ordinario. Muy al contrario, se nos muestra en una actitud ideal y casi sobrenatural, tratando de encontrar territorios y comportamientos que se nos escapan de todo lo racional, quizás en un mundo onírico y superlativo donde de alguna manera todos en algún momento hemos querido estar.  

Respeto a los tres ojos enfatizan lo sobrenatural de este personaje femenino, tres ojos que se encuentran inmersos en la propia figura, en las trenzas, junto a la mano sosteniendo unas plumas justo a la izquierda y a la derecha en un nuevo halo de plumas. 

Además el público brasileño tendrá la posibilidad de tener una charla con Puche y así poder conocerlo y comprender su tarea creativa. Si bien Puche es el artista, destaca su compañera Marimar Segura quién es la responsable de llevar lo administrativo y gestión de su obra. El artista tendrá la oportunidad de cautivar a los asistentes hablando de su trayectoria creativa.

Puche está considerado como uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional y el mejor dibujante de Málaga, tal como lo expresó Mario Virgilio Montañez, comisario de la exposición  Sacra Conversación. Los desposorios místicos de Santa Margarita- Parmigianino, que se exhibe en el Mupam de Málaga.

Conocer la obra de José Luis Puche es acercarse a una nueva creación de arte;  tal como lo explica, que a través de la desestructuración del dibujo. “Un dibujo que comienza ligado a la más pura tradición formal del dibujo y que en base al arrojo del agua crea nuevas formas sumamente expresivas de plasmar la representación. Dibujo fluido fruto del golpe y la caída del agua sobre el papel, – de ahí que José Luis siempre diga-  que busca un lenguaje musical fruto de la percusión y el propio organicismo que se crea en el acto de la plasmación. El  dibujo se crea y se destruye, capa a capa, capa sobre capa, como lo hace la propia tierra en nuestro planeta, estratos sobre estratos”. 

Enfatiza que como lo hace el propio ser humano sobre su historia, capa tras capa de nuestras distintas sociedades. Así concibe el dibujo, unas primeras capas de distintos grises como bases que serán

cubiertas de color a través de distintas técnicas como las de base de agua y las de pasteles grasos que le dan una mayor palpitación y brillantez a la obra. 

Autodidacta, de su obra destaca el dibujo y el propio proceso de creación de la obra. Su seña de identidad es la experimentación con materiales como el carbón graso y el agua, para lograr un sello especial.

Su obra se encuentra en diferentes partes del mundo, entre los trabajos más destacados sin duda está el encargó que le pidió el actor y director español Antonio Banderas para el Teatro del Soho Caixabank, un mural de más de seis metros, inaugurado a finales de 2019. Además que ha sido el artista elegido por las Agrupaciones de Cofradías de Málaga para realizar carteles, tal es el caso del 2020 que fue presentado en la principal feria de turismo de España,  Fitur  2020 en Madrid. Ha recibido el premio  Internacional Emerging Artists Award en 2016 en Dubái. 

Las bailarinas Gabriela Gullco y Guadalupe Acosta “habitarán” con coreografía la exposición Espacio Radiantes de Alberto Castro Leñero

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Este domingo 4 de diciembre, a las 12 y a las 14 horas, las bailarinas de danza contemporáneaGabriela Gullco y Guadalupe Acosta llevarán a cabo esta “activación de pieza” en torno a las esculturas  del artista Alberto Castro Leñero que se exhiben en el Museo de la Ciudad de México. La actividad será pública y gratuita.

La exposición lleva por título Espacios Radiantes. Escultura Permeables y se exhibe desde el pasado 8 de octubre en el Museo de la Ciudad de México – José María Pino Suárez 30, Centro Histórico, Ciudad de México-. Se trata de esculturas de reciente creación y gran formato realizadas para las salas de este Museo, que conviven acompañadas por la instalación de la escultura Túnel plegado (2022) que se ha colocado en la plaza Licenciado Primo de Verdad, ubicada justo frente al Museo de la Ciudad de México.

La coreografía iniciará en el Túnel Plegado en la plaza Licenciado Primo de Verdad y seguirá hacía las salas del Museo para interactuar con las extensas esculturas  que se encuentran en las salas del Museo como el Intercambiador, Antipuerto, Puente al corazón, Reflejante, Templo o Chac Mool, mientras Mercedes Gómez Benet interpretará música de arpa; y el fotógrafo Ernesto Lehn respaldará la memoria de esta actividad, de la que ya ha realizado un video.

Lo que veremos en esta exposición son nueve esculturas de gran formato realizadas durante el presente año, y una de 2015. Éstas se complementan con esculturas, pinturas y videos realizadas en la última década y una pintura que Alberto Castro Leñero presentó en el mismo recinto en su individual Forma hace exactamente 20 años.

“Las bailarinas habitarán mis esculturas bajo la idea de que mi trabajo busca experimentar diferentes tipos de lenguajes con una constante que los une: el manejo de la forma. La música de arpa y el video serán también una extensión de la obra, incluso el espectador que todo en conjunto, con esta acción, podrán darle otra vida a la piezas, en general a la exposición” afirma Castro Leñero.

La mayoría de los materiales de la obra tienen uso industrial; hierro, aluminio, concreto y plexiglás; lo que le permite que la composición de sus formas sea visible desde cualquier ángulo. Obras abiertas a la auscultación de los visitantes y que se interrelacionan entre sí y el espacio que las alberga.

La mayoría de los materiales elegidos para Espacios radiantes, estructuras permeables tienen uso industrial, como el hierro, el aluminio, el concreto y el plexiglás. Su elección le ha permitido al artista que sus formas sean visibles desde cualquier ángulo del recorrido. Están abiertas a la auscultación de los visitantes y en ese ejercicio descubrirán cómo se interrelacionan entre sí y el espacio que las alberga.

A partir de un concepto propio, el de /intercambiador/, Alberto Castro Leñero propone algunas esculturas de gran formato que contienen a su vez otras esculturas, pinturas, video y objetos varios, a partir de los cuales es posible que artistas invitados, como ahora las bailarinas de danza contemporáneaGabriela Gullco y Guadalupe Acosta desarrollen nuevos procesos creativos de duración transitoria en el periodo en que estará la exposición.

Para Alberto Castro Leñero la escultura entendida como ente multimodal: es una representación, y a la vez un espacio de tránsito, una plataforma de interacción para otros artistas, un nodo de interacción del público visitante con el espacio arquitectónico y, por supuesto, un artefacto. Hay una relación dialógica entre su producción bidimensional y tridimensional que le ha permitido realizar propuestas espaciales en las que ciertos conjuntos de obra, organizados como un ensamble, enriquecen sus posibilidades plásticas no solo para el autor sino ante el espectador, explica en el texto de sala el curador Irving Domínguez.

“Mi trabajo se mueve entre varios lenguajes, pero continúa una tradición que busca la idea de conectar varias piezas, ir tejiendo con mis obras otra pieza que sea como una especie de instalación en la que el espectador se parte de la pieza.  Mi propuesta es que las obras puedan funcionar en lugares públicos; que las obras tengan relación con los espacios arquitectónicos, con la gente, con artistas de otras disciplinas, con la ciudad, como formas híbridas conectadas unas con otras”, explica Alberto Castro Leñero.

Espacios radiantes, estructuras permeables fue auspiciada por la Producción nacional de artes visuales realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES) y permanecerá hasta 5 de febrero del 2023 en este recinto ubicado en José María Pino Suárez 30, Centro Histórico, Ciudad de México.

 Los participantes en la activación Espacios radiantes, estructuras permeables

 Gabriela Gullco bailarina originaria de Buenos Aires, Argentina (1975(. A los dos años  de edad  llegó a México en donde reside hasta la fecha. En 1982 inicia sus estudios en danza clásica Academia de Ballet de Coyoacán. 1997 es el año en que se integra a la compañía de danza contemporánea Contempodanza en donde permanece 20 años bailando, además de ser  Asistente de Dirección y Producción. En la actualidad es maestra de Danza Clásica y Danza Contemporánea en la Licenciatura en Actuación en Casa del Teatro y maestra de Tango, Acondicionamiento Físico y Creación Coreográfica de los Talleres Artísticos de la Universidad Iberoamericana, además de seguir creando nuevos proyectos artísticos personales.

Guadalupe Acosta fue por varias décadas bailarina de Contempodanza, en dónde  desarrolló su labor artística diaria e ininterrumpida, con el alto nivel técnico y creativo, así como por una propuesta escénica constantemente renovada. En el extranjero, ha sido invitada para presentar su trabajo en los festivales artísticos y en los mejores escenarios. En un ensayo en 2017 se lesionó la rodilla, continuó en rehabilitación e hizo un llamado a crear una red de médicos especialistas en bailarines. En 2020 participó en el la programación “La fiesta donde todas y todos bailan en casa” para celebrar el Día Internacional de la Danza con una programación especial en línea.

Mercedes Gómez Benet, originaria de la Ciudad de México, es egresada con mención honorífica del Conservatorio Nacional de Música en donde realizó sus estudios de arpa. Ha sido arpista de la Orquesta del Estado de México, la Orquesta Sinfónica del Palacio de Minería y la Orquesta Filarmónica de la UNAM, y solista de las principales orquestas mexicanas. Ha representado a México en festivales internacionales y estrenado numerosas obras latinoamericanas contemporáneas dedicadas a ella. Ha escrito dos obras didácticas para alumnos de arpa: VANIA Y LAS VENTANAS ABIERTAS (presentada en México, Venezuela, Francia y EUA) y FRANCISCO, EL NIÑO CURIOSO (México y España). En 2022 obtuvo el Doctorado en Musicología por la Universidad Complutense de Madrid.

Ernesto Lehn Angelides, fotógrafo que nació en Montevideo, Uruguay (1969), radica en  México desde 1979, naturalizado mexicano. Fotógrafo con más de 20 años de experiencia en el medio editorial y publicitario. Se ha especializado en fotografiar artes escénicas, fotografiando diez ediciones del Festival Internacional  Cervantino, así  como varias temporadas de ópera en el Palacio de Bellas Artes. “Como profesional de la imagen considero que hoy en día resulta indispensable tener la aptitud para transitar los distintos campos de producción de imágenes”.

Alberto Castro Leñero, originario de la Ciudad de México en 1951, pintor, escultor y  artista gráfico contemporáneo. De 1971 a 1978 estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). De 1978 a 1979 estudió pintura en la Academia delle Belle Arti en Bolonia, Italia.

Durante este mismo periodo colaboró como ilustrador en diversas publicaciones culturales y educativas. De 1982 hasta 1987 fue maestro de Experimentación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM Alberto es el mayor de sus hermanos, los también pintores Miguel, José y Francisco. Su percepción del arte se traza en la mira de obra de José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Manuel Felguérez, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Alberto Giacomettio o Sigmar Polke.

Su primer viaje como artista fue a Bologna, Italia y en luego viajó a un país que lo marcó en su obra Alemania, y decididamente su paso por La Academia de Bellas Artes de Düsseldorf o la obra de Sigmar Polke.

Sobre su obra han escrito varios reconocidos críticos como Raquel Tibol, Teresa del Conde, Juan García Ponce, Jorge Alberto Manrique, Antonio Rodríguez, Olivier Debroise, David Huerta, Jaime Moreno Villarreal, Santiago Espinosa de los Monteros

Su exposición en el MUCA (El Museo Universitario de Ciencias y Arte) en Ciudad Universitaria, “Sistemas Transitables”, realizada en 2016, fusionó de algún modo los intereses de Castro Leñero en lo que para él es el concepto de su arte, crear estructuras arquitectónicas, tejer con sus obras para realizar una especie de instalación, en la que el dibujo, la pintura, la escultura, el video y la arquitectura puedan ser ya una la tridimensión que cree puentes de intercambio con el espectador, volviéndose todo en una realidad que se conecta una con la otra, todas obras que son o alcanzan el gran formato como una metáfora de la Ciudad y sus lugares cerrados y abiertos.

Su obra es libre y orgánica y se conecta como una red de estructuras abstractas con soluciones geométricas lineales. En ella hay palabras que son formas, formas que son poemas, obras que son palabras.

En su obra hay un balance entre lo figurativo y lo abstracto. Su trabajo está influenciado por el arte pop y el expresionismo abstracto pero también se ha interesado por el arte urbano realizando proyectos como el titulado «Elementos» que puede verse en estación Taxqueña del Sistema de Transporte Colectivo Metro; en los últimos años su obra se ha expuesto en otras estaciones del Metro como el Zócalo.

Ha participado en importantes muestras colectivas e individuales tanto en México como en el extranjero en museos y galerías. Al igual sus esculturas están en diversas ciudades de México y el mundo, la más reciente inaugurada en Estado de Qatar. En 2017 presentó su primera muestra individual en Berlín, en el foro cultural de la sede diplomática de México, en donde destacó debido a que uno de sus cuadros logró el precio más alto en una subasta de arte que se realizó en favor de los afectados por el terremoto del 19 de septiembre en México de ese año. Ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en varias ocasiones. En 1996 participó en un programa de intercambio realizando una residencia artística en Nueva York, E.U.A. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA). Y el reconocimiento a su trabajo a nivel internacional lo llevó producir Espacios radiantes, estructuras permeables que fue auspiciada por la Producción nacional de artes visuales realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES)

El  26 Festival de Málaga ya tiene cartel fue por encargo directo a un  colaborador

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-  El Festival de Málaga, para su 26 edición ya tiene cartel, en esta edición fue por encargo al diseñador malagueño Adán Miranda, colaborador habitual del certamen.

Respecto a su obra explica: “Soy seguidor del Festival desde hace muchos años. Tanto en su contenido (como cinéfilo que me considero), como en su forma de representarlo. Siempre deseaba ver qué imagen iba a tener la siguiente edición año tras año. Cuando recibí la invitación, sabía que el cartel debía tener una personalidad bien diferenciada del resto de ediciones. Que debía tener un carácter propio y unos colores y vida únicos.

Emocionado y nervioso señala que para él, el Festival de Málaga está cargado de infinitas emociones. Y todas ellas se pueden sentir, ya sea dentro de una sala como en la expectación que se crea en la calle ante la llegada de las estrellas de nuestro cine. Y donde mejor veo reflejadas estas emociones es en la mirada.

En mi cartel he intentado mostrar de manera directa esa emoción con una gran mirada central que tiene una chispa de vida en ella misma, unas líneas sinuosas que evocan el erizamiento en la piel y el vaivén de las olas de nuestro mar. -Explica mientras lee su discurso ante los  invitados y autoridades a la presentación-. Todo ello con unos colores que sintonizan con la calidez de la ciudad y su viveza, tanto en el día como en la noche. Es la mirada que siempre he visto en la gente que pasea por las calles, las que llenan las salas, la de sus trabajadores, la de los protagonistas, la mirada del cine.

A la presentación asistieron los principales patrocinadores del festival entre los que se encuentra el subdelegado de Gobierno en Málaga, Javier Salas; la delegada territorial en Málaga de la Consejería de Turismo, Cultura y Deportes de la Junta de Andalucía, Gemma del Corral; el director del Área de Cultura de la Diputación de Málaga, Antonio Roche y la subdirectora de Cine de la Corporación RTVE, Mai te López Pisonero, entre otros.

El Festival de Málaga celebrará  su próxima edición del 10 al 19 de marzo de 2023.

Juan Antonio Vigar director del festival señaló que el festival ha recurrido al encargo directo, al considerar que de esta manera consigue plasmar mejor su imagen y discurso, más aún en este caso al contar con un colaborador habitual del certamen. “Su obra Mirada de emociones consigue plasmar las sensaciones físicas y emocionales que provocan el cine, la ciudad de Málaga y su Festival. Así, el 26 Festival de Málaga se identifica con una imagen que busca la mirada cómplice y apasionada de su público y del sector audiovisual”.

Adán Miranda es de la casa tras  varios años de formación, experiencia y experimentación y colaborador de patrocinadores del festival como Diario SUR,, Ayuntamiento de Málaga y Fundación Unicaja. 

Miranda se define como un diseñador versátil. “Mi campo de acción es amplio y siempre intento que el resultado sea un diseño con personalidad propia, de calidad y distintivo, así como crear conceptos que se identifiquen con los deseos y necesidades del proyecto concreto en el que esté trabajando”, asegura. Y añade que para él diseñar es contar una historia: buscar la esencia, tomar decisiones, mover los elementos que hagan falta, para que todo encaje en un final único.

Fotos: J. Carlos Santana