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Francisco Toledo y su gráfica en el Museo Nacional de la Estampa con la muestra “Cada quien con su Toledo”

By Sobre 2 ruedas

La exposición reúne más de 180 piezas realizadas en aguatinta, punta seca y litografía, así como algunas acuarelas, gouaches y cerámica.

Este sábado 5 de noviembre si abrió al público la exposición sobre uno de los artistas mexicanos más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI: Francisco Toledo.

Se trata de una muestra de obra gráfica del enorme pintor oaxaqueño  que promete ser irreverente, provocativa y fantástica como lo fue el mundo del también pintor, ceramista, escultor, promotor cultural, activista, filántropo y defensor de los derechos humanos y las lenguas indígenas, un artista que nación el 17 de julio de 1940 y murió el 5 de septiembre de 2019.

            La muestra esta compuesta de 180 piezas que conforman Cada quien con su Toledo, de una técnica, el grabado, que atravesó toda la carrera creativa de Toledo. Basta recordar que la primera de sus iniciativas culturales fue la fundación del Instituto de Artes Gráficas en Oaxaca (IAGO) en 1988, que cuenta con un acervo de miles de piezas. Toledo sabía todo sobre la historia de la gráfica y las técnicas de la estampa. “Exploró todas las posibilidades; incluso se atrevió a realizar series de gráfica digital, como en la serie Bizancio, en la que empleó el escáner para terminar de unificar las imágenes, cuya matriz originaria son collages de recortes de libros y revistas de arte”, escribe el crítico de arte y curador Gálvez de Aguiñaga en un texto que preparó para Cada quien con su Toledo.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), a través del Museo Nacional de la Estampa (Munae) fueron los principales organizadores de la muestra. Durante la inauguración,  la secretaria de Cultura federal, Alejandra Frausto Guerrero, consideró que en este museo están las colecciones de quienes amaron al maestro Francisco Toledo como artista y fue aquí donde hizo que la gráfica fuera una de las artes más valorada.

Justamente como los grandes de este arte, Toledo mostró esta potencia extraordinaria, por eso me da gusto que se realice en este museo, agregó.

Refirió que el maestro sembró en México para que las lenguas no se perdieran, para sensibilizar a través del arte el reconocimiento de nuestra mayor riqueza, que es el maíz.

De igual forma mencionó que existe un gran movimiento, el cual está atendiendo a los más olvidados históricamente, en aquellos lugares de más pobreza, de más marginación, “donde más violencia se desató en nuestro país, ahí es donde estamos sembrando con arte la posibilidad para niñas, niños, para jóvenes”, en estos proyectos que son los Semilleros creativos, agregó, muchos son de gráfica.

Por último, la titular de Cultura federal recordó que la tarea que deja Toledo por la justicia lo hace de la manera más excelsa, cada una de las obras es para estar horas ahí, explorando, conociendo esa minucia en las técnicas, nadie como él para hacer de la gráfica un arte eterno.

Por su parte, la directora general del INBAL, Lucina Jiménez López, resaltó que esta exposición dedicada a la obra gráfica de Francisco Toledo es muy significativa para todo el arte en México y la memoria del maestro y a la que se suman personas ejemplares del coleccionismo para compartirlo y preservarlo.

En esta muestra “se desdobla el corazón para que quepa la emoción, tanta profundidad, tantos sentidos, tanta historia individual y colectiva. De un artista que transitó por las diferentes expresiones: pintura, escultura, lo textil y tapices”.

La titular del INBAL agregó que “el maestro siempre fue fiel a sus orígenes, empezó formándose en el grabado, precisamente aprendiendo de un grande también, el maestro Arturo García Bustos, y además se formó en un taller de Bellas Artes, pero él rápido caminó mundo, que lo llevó a reconocer en el arte universal, mucha de la expresión que hoy manifiesta él con esta maestría con la que aborda su trabajo”.

Destacó la comprometida faceta de grabador del pintor oaxaqueño: “Siempre volvería al grabado como su espacio. Creo que si alguien estableció que en el grabado existía la posibilidad de recoger la memoria y al mismo tiempo expresar las luchas sociales, una acción política indómita y en muchos sentidos una postura estética siempre propia, siempre avanzando, siempre investigando, es precisamente el trabajo de Francisco Toledo.

Al agradecer a la familia representada por Sara y Laureana López, la directora de Instituto expresó que “Toledo nos regala esta exposición. Yo creo que es un asomo más a toda esa memoria tan grande que existe en los coleccionistas, y el IAGO ha hecho un trabajo fundamental de memoria gráfica muy serio en esta exposición que es parte de sus registros y creo que el trabajo conjunto con la familia nos deja esa responsabilidad».

En representación de la familia, Sara López expresó: “Para el maestro Toledo -creo- una de las acciones más importante era acercar a los jóvenes a las artes, creando nuevas oportunidades de desarrollo y fundando instituciones que permitían acercarse a la literatura, a la pintura, fotografía, música y el cine”.

Subrayó que exposiciones como esta “no solo nos muestra el trabajo de una persona a lo largo de su trayectoria, nos acercan también a acervos y colecciones que conviven por primera vez en un mismo espacio, que posiblemente no vuelvan a encontrarse ante este público”.

Asimismo, agradeció a las personas e instituciones participantes en esta muestra, “por el trabajo que realizan día a día y por continuar mostrando los acervos para que el arte esté al alcance de las nuevas generaciones, y también es una oportunidad de acercarnos a alguien que creía fielmente que el arte no es solo para unos sino para todos”.

En tanto, el director del Munae, Emilio Payán, dijo que Toledo fue como un chamán, como un mago que todo lo convertía en arte. Una semilla, un puñado de tierra, un trozo de madera, un mecate, papel, la naturaleza y hasta el aire con sus papalotes; el amor, la amistad, la lucha por la igualdad, el derecho a la educación y el derecho a la cultura.

La influencia de Toledo en el arte mexicano en la segunda mitad del siglo XX es tan relevante que quizá no sea demasiado arriesgado afirmar que de alguna manera se puede equiparar con la herencia de los forjadores de nuestra identidad artística durante las primeras décadas, y agregó: “No podemos concebir el México actual sin la obra de Francisco Toledo”

Cada quien con su Toledo. Obra gráfica, 1960-2018” es la muestra que recorre parte de la producción gráfica del artista desde sus inicios. Si bien Francisco Toledo exploró diversas técnicas artísticas y trabajó con diferentes materiales, el grabado fue uno de sus principales medios de expresión.

Es así como esta muestra está integrada por más de 180 obras que, en su mayoría, son grabados y estampas realizados entre los años 1960 y 2018 con las técnicas de aguafuerte, aguatinta, punta seca, azúcar, mezzotinta, litografía, mixografía y xilografía. También se observarán algunos ejemplos de acuarela, gouaches y cerámica.

Desde el inicio de su trayectoria, Francisco Toledo tuvo numerosas muestras individuales y colectivas. Sin embargo, hay pocas exposiciones en las que se recorra su producción gráfica, como se hace en esta muestra que se lleva a cabo con el apoyo, entre otras instituciones y particulares, del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) del INBAL, así como de la asociación civil Amigos del IAGO y del Centro Fotográfico “Manuel Álvarez Bravo” (CFMAB), que facilitaron sus acervos.

Cada quien con su Toledo. Obra gráfica, 1960-2018” es un panorama, un esbozo del conjunto de la obra gráfica de Francisco Toledo, un artista que exploró su propia diversidad a través de autorretratos, así como de la experimentación con diversas técnicas, además de haber sido una persona que defendió numerosas causas políticas y sociales.

“Francisco Toledo fue como un chamán, un mago que todo lo convertía en arte: una semilla, un puñado de tierra, un mecate, un trozo de madera, el papel y la tela, la naturaleza, hasta el aire con sus papalotes; el amor, la amistad, la lucha por la igualdad, el derecho a la educación y a la cultura fueron sus principales motivaciones”, expresó Emilio Payán, director del Museo Nacional de la Estampa.

Esta muestra representa también un punto de partida para que nuevas generaciones conozcan a este multifacético artista y para el público que ha seguido su trayectoria es una oportunidad para rememorarlo y revisitar algunas de sus obras.

Acerca del título, su curadora, la historiadora Ana Carolina Abad López señaló: “Durante el proceso de investigación y curaduría nos dimos cuenta de que cada persona tiene su propia versión de quién fue Francisco Toledo. La invitación implícita en el título es que, al recorrer la exposición, cada visitante construya su propia imagen o versión de Toledo: el grabador, el activista, el artista, la persona”.

Añadió que la idea curatorial es hacer un recorrido cronológico a través de la obra gráfica de Francisco Toledo y contextualizarla con las acciones políticas, sociales y culturales en las que se involucró a lo largo de su vida.

Con base en ese concepto, Cada quien con su Toledo” está dividida en tres núcleos: De Juchitán para el mundo, que abarca obras realizadas en las décadas de los sesenta y setenta; Toledo: forjador de instituciones, donde se presentan obras de las décadas de los ochenta y noventa, momento en que el artista consolidó su labor como promotor y defensor de la cultura oaxaqueña, y Monos, fábulas y sismos, que reúne los trabajos de las dos últimas décadas del maestro, entre las que destacan sus series sobre relatos de Franz Kafka y las fábulas de Esopo.

Además de contar con obras provenientes del acervo del IAGO, de la Fundación de Amigos y del CFMAB A.C., Cada quien con su Toledo. Obra gráfica, 1960-2018” reúne piezas que están al resguardo del Museo de Arte Moderno y del Museo Nacional de la Estampa, recintos pertenecientes a la Red de Museos del Inbal, así como de las colecciones de Jan Hintze, del taller de Fernando Sandoval y de Beatriz Sánchez Monsiváis.

“Con esta exposición buscamos que el público pueda acercarse a una parte de la producción gráfica que realizó el maestro Toledo. Podrán apreciar la obra que trabajó a lo largo de varios años y en diversos talleres con los que colaboró. Para nosotros como asociación civil es importante continuar impulsando las artes gráficas, así como invitar a las nuevas generaciones de artistas a explorar este medio, esperamos que este trabajo despierte el interés en los visitantes”, declaró Sara López Ellitsgaard, presidenta de Amigos del IAGO y del CFMAB AC.

Como parte del compromiso continuo que la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INBAL tienen para preservar y difundir el legado del maestro Toledo, durante 2021 y 2022 se apoyó la itinerancia de la exposición del Centro Fotográfico “Lu’ Biaani, Francisco Toledo y la fotografía” presentada en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, para después exhibirse en el Museo Cabañas en Guadalajara, Jalisco, y el próximo 3 de diciembre en el Museo Amparo en Puebla, para finalmente presentarse en la fototeca del Centro de las Artes en Monterrey, Nuevo León, en 2023.

Para el 2024 el Museo del Palacio de Bellas Artes prepara una magna exposición que mostrará el vínculo entre las artes gráficas y las narrativas históricas y literarias, muestra que contará con piezas del emblemático artista zapoteco.

¡Por fin! la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil, celebrará sus 40 años…

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Participarán 70 sellos editoriales  y se llevará a cabo en la primera sección del Bosque de Chapultepec, en la Ciudad de México; y no en el CENART como había ocurrido en la mayoría de sus ediciones.

Del 11 al 20 de noviembre, de las 10:00 a las 17:00 horas,  se llevará a cabo la edición número 40 de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil (FILIJ 40), en la avenida Herioco Colegio Militar, en la primera sección del Bosque de Chapultepec, en la Ciudad de México.

Una celebración donde se darán cita 70 editoriales, autoras, autores, cuentacuentos, talleristas y artistas diversos. En esta edición la FILIJ tendrá presencia, además de la Ciudad de México, los estados de Morelos, Hidalgo, Campeche, San Luis Potosí, Tamaulipas, Coahuila, Oaxaca y Nuevo León, así como las  naciones de Perú, Colombia, Ecuador, España, Argentina, Guatemala, Estados Unidos y Chile, a través del lema que han inventado «FILIJ en Todas Partes».

En esta ocasión se  contará con la presencia de Mark Janssen, de Países Bajos; Sebastian Meschenmoser, de Alemania, y Francesca Massai, de Italia, como autores invitados internacionales, así como de Francisco Hinojosa, Karen Villeda, Juan Villoro, Gabriela Peyron, Alberto Chimal, Raquel Castro, Bernardo Fernández Bef, Jaime Alfonso Sandoval y Alexandra Castellanos, entre otras personalidades nacionales de la literatura infantil y juvenil.

Participarán ocho países e igual número de estados de la República.

La FILIJ 40 dará inicio el viernes 11 de noviembre, a las 12:00 horas, con el acto inaugural en el que tomarán parte autoridades del FCE, Educal, la Dirección General de Publicaciones de la Secretaría de Cultura, y del gobierno de la Ciudad de México (CDMX), así como orquestas, coros infantiles y juveniles de la Autoridad Educativa Federal de la CDMX.

Otras de las actividades serán lecturas en voz alta, presentaciones artísticas y editoriales, cuentacuentos, asambleas y jornadas de lectura, un concurso de cosplay literario, charlas y conversatorios.

Entre los participantes también estarán la Sociedad Tolkiendili de México, A.C. Royer Crayolas Rascatripas (Rogelio Mejía Suárez),  La Granja del Tío Bob (rock para niñas y niños), Ahuizote Blues, El Gallinero Teatro, la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes, Janet Pankowsky, Mardonio Carballo, Rap originario Tutunakú, Jorge Salvaje, Nacho Casas y Once Niñas y Niños.

Como es tradicional en esta Feria se llevará a cabo el XXIV Seminario Internacional de Fomento a la Lectura «Lectura y Libertad», de manera virtual, con la participación de Países Bajos, Guatemala, Nicaragua, Argentina, Ecuador, Brasil, Italia, Perú y México.

Entre las editoriales que ofrecerán sus catálogos en la FILIJ 40, se encuentran Trillas, Fortaleza Cómics, SM, Planeta, Editores Mexicanos Unidos, Océano, Urano, Progreso-Edelvives, Macmillan, Barco de Papel, Larousse, Colofón, Algarabía y, por supuesto los catálogos de el Fondo de Cultura Económica y Educal .

Desde hace más de 40 años, durante la pandemia se suspendió y se cambió por un festival virtual, esta Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil ha sido un esfuerzo conjunto interinstitucional, y ahora con esta administración se tiene por objetivo la construcción de una #RepúblicaDeLectores. La entrada será libre.

Sara Baras desnuda su Alma

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Málaga, España.-   La bailaora Sara Baras presenta Alma, un espectáculo que se ha presentado en diversas ciudades de España y ha tocado el turno a Málaga.  Sara Baras donde se presenta es un éxito asegurado: su talento , su coreografía, su excelente equipo, un bello vestuario y unos músicos excelentes garantizan salir de verla con una sonrisa y guardar en la mente su baile por mucho tiempo.

Alma  es un espectáculo que llega al alma, más si se recuerda a seres queridos que se han ido físicamente. Sara Baras hace un homenaje a su padre.  Alma es una comunión entre el flamenco y el bolero. Dos géneros complicados que en manos de Sara Baras se conjugan perfectamente y el resultado es un regalo para la vista, el oído y los sentimientos.

“Alma es un abrazo enorme en el que el flamenco abraza al bolero y el bolero se deja abrazar por el flamenco para hacerse seguiriya, soleá, caña, garrotín, bulería… Alma es un guiño constante, una aventura en los recuerdos de melodías que nos acompañaron siempre. Alma es una creación de una marca singular, de una forma de entender la vida y llevarla a compás; de componer todo alrededor de una manera de contemplar el mundo desde músicas totalmente nuevas con sonidos de siempre adaptados a los palos más tradicionales del flamenco. Baile, música, vestuario, luces, texturas… el sabor de lo auténtico en el tiempo actual. Flamencos con alma de bolero”. explica Sara Baras.

Orgullosa de su equipo y del gran talento que la acompaña dio las gracias al público que de pie la ovacionó por varios minutos.

Alma lo conforma un cuerpo de baile formado por Chula García, Charo Pedraja, Daniel Saltares, Cristina Aldón,Noelia Vilches y Marta de Troya, desbordan talento, elegancia y presencia en el escenario.

Mientras que la música fluye a cargo de Keko Baldomero y Andrés  Martínez en la guitarra. Cante: Rubio de Pruna, Matías López “El Mati”; Percusión: Antón Suárez, Manuel  Muñoz “El Pájaro” Saxofón, armónica, flauta: Diego Villegas.

La autoría de Alma es de la misma Sara Baras, y bajo la dirección musical de Keko Baldomero, la creación ha contado con la colaboración especial de grandes artistas flamencos como Juana la del Pipa, Israel Fernández, Rancapino Chico, Álex Romero y Jose Manuel Posada ‘Popo’. 

La iluminación es perfecta, hace lucir cada escenario  en tonos rojos, gris, azules y verdes  dando énfasis a cada bulería, rumba o seguiriya.

Adolfo Martínez es el responsable del vestuario, cómo siempre elegante y de gran confección. Prendas que toman movimientos en cada una de las bailaoras y qué decir de Sara que luce y brilla en el escenario con una gran prestancia.

Para finalizar la función Sara ofreció un tablao donde el público participaba con las palabras: óle y guapa, entre otras.

Fueron alrededor de dos horas de espectáculo, donde la comunión entre  el público y Sara se dio perfectamente. El público salió con una sonrisa, listos para continuar la noche con el alma llena de alegría.

 Fotos: Daniel Pérez/Teatro Cervantes

Las edades de la imagen presenta Hors Pistes en Málaga

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Málaga, España.-  Se presentó la sexta edición de Hors Pistes con la exposición  Las edades de la imagen, en la que se abordaron temas como la vejez, el paso del tiempo, la memoria, el transhumanismo y la eternidad digital a través de diferentes proyectos de fotografía y vídeo. En el Centro Pompidou de Málaga. Las edades de la imagen, reúne los proyectos de 20 artistas de la escena francesa y española. 

La muestra, comisariada por Géraldine Gómez, Elena Robles y José María Luna, mezcla artistas de la escena francesa y española en torno a la «era de las imágenes» con la participación de Cécile Proust y Jacques Hœpffner, María J. Castañeda, Laura Zorrilla y Marta S. Ortega, del colectivo El silencio de lo viejo, Bill Morrison, Olaia Sendón, Saleta Rosón, William Delgrande, Irma Álvarez-Laviada, Barbara Hammer, Bolan Bao, Eduardo Nave, Miguel Ángel Tornero, Jose Quintanilla, Grégory Chatonsky, Jeroen van Loon, Mendía Echeverría, Fernando de la Rosa y Nastassja Krassouliay. «¿Desde cuándo eres viejo? Desde mañana» Elias Canetti.

“Las obras de esta exposición revelan las conexiones invisibles entre el cine y las personas. El mismo movimiento las atraviesa: el del paso del tiempo. Por un lado, las imágenes captan el paso del tiempo y de las personas; por el otro, el hombre que capta la vida, sus marcas, sus arrugas, su rigidez, su lentitud y sus recuerdos. Los vínculos entre las películas y las personas mayores no cesan. Son como un espejo el uno del otro” explica la comisaria..

José María Luna  explica que son archivos, condenados a un destino frágil e ineluctable. Por un lado, cuerpos que se dañan; por el otro, películas que desaparecen; por un lado, la memoria que se evapora; por el otro, las imágenes y los sonidos carcomidos por los parásitos. La conservación es difícil, se convierte en una cuestión política, ética y cultural.

Las edades de la imagen nos enfrenta a las siguientes preguntas: ¿Qué guardar de nuestros recuerdos, de nuestra historia? ¿Cuál es el destino de los cuerpos envejecidos en la imagen? ¿Cuál es el destino de la imagen en la era digital? ¿La imagen permite una vida eterna, los avatares una segunda vida? ¿Puede uno salvar al otro?

María J. Castañeda, Laura Zorrilla y Marta S. Ortega conforman un colectivo de artistas sevillanas que realiza proyectos artísticos de investigación en la esfera de lo social, aunando artes escénicas, fotografía y audiovisual.

Explican su obra. “El silencio de lo viejo es un proyecto de investigación y creación que plantea cuestiones acerca de la vejez, el «edadismo» (discriminación por razones de edad), el papel de los viejos en la sociedad, el pánico del paso del tiempo, el ocio en la vejez, la monotonía de la vida cuando se es mayor, o el deterioro físico. Las creadoras dan voz a mujeres mayores de 65 años, las visibilizan y reivindican los derechos humanos en esta etapa vital. En esta experiencia confluyen artes escénicas, creación audiovisual, y, sobre todo, la vida.

En sus trabajos, la videocreadora Olaia Sendón habla de lo universal a través del territorio que habita. La Costa da Morte (Galicia) es el epicentro de su imaginario, un universo que se cuela entre las fisuras que dejan los temas de la memoria y la identidad. Entre la maternidad y la pandemia, el hogar y las relaciones familiares se han vuelto parte central en su trabajo.

Bolan Bao estudió cine en China, durante los cuales realizó varios cortometrajes. Uno de sus documentales presenta la historia de la arquitectura teatral tradicional china. Continuando su formación en la Universidad de París I Panthéon-Sorbonne, experimenta con nuevos enfoques artísticos, liberándose de la estructura narrativa.

 «¿Cómo definir el tiempo? Si alguien me pidiera describirlo con precisión, creo que siento lo que es el tiempo, pero no puedo describirlo con palabras. Un reloj pierde las pilas y deja de funcionar, pero la hora del cuerpo sigue ahí, y tú sigues levantándote cada mañana.  Esta película es un viaje interior, se trata de sentir más que de mostrar. Pensar en el tiempo como un proceso que tiene una forma espontánea e incontrolada», Bolan Bao.

El trabajo de Miguel Ángel Tornero parte de lo fotográfico para acabar merodeando en lugares a menudo difíciles de describir, donde los límites del medio se estiran, se cuestionan, se vuelven endebles y se ponen a disposición de un componente emocional. En la naturaleza híbrida de su obra, utiliza el collage como un ecosistema donde intentar coser las capas y encontrar la manera en que convivan y cobren sentido las partes de un todo que a veces desborda.

Fotos: J. Carlos Santana

 

DIÁFANA de Cecilias Rodarte. Una exposición dedicada a la luz.

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Se trata de cuatro series fotográficas que tienen como común denominador: momentos creados para la luz.

‘Diáfana’, se refiere a un cuerpo claro que deja pasar la luz a través de sí casi en su totalidad.

Tres caracoles enamorados

La exposición DIÁFANA de Cecilias Rodarte se trata de cuatro series fotográficas que conforman esta muestra que tienen como común denominador: momentos creados para la luz. Instantes que viajan de la noche al día, del pico de la mañana al atardecer: exploran la diversa temperatura de las horas. La luz, aquella que no sabemos si es onda o partícula, es la razón de todas las imágenes en “Diáfana” palabra que se refiere a un cuerpo claro que deja pasar la luz a través de sí casi en su totalidad.

“Laberintos en la Noche” es una serie en la que la artista ha estado trabajando por algunos años durante la época de lluvia, en la que emergen los caracoles durante las noches. La obscuridad queda intervenida por un relámpago: la luz del flash, que más tarde manipulará queriendo imaginar los colores que un caracol podría soñar, siendo que ellos soló detectan la intensidad de la luz con sus pequeñísimos ojos.

La colección “La Luz y el Polvo”, nace de un tema que a la artista le ha obsesionado desde su infancia: cómo cae el polvo sobre los objetos -¿cómo nos empeñamos en limpiarlo, por qué lo hacemos, y qué produce en los objetos?-. Durante 11 años decidió dejar quieto cierto espacio sobre el que fue apilando objetos que quería olvidar: espejos rotos, papeles y cartas que nunca envió, botellas, cuentas de colores, juguetes y muchos otros entes quedaron detenidos bajo la capa gris. En 2020 desmontó este espacio a la par que tomaba fotografías de aquellos que encontró dotado de hermosura.

Las otras dos series están relacionadas con el cuerpo humano, parten de “Fjefhiuhi, o del cuerpo” una serie de fotografía análoga realizada entre 2003 y 2012 titulada así ante su imposibilidad de nombrarla, con lo que optó por cerrar los ojos y escribir letras al azar para designar a cada una de las imágenes. Las instantáneas buscan explorar el cuerpo humano como un paisaje. Con los negativos fotográficos montó pequeñas cajas de luz para dar el valor de original a la fotografía y ya no poder realizar copias ilimitadas. “El cuerpo como línea” es la continuación de esa serie, realizada digitalmente, pero concentrándose en las líneas particulares de cuerpos humanos, buscando en algunas piezas continuar el tema del caracol.

Instrucciones para tocar a Eva, intento II-2

Instrucciones para tocar a Eva, intento II-2

 

‘Diáfana’ se inaugurará el jueves 3 de noviembre a las 20:00 horas en Z-Club, extensión del laboratorio fotográfico Bindu, fundado en 2004 por Alberto y Roberto Vázquez, padre e hijo, fotógrafos de profesión. La cita es en Ignacio Manuel Altamirano 48, colonia San Rafael, en la Ciudad de México.

Una mañana mientras trabajaba en mi serie sobre la luz y el polvo, al fondo de un espejo me descubrí. Autorretrato

Cecilias Rodarte nació en la Ciudad de México, un urbe que la envuelve y alimenta. Sus fotografías son producto de ello, pero también de cierta añoranza de contacto con la tierra, que resulta en una búsqueda de la voz de la Naturaleza. Como Goya, piensa que el tiempo también pinta, y busca entender –al menos captar—aquello que las huellas guardan y dicen aún. Se ha dedicado a la fotografía en varias ramas: al retrato, y una búsqueda por desentrañar la realidad. Continúa con la fotografía análoga, tanto a color como en blanco y negro, para (en contraposición al arte digital) alterar la realidad desde la mirada misma, hasta hacerla irreconocible. También incursionó en la fotografía y el arte digital, para continuar con su fotografía abstracta.  Añadió el plural a su nombre –la letra s— para asumir multiplicidad y saberse muchas dentro del infinito.Desde 1994 ha participado en muestras colectivas e individuales, entre las que destacan el taller y exposición Luna Rossa con el artista japonés Eikoh Hosoe, en el Centro de la Imagen; Evo (Evo m. En teol. persistencia de las cosas eternas // Duración indefinida), en la Galería Marie Louise Ferrari en Xalapa, Veracruz; Pieles, Centro Cultural El Atrio; fjhefhiuhi, o del cuerpo, en Estación Coyoacán Arte Contemporáneo, Fotografía x 6, en la Galería Traeger & Pinto en 2014; Poesía Visual, en la Galería Veracruzana; Agua, y su intervención Dibujar con agua, en la Galería Traeger & Pinto en 2016; #FotografíaSinRetocar, en Casa Quimera, en 2017, entre otras.

 

El coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga!

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Una exposición de arte que servirá como proyecto de recaudación para el Club Rotario Campos en la CDMX.

Este siglo ha estado marcado por conflictos armados, pandemias y diferencias sociales que han estado amenazando a la economía, al medio ambiente y, por consiguiente, a la humanidad. Nadie en todo el mundo ha escapado a su alto impacto, de tal manera que ya no somos los mismo después de haberlos vivido. Estamos llamados, nos dice la experiencia, a ser resilientes.

Importantes líderes políticos, religiosos, organismos civiles, académicos, sociedad civil, han coincidido en alertar a la humanidad de la multiplicidad de los problemas y del tiempo en contra para atenderlos y mitigarlos. Ante tal reto, Jennifer E. Jones, actual presidente de Rotary International, al inicio de su administración hizo un llamado a la comunidad rotaria a que “tomen acciones y sueñen en grande”. El mismo logotipo de su administración lo convirtió en una especie de guía, donde el círculo y los puntos se convierten en una especie de estrella de navegación. Y aun más, “La línea sólida que se encuentra en la parte inferior es lo que se conoce como palo de cavar y se utiliza cuando se realiza un trabajo arduo.” Un símbolo poderoso para “tomar acciones” acordes con nuestros objetivos.

En ese sentido “El Coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga!” es el título de la muestra plástica con la que el Club Rotario Campos Elíseos se suma a este conjunto de voces que advierten de una situación compleja, a la que nadie debe, ni puede ser indiferente. A través del arte, concretamente con la pintura, buscamos mediar entre esta realidad, la conciencia colectiva y la acción.

Gracias a Galería Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende y el artista EH?, desarrolló las series: “Hilos”, “La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos” y “Símbolos”. La primera de ellas, muestra la majestuosidad de los lugares sagrados de las principales religiones del mundo y ejemplos de resiliencia. Imágenes de símbolos que han sido capaces de recrear y difundir el lenguaje humano, la filosofía, las religiones, la cultura. La segunda serie, EH?¿ explora la forma de relacionar la representación visual de las mujeres con referencias literarias. Soluciones muy coloridas y plagada de símbolos que enaltecen la transformación hecha por estas. El artista logra representarlas, en una pasarela imaginaria, como seres inteligentes, luchadoras, modernas y con una voz fuerte y propia. Obras que, de acuerdo con el artista, retoma el halo dorado del arte bizantino para exaltar lo espiritual, lo divino y establecer un paralelismo entre el poder sobrenatural y el humano.

  1. Hilos
  2. La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos.

3. Símbolos.

Series que se definen como una sola al unirlos en la presente exhibición. En el diseño del nomenclátor o catálogo, utilizó el concepto de la nada tanto en el color negro como en la banda dorada que los invade como símbolo de esperanza.

En la serie “Hilos”, el artista busca representar, en la apariencia de la arquitectura, la presencia divina de las cinco religiones más importantes del mundo, definidas por el número de creyentes que al renglón son: Judaísmo, Cristianismo, Islamismo, Budismo e Hinduismo, presentadas en la proyección de monumentos sacralizadores por sus practicantes.

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Wat Arun, Bangkok, Tailandia (2022), EH?¿, serie: Hilos, óleo sobre hoja de oro y tela, 140 x 190 cm.

 La idea plástica se construyó sobre la base de que cada “Hilo” (religión) es la oración sobre lo que se construye el rostro piadoso de Dios; independientemente del nombre que tenga. En la obra “Que el mundo no se deshaga” se aprecia una caída interminable de engranes y piezas de maquinaria que definen la historia como un cúmulo de chatarra en la que sobresale la creencia de la fe, resaltando los íconos que identifican cada religión; confiando en que la rueda de veinticuatro dientes gire permanentemente en la búsqueda del altruismo hacia nuestros semejantes.

La segunda serie “La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos” la construye adverbialmente sobre dos conceptos que se diferencian completamente: la moda y la filosofía. Referencias unidas en la problemática actual del streetwear y el normcore, en cuanto definen la manera social en que nos representamos, v. gr., la actual tendencia del normcore. Al decir de los influencers “Es una crítica a la individualización, a querer ser único. Va en la dirección opuesta, bajo el lema: no, no soy peculiar, solo soy parte de la masa.” (DW, 13 nov, 2014). Idea expuesta en el libro “People of that one first century”, del autor Jon Hójek, quien fotografió a gente común, con cámara oculta en las calles de París, Ámsterdam, Nueva York y Shanghái, concluyendo que a partir de su trabajo, de más de 20 años, vio que la mayoría de ellos se viste igual en cualquier parte del mundo, no importa el estilo, no hay nada único, todo se repite.

 

En el texto de sala para la exposición Erik Castillo escribe: «Las series de EH?¿ que conforman la exposición que aquí se comenta, Hilos, La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintar con el regalo de la palabra: Simónides de Ceos, y Símbolos, se muestran, en efecto, bajo un título-concepto que las integra de manera singular: El coraje de la desesperanza: ¡Que el mundo no se deshaga! EH?¿ conecta la primera de dichas series con la recuperación metafórica de la energía de lo sagrado, a través de la representación (contemporizada) de la arquitectura de los templos emblemáticos de distintas confesiones religiosas».

El Club Rotario Campos Elíseos invita sus socios, a la comunidad rotaria y sociedad civil a participar en este proyecto de recaudación comprando sus boletos para la rifa de 8 de estas obras plásticas, cortesía del artista EH  a través de la Galería Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende.

“El coraje de la desesperanza: ¡que el mundo no se deshaga!” se inaugura martes 1 de noviembre de 2022,a las 19:00 horas en el Museo casa del risco Plaza de san jacinto 5 y 15, san ángel. Alcaldía álvaro obregón. Ciudad de méxico. Permanencia: del martes 2 al domingo 6 de noviembre, de 10:00 a 17:00 hrs

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Volumen y color exposición individual de Chica Ayala

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Desde el inicio de su carrera Chica Ayala se ha dado a la tarea de experimentar nuevas técnicas: ha trabajado con resinas, piedras, fósiles, óleo, solventes, acrílico en hilos de pinturas que se desbordan. Describe sus obras, tanto en escultura como en pintura, como accidentales, abstractas, ya que no sigue un proceso rígido al momento de la producción.

 

Chica Ayala (Monterrey, Nuevo León, 1974) es una escultora y pintora que en las últimas décadas se ha adentrado en obras abstractas donde el color y la libertad en las formas son el eje principal por el cual transita su obra en la que puede crear universos de representaciones y tonalidades, y los que veremos en su exposición Volumen y color que se inaugura el miércoles 28 de octubre a las 18 horas en el Centro Cultural Pedregal .

Chica Ayala inició realizando vitrales irregulares creados con resinas y elementos de la naturaleza con los que logró contornos con una variación de tonalidades translúcidas en crear universos de formas y colores. Se ha dado a la tarea de experimentar nuevas técnicas para poder materializar diferentes tipos de contenido. Describe sus obras como accidentales, ya que no sigue un proceso rígido al momento de la producción. Trabaja con resinas, piedras, fósiles, óleo, solventes, acrílico en hilos de pinturas que se desbordan para dar volumen como si fueran sentimientos opuestos, como es la condición humana pues su trabajo

Para esta muestra ha sumado al lienzo la espesura del color como una eclosión que parece salir de cada obra, formando abstracciones y rupturas sutiles, siempre cromáticas que dejan entrever, acaso, lo que cada pieza esconde sobrepuesta para ofrecer “otras” lecturas… una explosión de color, una mancha en la que está la melancolía o la alegría del momento de creación. Algunas veces, al concluir una obra, nuevamente la interviene con más color que queda dentro como si se tratase de un tatuaje de la propia alma o la infancia como el destino impostergable.

Su obra es resultado de una artista íntimamente relacionada con el paisaje de la naturaleza, una obra intervenida que amasa, mezcla, manipula, moldea, pule, trabaja, labra y pinta con resultados de una obra epóxica como reflexión en torno la condición humana, armonía con el hábitat y sentido a la existencia.

Volumen y color mostrará más de 20 piezas en la que hay sobre todo pintura, pero también escultura, de esta artista en donde veremos acrílicos, chorros de tinta y pigmentos, resinas de combinación epóxica en las que amasa, mezcla, manipula, moldea y pule cada obra.

Chica Ayala (1974) es una artista plástica originaria de Monterrey, Nuevo León, México. Su carrera como artista comenzó en el 2007, año en el que inició también sus estudios dentro de la escultura en el Diplomado en Introducción a la Escultura en el Museo El Centenario en Monterrey. Posteriormente, continuó sus estudios en la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México, con un segundo diplomado en Escultura. Del 2012 al 2018 estudió nuevas técnicas como cerámica y Raku junto a la maestra Hilda San Vicente en el taller El Olvido. En 2014, entró al taller del artista Gustavo Salmones en la Ciudad de México, donde aprendió técnicas escultóricas tradicionales. Desde el inició de su carrera artística, Chica Ayala se ha dado a la tarea de experimentar con nuevas técnicas dentro de la misma resina, su medio preferido, no solo para encontrar un lenguaje plástico propio, sino para poder materializar diferentes tipos de contenido a través de su obra. Ella misma cataloga a sus piezas como accidentales, ya que no sigue un proceso rígido al momento de producir.

Se trata de una obra en constante exploración, con el propósito de innovar y encontrar nuevos medios de expresión para manifestarse. Su intención es expresar el comportamiento social en un interés enfocado en las características de toda personalidad: el ying y el yang que todo ser posee: el yin que significa lo femenino, la luna y la noche, la fuerza pasiva del universo; el yang lo masculino, el sol y la luz: ambas fuerzas constituyen la base del universo y los contrastes de la condición humana. Estos contrastes los simboliza en sus obras en la contraposición de los colores, así como también en la combinación de los diferentes materiales que utiliza. Casi al concluirlas algunas obras son intervenidas por otro color, pero el primero queda dentro como si se tratase de un tatuaje, propia alma o la infancia que es destino. La utilización de los acrílicos con acabado mate simboliza, de algún modo, la oscuridad y la furia de la existencia; la resina, que es luminosa, pretende representar la bondad o la virtud de cada ser.

Ha presentado su obra en países como Estados Unidos, Panamá, Belice y por supuesto, en México. Su obra se encuentra en colecciones privadas en Estados Unidos y México. Ha expuesto junto a artistas como Leonora Carrington, Gunther Gerzso, Pedro Friedeberg, Isabel Pérez Duarte, Philip Bragar, Gustavo Aceves, entre otros.

Volumen y color de Chica Ayala se inaugura el miércoles 26 de octubre a las 19 horas en el Centro Cultural Pedregal -Av. de Las Fuentes 557, Jardines del Pedregal-. Y estará abierta hasta el 8 de noviembre de 2022. La entrada es libre.

La cultura y sus creadores de Baja California en Los Pinos

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Del 21 al 23 de octubre de 2022, el Complejo Cultural será la residencia de comunidades pai pai, cochimí, kumiai, kiliwa y cucapá, así como creadores contemporáneos de otras disciplinas quienes darán una muestra de su arte y tradición

Jesús Bautista y su Big Band presentan Tributo a los grandes cantantes de Jazz: Frank Sinatra, Tony Bennet, Bobby Darin y otros. El domingo el escenario será Cencalli a las 17:00 horas

El gobierno del estado de Baja California, a través del Instituto de Cultura de Baja California, con apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Complejo Cultural Los Pinos, lleva a cabo el festival “Baja California en Los Pinos”, del 21 al 23 de octubre de 2022, de 11:00 a 18:00 horas.

El encuentro de culturas, arte y comida tradicional forma parte del proyecto “México en Los Pinos”, el cual tiene el objetivo de difundir y promover la diversidad cultural, las artes tradicionales y la gastronomía de diversas entidades del país, en línea con el objetivo de la Secretaría de Cultura federal por descentralizar la oferta cultural y, además, fortalecer las economías de las y los creadores de los estados.

En la inauguración al hacer uso de la voz, Alejandra Frausto Guerrero dio la bienvenida a las y los artistas e integrantes de las culturas originarias de Baja California, pai pai, cochimí, kumiai, kiliwa y cucapá, e indicó: “Solamente las culturas de México podrían devolverle la dignidad a este lugar (Los Pinos), solamente la creación, el arte, el respeto por la mayor riqueza, -que es la diversidad cultural-, podía devolver el señorío de lo que somos a un lugar donde se planearon las peores tragedias que nuestro país heredó. Un país en donde se olvidó que los pueblos originarios eran el centro de nuestro trabajo, de nuestro esfuerzo, en donde se vio que la cultura era para unos cuantos”.

A su vez, la titular de Cultura de Baja California Alma Delia Ábrego Ceballos, comentó: “Hemos venido desde el norte para mostrar el orgullo de ser bajacalifornianos, pero no venimos solos. Estamos aquí con los vinos del Valle de Guadalupe, la gastronomía BajaMed y nuestro baile regional del calabaceado y la diversa mezcla cultural que deja a su paso la migración de culturas milenarias; como la china, asentada en chinesca de Mexicali, o como la rusa, que está presente en Ensenada”.

Durante estos días, Baja California en Los Pinos tendrá una venta de arte popular y productos elaborados por las comunidades pai pai, cochimí, kumiai, kiliwa, cucapá y yumana, además, se podrán degustar platillos típicos y disfrutar vinos producidos en la región en la zona del Helipuerto.

A la par, en distintos espacios del Complejo Cultural se llevan a cabo presentaciones de danza y música, además, se tienen exposiciones y una instalación sonora, todo, relacionado con las culturas de este estado.

En la apertura de este Festival estuvieron presentes: la secretaria de Cultura del Gobierno de México, Alejandra Frausto Guerrero; la directora general del Instituto de Cultura de Baja California, Alma Delia Ábrego Ceballos; el director del Complejo Cultural Los Pinos, Homero Fernández Pedroza; la directora general de Vinculación Cultural, Esther Hernández Torres, el director general de Cultural Populares Indígenas y Urbanas, Jesús Antonio Rodríguez Aguirre, y de diversos integrantes de la comunidad cultural de Baja California.

La entrada a todas las actividades del Complejo Cultural Los Pinos es gratuita.

Para conocer la programación completa de “Baja California en Los Pinos” se pueden seguir las redes sociales del Complejo Cultural Los Pinos(@CC_LosPinos), Facebook (/LosPinos.Cultura) e Instagram (@cc_lospinos).

El mexicano Rodrigo de Zayas, participará de las celebraciones a Picasso.

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Málaga, España.-  Málaga se le conoce como la ciudad de los museos y promotora de la cultura.  Octubre se distingue por tener dos actividades donde se suman centenares de personas en torno a las bellas artes. La Noche en Blanco y el XXXV Octubre Picassiano.

Los cuatro elementos, que no pudieron convertirse en arte en 2020 por la pandemia, tuvieron  una nueva oportunidad en la Noche en Blanco. Tierra, fuego, agua y aire fueron  la clave de las más del centenar de actividades que se ofrecieron a la ciudadanía con carácter gratuito por seis horas.

 Las propuestas ofrecidas en La Noche en Blanco han vuelto a dividirse un año más en categorías. Hay que destacar que la categoría con más visitas, aunque no más actividades (8), ha sido la de Acciones Artísticas en la Calle que ha contabilizado un total de 68.715. Lo que demuestra que estas acciones programadas específicamente para La Noche en Blanco resultan especialmente atractivas para la ciudadanía. La siguiente categoría con más visitas y 34  propuestas ha sido la denominada Arte, Museos y Exposiciones que han recibido 37.058 visitas. En tercer lugar se ha situado la categoría de Música y Danza que es la que ha contado con una mayor oferta: 39 actividades. Las visitas registradas han sido de 25.091. Por el punto de información han pasado 18.000 personas.

El homenaje al artista, Pablo Ruiz Picasso, en el 141 aniversario de su nacimiento se completa con un encuentro de Urban Sketchers y la XVI edición de Picasso en las bibliotecas.

Cinco conferencias, un concierto de jazz, una nueva exposición temporal y la celebración de Picasso en las bibliotecas formarán parte de las actividades programadas con motivo de la XXXV edición del Octubre Picassiano. Este evento, que coincide con el aniversario del nacimiento de Pablo Picasso, se centra en la vida y obra del artista malagueño desde una perspectiva divulgativa con el objetivo de dar a conocer los aspectos menos conocidos de su biografía.

El XXXV Octubre Picassiano arrancará el 24 de octubre con la conferencia inaugural del Máster en Desarrollos Sociales de la Cultura Artística de la Universidad de Málaga, a cargo de Luis Sazatornil Ruiz, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Cantabria, y que lleva por título La imagen artística de Andalucía en Europa: de los viajeros a las exposiciones universales.

José María Luna director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso informó que en la fecha del 141 cumpleaños de Picasso, el 25 de octubre, se celebrará un concierto de jazz en el salón de actos de la Casa Natal con Antti Sarpila Hot Trio, también se ha organizado un encuentro del colectivo Urban Sketchers de Málaga para dibujar en las distintas salas de la Casa Natal y una visita guiada por el espacio expositivo para conocer su nueva museografía.

“Además, la Colección del Museo Ruso se suma a esta celebración con un concierto en su auditorio de la pianista Alexandra Dovgan que, con tan solo 15 años, ha asombrado al mundo de la música por su excepcional madurez y virtuosismo a la hora de tocar” explicó Luna.

La siguiente cita será el 3 de noviembre con la conferencia Marius de Zayas, artista de origen andaluz, presentador de Picasso en Nueva York, que ofrecerá Rodrigo de Zayas, hijo del polifacético artista mexicano con raíces andaluzas, que introdujo a Picasso en la ciudad estadounidense y a quien el artista malagueño concedió la primera y más completa entrevista. Este crítico y galerista, entre otras facetas, publicó Cuatro litografías, una carpeta de grabados que propició la primera exposición de Picasso en Estados Unidos y que actualmente pertenece a la colección del Museo Casa Natal Picasso.

  Fotos: J. Carlos Santana

El silencio: clinamen. Exposición de Alejandro Romero Salgado en la Fundación Sebastian

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El silencio: clinamen, es una exposición del artista visual  Alejandro Romero Salgado que se inaugura este jueves 20 de octubre a las 19 hora en la Fundación Sebastián -Patriotismo 304, San Pedro de los Pinos, CDMX-. Se trata de piezas que son resultado de la búsqueda que comenzó́ en 1997, en la que se ha dirigido a la abstracción y simbolismo dando como resultado instalaciones, esculturas, grabados y pinturas que se centran, como eje principal, en la investigación del Silencio, el silencio meditado, el silencio abstracto, la acción y contemplación.

“El silencio logra conectar al artista con su interior y con su entorno; posteriormente viene la contemplación, que permite aprehender lo que le rodea; por consiguiente, la realidad que se está viviendo quedará plasmada en la obra artística logrando transmitir -a veces con lenguaje abstracto- la idea específica que el artista quiso plasmar en su trabajo” se explica en la página web de Romero Salgado.

“La realidad del COVID-19 generó un desequilibrio en el ser humano, sin embargo, se han documentado experiencias que, gracias al encierro, muchos artistas crearon obras importantes para la humanidad”, se añade en un ensayo.

Basado en el concepto de clinamen utilizado por Lucrecio, en De rerum natura, para traducir la expresión griega kínesis katá perégklisin (movimiento desviado o inclinado: parénklisis), que sería lo opuesto al movimiento “meramente vertical”, y en la teoría de cuerdas que supone que “las partículas del universo –electrones, protones y otras– no son los componentes elementales y puntuales del universo, sino el resultado de vibraciones de otras entidades elementales llamadas <<cuerdas>>”, hasta  que el material más denso al tacto, que está en movimiento constante, es energía, Alejandro Romero Salgado presenta esta exposición en la que sus piezas -como se ha confirmado a lo largo de la historia en distintas culturas-  muestran que en efecto todo está conectado a través del vacío.

El artista agrega a su obra esta sentencia: La contemplación es silencio, y el silencio es contemplación. Es en la contemplación del silencio en donde se dan las claves para la posterior acción, la cual contiene una Idea clara de lo que se va a realizar. Ahora: contempla y sé silencio.

Se trata de un concepto tan amplio en arte, filosofía y ciencias, que la teoría del clinamen despertó la atención de filósofos como Karl Marx, Simone de Beauvoir, Gilles Deleuze, Jacques Lacan, Jacques Derrida, Louis Althusser, Michel Serres y Jean-Luc Nancy; el premio Nobel de química Ilya Prigogine apreció su defensa del indeterminismo en el clinamen epicúreo; el término fue retomado por Harold Bloom para describir las inclinaciones de los escritores para «virar» de la influencia de sus predecesores; y ahora Alejandro Romero Salgado hace una obra que se adapta al espacio y al espectador, la simetría, el reflejo, a través de la experimentación de materiales, métodos diversos, y sus posibilidades creativas en la irrupción del entorno y en la propia experiencia perceptiva.

Esto es algo de lo que los espectadores podrán sentir y reflexionar en El silencio: clinamen de Alejandro Romero Salgado en la Fundación Sebastián -Patriotismo 304, San Pedro de los Pinos, CDMX-. La entrada es libre.