A punto de cumplir 69 años, Gritón expone una serie cuadros abstractos que ha titulado “2014” año en el que se encontró repentinamente inmerso en el largo camino de la abstracción.
“En estos ocho años he pintado decenas de cuadros, y lo que vamos a ver es una cuidadosa selección de esa obra en la que está la experimentación, por un lado, y por otro, un trabajado cotidiano con el impulso de crear con libertad”, afirma, este artista que se puso «Gritón» porque desde niño le apodaron así, por el alcance de su voz.
Con títulos en sus obras como: la tormenta que viene, la inestabilidad de la muerte, mujer desnuda extremadamente luminosa; la muestra se inaugura este jueves 25 de agosto a las 19 horas en la Galería V&S, Xola 1662. Colonia Narvarte, Ciudad de México.
Antonio Gritón, artista visual autodidacta, físico y activista cultural, presenta su exposición “2014” año en el que se encontró repentinamente inmerso en el largo camino de la abstracción.
“Pienso que es un camino interminable, en el que siempre está la experimentación y el impulso de crear con libertad. En estos ocho años he pintado decenas de cuadros, y lo que vamos a ver en la exposición es una cuidadosa selección de obra realizada por Enrique León, en la que está la fusión del paisaje, el desnudo, la explosión de colores y la vida misma del autor, como espejos de vida, tránsitos de etapas, una experiencia estética en la que también se puede reflejar la existencia del espectador. Pareciera una exposición colectiva, pero son mis etapas de estos años porque generalmente no me encasillo en un estilo”, apunta en su estudio de la colonia Condesa.
“En la abstracción empiezas por un camino y vas por otro, le pones acá, allá, es de lo más difícil que existe porque es tratar de sacar de manera intuitiva no una idea, sino una experiencia estética. Ha pesar de que la pintura abstracta tuvo grandes momentos en el siglo XX, sigue siendo un campo totalmente abierto a la experimentación, a la imaginación, es un mundo donde la única regla es la libertad. No se tiene que parecer a nada, simplemente son impulsos sobre la tela.
“Para el espectador siempre es un reto observar una pintura abstracta en la que lo que hay es una sensación estética, aunque hagas referencias a paisajes al final lo que estás teniendo es una experiencia estética que en algún momento te puede llevar a llorar o a emocionarte”, afirma.
“La abstracción desde principios del siglo XX y lo que va de este, ha jugado un papel impresionante en la pintura figurativa. La pintura figurativa actual no podría vivir sin lo que se ha hecho con la abstracción y viceversa, es un diálogo constante entre estas dos corrientes que al final nos dan lo que hoy es la pintura. Creo que es una reflexión que viene desde las cuevas de Altamira, que eran escuelas donde los hombres de la tribu llevaban a otros a enseñarles como era un bisonte, una gacela, era el pizarrón de la escuela, y todos tenemos esos colores de la caverna, los tonos rojizos, y luego la influencia de los pintores flamencos que plasmaron tras las imágenes de los santos, un paisaje que ya era la abstracción y eso es lo que ha quedado a lo largo de los años”, reflexiona este artista que comenzó a pintar en 1977 casi por casualidad, luego de encontrar en una librería la novela Helo aquí que viene saltando por las montañas del polaco Jerzy Andrzejewski que contaba la vida de un pintor llamado: Antonio Ortiz.
Entonces compró un libro del expresionismo abstracto de la pintura americana, que lo emocionó: estaban Jackson Pollock, Robert Rauschenberg y Willem de Kooning, entre otros. También comenzó a visitar el Museo de Arte Moderno en donde las obras de Fernando García Ponce lo impresionaron decididamente. “En estos días he pensado mucho en la obra de García Ponce”, precisa.
En sus inicios fue unos meses a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en Xochimilco a la clase de Técnicas y Materiales de Luis Nishizawa. Primero incursionó en la figuración, en la época del neoexicanismo y aunque le resultó muy bien económicamente, lo abstracto lo atrajo de tal modo que en 2014 finalmente pudo plantearse una abstracción sin ninguna referencia a la figuración.
“Son casi 30 años de despegarme y es una vuelta a mi inicio, y quizá estoy haciendo un corte de caja para ver qué paso con mi obra: una vuelta a la abstracción con la que empecé a pintar, pero ahora es una abstracción muy intelectualizada, más pensada y reflexionada en los últimos años con las conversaciones de amigos como Oscar Ratto y Mario Núñez. El arte abstracto es un acto creativo que te da una sensación estética; te abre las puertas de la percepción, te expande la mente, los horizontes, y eso pasa con el arte en general”, apunta.
En esta exposición veremos cuadros de gran formato en los que a partir del desnudo creo abstracciones, o en los que escuchando música obsesivamente comenzó a trazar ciertas coreografías con la manera tomar el pincel y aplicar la pintura.
“Esas maneras de aplicar la pintura es lo que estoy explorando. Y luego pienso mucho los nombres de los cuadros, por eso veremos obras como: la tormenta que viene, la inestabilidad de la muerte, mujer desnuda extremadamente luminosa”, añade.
La trayectoria de Antonio Ortiz Herrera (Ciudad de México en 1953) —mejor conocido como Antonio Gritón—, abarca tanto la producción como el activismo artístico. Desde su obra, que incluye proyectos colectivos autogestivos, ha reflexionado en torno a temas de relevancia e interés comunitario, y también ha articulado acciones ciudadanas encaminadas a construir infraestructura artística y social más allá de la oficial.
Tiene una producción en pintura e instalación muy extensa que ha expuesto en numerosas galerías y museos en México, Italia, España y Canadá, así como en el Pabellón O alterno a la 56 Bienal de Venecia. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores y se le otorgó el premio de pintura en la Bienal Nacional de Pintura de Yucatán. Escribió y planeó la serie de libros de Artes Visuales para educación secundaria de Editorial Umbral, de Guadalajara, con los que se formaron seis generaciones de estudiantes en algunas escuelas secundarias con un notable desarrollo emocional, creativo y de comprensión.
“Muy buenas noches Starlite, qué ilusión me hace estar otra vez aquí un año más, en este escenario tan mágico”, arrancaba el artista mexicano. El cantante, bailarín y actor latino presentó en Starlite Catalana Occidente su último sencillo, 
Michael Grecco quién acudió a la inauguración en Málaga comentó que capturó las imágenes mientras documentaba la escena de los clubes nocturnos y conciertos en Boston y Nueva York durante el inicio del punk rock. 
La Gala Starlite en la subasta consiguió una de las cifras más elevadas en su historia, con una recaudación superior al medio millón de euros en su decimotercera edición, para continuar con la labor de Sandra García-Sanjuán y Antonio Banderas de llevar una vida mejor para quienes más lo necesitan.
“Hablando antes con Antonio, amigo, cómplice y compañero de aventuras, pensábamos en todo lo que hemos logrado durante estos trece años juntos. Quiero dar las gracias a todos los artistas y los amigos que nos apoyan, que nos quieren y que nos siguen, no tengo palabras suficientes de agradecimiento”, agradecía Sandra García-Sanjuán, gran anfitriona de la noche junto a Antonio Banderas: “Sandra no para de decir que yo soy el alma de este proyecto, pero no es verdad. El alma real es ella, es la que se parte el alma porque esto suceda todos los años, y es la que un día hace ya trece años se presentó en mi casa para proponerme hacer esto juntos. Hemos pasado tiempos muy difíciles por la pandemia. Gracias a Dios, estamos aquí de nuevo y trataremos de que esta noche sea una buena recaudación para poder atender con los fondos todos los compromisos fundacionales”, respondía el actor.
Ana Obregón, por su incansable lucha contra el cáncer en jóvenes y niños a través del trabajo de investigación de la Fundación Aless Lequio.
Hernández Oriente, curadora de la exposición de 
El frío en Santiago de Chile se ha dejado caer sin piedad. Temperaturas que van desde los dos grados bajo cero, desde muy temprano por la mañana, hasta los catorce grados de la tarde, pequeño consuelo para muchos. La escarcha matutina se aglutina al césped como si fuera harina espesa, brillante y terrorífica. Una imagen perentoria y que tiene la última palabra (tomo prestada literalmente esta reflexión de Barthes), capaz de horadar abrigos, huesos y secretos personales. Santiago en este tiempo, donde más encima no ha llovido casi nada, nada, cobija el hastío y languidece bajo un smog imponente y apocalíptico. La gente tose, tirita y camina robóticamente a la vez. Sus miradas se congelan frente al asfalto callejero, al semáforo, a las veredas o a un punto perdido en el horizonte (quién sabe si allí encuentran algún recuerdo perdido del verano pasado, con ropa ligera y terrazas desbordadas en jolgorio y cerveza). La mascarilla pandémica es acompañada por bufandas negras. En esta capital de Sudamérica -pareciera estar hundida en una cadencia indolente que llega a desconcertar- se multiplican los transeúntes con indumentaria oscura y gris, aunque el sello de la diferencia se puede hallar, a veces, en parejas caribeñas o grupos de adolescentes vestidos con chaquetas y zapatillas muy coloridas, transgrediendo la norma del estilo sombrío. Gonzalo Rojas afirmaba que Santiago era “capital-de-no-sé qué”. Esta ciudad podría manifestarse como paisaje de pesadilla nocturna donde reina el Imbunche, aquel monstruo cuadrúpedo y pequeño de la mitología mapuche y de la isla de Chiloé, con intenciones de deformar avenidas y edificios. Imbunchismo en todo su esplendor jorobado, de cemento, con ese espíritu desolador tan bien definido por Joaquín Edwards Bello en una de sus crónicas, aparecidas en su libro Mitópolis.
Hace unos días vi por televisión un documental de Carlos Flores del Pino donde retrataba a un cincuentón José Donoso, escritor chileno y figura clave del boom latinoamericano. Era el Chile de mediados de los setenta y el autor hablaba sobre su infancia, la monstruosidad latente en su obra, la evocación de lugares y personas de gran significado en su vida como Teresa Vergara, la sirvienta que lo cuidó y crió desde niño y quien aparece en el film al igual que el padre del novelista, su sobrina Claudia, el crítico y académico Cedomil Goic o María Elena Gertner, Enrique Lihn y Guillermo Blanco, amigos de la Generación Literaria del Cincuenta. Este trío mantiene con Donoso una animada charla en un restaurante capitalino, alrededor de una mesa con suculenta comida, ponche de durazno, borgoña (vino tinto con frutillas), humo de tabaco -cuando se podía fumar sin problemas al interior de los recintos cerrados- y al medio un micrófono que cuelga boca abajo, donde los ilustres tertulianos intercambian animadamente ideas, anécdotas y nombran con afecto a Teófilo Cid, poeta surrealista del grupo La Mandrágora, parroquiano de míticos bares y artífice indiscutible de la convergencia entre desvarío etílico y academia. Donoso se consideraba un “paria” frente a la sociedad, pero supo encontrar en la escritura su refugio ante la incomprensión del resto, su lugar sin límites, parafraseando el título de una de sus grandes novelas, apetecida por Luis Buñuel para llevarla al cine (al final la dirigió Arturo Ripstein con ese gran elenco mexicano formado por los entrañables Roberto Cobo, Lucha Villa, Gonzalo Vega, Ana Martín y Fernando Soler).
Y reflexiona: “Se cree que el yo es el cuerpo, pero si ese concepto está en el cerebro, en qué parte del cerebro, incluso los pensamientos nos hacen creer lo que somos, pero ¿en dónde queda el yo?, ¿puede ser desmembrable? Allí está la forma y el fondo, representaciones que funcionan en el fondo de otras, como construcciones son espacios nada más de otros espacios y formas” dice Aidee de León quien para este proyecto cuenta con el apoyo del Sistema Nacional de Creadores.
En su pintura también su experiencia con la Escuela Nacional para Ciegos en donde ofreció algunos talleres y aprendió “esa realidad aparte donde creer que lo real es una ficción”. Algunas de estas obras están inspiradas en esa experiencia de aprender a ver con olores, con los pigmentos, la meditación, para crear modelos e imágenes nada más en la mente.
Aidee De León comenzó sus estudios de manera profesional en la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad en Artes y Diseño de la UNAM, dónde su interés por la pintura figurativa continuó hasta el posgrado que realizó en la Universidad de Barcelona. Allí cursó el Máster en Producción Artística e investigación, lugar dónde su pintura comenzó a profundizar en los objetos mismos a manera de deconstrucción. Las nuevas espacialidades que descubre en la pintura la llevan a estudiar abstracción en Buenos Aires con Ricardo Maldonado. Desde el año 2005 la autora incursiona en la abstracción con un lenguaje que se ha ido desarrollando hasta la actualidad con una poética propia. Investigó dentro del desarrollo de los conceptos de abstracción en su tesis de Maestría en Artes Visuales de su casa Máter y en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1998 ha participado en muestras colectivas en México y Europa, en Argentina y Asia, e individuales en México y España. Su trabajo ha sido seleccionado en certámenes y Bienales de pintura, ganó Mención honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven, de Aguascalientes. También obtuvo el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana, por parte de La Tertulia Ilustrada de Madrid. En dos ocasiones ha sido acreedora a la beca de Jóvenes Creadores del FONCA y actualmente a la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Ha realizado estancias en Kanazawa, Japón; Estancia de Producción en Pintura, Fundación Rodríguez Amat; Centro de Arte Contemporáneo, Barcelona. Ha sido seleccionada para formar parte del Archivo del Programa Bancomer-MACG Arte. Ha sido invitada a proyectos Comparte Arte 7 Colección: PSYKHÉ, arte pictórico abstracto, en Guadalajara, y en dos ocasiones al proyecto La poesía vista por el arte, y El arte del vino para MilenioTV.