Skip to main content
search
Tag

Exposición

Cultura en Bicicleta en el Senado de la República. 80 artistas visuales y dos colecciones sustentables, del 9 de abril al 12 de abril 2024.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El Senado de la República, en su misión también de promover la cultura y los creadores en México, se complace en invitarlo a la exposición: Cultura en Bicicleta en el Senado de la República, en la que participan más de 80 artistas visuales, y dos colecciones de fundaciones que buscan la sustentabilidad, todos con una idea: mirar las muchas posibilidades que nos ofrece la bicicleta fundida con el arte: dos objetos que nos impulsan en liberación, emancipación y la emoción.

La inauguración se llevará a cabo este martes 9 de abril a las 13 horas con la participación del senador José Ramón Enríquez Herrera, anfitrión de la exposición en la sede de la cámara alta del Poder Legislativo federal de México, y algunos de los artistas participantes: el escultor Sebastián, la artista visual Leticia Vieyra, y el curador y artista Enrique León, quien estuvo a cargo del montaje de la exposición.  La cita es en el espacio La cuña del Senado —Paseo de la Reforma No. 135, Col. Tabacalera, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06030 CDMX— acceso por la puerta 4.

Se trata de una exposición de obras visuales de un reconocido grupo de artistas mexicanos y/o residente en el país, que hacen una metáfora de este invento que cambió la historia, revolucionó el transporte, ayuda a mejora la salud y la economía, es amigable con el medio ambiente y ha continuado su evolución desde hace 200 años.

Piezas que son metáforas de la bicicleta como una fiesta de creación. Los visitantes se encontrarán con una muestra en la que, a través de obras en disciplinas y técnicas diversas como pintura, escultura, dibujo, gráfica, fotografía, arte objeto y bicicletas intervenidas, se recrea un homenaje a este vehículo libérrimo, autónomo, personal y, quizá, principalmente, lúdico.

El arte y la bicicleta se conjugan en sus características propiciatorias de libertad, es ahí dónde se tocan, por eso, (tantos) escritores, poetas, pintores, escultores, músicos y artistas visuales, han dedicado trabajos creativos para hablar de su afición, gusto y amor por la bicicleta.

El origen de la bicicleta es algo confuso, pero es casi un hecho que la primera bicicleta la inventó en 1817 el alemán Barón Karl von Dais, denominada “Laufmaschine” que en ese idioma significa «máquina andante». Debido a su éxito al desplazarse sin depender de nada y a lo divertido de su traslado, más inventores tomaron el concepto que muy pronto se convirtió en un objeto de moda, sobre todo en países europeos como Francia y Reino Unido. Los ingleses le llamaron “the bicycle”, los franceses lo tradujeron en femenino como “la bicyclette”. En la década de 1860 la industria de la bicicleta empezó a desarrollarse; a finales de 1890, la bicicleta con las dos ruedas del mismo tamaño, supuso su evolución. Surgió “la locura de la bicicleta”.

Una mujer que sabía montar en bicicleta lograba una movilidad que la hacía ponerse al mismo nivel que los hombres. Hay quienes afirman que las bicicletas hicieron más por la emancipación de las mujeres que ninguna otra cosa en el mundo.

A México las bicicletas llegaron importadas de Estados Unidos y Europa, durante la época del porfiriato como símbolo de modernidad, se calcula que en 1896 había 800 bicicletas rodando por la Ciudad de México. En los cincuentas, comenzó a ser utilizada por obreros, lecheros o panaderos, vendedores de tacos de canasta… en 1998 nació Bicitekas, con ellos tuvo lugar el primer paseo nocturno masivo. Hace 14 años la ciudad de México incluyo en el transporte a Ecobici. El crecimiento ha sido exponencial –una bici andando ocupa tan solo el 5 por ciento del espacio de un coche– en la actualidad hay ciclista casi en todo el planeta afanándose por ciudades más humanas; la presencia de ciclistas urbanos beneficia a todos y hace que las ciudades vuelvan a ser para las gente. Lo mismo sucede con el arte que toma las calles y las almas para hacernos más humanos.

 

 

 

Participan

Gilberto Aceves Navarro. Fernando Aceves Humana. Kika Aguilar-Arrangóiz. Alejandro Aguilar Bustos. Juan Pablo Aguilar. Aldo Alcota. Gabriela Arévalo. Ricardo Arjona. Lola Argemí. Fernando Aroche Bello. Magali Ávila. Chica Ayala. Claire Becker. Juan Berruecos. Fil Calixto. Lorena Camarena. Alberto Castro Leñero. Margarita Chacón Bache. Selene Chávez Castro. Eunice Chao. Enrique Chiu. Jesús Cruz. Rogelio Cuéllar. Hermes Díaz. Alejandro Escalante. Aldo Flores. Demián Flores. Erube Flores. René Freire. Ana Fuentes. Antonio Gritón. Pilar Goutas. Jazzamoart. Pedro de Jesús. Christa Klinckwort. Arturo Lazcano. Aidée de León. Mayra León. Enrique León. Isabel Leñero. Gabriel Macotela. MarLeón. Eric Martel. David Martín del Campo. Héctor Massiel. Gabriela Medrano. Octavio Moctezuma. Cristóbal Montoya. Mario Navarro. Filogonio Naxin. Jorge Panameño. Roberto Parodi. Carmen Parra. Néstor Quiñones. Beatriz Rebollo. Martín Rentería. Jesús Reyes Cordero.. Gerardo Rivera Kura. Cecilias Rodarte. Rodrigo Rodríguez. Vicente Rojo Cama. Rubén Rosas. Patricia Salas. Sebastian. Emilio Sánchez Díaz. Emilio Sánchez Rijlarsdam EMSAR. Juan San Juan Rebollar. Nunik Sauret. Luis Manuel Serrano. Dorian Soto. Arturo Sotomayor. Luciano Spanó. Eloy Tarcisio. Herles Enrique Velasco. Adonay Vásquez. Laura Vázquez. Leonardo Vázquez Cano. Alejandro Vázquez Suárez. Leticia Vieyra. Álvaro Viteri González. Barry Wolfryd. Juan José Zamarrón. Ernesto Zeivy. Andrés Zuno. Bicicletas intervenidas por miembros de la comunidad wirrárika (huicholes), colección Monk. Colección bicicletas homenaje a Aceves Navarro XOLOPLASTICS®.

8 de abril de 2024
Love0

Fotografías Icónicas de Man Ray se exhiben en el Museo Carmen Thyssen Málaga

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.- La exposición Man Ray. Fotografías Selectas está conformada por obras de 60 piezas procedentes de la colección privada francesa. Se estructura principalmente en 3 temáticas, el desnudo, el retrato y los radiogramas personales. Esto es, fotografía realizada sin cámara que se obtiene colocando objetos sobre el papel fotosensible y exponiéndose a la luz durante unos segundos. 

Lourdes Moreno, directora artística del Museo Carmen Thyssen Málaga, explica que se expone un conjunto de obras icónicas de Man Ray (1890-1976), uno de los más grandes fotógrafos del siglo XX y pionero en el reconocimiento de la fotografía como un medio artístico de pleno derecho. 

Pierre- Yves Butzbach y Robert Rocca, curadores de la exposición indican: “Autor de un repertorio exquisito, determinado por los valores estéticos de la luz y la fantasía, en el que sin embargo prevalecen aspectos propios de las artes plásticas. Nacido en Filadelfia, Pensilvania, de padres judíos de ascendencia rusa, Emmanuel Radnitzky cambió su nombre por un pseudónimo de dos sílabas: «Man» —hombre (diminutivo de Manny, su apodo de la infancia)— y «Ray» —rayo—. Tras vivir como pintor la efervescencia de la vanguardia en Nueva York, Man Ray llegó a París en julio de 1921, procedente de Nueva York en julio de 1921, sin conocer el país y el idioma, pero no era un territorio totalmente desconocido”.

Explican que en Nueva York había convivido con Adon Lacroix, escritora y poeta de origen belga, se relacionó con intelectuales y artistas de origen europeo y trabó amistad con Marcel Duchamp, quien no tardó en percatarse de las infinitas posibilidades que ofrecía la fotografía. Introducido en París por Duchamp, fue calurosamente acogido por los escritores y poetas dadaístas André Breton, Philippe Soupault, Louis Aragon, Paul Éluard y Robert Desnos. Man Ray no pudo más que adherirse y participar en esta reacción en cadena de procesos experimentales, y más tarde en los innovadores e interdisciplinarios experimentos artísticos de los surrealistas.

Rocca destaca: “ Un ámbito en el que sobresale Man Ray es en la captura de desnudos y estudios de anatomía, que reflejan su idea del cuerpo como objeto de deseo. Figuras rebosantes de la «belleza convulsa» que preconiza el surrealismo, cuya expresividad se acentúa mediante audaces encuadres, transparencias, juegos de luces o fragmentaciones. Una visión erótica de la mujer empoderada y atrevida, como en las fotografías protagonizadas por colegas, musas y amantes como Meret Oppenheim, Lee Miller, Dora Maar, Suzy Solidor o Kiki de Montparnasse”.

Explican que la vertiente más experimental de Man Ray se halla en su atracción por los elementos cotidianos y de escaso valor artístico. Especialmente en los rayogramas, que son fotografías que realiza sin cámara. Imágenes silueteadas en negativo y a escala real que obtiene al colocar pequeños objetos sobre el papel fotosensible y exponerlos a la luz durante segundos. Un conjunto que agrupa en el álbum Champs délicieux (1922), con prefacio del poeta dadaísta Tristan Tzara, autor del término rayographies, derivado del pseudónimo del fotógrafo.

Los visitantes a la exposición  disfrutaron  de una interesante galería de personajes ilustres del París de los años veinte y treinta, en los que el retrato y la fotografía de moda le proporcionan un formidable prestigio. Esas composiciones, con sobrias puestas en escena y concentrada atención en los rostros, destacan por la pericia técnica de su autor y constituyen un prodigio creativo inédito en el género. Como complemento, mostramos en una vitrina un grupo de autorretratos del fotógrafo, donde se advierte su faceta más despreocupada, burlona y performativa a lo largo de los años.

Man Ray. Fotografías selectas sigue a otras exposiciones dedicadas a la misma disciplina como  Memoria de las calles, Fervor de Buenos Aires, Street Life. Lissette Model y Helen Levitt en Nueva York y Paul Strand. La belleza directa.

 

8 de abril de 2024
Love0

Bulevar Espacio Cultural Abierto expone Concierto de Colores de Paloma del Amo

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Torremolinos, Málaga.-  Bulevar Espacio Cultural Abierto se complace en presentar Concierto de Colores  de Paloma del Amo  (Madrid, España., 1957)  exposición individual que presenta 26 obras en acrílico de diversos formatos. Sus obras se caracterizan  por el color en sus paisajes, pero también tienen su sello en las aves que plasma. 

Las obras que pueden verse en el Café Bulevar by NA,  en Torremolinos; capta la atención del espectador y descubre una pintura rica en matices cromáticos, muestra  una visión  del mundo a través de las flores y la naturaleza. Su realidad queda plasmada en cada obra,  el encuadre y el tratamiento de la pincelada logran la comunión de un lenguaje colorista ágil e inagotable frescura.

Paulo Molleda, responsable de Bulevar junto con Juan Royo indicaron que la obra de la pintora madrileña tiene un color que da vida al lugar.

Molleda empezó la inauguración dando la bienvenida a los asistentes con su tradicional participación musical. Y recalcó que Bulevar Espacio Cultural Abierto es un proyecto para que la cultura se haga presente y se fortalezca con la asistencia de artistas que deseen que sus obras sean vistas por el público. 

Agradeció la confianza de Paloma y seguidamente María Esther Beltrán realizó una breve entrevista con la pintora para que los asistentes conocieran de viva voz de la artista su obra.

Paloma es madrileña de nacimiento debe sus comienzos e inspiración artísticas a la ciudad de París donde residió por un período de seis años y efectuó su primera exposición.  

Paloma ha viajado por ciudades como Cannes,  Montecarlo,  Niza y Burdeos llevando mostrando su trabajo artístico.

“Nací en Madrid y allí pasé mi infancia. Siempre me gustó pintar. Con 12 años, mi padre fue destinado a París y toda la familia nos fuimos allí a vivir. Yo seguí estudiando en el Liceo Español y allí uno de mis profesores de dibujo me animó a pintar con óleo sobre lienzo. Pasaba muchas horas de mi vida pintando y eso me aislaba de una vida que, lejos de mis amigos de adolescencia, se me hacía difícil.”, indica Del Amo.

“Las personas que han visto mi obra coinciden que se ve mucho el color azul. Es innato pintar con un azul verde. Es el color que más utilizo”.

– ¿Por qué las aves? 

– Bueno, a mí me gustan las aves, porque tienen alas, porque vuelan, porque son capaces de irse lejos.  Y de mirar todo desde otra perspectiva. Y pienso que son animales maravillosos. Me gustaría si yo fuera una de ellas  poder volar.

 “Yo me pongo a pintar y me olvido del tiempo. A lo mejor tenía que hacer algo y se me ha olvidado y es  porque el tiempo deja de existir. Yo me pongo a pintar y me olvido  de todo lo que ocurre a mi alrededor. Entonces estoy realmente en otro mundo, estoy metida dentro de la obra.”

La pintora madrileña respecto a los paisajes declaró que algunos si son recuerdos de sus viajes, pero otros son creaciones. Y que recurre mucho a la música.  

“La música me inspira muchísimo. Además, me pongo a bailar, estoy pintando y bailando. Me muevo por toda la casa y miro el cuadro desde lejos y vuelvo”

Sobre el aporte de la Costa del Sol a su obra: «Me ha aportado luz y alegría. El  ambiente, la personalidad de las personas que viven aquí, su carácter. Todo eso, a mí me gusta. Me gusta vivir aquí,  porque encuentro gente con la que me siento bien”.

Paloma ha participado en varias exposiciones colectivas.

“Marbella, donde viví desde 1980 hasta el año 2000, fue la etapa de mi vida en la que realicé

numerosas exposiciones y me sentí realizada con mi dedicación a la pintura. Tras varios cambios en mi vida, sin dejar nunca de pintar, pero durante bastantes años con menos intensidad, llegué a Alhaurín de la Torre y hace algunos años conocí la Asociación Pincel y Barro con cuyos socios comparto mi amor por el arte”.

Entre los asistentes estuvo su hermana Nieves  del Amo y los artistas Juan Manuel Vargas Vega y Ellen Dijkgraaff. La exposición permanecerá hasta el 15 de mayo, en Café Bulevar By NA en Torremolinos.

 Fotos: J. Carlos Santana

8 de abril de 2024
Love0

Abstractions By Chica Ayala, exposición como una eclosión de abstracciones y rupturas sutiles.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La artista regiomontana exalta en 25 obras los contrastes de la cotidianeidad y el panorama social desde su sensible visión del mundo contemporáneo. La muestra se presenta desde el pasado 7 de marzo en la galería Picci Fine Arts, Alpes 700-A esquina Monte Blanco, Lomas de Chapultepec, CDMX, y estará durante todo el mes.

En una eclosión de abstracciones y rupturas sutiles, explora diversos materiales como resinas, madera, metal o vidrio, y experimenta colores radiantes producto de la mezcla fortuita.

En las obras de Chica Ayala la viveza profunda y el entorno inmediato devienen en fragmentos contrastantes, plenos de colores y texturas nítidas; incluso en algunas de sus piezas hay una referencia al Pop Art, donde los colores brillantes confrontan y dominan el soporte.

Bajo este imaginario se revela la reciente propuesta de las piezas que muestra en Abstractions By Chica Ayala. La muestra está compuesta por 25 piezas, obra realizada durante el 2023 y los primeros meses del 2024, integrada por lienzos y esculturas, en diversos tamaños y formatos,  explora con materiales rígidos como resina, madera, metal y vidrio. Pinturas, piezas que son para la mirada una experiencia estética y un universo para la imaginación.

Desde sus inicios Chica Ayala (Monterrey, Nuevo León, 1974) experimenta nuevas técnicas; describe sus obras como accidentales, abstractas. Trabaja con resinas, piedras, fósiles, óleo, solventes, pigmentos, acrílico en hilos de pinturas que se desbordan para dar volumen como si fueran sentimientos opuestos.

Tal y como lo dijo el filósofo Ferrater Mora, abstraer significa “poner a parte”, “arrancar” cuando poner aparte es mental y no físico, la abstracción es un modo de pensar mediante el cual separamos conceptualmente algo de algo, Chica al abstraerse se separa de lo que se piensa convencional, causal y accidental, de ahí que en su obra utiliza la abstracción como el recurso fundamental de su lenguaje visual, donde también está su preocupación por los problemas del mundo contemporáneo.

Chica Ayala se nutre de la espiral de la vivencialidad cotidiana y social para integrar y fragmentar sus inquietudes al núcleo imaginativo con el que se expresa.

En su proceso creativo, la artista agrupa los colores y las texturas en composiciones con las que  crea  un lenguaje en el que están sus sentidos y experiencias; hay en las piezas una exploración constante e inefable de su entorno, que no busca explicarse al espectador sino hacerlo sentir los opuestos en las formas y los trazos amorfos de sus piezas.

Aquí la intuición es esencial en la depuración progresiva de la realidad, al mismo tiempo, como una obra abstracta, está también sujeta a la vida cotidiana y su contexto.  Elementos como la guerra y la desigualdad social forman parte de esos cotidianos que cargan de significado la propuesta artística de Chica Ayala.

 Aldo Flores curador de la muestra expresó: “Chica refleja muy bien al artista, porque se apega a las reglas del un artífice rebelde y revolucionario, ese que trabaja con lo que tiene a la mano, sin importar los materiales…Ella no cesa, no para en su creación, se vuelve una bomba atómica, pues con casi dos décadas en el mundo del arte ha logrado ya un estilo personal…”

En su anterior exposición La Forma del Alma (abril 2023) exteriorizó las formas más íntimas del aliento que da animación a la materia; ahora con Abstractions la artista insiste en metáforas indefinidas donde está la melancolía pero también la dicha.

“Experimenta con las formas, con trazos más libres… en algún momento estaba más estructurada en hacer la obra muy formal, ahora en el instinto hay mayor soltura“ añadeió Flores.

En la inauguración estuvieron, además de la artista Chica Ayala, Picci Aguilar, director de Picci Fine Arts; Juan Pablo Aguilar, responsable de la Galería y Aldo Flores, curador de la muestra, un centenar de espectadores

La exposición estará abierta al público durante el mes de marzo en un horario de lunes a viernes de 09:00 a 17:00 horas, y los sábados de 11:00 a 15:00 horas. Otros horarios, previa cita.

 

ABSTRACTIONS BY CHICA AYALA
Una serie de obras elaboradas exclusivamente para la ex-posición, con diferentes formatos, sumergen a los visitantes en un ambiente minimalista de colores pop. Chica Ayala toma prestado el conocimiento de viejos maestros como Durero al superponer capas de pintura para lograr un efecto sutilmente transparente. La pintura al óleo se sustituye por resina epoxi en la que se insertan pigmentos acrílicos. Chica Ayala también reinventa el Action Painting, dándole un toque posmoderno a las obras que produce.
A partir de relaciones personales entre formas, colores y el proceso de elaboración -un cuidado balance entre lo fortuito y lo controlado-, Ayala produce matrices de imágenes para pinturas epoxi en las que inserta pigmentos acrílicos y gotas sobre la superficie de un lienzo. Las pinturas «táctiles» de Ayala poseen una luminosidad y una sensualidad interna únicas unidas a una técnica compleja de su propia autoría.
Texto de sala por Juan Pablo Aguilar

CHICA AYALA
(1974, Monterrey, MX)

Chica Ayala realizó sus estudios de escultura en la Universidad Iberoamericana (2014) y complementó su dominio en las técnicas
tradicionales de la escultura, en el taller de Gustavo Salmones, en Ciudad de México. Se formó en la cerámica de alta temperatura y
raku en el Taller Olvido, con Hilda San Vicente (2012).
A partir del 2012, Ayala ha participado, de manera ininterrumpida, en diversas exposiciones anuales conmemorativas del Salón Dès
Aztecas (ediciones de 2012 a 2022).

Sus exposiciones individuales: La forma del alma (2023) en la Galería Casa EME, y Volumen y color en el Centro Cultural Pedregal, 2022.
Ha participado en diversas exposiciones colectivas como Salón Dés Aztecas, 35 años de arte (2023); en 2022 presentó Llegan rodando de México a Belice en el Instituto de Cultura de México en Belice, y A pesar de la realidad en la ARM NFT & Contemporary Art Gallery, Liliths de mayo invitadas al paraíso en la galería La Mercantil del Diseño, en Ciudad de México; están también Subasta Silenciosa Edifcando Sueños en el Centro Cultural Fátima de Monterrey y la Colectiva en Galeria Mosaico en Ciudad de México (2022); Art Raiders en la galería La Mercantil del Diseño (2021); en la Ralwins Gallery, en Atlanta, Georgia, EUA y en la I Bienal de Panamá, en el Pabellón de México, ambas de 2020; Refejos de Pushkin (2019) y en la International Art Fair Inspire, en el marco de la Art Week en Miami, Florida, EUA (2019); la Feria de Arte en The American School Foundation, Ciudad de México (2018), y Dialéctica entre el límite y el trazo (2018); la Subasta de Arte Fuck Cancer en la ciudad de Monterrey (2015); Rasgos comunes (2013) en el taller El Olvido, en Ciudad de México, Mírame y no me toques (2007) en el museo El Centenario de la Secretaría de Cultura de San Pedro Garza García, Monterrey.
Su obra se encuentra en colecciones privadas de Estados Unidos y México.

12 de marzo de 2024
Love0

“Convergencias” una exposición en la que Laura Vázquez hace homenaje a la literatura a través de la cerámica.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La muestra se presenta en el Centro Cultural San Pablo en Oaxaca

Laura Vázquez González expone en la colectiva “Convergencias” con piezas en las que busca exaltar su amor por la poesía y la cerámica, uniendo ambas artes en cada obra como un punto de reunión y liberación, mostrando que las dos están presentes y marcan de alguna manera nuestra vida cotidiana.

La muestra se exhibe desde el pasado 2 de febrero en Centro Cultural San Pablo –sede la de la Fundación Alfredo Harp Helú—en la ciudad de Oaxaca, Hidalgo No. 907 Antiguo Callejón de San Pablo, y podrá visitarse hasta el 5 de mayo de 2024.

“Convergencias” se titula así porque reúne el trabajo de 19 mujeres de la Ciudad de México que muestran sus coincidencias a través de sus piezas realizados en el taller Proyecto 931, dirigido por Maya Colmenares, en el que pretenden hacer también un homenaje al fuego y otros recursos de significación que convergen en este mundo contemporáneo y globalizado en el que nos hallamos unos frente a otros: diseñadores, arquitectos, curadores, historiadores, poetas, ceramistas…

A invitación de María Isabel Grañén Porrúa, investigadora doctora en Historia del Arte y presidenta de la Fundación Alfredo Harp Helú, quien está convencida de que la lectura es un factor de cambio e inclusión social, se organiza esta exposición en la que Laura Vázquez, también poeta y editora, presenta obras que ha trabajado en los últimos dos años para acercar a más público a la literatura y a la poesía a través de la cerámica.

En su trabajo  está su admiración por ceramistas como Gustavo Pérez; y por escritores como William Carlos Williams, Cesar Vallejo, Jorge Luis Borges; los premios Nobel Naguib Mahfuz, Kazuo Ishiguro, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Annie Ernaux; papiros, e incluso una pieza de cerámica que es una prensa de encuadernación, un homenaje a Juan Pablos, el primer impresor de la Nueva España, en la que se puede leer su famosa frase: “habiendo que hacer, trabaje y no pare”… así como poemas escritos por la propia Laura Vázquez.

Esta artista visual, estudió primero Literatura Latinoamericana, y en la Universidad de Oxford realizó un diplomado en literatura inglesa, interesada sobre todo crear un taller de teoría literaria y niños, debido a su pasión por difundir la palabra.

Más tarde pudo explorar otras áreas de la cultura como la cerámica, un material ancestral en las manos de los hombres, y buscó fundirla con la literatura para realizar murales en homenaje a diversos autores.

En su obra expuesta en “Convergencias” podemos ver un mural, con mosaicos de doble cara, dedicado al poema “Los heraldos negros” del peruano César Vallejo, realizado con la técnica rakú para simbolizar el color obscuro de los versos con la quema de la cerámica, transformándola con elementos como la tierra, el fuego, el aire, el agua, y que combinó con acrílico. Otra obra es para la novela El gigante enterrado de Kazuo Ishiguro en donde las leyendas del pasado, memoria y olvido, se tocan en el arte y la palabra. Y una al poema “The Red Wheelbarrow” (La carretilla roja) de William Carlos Williams, dónde como su autor, lo único que pretendió fue retratar un instante en el amanecer, con gallinas, y aún se puede percibir el rocío de la mañana. También hay papiros hechos con arcilla, barro, alfarería o terracota que homenajean los libros antiguos o los papeles apilados.

“La cerámica está en nuestras vidas, todos hemos tomado un plato de sopa en una pieza de cerámica, y quizá no nos detenemos a ver de qué se trata. La cerámica lleva procesos muy similares a lo que es la producción de un libro, corren como paralelos, tiempos de fatiga y reposo: No se trata nada más de crear objetos bellos y utilitarios, sino que tengan un sentido para nuestra vida”.

Su propuesta artística busca conectar la cerámica, las artes gráficas, y la literatura, ya que está convencida de que el arte cambia la apreciación de la realidad y enriquece nuestro entorno. Su obra mezcla representaciones objetivas de espacios internos que conectan su espíritu con sus novelas y poemas favoritos; combina técnicas de quemas experimentales que arrojan efectos a sus piezas de cerámica y que son resultado de la pasión del fuego aliado también a sus lecturas.

A lo largo de su trayectoria profesional Vázquez González ha realizado publicaciones para museos, libros infantiles y de poesía. En los últimos años ha explorado integrar la cerámica para hacer más visible la literatura e integrarla a un constructo de Literacidad social.

Laura Vázquez como editora estuvo a cargo de la coordinación editorial del catálogo de “Convergencias”, en el que las algunas de las 19 artistas presentan, además de cerámica, pinturas y dibujos. En la muestra participan: Maya Amrein, Maya Colmenares, Ana María Forero, Elsa González, Magdalena Mosig, María Mora, Natalie Priede, Lucia Rocha, Cristina Rodrígo, Jeanne Saade, Elena Sánchez Mejorada, María Sordo, Fortuna T de H, Alexandra Trímboli, Laura Vázquez y Fernanda Vizcaya.

13 de febrero de 2024
Love0

Bulevar Espacio Cultural Abierto presenta la exposición More Creativo

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Torremolinos, Málaga.-  El artista español, Moisés Requena Picazo, inauguró su exposición en el Bulevar Espacio Cultural Abierto, en Torremolinos Málaga. La muestra More Creativo  cuenta con  veintitrés ilustraciones en las que  se puede ver en  un mundo lleno de color y fantasía, recreando todo lo que se pueda imaginar dentro de un mismo estilo, único y con identidad.

“Dentro de mis obras podrás encontrar rincones destacables de cada zona o ciudad, a la vez que interpretaciones con estilo propio de pintores y artistas, llevándolas a un nuevo mundo lleno de color y de vida”, explica Requena Picazo.

En la inauguración asistieron la alcaldesa de Torremolinos, Margarita del Cid, el concejal del área de Cultura, Eventos y Tradiciones, José Manuel Ruiz y el concejal de Educación , Igualdad y Empleo, Francisco García.

Paulo Molleda, explicó que junto con la periodista mexicana María Esther Beltrán ha creado Bulevar Espacio Cultural Abierto, para ofrecer un lugar a todos los creadores que deseen presentar su trabajo ante el público.

“Nos gusta la cultura y deseamos que un día quede constancia del trabajo que hacemos para apoyar a los creadores, sean artistas plásticos, dramaturgos, cantantes y artistas que deseen tener un espacio para la divulgación de su trabajo”, expresó Molleda ante las autoridades del Ayuntamiento de Torremolinos.

Indicó que no se imaginaban la repercusión que hasta el momento tienen. Desde que empezó este proyecto cultural se han presentado exposiciones  locales, como fue la del la artista Ana Ropa, nacionales; Narchy quién es el creador de la estatuilla de los premios Bulevar y actualmente el artista   Moisés Requena; además de tener obra internacional como la  del artista mexicano Erik Rivera.

Requena  explicó: “Esta exposición la  llevo preparando desde hace tiempo. Nace de la necesidad de expresar con color y con alegría todo aquello que ven mis ojos y pasa por mi cabeza. Llevaba tiempo queriendo ampliar horizontes y venir  Andalucía, y qué mejor forma de hacerlo que estar en este Bulevar que me abrió las puertas y me ofreció este espacio cultural en el que poder darme a conocer”.

Para los que no me conocéis, -expresó Moisés Requena-  estoy detrás de la marca More Creativo. Orgulloso de mi querida Mancha y mi pueblo Villarrobledo, cogí mi carpeta y mis lápices para estudiar Diseño Gráfico en Elche y me afinqué en Alicante. Así podréis entender el porqué de muchas de las zonas que veréis en esta exposición. Desde cualquier rincón de mi querido pueblo, hasta las bocas de metro de Madrid. Llenando de vida un cuadro tan estremecedor como el Guernica, dándole un nuevo sentido de esperanza y color que resurge después de tanto sufrimiento. Intentando que ese beso apasionado de Klimt, se llene de luz con un gran cielo azul y unas nubes, marca de la casa. Dándole a las Meninas un toque mas desenfadado, o reflejando las vidrieras llenas de color de La Casa de los Navajas de aquí de Torremolinos. Eso es More Creativo: Sencillo a simple vista, pero lleno de detalles y de formas irregulares, nunca me he sentido identificado con las reglas, pienso que todo lo que esté hecho a mano, tiene que tener sus “defectos” y es que ahí es donde está la esencia de esta marca, no es a escuadra y cartabón”.

Armonizó  la velada, la cantante Ainhoa Mefer. La exposición estará disponible hasta el 18 de marzo. Moisés pone en disposición para los lectores de está nota que no puedan ir a la exposición su página www.morecreatvo.com, para ver su obra y si les interesa pueden pedirla.

 Fotos: J. Carlos Santana

 

17 de enero de 2024
Love0

Centre Pompidou Málaga presenta El Pensamiento mágico de Ettore Sottsass

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-  El Centre Pompidou Málaga reúne más de cien obras abarcando desde los años cuarenta del diseñador italiano Ettore Sottsass, el nombre de la exposición es El pensamiento mágico.

Las responsables de la curaduría son Marie-Ange Brayer y Celine Saraiva.   Está muestra cuenta con piezas procedentes de las colecciones del Centre Pompidou (Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle y Bibliothèque Kandinsky), se centra en la noción de diseño mágico de Sottsass (Innsbruck 1917 – Milán 2007), «que se opone al racionalismo y reivindica una experiencia emocional de los objetos, haciendo referencia a su presencia ritual y simbólica», explica Marie-Ange.

El recorrido comienza con sus primeras obras de la década de 1940, inspiradas en las vanguardias artísticas y arquitectónicas.

Saraiva, explica que en sus inicios, en la inmediata posguerra, Ettore Sottsass se formó como pintor y realizó esculturas (Maqueta espacial, 1947), inspirándose en la vanguardia moderna. Experimentó con la abstracción pictórica y participó en el Movimiento de Arte Concreto en Italia. Se instaló en Milán como arquitecto, trabajando inicialmente con su padre. A partir de 1947, Sottsass comenzó a realizar proyectos de mobiliario y diseño de interiores. El bargueño Grassotti Cabinet (1946-1948) es un mueble poco común que muestra la influencia del movimiento holandés De Stijl, pero también de la arquitectura moderna.

La exposición se divide en cinco segmentos: Las vanguardias, Las cerámicas, Olivetti, diseño industrial, Experiencia radical y Memphis.

“En 1956, Sottsass realizó sus primeras cerámicas. Objeto pobre, la cerámica se relaciona con el gesto primordial que vincula al hombre con el cosmos, y apunta una «función ritual y simbólica» en los objetos. Al mismo tiempo, en 1958, comenzó a trabajar como asesor para Olivetti, firma para la que un año después diseñó la primera calculadora electrónica, Elea, así como máquinas de escribir. El «diseño mágico» de Sottsass siempre incorpora la dimensión industrial. El mismo enfoque del objeto como entorno subyace tanto en los sistemas racionales de oficina para Olivetti como en las cerámicas monumentales de finales de los sesenta. También trabaja la dimensión sensorial de los objetos: verbigracia, el color rojo brillante de la famosa máquina de escribir portátil Valentine (1969)”.

Detalla que la creación de cerámicas con una función terapéutica, iniciada en 1956, constituye una parte perdurable de la obra de Sottsass, que se nutre de la filosofía oriental y las culturas ancestrales. 

“En 1958, se convirtió en diseñador-asesor de la empresa Olivetti, donde desarrolló el primer ordenador italiano, al que siguieron numerosas máquinas de escribir y mobiliario de oficina»

Durante la visita a la exposición se explica que los años 1960-1970 fueron de experimentación radical. Sottsass «va más allá de la escala del objeto para diseñar ambientes domésticos y cerámicas monumentales. Consideraba el diseño como una forma de replantear la arquitectura y de forjar un nuevo vínculo entre las personas y los objetos. En 1981, fundó en Milán el grupo Memphis, cuya perspectiva iconoclasta hace hincapié en la dimensión sensorial de los objetos y en la libertad creativa del diseñador».  y culmina en el Grupo Memphis, en la década de 1980.

En 1981, Sottsass fundó en Milán el Grupo Memphis. Con su enfoque iconoclasta del diseño, Memphis rompió con el funcionalismo y el estilo para exaltar la dimensión emocional y sensorial de los objetos. Alrededor de Ettore Sottsass y con el aporte teórico de Barbara Radice, Memphis (en el que participaron, entre otros, Michele de Lucchi, Nathalie du Pasquier, George Sowden, Martine Bedin, Matteo Thun, Aldo Cibic, etc.) fue sinónimo de una libertad creativa desenfrenada que buscaba nuevas formas narrativas en los motivos decorativos. Memphis revolucionó el diseño con sus piezas pop de formas asimétricas, colores vivos y el uso de materiales como el laminado plástico.

Para Sottsass, el diseño era un ámbito de creación integral. Aquí se ofrece una selección de un centenar de obras excepcionales -objetos de diseño, dibujos, instalaciones, fotografías- procedentes de las colecciones del Centre Pompidou (Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle y Bibliothèque Kandinsky).

  Fotos: J. Carlos Santana

11 de diciembre de 2023
Love0

Nace Bulevar Espacio Cultural Abierto en Torremolinos

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Torremolinos, Málaga.-  Para finalizar el año nace en Torremolinos un proyecto: Bulevar Espacio Cultural Abierto. Los capitanes  son Paulo Molleda y Juan Royo. El objetivo es poder ofrecer a artistas, escritores, creadores un espacio para presentar sus trabajos al público en general.

Y la primera en exponer es la artista española  Ana Ropa, quien presenta la exposición Armonía  del color, compuesta por 18 obras de diversos formatos. Imágenes donde el color resalta en cada una de los cuadros.

Ana Ropa, realiza trabajos de pintura y escultura desde hace más de veinte años. Su colorido y trazo destacan  su pasión en su obra, así como su vitalidad y optimismo. Ha realizado a lo largo de los años exposiciones en ámbitos públicos y privados. Ha recibido la mención especial a la colaboración artística de Torremolinos Málaga, donde actualmente reside.

Durante la inauguración Paulo Molleda invitó a los asistentes a disfrutar del lugar y sumarse a este nuevo proyecto.

Bulevar ofrece una gastronomía muy especial para disfrutar con los amigos, familiares o compañeros de labores. Además que pueden ver obras de artistas nacionales como internacionales. En está ocasión acompaña la obra de Ropa, el artista mexicano Erik Rivera, que ha dado su confianza para que sigan 19 obras expuesta. Cada uno de sus cuadros tiene el sello particular de su mirada, así como los detalles de la cultura mexicana. Además que su color llena la entrada de Bulevar dando la bienvenida.

No sólo se presentan exposiciones, también se tienen  presentaciones de libros. Y charlas dramatizadas y los fines de semana se dan cita cantantes que dan un nivel muy especial al Karaoke.

Ropa en su inauguración agradeció a los asistentes su presencia e invitó adquirir sus obras. Recordando que el mejor regalo para estas fiestas navideñas es una obra que no se devalúa. El arte es inversión.

Bulevar está abierto a todos los creadores, por los que invita a los interesados acercarse y ver el lugar y poder hacer una cita para que su obra sea vista por todos los visitantes nacionales como extranjeros disfruten su trabajo.

Bulevar está abierto a todos los creadores nacionales e internacionales, un espacio abierto a la cultura. Molleda recalca que la cultura es importante para  poder tener una sociedad mejor.

   Fotos: J. Carlos Santana 

6 de diciembre de 2023
Love0

Fragmentados, obras de Héctor Massiel sobre las emociones de un paraíso devastado: Acapulco

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El pintor Héctor Massiel (Acapulco, Guerrero, 1973) presenta una serie de 21 obras recientes en las que mostrará la crueldad que dejó el Huracán Otis en ese paraíso devastado por la furia del viento.

Este artista ha dedicado en su obra mostrarnos la desolación del mundo, lo frágil del ser humano frente los designios de la naturaleza, la ciencia o el destino mismo. Desde hace más de dos décadas explora en su pintura sentimientos, emociones y expresiones de tristeza, soledad, miedo, angustia, dolor o locura…

Una parte de las obras que se presentarán en Fragmentados hacen referencia a lo fracturado que quedó Acapulco. La muestra se inaugurará este jueves 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte (Guanajuato 118, Roma Norte., Cuauhtémoc, 06700, CDMX). La entrada es libre y estará abierta hasta el 29 de diciembre de 2023.

Héctor Massiel decidió poner el título de Fragmentados a la exposición individual que inaugurará este 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte, el nombre viene luego del paso del Huracán Otis en su natal Acapulco, en donde parte de la obra que ya tenía lista se arruinó.

“Estaba trabajando en mi exposición explorando diversos sentimientos y emociones del ser humano, expresiones como la tristeza, la soledad, el miedo, la angustia, el dolor, la locura, pero también la fraternidad, el encuentro, la solidaridad y la esperanza. La exposición estaba completa cuando llegó el huracán, la mitad resultó dañada, en algún momento pensé cancelar la muestra, pero decidí dejar mi estudio con los techos parcialmente destruidos, así como las puertas y las ventanas, para dedicarme a terminar la exposición.

“Quedaba poco tiempo, entonces decidí fusionar mi experiencia de lo que me destruyó el huracán y de lo que se llevó, por tal motivo la segunda parte de la muestra es de arte-objeto, es decir, objetos que recogí en las calles, letreros que arrancó el huracán, láminas, tapaderas de tinaco, trozos de madera, entre otro objetos que intervine con pintura, para expresar a través de ellos sentimientos muy parecidos a los que ya tenía en parte de la obra lista”, cuenta Massiel desde un Acapulco aún complejo, con dificultades para acceder a la electricidad y el internet.

—¿Por qué Fragmentados?

—Fragmentados  hace referencia a fracturado, roto, quebrado, partido, dividido, destruido. Así es como quedó Acapulco, así es como me siento, como se siente mi familia, mis amigos, mi compañera y toda la gente del lugar a la vasta con mirarla a los ojos para sentir su vacío, desconcierto, incredulidad, su sobresalto y conmoción.

Aquí vemos figuras alargadas, estilizadas, pero no todo el tiempo, también hay abultados cuerpos acompañados o solos en un mundo destruido y lóbrego; rostros que se diluyen como fantasmas, en un misterio donde se adivina apenas el gesto, y en ocasiones llega a la síntesis de la forma. También están los  “accidentes” controlados en una mancha, los escurrimientos que expresan tristeza y libertad a la vez.

Con una paleta de colores en la que los verdes, los azules, los grises y los violetas se combinan con los tierras, logra llegar a la reflexión. Los colores neutros en proximidad con los fríos crean armonía y un contraste con temas en los que está la melancolía o la perturbación, el testimonio de las atrocidades y la crueldad como protesta contra ella.

Como Goya, Massiel retrata temas sociales en los que mezcla la crítica en escenarios de lobreguez. Abstraído en el expresionismo alemán logra enunciar las emociones con  representación subjetiva, en la deformación de los cuerpos muestra una realidad distorsionada en la que hay miseria y dolor con un toque que nos recuerda la emblemática obra El grito de Edvard Munch inspirado en su propia vida atormentada, o al austriaco Egon Schielle, obsesionado por el retrato y la figura humana con una altísima tensión emotiva junto al tema de la soledad angustiosa. Un guiño con Giacometti que en sus esculturas de una consunción  extrema está la soledad y el aislamiento del ser humano. Massiel con un trazo ya definido, firme y libre crea colisiones visuales: junto al azul traza el naranja, o junto al violeta esboza un amarillo, o junto al verde proyecta el rojo: impacto de emoción.

“Creo que todos tenemos en nuestra mente cosas que nos gustan e inconscientemente nos dejamos llevar por esas influencias, ya sea en algún tópico o en el cromatismo. Pero cuando las plasmamos se van diluyendo, transformando, surge algo nuestro, aflora un estilo, eso habla de la madurez del artista” advierte Héctor Massiel.

—¿Por qué te interesa en tu obra mostrar los sentimientos y la realidad más cruda?

—Porque en ellos encuentro la fuerza expresiva, el carácter, el movimiento, la espontaneidad, la gestualidad, busco la belleza hasta en lo grotesco. Creo que los artistas somos un medio para expresar la realidad por mas terrible que esta sea, hablamos del contexto en el cual nos desarrollamos, de las cosas que suceden a nuestro alrededor, por lo tanto siento la necesidad y la responsabilidad de plasmarlo, dejar una reflexión, un mensaje.

—¿Es tu obra de alguna manera una forma de denuncia ante las injusticias, o una forma de reflexión?

—Creo que ambas: denuncia y reflexión. El arte siempre tiene que dejar un mensaje profundo, a veces deja huella, y en algunas ocasiones puede ser una huella de transgresión.

Héctor Massiel nació en 1973 en el puerto de Acapulco, estudió pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Campus Taxco, ahora (FAD) UNAM. Ha participado en casi de 200 exposiciones a nivel nacional e internacional, en galerías y museos de países como Estados Unidos, Cuba, España, Portugal, Brasil, Argentina, Perú y, por supuesto, en México.

Fragmentados, exposición individual con 21 obras recientes de Héctor Massiel se inaugura este jueves 7 de diciembre a las 19 horas en la Galería Aguafuerte (Guanajuato 118, Roma Norte., Cuauhtémoc, 06700, CDMX). Estará abierta al público hasta el 29 de diciembre y la entrada es libre.

6 de diciembre de 2023
Love0

Exposición Chac Mool con piezas del maestro Sebastian sobre esta icónica escultura prehispánica.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Una muestra con la que el escultor Sebastian celebra 55 años de creación artística.

La exposición Chac Mool. Sebastian es una recreación de esta figura icónica que aparece en diversas culturas prehispánicas. Las piezas de Sebastian no son una mirada histórica o antropológica, sino estética y se podrán ver a partir de este 07 de diciembre en el Museo Nacional de Antropología. La inauguración será a las 13:00 horas.

La muestra contará con cerca de cuarenta piezas en distintas proporciones y materiales como piedra, plata y fierro; incluirá algunas de las maquetas de los originales de sus diseños, la idea primaria para llevar a cabo cada recreación de la esencia de esta figura. Se mostrarán también dibujos de dos épocas, una más cercana y una más antigua, y algunas acuarelas, todo en torno al génesis del Chac Mool.

La representación del Chac Mool aflora en todas partes donde está la esencia del mundo antiguo, en todo lo que significa ese personaje como dios maya de la lluvia, representación de una víctima sacrificial, sacerdote, hombre-dios, mensajero divino o deidad particular.

En enero se presentará un libro sobre esta muestra con un texto del arqueólogo Eduardo Matos Moctezuma.

“El sentido de la escultura, la vitalidad, el hieratismo, la fuerza, y apreciar que los modelados tienen vida en el tratamiento de las formas, lo aprendí de Henry Moore de él aprendí lo que era una escultura abstracta moderna. Desde muy joven estudiando a Moore descubrí que él había bebido fundamentalmente para sus figuras reclinadas del Chac Mool, y de muchas otras piezas de los Dioses del mundo prehispánico; fundamentalmente él hizo una recreación y mantuvo el significado hierático de la pieza, reprodujo esta belleza en sus figuras reclinadas. Cuando me di cuenta de que Moore había asido del mundo prehispánico, reflexioné que realmente no le debía tanto, porque estaba también retribuyendo mis raíces; lo analicé, me metí a fondo y de allí comencé a trabajar la figura del Chac Mool, desde el 68 hacía figuras reclinadas en arcilla y las convertía en terracota. Muchas de ellas las destruí en un arrebato por una decepción de amor de juventud, solo quedó un que ahora exhibiré aunque está todo craquelada. Empecé de nuevo con esas piezas y comencé a fundir las terracotas en bronce. De allí ya no paré y esos 55 años de recrear al Chac Mool es lo que voy a presentar.

“Creo que exponerlos en el Museo Nacional de Antropología significa que soy mexicano, que allí voy a festejar los años de entrega a una pieza icónica de mi país, de mi raíz fundamental, y que ese Museo es el museo más bellos que existe en el mundo de la antropología. Exponer allí es un reconocimiento a mis años de entrega sobre una figura icónica que no he dejado de trabajar cada año diseñando una y otra”, cuenta el maestro Sebastian.

“El Chac Mool es una pieza muy bella e única en su representación, no hay otra figura que tenga esas características en la escultura universal, muy fuerte la posición, la estructura de cómo está funcionando el hieratismo, la expresión, todo es tremendamente bien resuelto, aunque algunas en algunas piezas prehispánicas sean muy primitivas y otras más elaboradas. Esta figura es extraordinariamente estéticamente y eso es lo que fascina. No me inspira, lo que yo hago son recreaciones de esa visión y ya lo ha dicho el maestro Eduardo Matos Moctezuma.

Matos Moctezuma, quien fuera director del Museo del Templo Mayor, ya ha escrito sobre Sebastian en torno a estas figuras y afirma:

“Las obras de este artista no son una traducción literal, antropológica o histórica de las piezas prehispánicas, sino una interpretación, una re-creación de éstas con el talento, arte y raíz de un mexicano, atento admirador de ese pasado que le inspira, tal y como él lo describe: «Los mexicanos tenemos una gran vocación constructiva por la raíz prehispánica que guardamos. La obra de Henry Moore con influencia prehispánica me hizo pensar en la recreación de ese pasado; por ello, quise retomar nuestras raíces y reinterpretar ese mundo del México antiguo, dar vida a los dioses y a sus expresiones para seguir proyectándolos en el tiempo presente».

Como muchas de las obras de Sebastian en el mundo, sus Chac Mool no son la excepción. En Irlanda hay una escultura de Sebastian que recrea esta figura, se localiza en la entrada de la Universidad Trinity College, y en los jardines de ese claustro hay otro Chac Mool de Henry Moore: “compartimos en esa prestigiosa Universidad así que es un honor doble compartir espacio con Moore. Y también en Chihuahua hay uno en una institución, y le llaman el vigilante, en tarahumara”, precisa.

Sebastian, autor de la célebre escultura El Caballito, es un artista mexicano reconocido en todo el mundo. Es miembro del World Arts Forum Council con sede en la ciudad de Ginebra, Suiza. Ha realizado más de 200 exposiciones individuales en México, Alemania, Bélgica, Brasil, Colombia, España, Holanda, Suecia, Noruega, Irlanda, Inglaterra, Portugal, Italia, Dinamarca, Canadá, Finlandia, Estados Unidos, Francia, China, Suiza y Venezuela. En Japón tiene esculturas en museos abiertos y que son parte del paisaje urbano como el símbolo de la ciudad de Kadoma, con su pieza Tsuru, que es un hai-kú escultórico.

Ha sido condecorado con varios doctorados Honoris Causa como en New York, donde recibió la distinción del City College, junto con el escritor húngaro Elie Wiesel, premio Nobel de la Paz 1986.

5 de diciembre de 2023
Love0
Close Menu