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Sobre 2 ruedas

“Convergencias” una exposición en la que Laura Vázquez hace homenaje a la literatura a través de la cerámica.

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La muestra se presenta en el Centro Cultural San Pablo en Oaxaca

Laura Vázquez González expone en la colectiva “Convergencias” con piezas en las que busca exaltar su amor por la poesía y la cerámica, uniendo ambas artes en cada obra como un punto de reunión y liberación, mostrando que las dos están presentes y marcan de alguna manera nuestra vida cotidiana.

La muestra se exhibe desde el pasado 2 de febrero en Centro Cultural San Pablo –sede la de la Fundación Alfredo Harp Helú—en la ciudad de Oaxaca, Hidalgo No. 907 Antiguo Callejón de San Pablo, y podrá visitarse hasta el 5 de mayo de 2024.

“Convergencias” se titula así porque reúne el trabajo de 19 mujeres de la Ciudad de México que muestran sus coincidencias a través de sus piezas realizados en el taller Proyecto 931, dirigido por Maya Colmenares, en el que pretenden hacer también un homenaje al fuego y otros recursos de significación que convergen en este mundo contemporáneo y globalizado en el que nos hallamos unos frente a otros: diseñadores, arquitectos, curadores, historiadores, poetas, ceramistas…

A invitación de María Isabel Grañén Porrúa, investigadora doctora en Historia del Arte y presidenta de la Fundación Alfredo Harp Helú, quien está convencida de que la lectura es un factor de cambio e inclusión social, se organiza esta exposición en la que Laura Vázquez, también poeta y editora, presenta obras que ha trabajado en los últimos dos años para acercar a más público a la literatura y a la poesía a través de la cerámica.

En su trabajo  está su admiración por ceramistas como Gustavo Pérez; y por escritores como William Carlos Williams, Cesar Vallejo, Jorge Luis Borges; los premios Nobel Naguib Mahfuz, Kazuo Ishiguro, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Annie Ernaux; papiros, e incluso una pieza de cerámica que es una prensa de encuadernación, un homenaje a Juan Pablos, el primer impresor de la Nueva España, en la que se puede leer su famosa frase: “habiendo que hacer, trabaje y no pare”… así como poemas escritos por la propia Laura Vázquez.

Esta artista visual, estudió primero Literatura Latinoamericana, y en la Universidad de Oxford realizó un diplomado en literatura inglesa, interesada sobre todo crear un taller de teoría literaria y niños, debido a su pasión por difundir la palabra.

Más tarde pudo explorar otras áreas de la cultura como la cerámica, un material ancestral en las manos de los hombres, y buscó fundirla con la literatura para realizar murales en homenaje a diversos autores.

En su obra expuesta en “Convergencias” podemos ver un mural, con mosaicos de doble cara, dedicado al poema “Los heraldos negros” del peruano César Vallejo, realizado con la técnica rakú para simbolizar el color obscuro de los versos con la quema de la cerámica, transformándola con elementos como la tierra, el fuego, el aire, el agua, y que combinó con acrílico. Otra obra es para la novela El gigante enterrado de Kazuo Ishiguro en donde las leyendas del pasado, memoria y olvido, se tocan en el arte y la palabra. Y una al poema “The Red Wheelbarrow” (La carretilla roja) de William Carlos Williams, dónde como su autor, lo único que pretendió fue retratar un instante en el amanecer, con gallinas, y aún se puede percibir el rocío de la mañana. También hay papiros hechos con arcilla, barro, alfarería o terracota que homenajean los libros antiguos o los papeles apilados.

“La cerámica está en nuestras vidas, todos hemos tomado un plato de sopa en una pieza de cerámica, y quizá no nos detenemos a ver de qué se trata. La cerámica lleva procesos muy similares a lo que es la producción de un libro, corren como paralelos, tiempos de fatiga y reposo: No se trata nada más de crear objetos bellos y utilitarios, sino que tengan un sentido para nuestra vida”.

Su propuesta artística busca conectar la cerámica, las artes gráficas, y la literatura, ya que está convencida de que el arte cambia la apreciación de la realidad y enriquece nuestro entorno. Su obra mezcla representaciones objetivas de espacios internos que conectan su espíritu con sus novelas y poemas favoritos; combina técnicas de quemas experimentales que arrojan efectos a sus piezas de cerámica y que son resultado de la pasión del fuego aliado también a sus lecturas.

A lo largo de su trayectoria profesional Vázquez González ha realizado publicaciones para museos, libros infantiles y de poesía. En los últimos años ha explorado integrar la cerámica para hacer más visible la literatura e integrarla a un constructo de Literacidad social.

Laura Vázquez como editora estuvo a cargo de la coordinación editorial del catálogo de “Convergencias”, en el que las algunas de las 19 artistas presentan, además de cerámica, pinturas y dibujos. En la muestra participan: Maya Amrein, Maya Colmenares, Ana María Forero, Elsa González, Magdalena Mosig, María Mora, Natalie Priede, Lucia Rocha, Cristina Rodrígo, Jeanne Saade, Elena Sánchez Mejorada, María Sordo, Fortuna T de H, Alexandra Trímboli, Laura Vázquez y Fernanda Vizcaya.

13 de febrero de 2024
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«El conocimiento nos salvó y es lo que salva a todos» dice Eugenio Barba al celebrar los 60 años del Odin Teatret.

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El director italiano se reunió con colegas teatrales mexicanos y con decenas de jóvenes interesados en la disciplina ante un lleno total en la Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM en una mesa títulada: «El pueblo secreto del Odin Teatret»;  y presentó con el INBAL dos  puestas en escena Compasión y La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

En 1964 un grupo de autores nórdicos alentados por un disidente italiano abrieron en Oslo, y luego en la isla de Holstebro en Dinamarca, esa socialdemocracia que tanto aspiramos en México,  le abriría sus puerta en una granja, desde donde abrieron un nuevo camino para la formación y la invención dramática y escénica, dominada en ese momento en la vieja Europa por el teatro público de prestigio, y emprendieron un «Tercer Teatro» no reducido al dogma o al lucimiento, sino a la indagación, un lugar para el teatro orquestado por Eugenio Barba (Brindisi, Italia, en 1936).

El común denominador eran estudiantes de teatro rechazados por la academia. Barba creo así el Odin Teatret y lo llamo «El tercer teatro». En 1992 comenzó un peregrinar para trabajar y crear con otros actores apasionados de diversas regiones del planeta; desde entonces es el testimonio de una utopia alentada por un teatro subsidiado por contribuyentes pero totalmente autónomo. En el 2022 Barba y su grupo abandonaron Dinamarca obligados a ser otra vez nómanas con la libertad del arte:  dedicarse al trabajo que desean hacer, sin pensar en los resultados. Hace unos días Eugenio Barba vino a México, como en muchas otras ocasiones, para ofrecer distintos talleres, una charla y dos funciones de teatro.

En la reunión convocada en el Centro Cultural Universitario, Barba recordó los orígenes: «Con mis compañeros, que habían sido rechazados en la escuela teatral, nos reunimos, y nos decían: ‘Ustedes no tienen un edificio, no tienen dinero’. Bien, voy a hacer teatro como yo pueda, en un refugio autónomo. Y tuvimos la suerte de encontrar uno en Noruega, frío, con humedad, con una gotera que caía de las paredes. ¡Pero era nuestra casa y ahí podíamos realizar lo que queríamos!», narró Barba, que ya cuenta con 87 años de edad y adviertió a los presentes . «Éramos libres, porque eso es el teatro», afirmó en ese encuentro en su honor titulado «El pueblo secreto del Odin Teatret».

El encuentro sucedió en la Covarrubias. La cita había sido para  la Sala Carlos Chávez pero ante tantos asistentes tuvieron que cambiarse al recinto vecino y mientras los asistentes se acomodaban Barba les advirtió: «Están ustedes frente a un pedazo de historia». El encuentro mostró que el teatro está más vivo que nunca, como la cultura en general en este México devastado en otras áreas, pero no en sus creadores y su público ávido de cultura.

Organizado por el Tercer Encuentro de Artes Escénicas LArtES y Teatro UNAM, en la mesa participaron Estela Leñero, María Elena Ibarra, José Carlos Alonso, Manuel Naredo, Bruno Bert, Patricia Cardona, Rubén Ortiz, Farahilda Sevilla, Aline Menassé y Susana Frank (Teatro Laboratorio La Rueca), Jaime Soriano y el periodista cultural especializado en teatro Fernando de Ita, quienes moderados por el director del Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli del INBAL, Arturo Díaz Sandoval, destacaron la importancia del Odin Teatret a 60 años de su fundación.

La importancia de Barba en el escenario mundial del teatro de la segunda mitad del siglo XX fue fundamental,. Se acercó, por otro lado, a las formas escénicas imbricadas en las tradiciones de culturas no eurocéntricas, iniciando la idea del teatro multicultural y diverso. Rompió con los estándares de estilos, reglas y geografías para luchar por la libertad de los individuos. Es por eso que su visita se convierte en un acontecimiento eléctrico que significa el comienzo del traspaso de su herencia a los jóvenes, abundo en su información la Gaceta de la UNAM.

Fernando de Ita dijo que Barba había formado un archipiélago con las islas flotantes del teatro que estaba disperso y que había encontrado una manera de hacer real lo inverosímil. Susana Frank contó que en 1978, en otra geografía, durante el Encuentro Internacional de Teatro del Grupo Ayacucho, en Lima, Perú. «Me decían: ‘¿Cómo vas a ir con ese italiano loco que saca el teatro a las calles?'», refiriendo que durante aquel encuentro hubo un estallido social en el país andino, y Barba, de inmediato, hizo manifiesta su visión del quehacer teatral.

«Eugenio Barba nos convoca y nos dice: ‘Lo importante no es hacer teatro político, teatro religioso; lo importante es hacer política con el teatro (…) Hagamos una fiesta de la resistencia. El pueblo de Ayacucho está cansado de la violencia. Ofrendemos nuestro trabajo a los que nos están ofrendando su espacio para encontrarnos», prosiguió Frank.

En su oportunidad Barba expuso: “Es posible cambiar la historia, aunque parezca imposible. Los libros han sido mis compañeros; los grandes directores, los dramaturgos y los teóricos que escribieron sobre teatro. Nosotros hicimos teatro en las peores condiciones; nos animaba saber que lo nuestro inspiraba a la gente. Muchos nos escribían para decirnos que nuestro teatro era significativo para sus vidas. El conocimiento nos salvó y es lo que salva a todos. Poder hablar con los muertos, con los libros es lo único necesario para luchar por nuestra libertad interior. Es por lo que todos debemos luchar. Esa es la tradición de lo imposible”.

El creador italiano sostuvo que todos los habitantes de este «pueblo secreto» son quienes han influido en él. «Lo que yo llamo mi pueblo secreto me ha formado a mí, ha formado a mis actores, me ha dado sentido de responsabilidad hacia cada acción y cada decisión que tomo. Cada uno de ustedes es parte de mi biografía, de nuestras conquistas y nuestra resistencia».

Cada uno de los emotivos testimonios vertidos en la mesa de reflexión revelaron la profunda huella en México de Barba, para quien Soriano solicitó a la titular del INBAL un reconocimiento por las seis décadas de su compañía, a entregársele ese mismo miércoles, por la anoche, al término de la función de La quinta del sordo, Un capriccio sobre Goya, en el Teatro Julio Castillo del CCB.

Por la noche en el teatro Eugenio Barba recordó que el objetivo del Odin Teatret es sembrar sin esperar resultados. Esto al recibir el reconocimiento del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura  por su generosidad por dejar un vital legado al quehacer teatral de México, pero sobre todo por ser una de las figuras más importantes del teatro y del movimiento escénico internacional.

Con una ovación de varios minutos, Odin Teatret se despidió ese miércoles de los escenarios de la CDMX para continuar con sus actividades en el contexto de su aniversario 60.

La función de La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goyas fue escrita por Else Marie Laukvik y el mismo Barba, la historia aborda la última noche de la vida del artista Francisco de Goya y de Leocadia Zorrilla, su joven amante durante más de 30 años. Es la joven amante de Goya quien describe su vida con él a través de recuerdos y comentarios que evocan el misterio del arte, pero también un mundo de erotismo, exilio y mutilación física debido a la sordera total que afectó al pintor a los 46 años.

Dos horas antes de la función de La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, se presentó la obra Compasión, de Julia Varley y Eugenio Barba. Varley, quien protagoniza la trama, también es fundadora de la Odin Teatret.

En un emotivo acto, Eugenio Barba recordó: «hace 60 años aquí vimos crecer la primera planta, surgió como un proyecto económicamente irresponsable”. Agradeció estar nuevamente en el país y ahora frente a las generaciones de bailarines, a quienes compartió su sabiduría y experiencia en el Taller de creación escénica, realizados en el Salón de ensayos del Centro de Producción de Danza Contemporánea (Ceprodac).

La titular del Inbal, Lucina Jiménez López dijo en su discurso: “Estamos ante una de las figuras más importantes del teatro y del movimiento escénico del mundo. Estamos frente a alguien que influyó en el teatro contemporáneo desde una perspectiva y poner en cuestionamiento el sentido, colocar la antropología teatral como un elemento sin el cual el movimiento mismo no se entiende”.

“Eugenio Barba es una de las figuras más relevantes, podríamos decir que más influyentes en todos los teatros del mundo y México, por fortuna, no es la excepción. Caminó pueblos, caminó compañías, caminó discursos teatrales y estuvo siempre para generosamente, como lo ha hecho en este espacio -el Centro de Producción de Danza Contemporánea- para compartir, para dialogar, sobre todo para ayudar a descubrir, incluso que un mismo movimiento puede tener tantos matices, tantos sentidos del discurso teatral”.

El coordinador nacional de Teatro, Daniel Miranda, dio lectura al diploma de reconocimiento; estuvieron presentes también Julia Varley y Jaime Soriano; el subdirector general de Bellas Artes, Héctor Romero Lecanda; el coordinador nacional de Teatro, Daniel Miranda, y la directora artística del Ceprodac, Cecilia Lugo, principalmente.

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, y el laboratorio de artes escénicas Jerzy Grotowski, participaron en Confluencias 2024: Tercer Encuentro Escénico LArtES-Odin Teatret, en el marco del 60 aniversario del Odin Teatret, por lo que el Centro Cultural del Bosque fue sede de los dos montajes: Compasión, de Julia Varley y Eugenio Barba,  y La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, de Else Marie Laukvik y Eugenio Barba, ambas con dirección de Eugenio Barba.

La compañía Odin Teatret ha creado hasta el momento 81 espectáculos dirigidos por Eugenio Barba, representados en 65 países y diferentes contextos sociales. En el transcurso de estas experiencias ha crecido una cultura específica de Odin, basada en la diversidad cultural y la práctica del “trueque”: los actores de Odin se presentan a través de su trabajo en un entorno particular que, a cambio, responde con canciones, música y danzas de su propia tradición local.

El revista Proceso se abunda sobra la biografía de Barba: Hijo de un oficial víctima de la segunda Guerra Mundial, Barba cambió la carrera militar, que cursaba en Nápoles, para emigrar a Noruega donde fue soldador y marinero, al tiempo que estudiaba literatura francesa e historia de las religiones en la Universidad de Oslo. Se registra además en la biografía que su propuesta de Antropología Teatral revolucionó el arte de los escenarios al permitir al actor desarrollar su propia creatividad y considerar la multiplicidad de visiones de los espectadores. Fue discípulo en Polonia del dramaturgo Grotowski, con quien trabajó tres años. Tras un viaje a la India estudió el teatro llamado Kathakali y volvió a Oslo, pero al no encontrar trabajo creór el Odin Teatret con un grupo de actores.

Según una semblanza de la entonces crítica de Teatro en la agencia apro, Indira Cato, fue en su natal Brindisi donde realmente comenzó su relación con el teatro, pues de niño acompañó rituales religiosos “en los cuales las mujeres sueltan estremecedores lamentos al cielo, los hombres penan de rodillas, y los acontecimientos avanzan cargados de símbolos con sus respectivos cambios de vestuario. Para algunos éste es el origen de la Antropología Teatral creada por Barba, con Nicole Savarese y Ferdinando Taviani”.

El director italiano tiene un papel crucial en el desarrollo de nuevas formas de expresión teatral y en la exploración de técnicas y estilos innovadores, su trabajo le ha merecido el reconocimiento internacional y el ser nombrado doctor honoris causa en diversas universidades del mundo. Entre sus obras están: Ferai (1969), La casa de mi padre (1972), Las cenizas de Brecht (1980), Talabot (1988), Kaosmos (1993), Mythos (1998), El sueño de Andersen (2004), Ur-Hamlet (2006), Don Giovanni all’Inferno (2006), Las bodas de Medea (2008), La vida crónica (2012), El árbol (2016), La casa del sordo (2019), Un personaje que no puede Die (2020) y Tebas en la época de la fiebre amarilla (2022).

En su libro Quemar la casa,. Barba escribe: «Durante años he imaginado el espectáculo que termina en el incendio. Conocía al dedillo las distintas escenas, modificaba mentalmente su orden, limaba los detalles. Y me alegraba imaginando el infaltable gran fuego al final. (…) Sé que jamás ni metafóricamente quemaré el Odin Teatret, mi casa y la de mis compañeros. Pero es como si me desdoblara. Una mano busca explorar su arquitectura. La otra, continuamente, trata de darle fuego”.

10 de febrero de 2024
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Diego Verdaguer sigue presente en el corazón y mente de sus seguidores

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El 27 de enero de 2022 la noticia de la muerte del cantante argentino, Diego Verdaguer conmocionó al mercado musical latinoamericano y de habla hispana. Se han cumplido dos años de su partida y qué mejor regalo para sus seguidores que recibir dos importantes lanzamientos: Diego Verdaguer 1976; álbum que lo catapultó internacionalmente, ahora reeditado y remasterizado con inteligencia artificial. Y   Para ti, un nuevo EP de Ana Victoria Verdaguer, dedicado a Diego, con temas que ambos amaban el sencillo Me gusta estar nada más contigo, y tiene un vídeo  filmado  en un cenote de la Rivera Maya, donde mágicamente se entrelazan imágenes de padre e hija.

Sobre este trabajo musical, Ana Victoria; hija de Diego Verdaguer indica: “Papá sigue vivo, está junto a mí, es la fuerza que me impulsa a cumplir los proyectos que dejó pendientes y la inspiración que me motiva a crear cosas nuevas. Para esta fecha tan especial, pensé en concretar muchas ideas, pero que mejor que compartir con su público uno de sus más grandes álbumes con el sonido de hoy, con la máxima calidad de audio, el resultado es increíble; además será la primera vez que el disco Diego Verdaguer 1976, se encontrará en plataformas digitales de manera completa. A la par, quise hacerle un homenaje muy personal, muy cariñoso, recordando los temas que ambos considerábamos grandes canciones (de él y de otros autores) y reuniéndolos en un EP que interpreto con nostalgia, con respeto, con amor; lo titulé Para ti  porque definitivamente está dedicado a mi Maestro de profesión y de vida, a quien me arropó de niña y me sigue abrazando cálidamente; cada paso que doy está guiado por su luz, porque como él pienso que sólo cambiamos de forma, pero el alma nunca muere”: 

Diego ocupo las listas de popularidad, recorrió el mundo y su voz llegó muy lejos; nació en Buenos Aires, Argentina, el 26 de abril de 1951, pero pronto sus pasos lo llevarían a otras latitudes. En 1970 ya era una figura en su país natal, por lo cual fue seleccionado para representar a su nación en el Segundo Festival de la Canción Latina, en el Teatro Ferrocarrilero de la Ciudad de México. Su éxito en Sudamérica continúo en los años subsecuentes, pero fue con el álbum Diego Verdaguer 1976 que su carrera impactó internacionalmente gracias a diversos temas y muy especialmente a Volveré, sencillo que se convirtió en un rotundo éxito mundial.

Ahora, en su Segundo Aniversario Luctuoso, Diam Music, la compañía discográfica que también él creó junto con su esposa y que actualmente está dirigida por su hija Ana Victoria Verdaguer, realizó las gestiones necesarias para reeditar y poner por primera vez a disposición del público en todas las plataformas digitales.

Para Amanda Miguel, esposa y compañera de escenarios indica que el disco Diego Verdaguer 1976 es de colección y me trae recuerdos hermosos de nuestros primeros años juntos. «La vida nos premió a partir de ese gran trabajo, donde Diego no sólo me invitó a colaborar en sus shows haciendo coros, también en este álbum tuve la oportunidad de dar mis primeros pasos aplicando lo que desde niña estudié, además de estar viviendo un sueño al lado de mi querido esposo; haber hecho los coros de este disco fue y será siempre un gran honor. Volveré   fue y sigue siendo una pieza clave en nuestra vida y en la de miles de personas que, como yo, aplican esta bella canción en su día a día como una forma espiritual de no perder la fe ante las situaciones difíciles que nos tocan pasar”.

Señala que Diego fue un luchador increíble de sus derechos como autor, compositor y productor, en su último viaje a Argentina logró que se le reconocieran todos sus derechos; él ha sido mi mayor

ejemplo de trabajo y hoy lo veo reflejado en nuestra hija, quien es una valiente mujer que a pesar del dolor que lleva por haber perdido a su papá, no baja los brazos y sigue creando como él lo hacía, con entereza y dedicación. 

“Nuestra vida estuvo llena de felicidad, de creación y de muchos regalos más que nos dio el habernos conocido, formar una bella familia y recorrer el mundo de la mano con nuestra música; México nos recibió con los brazos abiertos y fue nuestro hogar desde que dejamos nuestro país de origen… y Volveré fue la canción que nos abrió las puertas para conseguir nuestros sueños, ni más ni menos“:

Amanda, Ana Victoria, Lucca y diversos miembros de la Familia Verdaguer-Miguel, permanecerán en Los Ángeles, California, unidos en oración y recordando en privacidad al Maestro Verdaguer, su luz e inspiración,

6 de febrero de 2024
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Bulevar Espacio Cultural Abierto presenta la exposición More Creativo

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Torremolinos, Málaga.-  El artista español, Moisés Requena Picazo, inauguró su exposición en el Bulevar Espacio Cultural Abierto, en Torremolinos Málaga. La muestra More Creativo  cuenta con  veintitrés ilustraciones en las que  se puede ver en  un mundo lleno de color y fantasía, recreando todo lo que se pueda imaginar dentro de un mismo estilo, único y con identidad.

“Dentro de mis obras podrás encontrar rincones destacables de cada zona o ciudad, a la vez que interpretaciones con estilo propio de pintores y artistas, llevándolas a un nuevo mundo lleno de color y de vida”, explica Requena Picazo.

En la inauguración asistieron la alcaldesa de Torremolinos, Margarita del Cid, el concejal del área de Cultura, Eventos y Tradiciones, José Manuel Ruiz y el concejal de Educación , Igualdad y Empleo, Francisco García.

Paulo Molleda, explicó que junto con la periodista mexicana María Esther Beltrán ha creado Bulevar Espacio Cultural Abierto, para ofrecer un lugar a todos los creadores que deseen presentar su trabajo ante el público.

“Nos gusta la cultura y deseamos que un día quede constancia del trabajo que hacemos para apoyar a los creadores, sean artistas plásticos, dramaturgos, cantantes y artistas que deseen tener un espacio para la divulgación de su trabajo”, expresó Molleda ante las autoridades del Ayuntamiento de Torremolinos.

Indicó que no se imaginaban la repercusión que hasta el momento tienen. Desde que empezó este proyecto cultural se han presentado exposiciones  locales, como fue la del la artista Ana Ropa, nacionales; Narchy quién es el creador de la estatuilla de los premios Bulevar y actualmente el artista   Moisés Requena; además de tener obra internacional como la  del artista mexicano Erik Rivera.

Requena  explicó: “Esta exposición la  llevo preparando desde hace tiempo. Nace de la necesidad de expresar con color y con alegría todo aquello que ven mis ojos y pasa por mi cabeza. Llevaba tiempo queriendo ampliar horizontes y venir  Andalucía, y qué mejor forma de hacerlo que estar en este Bulevar que me abrió las puertas y me ofreció este espacio cultural en el que poder darme a conocer”.

Para los que no me conocéis, -expresó Moisés Requena-  estoy detrás de la marca More Creativo. Orgulloso de mi querida Mancha y mi pueblo Villarrobledo, cogí mi carpeta y mis lápices para estudiar Diseño Gráfico en Elche y me afinqué en Alicante. Así podréis entender el porqué de muchas de las zonas que veréis en esta exposición. Desde cualquier rincón de mi querido pueblo, hasta las bocas de metro de Madrid. Llenando de vida un cuadro tan estremecedor como el Guernica, dándole un nuevo sentido de esperanza y color que resurge después de tanto sufrimiento. Intentando que ese beso apasionado de Klimt, se llene de luz con un gran cielo azul y unas nubes, marca de la casa. Dándole a las Meninas un toque mas desenfadado, o reflejando las vidrieras llenas de color de La Casa de los Navajas de aquí de Torremolinos. Eso es More Creativo: Sencillo a simple vista, pero lleno de detalles y de formas irregulares, nunca me he sentido identificado con las reglas, pienso que todo lo que esté hecho a mano, tiene que tener sus “defectos” y es que ahí es donde está la esencia de esta marca, no es a escuadra y cartabón”.

Armonizó  la velada, la cantante Ainhoa Mefer. La exposición estará disponible hasta el 18 de marzo. Moisés pone en disposición para los lectores de está nota que no puedan ir a la exposición su página www.morecreatvo.com, para ver su obra y si les interesa pueden pedirla.

 Fotos: J. Carlos Santana

 

17 de enero de 2024
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Elena Martínez Bolio exhibe colección de textiles, tejidos, bordados, encajes, lencería y otros ajuares

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Con dos instalaciones: MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS e INDUMENTUM la artista muestra su pasión por los atuendos, los materiales y su elaboración en la alta costura, confeccionados de 1905 hasta nuestros días.

Las muestras se inauguran este 19 de enero a las 20:30 horas en el Museo de la Ciudad de Mérida, una invitación para reflexionar sobre las épocas y las modas en la vestimenta de 290 piezas que podrán visitarse

Elena Martínez Bolio (1956, Mérida, Yucatán) es una artista, artesana, escritora y activista que nació entre madera, textiles y  tejidos. Su madre era tejedora y anticuaria, su padre tenía una pequeña fábrica de muebles, su abuela hacía lencería para las novias y su tía predilecta, María, confeccionaba ropa infantil. Ella desde muy joven comenzó a diseñarse sus propios atuendos. Desde entonces ha ido hilando una colección de prendas como un instrumento de su arte que, a veces utiliza como protesta no para recriminar sino para empatizar un mundo entretejido entre hombres y mujeres con actos de bondad.

Ahora con su exposición MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS hace un homenaje a doce mujeres yucatecas que trabajaban en la alta costura, confeccionan, tomaban medidas, recomendaban la tela, esculpían el textil acomodándolo al cuerpo, y eran un cómplice que lograban que uno se reconciliase con su físico haciéndolo lucir y sobresaltar los secretos; se convertían en confidentes y amigas. Modistas que cerraron los ojos a la vida pero abrieron la mirada a las dimensiones de la vestimenta y el mínimo detalle.

Su otra muestra, INDUMENTUM será un recorrido desde 1905 hasta la actualidad para mostrarnos la historia de la moda y las épocas, cómo han cambiado los cuerpos; los acabados y materiales que se usaron desde las fibras, las sedas, los encajes, hasta el poliéster o el nailon; aquí hay piezas de su colección y otras que le fueron prestadas para ser exhibidas por su valor histórico, “no se trata de ir a ver algo bonito si no de reflexionar el por qué de cada indumentaria”, afirma esta creadora con más de 50 años dedicada a este arte.

Ambas muestras son también instalaciones de su curaduría y abrirán al público el próximo viernes 19 de enero en el marco del Mérida Fest; estarán en el edificio del Museo de la Ciudad de Mérida, la inauguración será a las 20:30 horas. Las exposiciones podrán visitarse hasta julio del 2024, por lo que Martínez Bolio ha preparado performances y charlas que se presentarán durante el tiempo que duren ambas muestras.

Las exhibiciones contendrán también cuadros intervenidos con aplicaciones y bordados de sus familiares, amigos o mujeres textileras con las que ha trabajado; accesorios, crinolinas, corsés, juguetes, zapatos, guantes, bolsos, velos; piezas tejidas en hilo de plata. Obras únicas, que por su delicadeza, algunas estarán guardadas en vitrinas pues ya no resisten ser lavadas o planchadas.

En la muestra se exhibirán, entre otros trabajos, el terno de boda de su nana; el vestido de boda de la bisabuela de Alejandra Díaz de Cossío, que data de 1905; el vestido de boda la abuela de su amiga Sylvia Saldaña, que se casó en plena guerra de castas; un vestido de Christian Dior de los años cincuentas, hasta prendas adquiridas en mercados de pulgas.

Todos las piezas tendrán una ficha con la historia de la vestimenta, la modista que la confeccionó, a quién perteneció, el año de su creación y los materiales que se utilizaron. Se trata de 290 piezas (170 en INDUMENTUM 170 y 120 en MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS) con las que su creadora busca que cada visitante se tome su tiempo para mirar con calma y reflexionar en torno a cada obra pues, por la museografía, entrará al mundo en el que fueron creadas.

“Las exposiciones están llenas de piezas valiosas que fueron logradas puntada tras puntada; son obras de enorme belleza que sobrevivieron a las manos que las concibieron.  Y son también una reflexión sobre de qué tipo de costura e hilos estaba hecha la pieza para una determinada persona; vestimentas que eran motivo de disfrute, ceremonia ritual, un júbilo que ahora parece extinguido ante la tecnología, la rapidez y el consumo con que se confecciona y maquila la ropa”, advierte.

Satisfecha por los años de trabajo dedicados a explicar y reflexionar por qué  vestir piezas únicas es un valor cultural, advierte: “Nacemos y nos preparan una cuna, un pañal; las telas nos acompaña en ceremonias y sacramentos desde un ropón para el bautizo, la primera comunión, la graduación, el matrimonio, las fiestas especiales; pero también nos amortajan en un manto cuando morimos; las indumentarias están presentes y son fundamentales en toda nuestra vida”.

Con las prendas que Elena Martínez Bolio ha coleccionado en más de 50 años, pensaba hacer un museo, pero la dificultad que esto conlleva en un clima húmedo como el de Mérida, la hizo desistir de la idea: “Antes de que me deshaga de todo lo quiero mostrar, compartir con la gente y reflexionar con ellos sobre estas obras que tiene tanto de diseño como si fueran una pieza de arquitectura”, dice.

No deja de tirar el cordel y lanza su deseo: “Podría donar mi acervo a quien esté interesado en hacer un museo Indumentum en Mérida o en otra región de México”.

“Me esforcé para que mi trabajo de tantos años pudiera llegar a los museos y lo he logrado: un hilo, un bordado, un retazo de tela, el trabajo domiciliado; el textil como nuestra piel, el ajuar como una herramienta poderosa, están ya en nuestro acervo cultural”, dice esta artista que en 2007 pudo exhibir su trabajo ya en una galería, fue obra bordada en lienzos que logró vender toda.

Desde entonces Martínez Bolio se hila y deshila a sí misma en cada obra y no ha dejado de exponer en México y el extranjero. En el 2022 presentó con gran resonancia en el Museo de El Carmen de la Ciudad de México su exposición «Una larga hebra». Es autora del libro Retrospectiva de una aguja. Elena Martínez Bolio es una artista versátil, multidisciplinaria y comprometida con su tiempo y su condición de mujer para quien lo hilos representan un compromiso social, un trabajo que podremos ver en ambas muestras en el primer piso del Museo de la Ciudad de Mérida, calle 56, número 529, Centro. La entrada es libre.

 

 

16 de enero de 2024
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Inició por todo lo alto el 41 Festival de Teatro de Málaga

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En la primera semana de actividad del 41 Festival de Teatro de Málaga, se  dio la tercera llamada y el público disfrutó de diferentes artes escénicas que provocaron al terminar cada obra la ovación del público por varios minutos reconociendo el gran trabajo de actores, directores y productores.

Para iniciar Cielos, texto del reconocido Wajdi Mouawad que vuelve a poner el acento en la tragedia que arrastra la humanidad, y que monta Sergio Peris-Mencheta. Cielos lleva al público  a un lugar apartado donde un grupo de criptógrafos, traductores e investigadores trabajan contrarreloj para tratar de impedir un ataque terrorista múltiple que tiene por objetivo provocar una debacle social.

Camino al zoo, un texto del estadounidense Edward Albee en versión de Juan Carlos Rubio y con Fernando Tejero y Dani Muriel en el elenco.

At home at the zoo (Camino al zoo) combina la pieza clásica de Albee The zoo story (1959) con su precuela, Homelife (2004). Juntas forman esta historia simple y enigmática.

Sobre el escenario, Fernando Tejero y Mabel del Pozo encarnan a Peter y Ann, un inestable matrimonio convencional que tiene una vida compartida que precisamente adolece, quizá, de demasiada convencionalidad. La escenografía, minimalista, consiste en un sofá que es la pieza central de la escena y en el que está sentado Peter. Hay un impactante contraste entre el sofá y el suelo, que es de paja y un fondo blanco. 

 ¡Por fin solo!, monólogo del ex-Tricicle Carles Sans desgrana ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales y personales vividas en los 40 años de trayectoria del trío. Sans desde el inicio mantiene al público activo. Entra con toda la energía aplaudiendo y bailando. Sin duda demuestra las tablas que tiene en escena. Lleva al público por su vida y carrera profesional. No pierde la frescura en sus narraciones  que están basadas en hechos reales.

Es un monólogo, que combina una galería de divertidos y entrañables personajes, consiguiendo que el espectador no pare de reír al escuchar las confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía se interesó en sus novias (las novias de ellos), o cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café teatro de Barcelona, o cuando les chuparon la oreja cuando estuvieron actuando en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un Jumbo cuando tenía pánico a volar. 

Salomé, presenta la primera función de teatro lírico, primera de las dos obras que dirige Magüi Mira, con Belén Rueda y Pablo Puyol. 

Sin duda alguna Belén Rueda se presenta en un papel de una Salomé seductora y atrevida. Su actuación es sublime y su presencia magnética. Rueda está acompañada  por talentosos artistas que incluyen a Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández  y José  de la Torre.

Juan Fernández encarna al Rey Herodes, un personaje repulsivo y con gran fuerza en el escenario. Mientras que Pablo Puyol en el papel de Juan el Bautista, muestra su talento a través de la música, transmite la emoción a través de su voz. 

Magüi Mira, directora logra transmitir los temas de poder, amor, deseo y represión. Sin duda alguna su Salome impacta y deja huella en la memoria del público que por varios minutos al término de la obra  ovacionó a su elenco. Siendo Puyol y Rueda los más ovacionados.

Picasso (rey, monstruo y payaso), teatro de circo presentó  un “retablo maravilloso” con el que se hace un guiño al 50 aniversario del fallecimiento del pintor nacido en la plaza de la Merced de Málaga.

Una puesta en escena donde la historia de Picasso está presente, en una base de instrumentos con objetos, baile y diversión. Muestran a un Picasso, el gran triunfador del siglo XX, pintor bohemio, exitoso y fascinante, vive un perpetuo homenaje después de su muerte. Pero en la fiesta de su cumpleaños llega una visita inesperada: la compañía de payasos Rhum&Cia. Y con ellos, un poeta y cronista de circo, viejo amigo de Picasso, Ramón Gómez de la Serna. A Ramón le gustan los misterios. ¿Qué oculta Picasso detrás de la máscara de Arlequín? ¿Por qué soñaba con Minotauros? ¿Era un truhán o era un señor? Ramón y compañía invocan a un laberinto de amigos, mujeres y leyendas que hicieron de Picasso un mito. Un retablo maravilloso donde el emperador de los artistas se desnuda y disfraza al mismo tiempo.

Picasso, rey, monstruo y payaso interroga la historia de un pintor que atravesó épocas y estilos, pero lo hace en la clave de Rhum&Cia.: una puesta en escena tan cuidada como divertida, con alguna pincelada de alegre melancolía.

La cartelera sigue está semana presentando obras premiadas y con reconocidos actores españoles nacionales.

15 de enero de 2024
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“Un jale por la migración” convocan desde Oaxaca a diseñadores y artistas mexicanos a crear cartel sobre las personas en tránsito.

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El Festival Artístico y Cultural “Encuentro de Almas” de la Ex Hacienda San José Espacio Cultural, ubicado en Santa María Atzompa, Oaxaca, invita a participar en el Certamen de Cartel sobre la personas en tránsito titulado: “Un jale por la migración”. El Objetivo es que los creadores dedicados al arte y al diseño gráfico reflejen su solidaridad y fraternidad con las personas migrantes que atraviesan México y viajan con la esperanza de poder tener una mejor vida.

El certamen lanzado el 29 de diciembre de 2023, cierra el 24 de febrero a las 12 horas y los trabajos deberán enviarse vía email a: contacto@exhaciendasanjose.com Habrá un único premio dotado de 20 mil pesos, el cartel ganador tendrá con un tiraje de al menos 500 ejemplares que se colocarán en diversos espacios urbanos. La entrega del premio será el 27 de abril de 2024 en Ex Hacienda San José en San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca.

La Ex Hacienda San José en San José Hidalgo es, también, un centro cultural que promueve el desarrollo humano, la paz y la solidaridad social. Durante el año realiza festivales que tienen como propósito articular una reflexión que profundice diferentes temas de la realidad actual; donde a través del arte y la investigación se simiente una cultura colectiva de armonía entre los diferentes sectores de la sociedad.

Esta convocatoria para realizar un cartel tiene como objetivo estimular la creatividad de personas dedicadas al arte y al diseño gráfico a fin de difundir un mensaje que invite a la población mexicana a solidarizarse con la corriente de migrantes sudamericanos que este año atraviesa el país en busca de mejores oportunidades de vida.

El certamen es abierto, dirigido a diseñadores/as, artistas y creadores/as que residan en territorio mexicano. Podrán participar todas las personas que estén interesadas, individualmente o en equipo, pudiendo presentar máximo un cartel por participante individual o colectivo.

El tema es la migración interna e internacional en México. El cartel deberá plasmar en imágenes los fenómenos de personas nacidas en México y en otros países americanos que emigran en busca de mejores oportunidades para trabajar y vivir.

El diseño deberá llevar en algún espacio un lema, que invite a la convivencia pacífica y al apoyo hacia las personas que atraviesan nuestro país.

Se entregará un premio y tres menciones honoríficas. Además, se hará una selección de 30 carteles más. De cada uno de ellos se hará una impresión digital para exponerlos.

El espíritu de esta convocatoria busca promover la preservación ecológica, el feminismo y el interés superior de la niñez, aplicando la perspectiva de género con el fin de revertir los datos que apuntan a que las mujeres siguen sufriendo invisibilidad, discriminación y violencia machista. La igualdad de género no sólo es un derecho humano fundamental, sino que es uno de los fundamentos esenciales para construir un mundo pacífico, próspero y sostenible.

El diseño deberá́ contar con un espacio libre, de al menos 7 centímetros de alto, al calce o al margen del cartel, para la posterior inserción de los logotipos de instituciones colaboradoras, incluyendo el hashtag #hermandadmigratoria

Es importante tener en cuenta que el diseño elegido del cartel se puede aplicar a muy distintos formatos publicitarios (roll up, valla, autobuses, etcétera.), por lo que el diseño debe permitir su adaptación horizontal y vertical a estos formatos, siendo identificable en todos los formatos.

Solamente se admitirán obras inéditas. En el caso de que se utilicen imágenes o plagios de éstas de otros/as autores/as o instituciones, la persona autora será la responsable única ante cualquier incidencia que por estos motivos se pudiera producir, quedando retirada la obra de inmediato.

Se establece un único un premio dotado de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M. N.) para el cartel seleccionado, del cual se hará un tiraje de al menos 500 ejemplares para colocarlos en espacios urbanos. El premio se entregará el sábado 27 de abril de 2024 en una ceremonia realizada en Ex Hacienda San José Espacio Cultural, agencia de San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca.

PRESENTACIÓN Y PLAZOS

Los autores/as que se presenten al certamen deberán realizar su diseño en formato JPG Din A/4 y 72ppp vertical vía email a: contacto@exhaciendasanjose.com La fecha límite de presentación será el sábado 24 de febrero de 2024 a las 12:00 horas. El correo electrónico remitido a la organización deberá contener la siguiente información: Asunto: Certamen Cartel “UN JALE POR LA MIGRACIÓN” Título de la obra. Dos archivos adjuntos con el fin de mantener el anonimato de la persona autora. En el primer archivo el cartel final en formato vertical JPG a tamaño Din A/4 y 72 ppp. (No se admitirán en esta fase archivos con capas ni textos sin trazar). En un segundo archivo deberán estar los datos del autor/a en Word o Bloc notas: con el nombre del autor (individual o colectivo); domicilio, teléfono de contacto; mail de contacto; documento(s) de identidad; y una declaración responsable sobre la autoría del cartel y la cesión de uso.

Los organizadores del certamen remitirán un mail de respuesta confirmando la correcta recepción de la inscripción y de los materiales. Una vez recibida la propuesta, las personas participantes no podrán hacer públicos los carteles hasta la semana posterior al día del anuncio del cartel ganador. Cualquier cartel que sea mostrado de forma pública, antes de que la obra seleccionada sea publicada por los organizadores del festival, supondrá que tanto el cartel presentado como su autor/a quedarán fuera del concurso.

El jurado estará  formado por tres personas especialistas en diseño y arte, designadas por el festival Encuentro de Almas. La decisión del jurado se hará pública en la página web de Ex Hacienda San José Espacio Cultural, notificando previamente a quien obtenga el premio único del certamen.

Quienes participen en el concurso autorizan al FESTIVAL ENCUENTRO DE ALMAS a colgar sus propuestas en cuantos soportes digitales y físicos considere adecuados.

Los trabajos recibidos se colgarán en el sitio electrónico de Ex Hacienda San José Espacio Cultural: https://exhaciendasanjose.com/

El autor del cartel premiado facilita los elementos, tipografías y archivos necesarios para poder mostrar la obra en los diferentes soportes, formatos y aplicaciones para la promoción y difusión del certamen tanto en castellano como en otros idiomas.

El diseño seleccionado cederá en exclusiva al Certamen de Cartel “Un jale por la migración” los derechos de uso del trabajo ganador sin ningún tipo de limitación, abarcando todas las modalidades y territorios, temporal o de cualquier otra índole. El autor podrá usar su imagen con fines curriculares y culturales, quedando expresamente prohibida su reimpresión o uso comercial.

Los diseños que no resulten seleccionados serán eliminados de las bases de datos del certamen y quienes lo organizan no podrán hacer uso de dichos trabajos eliminados.

Quienes participen en el presente certamen consienten que sus datos personales sean tratados conforme a los requerimientos para el desarrollo del mismo, así como para comunicar noticias, novedades e información en general del Certamen de Cartel “Un jale por la migración”.

La convocatoria completa y detallada para este certamen se puede consultarse en esta liga: https://exhaciendasanjose.com/wp-content/uploads/2023/12/un_jale_migracion_convocatoria_2024.pdf

 

El Festival Artístico y Cultural “Encuentro de Almas” invita a participar en el Certamen de Cartel sobre las personas en tránsito titulado: Un jale por la migración. El objetivo es estimular a los creadores de arte y diseño a solidarizarse con las personas migrantes que atraviesan México con el hashtag #hermandadmigratoria. El certamen cierra el 24 de febrero a las 12 horas; habrá un único premio dotado de 20 mil pesos; y se destacarán menciones honoríficas. La entrega será el 27 de abril de 2024 en Ex Hacienda San José, en San José Hidalgo, municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca

13 de enero de 2024
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«Toda estampa fue contemporánea»: diálogos en torno a las artes gráficas.

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La reuniones se llevaran a cabo los días 17, 18 y 20 de enero 2024 en su sede ubicada en el número 598 Calle Juárez, cp 48300, en Puerto Vallarta, Jalisco, México. La entrada libre para todos los interesados.

La Oficina de Proyectos Culturales (OPC) dedicada a la organización de gestión cultural independiente, promotora del diálogo participativo entre el arte y el ámbito público inaugura su ciclo de actividades Toda estampa fue contemporánea: Diálogos en torno a las artes gráficas como parte del programa educativo de la muestra P/T: Prácticas colectivas en la gráfica contemporánea que contarán con la participación de destacados invitados nacionales e internacionales, en una oportunidad única de dialogar y explorar con ellos como su trabajo ha contribuido al desarrollo y estudio de las artes gráficas.

La reuniones se llevaran a cabo los días 17, 18 y 20 de enero 2024 en su sede ubicada en el número 598 Calle Juárez, cp 48300, en Puerto Vallarta, Jalisco, México. Esta organización sin fines de lucro, abre sus puertas a estos Diálogos en torno a las artes con entrada libre para todos los interesados.

Los diálogos cuentan con invitados especiales que han contribuido a la historia contemporánea de las artes gráficas, tanto en producción como en investigación.

El objetivo de dicho ciclo es generar conciencia sobre la riqueza expresiva en la estampa y la importancia de los espacios de producción gráfica para las colectividades. Con ello, insisten nuevamente la urgencia de la reapertura del Taller de Artes Gráficas “La Raya” en Puerto Vallarta como un espacio público para la creación y desarrollo de las artes gráficas de la bahía.

Parte de este evento será posible gracias al apoyo de PV Shares Foundation, y cuenta con la colaboración del Centro Universitario de la Costa de la Universidad de Guadalajara (CUC) y el Instituto Vallartense de Cultura.

Sobre los ponentes participantes

 Los invitados para este ciclo, tienen más de 20 años de experiencia en el campo de las artes; algunos de ellos han sido fundadores de talleres de estampa que fueron clave para la historia de la gráfica contemporánea y otros han tenido a su cargo museos de relevancia internacional en el país o bien, forman parte de instituciones universitarias de gran relevancia en las artes visuales.

María Fernanda Matos

Una de las curadoras más importantes de México. Ha sido Directora del Museo de Bellas Artes y del Museo Nacional de San Carlos en la Ciudad de México, así como Directora del Museo Cabañas y del Museo Raúl Anguiano en Guadalajara.

Fernando Gálvez de Aguinaga
Director del Taller de Artes Gráficas en el Centro Cultural Los Pinos en la Ciudad de México y del Festival Nacional de Artes Gráficas «La Zurda». Anteriormente, Gálvez se desempeñó como director del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), la institución más importante de artes gráficas en México, fundada por Francisco Toledo.

 Francesco Siqueiros

Artista y fundador del Taller de Artes Gráficas El Nopal Press, ubicado en Los Ángeles California, cuya producción a lo largo de treinta años ha logrado ser parte de instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), Smithsonian Museum of Art y el IAGO Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. Ha sido académico en instituciones como Otis College of Design y la Universidad de California.

 Rubén Ortiz-Torres

Artista y profesor en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California en San Diego. Inició su carrera como fotógrafo, grabador y pintor a principios de la década de 1980, mucho antes de obtener su M.F.A. del California Institute of Arts en 1992. Ortiz-Torres es un artista nacido en México que ha vivido y trabajado en Los Ángeles desde 1990. Es ampliamente reconocido como uno de los principales artistas mexicanos contemporáneos y como un innovador en la década de 1980 en una forma específicamente mexicana de posmodernismo, con más de 25 exposiciones individuales en todo el mundo.

 Daniel Barraza

Fundador del taller La Ceiba Gráfica en Veracruz, junto con Fernando Gálvez de Aguinaga, y cofundador del taller de artes gráficas La Buena Impresión. También fundador del primer taller de litografía en la historia de la Universidad Char Rufa en Camboya. A lo largo de 20 años, ha colaborado como impresor con reconocidos artistas a nivel nacional e internacional, como José Luis Cuevas, Dr. Lakra, Sinzaburo Takeda, Alejandro Santiago, Maximino Javier, Gilberto Aceves Navarro, Raúl Herrera, Fernando Aceves Humana, entre muchos otros.

 Fernando Aceves Humana

Fundador del taller de artes gráfica La Buena Impresión. En 2007, colaboró en la creación de los primeros talleres de grabado en metal en la República de Laos, ubicada en Indochina. En 2013, coordinó la instalación del taller de grabado en el Centro Cultural Toot Yung en Bangkok, Tailandia. También promueve la creación de redes globales de intercambio entre talleres privados e instituciones educativas en el área de artes gráficas.

Fernando Sánchez

Fundador del Taller de Artes Gráficas “La Raya” y miembro del Colectivo La Malagua. En Puerto Vallarta se ha desempeñado como Director del Instituto Vallartense de Cultura (IVC) y Académico del Centro Universitario de la Costa (CUC). Estudió en el Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo, el Taller de Grabado Artes de Oaxaca, la Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM Plantel Taxco. Becario del Programa Nacional Jóvenes Creadores del FONCA. También ha sido becario de la Fundación Pilar y Joan Miró, Mallorca, España.

Ireri Topete 

Miembro fundador del Taller de Artes Gráficas La Raya. Del 2016 al 2019 fue Coordinadora Académica de la Licenciatura en Artes Visuales del Centro Universitario de la Costa de la Universidad de Guadalajara, en Puerto Vallarta. Actualmente es profesora docente e investigadora del Departamento de Arte, Educación y Humanidades. Miembro del Sistema Nacional De Creadores de Arte de Secretaría de Cultura a nivel federal.

La Oficina de Proyectos Culturales (OPC) es una organización independiente y sin fines de lucro, dedicada a fomentar el diálogo a través de exhibiciones, mesas redondas, arte público y programas de educación de las artes. OPC trabaja con artistas, arquitectos, curadores, académicos y escritores creadores de ideas que construyen nuestra noción de ciudad y un panorama cultural ligado a Puerto Vallarta pero de alcance global. Nace con la voluntad de contribuir a la reflexión sobre el entorno sociocultural y artístico contemporáneo y con la vocación de compartir con Puerto Vallarta y sus visitantes.

La OPC agradece a la familia Barlow y la donación generosa del uso del edificio; a William Hobi por su continuo apoyo, así como al patronato de OPC, así como sus colaboradores y patrocinadores; PV Shares Foundation, Instituto Vallartense de Cultura, Hotel Tropicana, Hotel Villa Mercedes y Hotel Belmar.

El Taller de Artes Gráficas La Raya

El taller La Raya fue fundado en 1999 por iniciativa de la Dirección de Cultura coordinada por María José Zorrilla y el artista Fernando Sánchez. Con la obtención del Programa de Apoyo a la Infraestructura Cultural de los Estados (PAICE), se dio inicio la trayectoria del taller cuya vocación fue la enseñanza y producción de las artes gráficas en la región. A esto se sumaron los artistas grabadores Miguel Pérez y Sergio Martínez, quienes ayudaron a dar forma al taller. Entre los años 2010 al 2018 el taller fue dirigido por Ireri Topete, quien reactivó la vocación de enseñanza y producción.  El taller actualmente se encuentra inactivo debido a los daños sufridos en el inmueble por efecto del huracán Nora, ocurrido en agosto del 2021. Existe una urgente necesidad de reactivar el taller La Raya y recuperar el único espacio público dedicado a las artes gráficas de la región.

Informes:

Oficina de Proyectos Culturales (OPC)

T. 01 (322)  222 0541

11 de enero de 2024
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Conmemoran 10 años del concurso infantil de pintura y dibujo «China en mi imaginación».

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El mundo mágico, pictórico y filosófico del gigante asiático esta de nuevo en la mente de los niños mexicanos.

En colaboración con la Embajada de la República Popular China, el Centro Cultural de China en México, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal) y la Subdirección General de Educación e Investigación Artísticas a través de la Sección de Enseñanzas Artísticas, inauguraron la décima exposición del concurso de dibujo y pintura infantil China en mi imaginación.

La ceremonia se llevo a cabo en el Centro Cultural ex Capilla de Guadalupe, ubicado en la explanada cívica de la alcaldía Miguel Hidalgo, en donde también se inauguró la décima exposición del concurso y se realizó la respectiva premiación de las y los ganadores, quienes demostraron su talento artístico relacionado con algún motivo de la nación asiática.

Entre los ganadores del X concurso China en mi imaginación se encuentran Citlali García López, ganadora de Mejor Dibujo del certamen; Armina Grigorjan Camargo, ganadora en la categoría de 6 a 9 años; Diego Gatica Cruz, ganador de Talleres de Arte y Producción; Tamara Galván Balcázar, ganadora de 6º grado de Escuelas Primarias; Adriana Elizabeth Romo Flores, ganadora del 5º grado de Escuelas Primarias; Ángel David Hernández Rivera, ganador del 4º grado de Escuelas Primarias; Julián Juárez Paredes, ganador del 3er. grado de Escuelas Primarias; Kevin Ricardo González Cabera, mención honorifica, 10-12 años; y Bernardo Sánchez Ojeda, mención honorifica de 1er. grado de Escuelas Primarias.

Zhuang Li Xiao, consejera encargada de Asuntos Culturales de la Embajada de la República Popular China en México, afirmó que en este año se recibieron 927 obras, estableciendo un nuevo récord en cuanto a la cantidad y calidad. “Los niños usaron imágenes creativas y emotivas para comunicarse, expresando plenamente sus mejores deseos para la continuidad de la amistad y relaciones bilaterales entre China y México”.

Organizan desde 2014 el concurso de dibujo y pintura infantil China en mi imaginación, una iniciativa que ha recibido 8 mil 282 trabajos elaborados por niñas y niños mexicanos.

El director de Asuntos Académicos del Inbal, Luis Manuel Montes Serrano, manifestó sentirse orgulloso de ver a las infancias comprometidas con sus aprendizajes en las artes, como se aprecia en la exposición en la que han logrado desarrollar su creatividad y habilidades plásticas con sus maestras y maestros de la Sección de Enseñanzas Artísticas del Inbal y de las Escuelas de Iniciación Artística.

“Reconocemos en este décimo año de trabajo a las y los docentes de todos los lugares de nuestro país que a través de este concurso han depositado sus conocimientos en el desarrollo y formación de los lenguajes plásticos de las niñas y niños. Hoy estamos de fiesta, pues, desde 2014 hemos ampliado y fortalecido nuestra amistad con la República Popular China, a través de su Embajada y su Centro Cultural en México. En retribución han recibido el cariño de las y los participantes plasmados en sus dibujos, en cada uno de los temas que se han explorado en estos últimos 10 años”.

El concurso está dirigido a estudiantes inscritos en escuelas primarias públicas de 1° a 6° grados, atendidos por docentes de la Sección de Enseñanzas Artísticas, y de Talleres de Arte y Producción, de las Escuelas de Iniciación Artística y Escuelas de Iniciación Artística Asociadas, con edades de 6 a 12 años.

Con la presente muestra se habrán expuesto 1,225 trabajos y de cada edición realizado un catálogo correspondiente, en el cual se integran obras que hablan sobre temas como la ruta de la seda, los pandas, el Año Nuevo chino, un viaje a China y el horóscopo chino, entre otros.

El concurso China en mi imaginación ha cobrado un nivel relevante, ya que, de acuerdo con lo expresado por la consejera cultural de China en México, Zhuang Li Xiao, esta actividad tiene prioridad entre los asuntos culturales que China promueve y difunde entre los centros culturales de diversos países del mundo, además que por sus características resulta una actividad única en su tipo.

La ceremonia estuvo amenizado por La danza del dragón, a cargo del grupo Comunidad China de México; la Danza de sonajeros de Tuxpan, Jalisco, interpretada por alumnos de la Escuela Nacional de Danza Folklórica del Inbal, bajo la coordinación del maestro Víctor Lozano, y el grupo de Jazz Misceláneo de la Escuela Superior de Música del Inbal.

 

11 de enero de 2024
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El 2024 viene cargado de entretenimiento y cultura en Málaga

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Málaga, España.-  Comienza el año y las actividades culturales y de entretenimiento comienzan a ocupar días del calendario. 

Consolidado como una de las citas musicales del verano está Starlite Occidente, que se prepara  para su XIII edición en Marbella después de triunfar  en su primera edición navideña en Madrid. Entre su cartelera se encuentran tres conciertos del cantante mexicano Luis Miguel, el 31 de julio, 1 y 2 de agosto.

Aitana se presentará el sábado 22 de junio y 29 de julio. Se tiene también a Sara Baras, Camilo y seguirán sumándose nombres. Además que nos prometen  la reinvención  de su espacio y su oferta gastronómica y propuesta de ocio. 

El estreno del cuarto musical del Teatro del Soho CaixaBank llegará en junio de 2024 con Tocando nuestra canción, un espectáculo dirigido por Antonio Banderas y protagonizado por Miquel Fernández y María Adamuz sobre el exitoso clásico de Broadway. Los ensayos de esta nueva producción que pondrá El libreto de Neil Simon, música de Marvin Hamlisch, letras de Carole Bayer Sager y traducción de libreto y canciones de María Ruiz, es una comedia musical romántica, tierna y disparatada, que narra la divertida relación entre Vernon Gersch, un compositor de éxito y un fracaso en lo sentimental, y Sonia Walsk, una letrista desconocida, enganchada a una relación tóxica con su ex novio, a quien no es capaz de dejar del todo. Un espectáculo que estuvo nominado a los Premios Tony en 4 categorías incluido.

Además que se tendrá  Gypsy, en la que Antonio Banderas va a dirigir, la dirección musical será de Arturo Díez Boscovich y la protagonista será la actriz Marta Ribera.

Figuras de la danza flamenca como Rocío Molina y referentes del teatro nacional como José Sacristán y local como Alessandra García se suman a la temporada con sus espectáculos que desde hoy están a la venta en el Teatro del Soho CaixaBank.

101 Music Festival regresa con más fuerza que nunca, consolidándose como un evento emblemático en la agenda cultural de Málaga y con el objetivo de superar las cifras de años anteriores. La capital volverá a ser sede de grandes conciertos encendiendo motores el 31 de mayo con el malagueño Pablo López, conmemorando en su tierra los 10 años de carrera y que de momento llegará hasta el 20 de julio con el gran referente de la música indie, Vetusta Morla. De esta forma, la oferta musical se prolonga en el tiempo.

La variedad de estilos y públicos será la seña de identidad del festival en el que tendrá cabida algunas de las grandes estrellas de la música como los inagotables Camela, que celebrarán sus 30 años sobre los escenarios el 8 de junio. Rozalén, una de las voces más destacadas del pop y la canción de autor que estrena su nuevo disco el 15 de junio. El talento de un fenómeno internacional del flamenco, Israel Fernández, acompañado de Diego del Morao podrá disfrutarse el 22 de junio.

La gran revelación musical, Antoñito Molina estará el 5 de julio con su A la Aventura Tour en el que será el año de su consolidación como artista. Los amantes de la música de cine tendrán cita obligada el 6 de julio con el espectáculo de la Film Symphony Orchestra Henko. El 12 de julio la gran dama de la música española y malagueña adoptiva, Luz Casal, traerá sus Ventanas de mi Alma en otro impresionante derroche en directo y los Morancos el 13 de julio nos harán reír con su Bis a Bis antes de que los madrileños Vetusta Morla pongan el broche de oro el 20 de julio a expensas de más confirmaciones que se irán produciendo en los próximos meses.

En cultura se tiene la exposición More Creativo de Moisés Requena Picazo, presenta sus obras adentrándose en el color descubriendo Torremolinos, Granada, Madrid, Alicante, La Mancha y más obras. La inauguración es el 11 de enero en Café Bulevar en Torremolinos. A las 19 horas.

 

5 de enero de 2024
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