Sobre 2 ruedas

Contiene litografías realizadas por por el pintor Fernando Aceves Humana y un texto del escritor Pablo Soler Frost, editada por Gatopardo, e impresa en el Taller La Buena Impresión en Oaxaca.

Por Pilar Jiménez Trejo

La Carpeta Ecuestre, será presentada este miércoles 9 de mayo a las 18 horas en el

Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), la presentación será moderada por la escritora Karina Sosa, ganadora del Premio Primera novela 2021. La acompañaran Alejandro Legorreta editor de la carpeta, Daniel Barraza artista impresor, el escritor Pablo Soler Frost y el artista Fernando Aceves Humana.

La conexión y amistad de Fernando Aceves con los caballos, datan de su temprana infancia en el criadero de su familia, desaparecido hace décadas tras fallecer su abuelo.

Las imágenes ecuestres que vemos aquí son resultado de una estancia en el Rancho Santa Rosa donde también realizó una serie de dibujos y óleos conviviendo con las manadas de caballos y registrando a cielo abierto sus conductas sin la presencia humana. Las litografías, óleos y dibujos preparatorios muestran la vida cotidiana del rancho y la admiración del pintor por la conexión mental y física entre jinete y caballo durante los entrenamientos de salto. Una experiencia entrañable en una tierra que ha visto nacer a al menos quince generaciones de equinos.

En el texto de Pablo Soler Frost encontramos estas referencias literarias que completan la emoción de las litografías: “El caballo sigue allí, para quien lo busca. Es cierto que han dejado de ocupar vastas extensiones de la realidad, vastas ex- tensiones de la imaginación. Son pocos los seres humanos que aún se dedican a ellos, que los conocen, que los tienen como compañeros del día a día. Son pocos los símbolos en los que perviven, rarísimas ya las expresiones en nuestra lengua que a ellos se refieren: hoy en día una persona puede pasar toda su vida sin oír ni ver ni montar o conducir o abrevar un caballo, cuando antes estaban por todas partes y eran (menos en los lugares en donde no los había, fuera Venecia -Lord Byron tuvo que dejar sus corceles en el Lido- o el Ártico) prácticamente omnipresentes. De Darío el Persa, a quien coronó un relincho a su primera aparición, sobrenatural casi; en América, donde algunos de sus cráneos terminaron empalados en el tzompantli del Templo Mayor; de la indignación de Nietzsche frente a un hombre que azotaba a su jamelgo o el júbilo cuando se anunciaban los ganadores del Derby o en Longchamp, los caballos nos acompañaban todo el tiempo, desde el nacimiento hasta la tumba. Estaban enjaezados a nuestros destinos”.

Y sobre las litografías refiere: “La pintura también sigue allí. Como los caballos, es cierto que ha dejado de regir el inmenso espacio que le era propio, para ir cambiando, menguando, empequeñeciéndose o irse guardando, aceptando a veces matrimonios de conveniencia con otras artes que han adquirido preeminencia. También hoy en día la gente habituada al consumo de las imágenes puede vivir sin ver jamás una pintura ni detenerse morosamente en ella ni relacionarla ni colegir su importancia ni traerla al caso (…) Lo ecuestre precisa de amplias llanuras: es un arte de vastos horizontes. Los lienzos y los dibujos de Fernando Aceves Humana proveen esto. Son el espacio necesario para el cabrioleo del potrillo o las figuras de alta escuela, el lugar idóneo para un animal que pide y que brinda tiempo, como la pintura misma. Se pinta con los ojos, haciendo transcurrir los dedos sobre el papel, obligándolos a seguir lo que el ojo ve: en este caso, que se monta con el pie del corazón”.

Por Pilar Jiménez Trejo

Este 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, únase a ONU Mujeres y al mundo bajo el lema «Igualdad de género hoy para un mañana sostenible» y reclame una acción por el clima por y para las mujeres.

Este día se busca reconocer nuestros logros alcanzamos en la lucha por la igualdad de genero, por visibilizar las luchas de las mujeres contra las desigualdades.

Algunas personas mandan mensajes, flores o chocolates deseando un feliz día a las mujeres, quizá no saben que los orígenes de esta  celebración no son melosos, sino políticos, económicos, sociales y civiles.

Es un día en el que se habla de los derechos de las mujeres en todo el mundo, de las reformas conquistas que han logrado mejorar nuestra situación en la sociedad como el derecho estudiar, a poder votar, a salarios justos, a decidir libremente sobre nuestro cuerpo, nuestra sexualidad o la maternidad voluntaria… y en los últimos años, decisivamente, sobre el derecho a estar protegidas y no ser un número más en las estadísticas de la  violencia física, mental y los feminicidios.

No es una efeméride en el sentido estricto de que un 8 de marzo haya sucedido algo especial, este día tiene muchos significados… parte de sus orígenes están en el movimiento socialista de las mujeres trabajadoras que empezó a manifestarse en Estados Unidos, a finales del siglo XIX exigiendo igualdad en los salarios con los hombres. Casi paralelamente en Europa también el movimiento de las mujeres trabajadoras se reveló por las condiciones difíciles en el trabajo y reclamaban derechos iguales en el trabajo, la discriminación y el derecho al voto.

En marzo de 1910 un centenar de mujeres representante de varios países se reunieron en Copenhague, Dinamarca, en una conferencia internacional que tuvo dos motivos principales:  rendir homenaje a los diferentes movimientos que se levantaban a favor de los derechos de la mujer e impulsar la universalidad del voto femenino; desde entonces solicitaron el establecimiento de un día en conmemoración a las mujeres trabajadoras. En 1917, luego de que ya habían muerto millones soldados rusos en la Primera Guerra Mundial, las mujeres salieron a la calle para exigir pan y paz, y se declararon en huelga.

Más adelante se convirtió en una fecha muy importante sobre todo en los países del bloque socialista en donde incluso para algunos regímenes era un día feriado oficialmente. Pero la fecha también se asocia con un accidente sucedido en una fábrica textiles en Nueva York en el que más de un centenar de trabajadoras inmigrantes murieron tras un incendio, ellas hacían camisas para hombre, y cuenta que el fuego que subía por el aire era de color morado, como la sangre que corre por las venas de cada mujer al defender sus derechos.

A partir de esta tragedia comenzaron a discutirse cambios en las leyes laborales norteamericanas, que era en ese momento, el principal reclamo, y algunos grupos de mujeres quisieron encontrar el origen de ese día en Estados Unidos para desasociarlo del inicio que tuvo en los sindicatos de mujeres socialistas.

En la segunda mitad del siglo XX, la Organización de las Naciones unidas comenzó a promover la celebración del 8 de marzo como el Día Internacional de la Mujer, como el día de lucha por el reconocimiento de las mujeres en un mundo de hombres por la igualdad, la justicia, la paz y el desarrollo,  y desde 1975 cuando se realizó en México la conferencia de las Naciones Unidas, comenzó a celebrarlo, dos años después convocó a todos a los estados que la conforman a proclamar el 8 de marzo como el día para el derecho de las mujeres.

Las mujeres empezaron a votar por primera vez en el mundo en el siglo XX, en Australia en 1912 y Reino Unidos  y en Arabia Saudita hace apenas unos años. El primer país de América Latina en aprobar el sufragio femenino fue Uruguay, las mujeres pudieron votar por primera vez en julio de 1927. En México fue el 3 de julio de 1955 cuando las mujeres pudieron ir a las urnas y hacer valer su voto.

Hace comenzó un proceso que más de un siglo después no ha terminado, pues algunos países todavía se les limitan a las niñas y mujeres derechos y libertades básicos.  Las mujeres son jefas de Estado o de gobierno en 22 países, y únicamente el 24,9 por ciento de los parlamentarios nacionales son mujeres. Al ritmo de progreso actual, la igualdad de género entre jefas y jefes de gobierno tardará otros 130 años.

Así que este día, las mujeres seguimos manifestándonos por la igual y justicia para niñas y mujeres en todo el mundo por la paz y el desarrollo.… Por ser personas valoradas por nuestro talento, por ganar lo mismo que un hombre, por no morir de una paliza, por no ser mercancía vulnerable, ni seguir encasilladas en ser una buena madre, hija, esposa o trabajadora,  sino por poder elegir sin etiquetas y con independencia.

Una referencia histórica literaria a la que acuden en la actualidad muchas feministas, es la primera mujer en el paraíso con Adán antes que Eva, la mítica Lilith quien –creada por Dios a partir del barro, como Adán, y no de su costilla– se niega a acostarse debajo de Adán. Si ambos fueron creados de la tierra, argumenta, no hay razón para que su destino sea estar abajo de él, y decide marcharse del Edén y ser libre.

En el Alfabeto de Ben Sira (escrito entre el siglo VIII y el XI), se narra cómo Lilith se resistió a yacer por debajo de Adán: «¿ Por qué he de yacer debajo de ti? Yo también fui hecha con polvo y por tanto, soy tu igual», afirmó Lilith, que, al ser forzada por Adán a obedecerle, pronunció el nombre de Dios en vano y decidió abandonar el Edén con dirección al Mar Rojo.

!Y Lilith dejo el paraíso, pues no quería estar debajo de Adán!

Jorge Luis Borges en su Libro de los seres imaginarios describe a Lilith de la siguiente manera:

“Era una serpiente; fue la primera esposa de Adán y le dio glittering sons and radiant daughters (hijos resplandecientes e hijas radiantes). Dios creó a Eva, después; Lilith para vengarse de la mujer humana de Adán, la instó a probar del fruto prohibido y a concebir a Caín, hermano y asesino de Abel”.

Los sumerios la representaban a Lilith como una especie de mujer pájaro con patas y garras de lechuza parada sobre un par de chacales y a sus lados con dos lechuzas, sus pájaros sagrados, la escultura que data del 2000 a.C.

Judith Plaskow escritora y activista estadounidense conocida por ser la primera teóloga judía feminista, en su libro The Coming of Lilith. Essays on Feminism, Judaism and Sexual Ethics, al revisar los documentos en los aparece Lilith desde el poema  Gilgamesh, el antiguo texto poético mesopotámico, también en otros documentos griegos; así como en el Torá, libro sagrado de los judios; y la Biblia 

Trabajó con un grupo de teólogas judías para interpretar que Lilith y Adán son iguales en todos los aspectos y explica la ruptura de la primera pareja en el carácter autoritario de Adán, quien se negó a reconocer la igualdad entre uno y otro. “Tráeme mis higos ahora mismo”, le ordena, al tiempo que pretende relegarla a las “tareas cotidianas del jardín del Edén”[5]. Lilith, por no estar dispuesta a asumir ese pasivo rol, pronuncia el nombre sagrado de Dios y abandona el Edén. De inmediato, Dios crea a la servicial Eva de la costilla de Adán. Un día la segunda mujer de Adán se encuentra a Lilith en los límites del jardín y descubre que no es el demonio responsable de la muerte de los recién nacidos –como le había dicho Adán–, sino una criatura igual a ella. Las dos mujeres se reúnen para conversar: cada una cuenta su historia, ríen, lloran, y poco a poco se crea entre ellas una relación de sororidad. Mientras tanto, Dios y Adán temen el día en que Lilith y Eva regresen al Edén para reconstruirlo en sus propios términos.

La teóloga y sus colegas, como tantas otras, solían reunirse en grupos de conciencia para hablar acerca de lo que implica ser mujer. La desigualdad de género iba revelándose por medio de las historias personales que compartían –y que abarcaban temas como la familia, la sexualidad, el trabajo, el mundo del arte y la religión. De ahí que en esta versión del mito, Lilith y Eva se sienten a conversar durante horas. Si la narración insiste en ello es porque esta organización de las bases fue crucial para el movimiento feminista: el reconocimiento que se da mediante el diálogo es la base de la sororidad y de la alianza que las llevará a reconstruir su sociedad.

Hoy la ONU pide:

Potenciar la igualdad de género en el contexto de la crisis climática y la reducción del riesgo de desastres es uno de los mayores desafíos mundiales del siglo XXI.

Cada vez es más evidente que las mujeres son más vulnerables al impacto del cambio climático que los hombres, ya que constituyen la mayoría de la población pobre del mundo y son más dependientes de los recursos naturales afectados por esta amenaza medioambiental.

Al mismo tiempo, las mujeres y las niñas son líderes eficaces y poderosas que impulsan el cambio para lograr la mitigación y la adaptación climáticas. Se implican en iniciativas sostenibles en todo el mundo y su participación y liderazgo generan una acción por el clima más eficaz.

Para lograr el desarrollo sostenible y una mayor igualdad de género es esencial seguir explorando las oportunidades, así como las limitaciones, para permitir que las mujeres y las niñas tengan voz y participen en igualdad en la toma de decisiones relacionadas con el cambio climático. Sin igualdad de género hoy, el futuro sostenible e igualitario seguirá estando fuera de nuestro alcance.

Por ello, la celebración del Día Internacional de la Mujer de las Naciones Unidas es “Igualdad de género hoy para un mañana sostenible”.

Cultura en Bicicleta/Redacción

• El martes 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, TV UNAM transmite programación especial para propiciar el análisis y la reflexión

• Asimismo, durante todo el mes de marzo se transmitirán programas de análisis y debate, así como un ciclo de jazz con las voces femeninas más representativas del género.

El Día Internacional de la Mujer fue establecido por la Organización de las Naciones Unidas en 1975 con la finalidad de reivindicar los derechos de las mujeres para propiciar condiciones de igualdad en todos los ámbitos de la vida. Este año el tema es “Igualdad de género hoy para un mañana sostenible”, con lo que se busca lograr una mayor participación de las mujeres y las niñas en la toma de decisiones relacionadas con el cambio climático.

Con ese propósito, la programación de TV UNAM de marzo pretende alentar la reflexión sobre la participación de las mujeres en el desarrollo de la ciencia y la cultura.

Todos los lunes, del 7 al 28 de marzo, a las 19:30 horas, se transmitirá en la barra Íconos de Jazz, conciertos con las voces femeninas más representativas de este género. El ciclo empieza con Ella Fitzgerald, la “primera dama del jazz”, quien por su elegancia y su técnica vocal le daba gran versatilidad a su repertorio. El lunes 14 de marzo toca el turno de Anita O’Day, una de las mejores voces de la época dorada de las big bands y la única cantante blanca de jazz, comparable con las más grandes exponentes del género. El lunes 21 de marzo se transmite el episodio dedicado a Sarah Vaughan, una de las mejores cantantes, con un gran talento vocal. El último capítulo, que se transmite el lunes 28 de marzo, está dedicado a Nina Simone, cantante, compositora y pianista excepcional, considerada la Gran Sacerdotisa del soul.

El martes 8 de marzo, a las 11:00 horas, la programación especial inicia con la transmisión de Cinco mujeres excepcionales en la ciencia, documental de cinco mujeres ganadoras del Premio L’Oréal-UNESCO 2009: Anne Dejean Assémat, Rashika el Ridi, Elaine Fuchs, Lourdes J. Cruz y la mexicana Alejandra Bravo, quien desde la UNAM realizó una investigación sobre las toxinas bacterianas que actúan como poderosos insecticidas.

A las 17:00 horas se transmitirá Ellas sienten que amanecerá, documental sobre cinco científicas de América Latina entre las que se encuentran Bárbara Rojas, de Chile, Jessica Álvarez, de Perú, Cristina Ramos, de Ecuador, Andrea Nassar, de Colombia y Ligia Pérez Cruz, de México, quien es investigadora del Departamento de Exploración Geofísica y Geomagnetismo en el Instituto de Geofísica. Tiene el doctorado en Oceanografía Geológica y ha recibido la Medalla al Mérito Universitario «Alfonso Caso» 2000 y el Premio Sor Juana Inés de la Cruz 2015 por la UNAM.

A las 18:00 horas está programado el documental Haciendo espacio, cinco mujeres cambiando la cara de la arquitectura, sobre una nueva generación de mujeres que están creando algunos de los diseños arquitectónicos más emblemáticos de la actualidad: Annabelle Selldorf, Farshid Moussavi, Odile Decq, Marianne McKenna y Kathryn Gustafson.

A las 19:30 horas se transmite Cinco mujeres que cambiarán al mundo, ganadoras del Premio L’Oréal-UNESCO 2010, entre quienes se encuentran Anne L’ Huillier, Fayzah al Kharafi, Jillian Banfield, Vivian Wing.Wah Yam y Silvia Torres Peimbert, astrónoma mexicana notable por haber sido la primera mujer que, a nivel nacional, obtuvo un doctorado en astronomía por la UNAM. El documental tendrá una retransmisión el sábado 12 de marzo, a las 18:00 horas.

Para terminar el día, a las 22:10 horas, en el espacio Tiempo de Filmoteca UNAM, toca el turno al documental Esther sin h (México, 2021), de Alejandra Islas. Una coproducción de TV UNAM basada en el Diario de una madre mutilada, de Esther Hernández Palacios, doctora en Letras Modernas y académica de la Universidad Veracruzana, quien ofrece el testimonio de una madre a la que le asesinan a su hija en Xalapa, Veracruz. Para sobrellevar el proceso de duelo, Esther cuenta la historia del asesinato de su hija Irene en un diario que se convierte en un instrumento de sobrevivencia.

Para continuar con la conmemoración, el miércoles 9 de marzo a las 22:00 horas, en el espacio Tiempo de Filmoteca UNAM, se transmitirá Non Western (México/Reino Unido/Estados Unidos, 2020), de Laura Plancarte, un documental coproducido por TV UNAM, LP Films y Montana Film Office, que cuenta la historia de un nativo cheyene, excombatiente de la Guerra de Irak, y una mujer blanca con estudios de posgrado. La pareja se prepara para su boda en Montana, Estados Unidos, a pesar de los desafíos que representa para sus respectivas familias.

El concierto de OFUNAM, que se transmite el domingo 13 de marzo, a las 12:00 horas, con retransmisión el martes 15 de marzo, a las 15:30 horas, estará dedicado a la conmemoración del 8M, bajo el título Jornadas de mujeres en la música. El programa incluye el estreno en México de la obra Hover de la compositora británica Sally Beamish; Divertimento sobre Sellinger’s Round, de Michael Tippett y la Sinfonía núm. 83, de Haydn, conocida como La gallina, todo bajo la batuta de Catherine Larsen-Maguire, directora huésped.

Asimismo, #EnTrending, conducido por el equipo de reporteros de TV UNAM, los jueves a las 20:30 horas y los programas de análisis y debate como La UNAM responde, con Rosa Brizuela, que se transmite en vivo de lunes a viernes, a las 14:30 horas; El Chamuco TV, con Cintia Bolio, José Hernández, Rafael Pineda «Rapé» y Rafael Barajas «El Fisgón», los martes a las 20:30 horas y Diálogos por la democracia con John M. Ackerman, los domingos a las 19:30 horas, hablarán de la importancia de la conmemoración de este día en el ámbito político, social y cultural.

No te pierdas la programación especial que TV UNAM preparó para conmemorar el Día Internacional de la Mujer, en el mes de marzo, en sus diferentes horarios.

Málaga, España.- Uno de los artistas plásticos españoles que trabaja con tenacidad es el malagueño José Luis Puche. La pandemia no ha sido obstáculo para crear y realizar obras que se han visto ya en diversas salas de Andalucía. Ha presentado su tercera exposición en Sydney y participa activamente en las actividades de las Cofradías de Málaga.

En entrevista habla de su trabajo. Y nos relata que en tiempo de la pandemia por el Covid 19 fue un tiempo difícil. Se vio obligado por el confinamiento a trabajar en casa y con la idea de hacer bocetos trabajó y se convirtieron en obras que han adquirido coleccionistas de diversas partes del mundo. “Me vi en medio de una melancolía por todo lo que estaba a mi alrededor, noticias malas, muertes de amigos y conocidos. Sin el arte hubiera tenido una depresión. Los dibujos fueron un motor para sacar todo lo que se estaba viviendo”.

Una de las exposiciones que vieron la luz con estas obras fue: José Luis Puche. Colibrí puntos de ruptura. Se presentó en la Universidad de Jaén.

En el mes de septiembre del 2021 se celebró una exposición de trece imágenes titulares de la Semana Santa de Málaga, titulada El Verbo Encarnado. Puche participó con la obra intervenida sobre la plataforma del habitual monte de claves de Jesús Cautivo, titular que se venera especialmente por los malagueños y es figura imprescindible en Semana Santa. Su obra fue una de las más fotografiadas en las redes sociales por su excelente trabajo.

“No he querido olvidarme de la imagen que los fieles tienen bajo los pies del Señor, por lo que realice un dibujo sobre papel, grafito y lápiz de color en el que la vegetación de claveles rojos se interpreta de un modo expresionista con incursiones iconográficas en los cuatro costados del Trono. Atravesando los costados de izquierda a derecha un Elefante, y del frente a la trasera un Pavo Real, ambos enlazados en forma de cruz en el trono aludiendo al sentido de la eternidad de Cristo. Por otro parte las plumas del Pavo Real en la trasera del Trono siguen la línea argumental visual de la caída de la túnica de la imagen, en clara intención de continuidad entre imagen y trono. Al mismo tiempo los ojos de las plumas, como bien sabemos, son los ojos de Dios que todo lo ve, devolviendo la mirada a las decenas de miles de promesas que van tras el trono los Lunes Santos, homenajeando a todos estos fieles y haciendo de este trabajo no una obra efímera, sino atemporal.

Por último una procesión de peces transita por el Trono con un doble sentido, por un lado la idea de la multiplicación de la fe y por otro la contextualización marinera de la ciudad y su imagen, dando a la obra mayor sensación de fluidez desde el punto de vista formal”.

A Puche también le han hecho el encargo de realizar el cartel de la salida procesional de Nuestro Padre Jesús Cautivo y María Santísima de la Trinidad de la Semana Santa del 2022, obra que resalta las imágenes .El dibujo comienza como un ejercicio plenamente figurativo asentado sobre las sólidas bases del arte clásico para posteriormente sufrir una profunda transformación donde el dibujo adquiere un cambio puramente orgánico, logrando una imagen nueva y actual donde el dibujo coge el total control de su definitivamente y el artista queda en otro plano. Así sucede capa tras capa, donde lo que queda es un testimonio de todo lo ocurrido, el dibujo hecho acontecimiento.

Puche ha presentado su tercera exposición en Sydney con 16 piezas, la curadora fue Kate Smith y tuvo como título El legado del agua, obras realizadas durante gran parte de 2021, con su técnica habitual carbón graso, pastel graso y lápiz de color sobre papel Saunders Waterford.

“En esta exposición no hay un hilo conductor, ni narrativo ni conceptual, aquí el placer es la ley. Inmersos en un periodo de pandemia que aún no ha sido superado, el primer revés emocional que ha vivido y sufrido mi generación me ha hecho reflexionar sobre la importancia o no de aquello que nos rodea en la vida, sobre lo importante y lo superfluo, sobre la existencia misma de la vida. El agua en mi obra es el motor transformador de todo mi trabajo, de mi dibujo, aquel que ha sido trabajado a base de golpes y toques sobre el papel, incluso en ocasiones hasta con violencia, pues nada nuevo existe sin una agresión matérica y visual a lo que hubo con anterioridad”.explica el artista español que tiene para este años planes de viajar al extranjero.

El restaurante Casa Mila presenta en esta exposición una serie de piezas en carboncillo, y una en gran formato al óleo, que seguirán el mismo camino del carboncillo al óleo, como el preámbulo que se propone MarLeon en sus obras. Las piezas son reflejo de los sentimiento de este creador de desdoblamiento a otro ser; sentimientos que hicieron nacer simbiosis de cuerpos que poco a poca van formando sentimientos y terminan en un ser diferente: figuras humanoides que pueden relacionarse con otro tipo de formas vivas.

La exposición titulada Preámbulo que como dice la definición: procede de praeambulus, un vocablo latino que se refiere a aquello que “se sitúa delante”. El preámbulo, por lo tanto, es una especie de prefacio o prólogo que se pronuncia antes de iniciar una exposición o un discurso.

En estas piezas la figura femenina, sobre todo el torso, es crucial “para mi es la figura perfecta, desde mi infancia que viví con tres mujeres que me hicieron sensible al cuerpo femenino y me mostraron que no se trata de algo frágil sino más bien uno de los más fuertes en el mundo de los seres vivos, torsos que terminan siendo el preámbulo del ímpetu”, comenta el artista.

Piezas realizadas con un minuciosísimo detallado y lento que le permite, no llegar al fotorrealismo sino a la pintura hiperrealista, esa reproducción fiel, casi fotográfica, de la realidad.

La exposición es una búsqueda constante de cómo el ser humano expresa sus sentimientos; cómo sus estados de ánimo cambian repentinamente de la felicidad a la melancolía, reflexión que nación en MarLeon antes de la pandemia “pero es está claro que dentro de este virus y el encierro, el desarrollo de mis obras tomaron nuevos giros, mostrando con claridad cómo a veces podemos estar en un estado completamente decaídos y de un momento a otro llegar a la placidez; estímulos que escapan de nosotros y se proyectan en los que nos rodean; los seres humanos vivimos en una lucha constante de sentimiento”, explica.

MarLeon, antes Noel Ramírez, cambio su nombre de artista, a una combinación en la que está su apellido, su signo zodiacal: Aries; un carnero, el mar y el león, seres que pueden ser tranquilos y tormentosos de un instante a otro.

El carboncillo generalmente es una técnica rápida para el artista, pero en el caso de MarLeon trabajar con el carbón pasa por un proceso similar al que realiza con una pintura, pues lo elabora con pincel para ir degradando y sutilmente generando formas y grosores. “Cuándo pasas al óleo hay que ser mucho más preciso que con el trabajo realizado antes, y esto permite una obra de perfección, creo, casi total”, añade.

“El restaurante Casa Mila abre sus puertas con a los artistas mexicanos, y dedica el mes de febrero y marzo a celebrar su primer aniversario con la obra del MarLeon y menú que será pura inspiración.

MAR LEON, es un pintor originario de la Ciudad de México, a sus 41 años ya ha dedicado más de la mitad de su vida a esta pasión por la pintura y el dibujo que desarrolla desde hace 24 años, autodidacta aunque en las ultimas décadas ha trabajado con diversos artistas.

Reflexionar sobre su obra es adentrarse en terrenos plurales, debido a la amplia gama de temas que su arte aborda. A partir de un estilo que se inscribe en el realismo, examina diversos estados de la conciencia humana. De manera temeraria toca aspectos que se encuentran al margen de la opinión pública. Captura la trascendencia del instante en un devenir de formas. Sus pinturas parecen fotografías.

Las creaciones de Marleon, evocan la creencia de la vida después del más allá, éste capta la importancia y los distintivos éticos y estéticos de la trascendencia y de la inmortalidad del espíritu. De tal forma, dibuja a sensuales mujeres que guardan secretos tras su frágil belleza. La vida en las grandes urbes, es otro tema que también ha llamado su atención. En especial, la soledad y melancolía que portan sus personajes antiguos que se han quedado rezagados ante tanta vertiginosidad y caos citadino. Por último, la fe exacerbada es una temática profunda y difícil de explicar que lo lleva a exagerar sus últimas y funestas consecuencias. Su trabajo es realista y refleja problemas sociales y filosóficos No hay duda de que su arte es reflexivo.

En el 2014 inicia su segunda etapa artística tras diez de años de estar alejado de los lienzos, con una formación académica como Diseñador Gráfico, su inclinación artística y la experiencia previa le permiten encontrar el medio pictórico para expresarse, llegando a concurso y bienales, obteniendo reconocimientos y exposiciones en diversos estados de la república, así como la aceptación en la Unión de los Artistas integrada al mítico Salón dés Aztecas, en donde ha compartido paredes con Ruben Rosas, Eloy Tarcisio, Jazzamoart, Philip Bragar, entre otros.

La propuesta estética de su pintura no consiste en mimetizar lo aparente, sino los sentimientos y emociones. El hiperrealismo de “El Carnero” radica en interpelar a nuestra mirada y situarla en la misma circunstancia en la que pinta a sus personajes. Captura el momento exacto como una fotografía, mientras explora las profundidades del alma humana en un mismo plano.

Su estilo es una antología de influencias. En el sentido pictórico lo han influenciado desde los grandes maestros del arte, como Rembrandt; hasta los míticos cartelistas del cine, como John Alvin. Mientras que, en el sentido auditivo, el Rock and Roll se erige como aquel motivo y fuerza que lo impulsa a crear. Las estridencias de su pincel marcan el ritmo de los trazos, que son como plasmados sobre el lienzo, semejantes a una tablatura que debe ser leída desde nuestra experiencia propia.

El programa horario para México inicia el 7 al 10, del 14 al 16, y la última ponencia será el 21, todos en el mes de junio. En el caso de Camboya las conferencias se llevarán a cabo del 8 al 14, del 15 al 17 y finalizan el 22 también de junio.

Reconocidos en el mundo como dos países con una enorme y admirable historia de arqueología que se sigue estudiando, descubriendo y restaurando México y Camboya deciden realizar su primer Coloquio de Arqueología y restauración. Científicos y creadores culturales, reconocidos investigadores de distintas especialidades, de ambos países dialogarán con para compartir sus experiencias en materia de arqueología y restauración. La historia de los sitios arqueológicos más emblemáticos de cada país en los que están y han estado colaborando son parte de este primer encuentro.

El Coloquio tiene varios objetivos, pero uno de los principales es motivar a la juventud de México y Camboya para que conozcan las prácticas que encierra la arqueología y restauración en sus distintas especialidades, así como el prodigioso arte que guardan estos sitios, y descubran lo apasionante, rica y compleja que es esta disciplina, que nos revela y explica nuestras raíces. La intención es motivarlos a que elijan ambas carreras.

A través de conferencias magistrales de destacados especialistas, se hablará sobre los contextos y procesos de excavación, análisis de materiales, rescate, conservación y restauración de sitios tan importantes para México como Monte Albán, Chichen Itza, el Gran Acuífero Maya y Teotihuacán. En Camboya asombrosas ruinas y ciudades como Angkor Wat, el Templo Koh Ker o el prodigioso templo de Preah Vihear, que se encuentra en la frontera con Tailandia.

El clima, el suelo y la flora del sur de México y el Reino de Camboya son similares, por ello comparten los mismo retos en temas de arqueología, este seminario será un intercambio entre investigadores para el descubrimiento, la comprensión, la curiosidad y el intercambio entre los jóvenes de ambos países en el medio artístico y arqueológico.

Las conferencias serán transmitidas de manera virtual, para todo público interesado, pero enfocado principalmente en universitarios, además se buscará que las poblaciones rurales que habitan en estos sitios declarados Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO accedan a esta charlas y revaloren la importancia y belleza de los lugares que habitan.

El programa para México será del 7 al 10, del 14 al 16, y la última ponencia será el 21, todos en el mes de junio. En el caso de Camboya las conferencias se llevarán a cabo del 8 al 14, del 15 al 17 y finalizan el 22 también de junio.

Se realizará una conferencia en línea por día, en la que los ponentes hablarán de sus proyectos y trayectoria; conscientes de que la audiencia podría no estar familiarizada con el contexto e historia de su país, utilizarán imágenes y videos para proveer de dinamismo y mejor entendimiento a su auditorio. Como el objetivo es entusiasmar a los jóvenes por estas materias e investigaciones, a todos se les formula una pregunta ¿Qué le motivó en su juventud a consagrar su vida a su profesión?

Las conferencias contarán con traducción simultánea al inglés, español y khmer. Todas las charlas serán grabadas en una plataforma de consulta gratuita en la que se podrán consultar en cada uno de estos idiomas.

Las audiencias contempladas en el caso de México  incluyen a los alumnos del taller La Buena Impresión de Oaxaca –principal impulsor de este Coloquio–, así como reclusos del penal regional de Etla; alumnos de la Universidad de Oaxaca y escuelas e institutos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH); en Camboya las audiencias serán del taller Char-Rufa (de pintura y grabado) y sus redes comunitarias; la Facultad de Bellas Artes, la Facultad de Arqueología y jóvenes de programas de apoyo vocacional.

Entre los moderadores se encuentran:

Bertrand Lobjois de la UDEM (Universidad de Monterrey), Licenciado y maestro en Letras Clásicas, Université de Picardie Jules Verne, Amiens, Francia. Diplôme d’Études Approfondies, Religiones y sistemas de pensamiento, École Pratique des Hautes Études, Paris, Francia.

Arqueólogo Raúl Barrera, director del programa de Arqueología Urbana, y de la excavación del Huei Tzompantli en la Ciudad de México.

Dr.Ea Darith, directivo del Departamento de Conservación de Monumentos Fuera del Parque de Angkor y Arqueología Preventiva de la Autoridad Nacional APSARA (que trabaja con un Comité Internacional de Coordinación de la Salvaguardia y el Desarrollo del Sitio Histórico de Angkor y otros sitios de Camboya).

Arqueólogo Sergio Gómez Chávez, director de los proyectos Ciudadela y Tlalocan a cargo de la exploración del túnel que está bajo el Templo de la Serpiente Emplumada en Teotihuacán.

Arqueólogo Khieu Chan, investigador del Proyecto de Fundación Hierro Antiguo Autoridad APSARA-Real Academia de Camboya-Ministerio de Cultura y Bellas Artes, Proyecto Living Angkor Road.

Arqueólogo Sothin Kim, Director General adjunto de la Autoridad Nacional APSARA.

Dra. Yareli Jaidar de ciencias de los materiales, especialista en la técnica al fresco y rescate en la zona Maya, miembro del Instituto de Investigaciones Estéticas.

Arqueólogo Guillermo de Anda con el Gran Acuífero Maya, arqueólogo subacuático, investigador del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), y explorador de National Geographic. También es miembro del Aspen Institute Mexico, socio activo de la Sociedad Mexicana de Geografía y Estadística, doctor en Estudios Mesoamericanos e instructor de buceo con más de quince especialidades, enfocado en el estudio de rituales mortuorios y funerarios en cuevas y cenotes (contextos que ha trabajado por más de treinta años).

Entre los impulsores de este Coloquio están el taller Tequio la buena impresión A.C de Oaxaca,  taller Char-RUFA creado en Camboya por artistas mexicanos y camboyanos y que trabaja con La autoridad Nacional APSARRA, el INAH. Cuentan el reconocimiento de la Fundación BBVA, La Autoridad Nacional de Preah Vihear y La Royal University of Fine Arts en Camboya . Pero es gracias a la solidaridad y generosidad de los ponentes de ambos países que se realizará este Coloquio de Arqueología y restauración entre México y el Reino de Camboya.

Programa, ponentes y fechas

Moderador: Bertrand Lobjois, conductor del programa de radio Raíces-UDEM (Ingles, Francés, Español)

México: Lunes 7 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Martes 8 de junio 8:00 hrs.

Arqueólogo Sergio Gómez Chávez, Director del proyecto Ciudadela y del proyecto Tlalocan a cargo de la exploración del túnel bajo el Templo de La Serpiente Emplumada en Teotihuacán.

Teotihuacán: Arqueología y conservación, cuarenta años de experiencia.

México: Martes 8 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Miércoles 9 de junio 8:00 hrs.

Dra. Nelly Robles , ex directora de la zona arqueológica de Monte Albán y del Consejo nacional de

Arqueología , INAH, Dirige las excavaciones en el sitio arqueológico de Atzompa. y miembro de ICOMOS México

Siendo y llegando a ser una arqueóloga en Oaxaca, México

México: Miércoles 9 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Jueves 10 de junio 8:00 hrs.

Arqueólogo Sothin Kim, Director General Adjunto de la Autoridad Nacional APSARA.

Arqueólogo Pheng Sam Oeun, Director de monumentos y arqueología. Autoridad Nacional de Preah Vihear

El rescate de Preah Vihear

México: Jueves 10 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Viernes 11 de junio 8:00 hrs

Arqueólogo Raúl Barrera , Director del Programa de Arqueología Urbana , Director de la excavación de Huei Tzompantli en CDMX.

Experiencias de un arqueólogo

México: Lunes 14 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Martes 15 de junio 8:00 hrs

Koh Ker, la capital Angkoriana del siglo X: historia, arqueología y conservación.

MEX: Martes 15 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Miércoles 16 de junio 8:00 hrs

Dra. Yareli Jaidar, Doctora en Ciencias de los Materiales, especialista técnica de fresco y rescate en la zona Maya e Investigadora del Instituto de Investigaciones estéticas de la UNAM.

Experiencias y acercamiento al patrimonio arqueológico mexicano desde la ciencia y la conservación.

México: Miércoles 16 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Jueves 17 de junio 8:00 hrs

Angkor Thom Ciudad Capital: Una excavación de rescate en la Plaza Real

MEX: Lunes 21 de junio 20 hrs.

PHOM PENH: Martes 22 de junio 8:00 hrs

Dr. Guillermo de Anda, director del Proyecto del Gran Acuífero Maya, explorador de cuevas submarinas y colaborador de Nacional Geographic Society

Exploraciones en el Gran Acuífero Maya

https://www.youtube.com/channel/UC_xhX-lK_aV3Gs1JacenZ3g

Este 28 de mayo Jazzamoart, celebrará siete décadas de vida y 50 años de pintar, para lo cual se han organizado siete exposiciones en museos, galerías y recintos culturales de la Ciudad de México e Irapuato, Guanajuato, su tierra natal.

·      El artista intervendrá un transporte en el que hará un breve recorrido jazzero por la colonia San Pedro de los Pinos, a bordo habrá música en vivo a cargo de los maestros Gabriel Puentes (batería), Diego Maroto (sax) y Luri Molina (contrabajo).

Francisco Javier Vázquez Estupiñán, nació en Irapuato, Guanajuato, en 1951, adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte), y a punto de cumplir 70 años, con la misma energía con la que entró en 1969 a la Academia de San Carlos sigue creyendo que “lo importante es la actitud y la pasión por vivir; la edad es un accidente y en la vida siempre hay que chingarle”.

“Continuamente estuve dispuesto a pagar cualquier precio por ser pintor, y durante algún tiempo lo hice pintando lo que no quería, ahora desde hace algunos buenos años, uno de mis mayores éxitos es pintar lo que me de la gana y poder vivir celebrando mi obra”, cuenta mientras trabaja en su estudio.

Para Jazzamoart, como para muchos artistas que suelen trabajar en solitario, la pandemia le ha permitido enfatizar esa condición de estar consigo mismo, con su parte creativa, “como decía Efraín Huerta: estar solo, pero bien acompañado”. Aunque reconoce que extraña la farándula con los amigos, asistir a los toros, al fútbol, a un concierto de jazz, a comer rico en alguno de sus restaurantes preferidos, y salir a comprar libros, discos y puros.

Sin embargo afirma que frente a la pandemia el arte nos ha salvado, y nos ha mostrado que gracias a los creadores podemos apreciar lo valioso que es un libro, un disco, una pintura, una escultura, y en general valorar muchos más la cultura que nos ha rescatado de este aislamiento.

Jazzamoart logró a partir de la década de los ochenta, un estilo rítmico y expresionista, íntimamente vinculado a la música y a otras pasiones del ser humano, que lo ubicó con un estilo personalísimo en la escena de la plástica latinoamericana. En años posteriores su pasión por reinventar a grandes maestros como Rembrandt –un autor al que le ha dedicado más de 10 años de variaciones-, Diego Velázquez, Vicent Van Gogh; o escenas de la fiesta brava, el flamenco, la pasión por el fútbol, o sus interpretaciones al Quijote, Rayuela, la poesía de Quevedo o López Velarde, le han dado un universo polifacético en el que la además de la pintura, ha incorporado a la escultura.

Pero decididamente con su personaje de la Bebopera (nombre derivado del bebop, primer estilo moderno del jazz) que aparece en su obra, en soledad o en los antros y conciertos de jazz, hace su propio homenaje a Miles Davis, Charlie Parker, Onette Coleman, el saxofón, la batería, y transmuta sus influencias de Gilberto Aceves Navarro, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros o Paul Gauguin.

Al mirar sus obras nos hace escuchar la música con su estilo lúdico y emotivo, el mismo con el que exprime los tubos de óleo, chorrea con una brocha los colores, deja caer la materia como bodoques sobre la tela, que entre violencia, misterio y escándalo, se explica por sí misma.

La suya es una pintura llena de júbilo, gozo, placer, en el que entrega toda la pasión que para él significa: su oficio de pintor unido a su vida y obra.

Ahora trabaja en una obra en gran formato que se llamará “Códice 70” en la que estará su peregrinar por la vida y la pintura, una viaje pictórico y anecdótico de 70 láminas que representarán narraciones biográficas de siete décadas de vida, cada una es pintura y vida.

Por su puesto allí está su madre, Rosaura, quien antes de los 5 años le enseñó a leer y escribir; su padre, Xavier, quien le instruyó para pintar y amar el arte; y sus abuelos Virginia (cantante de zarzuela) e Isidro quienes le hicieron sentir la música. También aparece su mujer Nora, y sus 3 hijos Jazzamoart (jazz, amor y arte), Viart (vida y arte) y Poettier (poeta de la tierra), sus siete nietos, así como sus incontables amigos.

Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá ́, Europa, Corea del Sur, Japón y China. Ha realizado escenografías e improvisaciones visuales para los principales exponentes del jazz internacional, como B. B. King, Ray Charles o Diana Krall. El lenguaje gestual de Jazzamoart permite, a través de su pintura, escultura y performance, generar emociones tanto a los expertos del arte como a las personas que se acercan por primera vez a sus obras.

El escritor Carlos Montemayor dijo que Jazzamoart estaba entre los tres grandes artistas de Guanajuato, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, pero nuestro festejado agrega a Hermenegildo Bustos, a quien considera un genio del dibujo.

Su trabajo cuenta con participaciones y distinciones en museos y muestras como la Bienal Iberoamericana de Miami, Museo Reina Sofía en Madrid, Bienal Tamayo, Tour de la Bourse en Montreal, Trienal de Osaka en Japón, Premio Internacional de Dibujo Joan Miró en Barcelona, Premio del Festival del Centro Histórico, Premio del Bicentenario de la Revolución Francesa, Bronx Museum of Art en Nueva York, Bienal de Beijing, Museo Nacional de Arte de China, Rijksmuseum en Amsterdam, Salones Nacionales de Pintura, Escultura y Dibujo en México, Phoenix Museum of Art en Arizona, Europalia en Bélgica, Museo del Palacio de Bellas Artes y Museo de Arte Moderno en México, Hyogo Prefectural Museum en Japón, Museo Kereva en Finlandia, Museo marco en Monterrey, Museo Do Brinqueido en Portugal, Museum of Latin American Art en California y becas del SNCA-Conaculta, entre muchos otros.

Las exposiciones por los 70 años de Jazzamoart

El 26 de mayola exposición Diálogo de pintura, al alimón con el maestro Armando Romero, mostrará cómo ambos disfrutan sus reinvenciones irreverentes sobre los grandes artistas europeos del pasado; se inaugurará en la Galería Urbana (Calzada de los Leones 195, Águilas, Álvaro Obregón, 01710, CDMX).

El 27 de mayo expondrá obra de Gran formato desde los años ochenta hasta nuestros días, en la Fundación Sebastian (Avenida Patriotismo 304, San Pedro de los Pinos, Benito Juárez, 03800 CDMX).

· El 5 de junio sostendrá un encuentro de amistad y arte con el pintor Eloy Tarcisio, una propuesta curatorial a partir del concepto Forte-Piano, por medio de piezas creadas individualmente por los artistas durante la pandemia, las obras serán expuestas en el Museo de Historia de Tlalpan (Plaza de la Constitución No. 10, Tlalpan Centro I, Tlalpan, 14000, CDMX) y en Casa Frissac (Calle Moneda sn, Tlalpan Centro I, Tlalpan, 14000, CDMX

· A partir del mes de julio se inaugurarán tres exposiciones como parte de las celebraciones en Irapuato, Guanajuato, tierra natal Jazzamoart: una en el Museo de la Ciudad, otra en el Teatro de la Ciudad y una más el Centro Cultural CREA (todos ubicados en el Centro Histórico de la ciudad de Irapuato).

· Todas las actividades se realizarán bajo las medidas de sanidad pertinentes y con previa cita, para mayores informes consultar los sitios web y/o redes sociales de las sedes.

Grandes pintores de México.

José Hermenegildo de la Luz Bustos Hernández, mejor conocido como Hermenegildo Bustos, es uno de los pintores mexicanos más reconocidos del siglo XIX y uno de los mejores retratistas de su época. Retrató a familias reconocidas que habitaban en Purísima del Rincón y la región con gran realismo.

Nacido el 13 de abril de 1832 en Purísima del Rincón, Guanajuato, tuvo una formación autodidacta, pero es necesario mencionar que fue alumno y ayudante de Juan Nepomuceno Herrera, otro destacado pintor guanajuatense.

Bustos realizó algunas obras religiosas y mucha producción sobre naturaleza muerta, pero la parte más extensa e importante de su obra se encuentra en los retratos, realizados con objetividad y de una gran fuerza psicológica.Retrató también la imaginería religiosa, relacionada con la devoción de los habitantes de Purísima del Rincón y otros municipios de Guanajuato.

Sus obras nos invitan a transitar por representaciones límpidas de personajes que parecen cobrar vida ante nuestra mirada.Era tal la fidelidad que el pintor inyectaba a sus obras, que llegó incluso a contar el número de cabellos, y a reflejar con gran fidelidad las expresiones y personalidad de quien retrataba. A lo largo de su vida, Hermenegildo Bustos pintó cerca de 400 cuadros; de su obra, largo tiempo ignorada, destacan el Retrato de Vicenta de la Rosa de Reyes y el Retrato de Manuel Desiderio Rojas, ambos expuestos en el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México.

Se le valora como extraordinario retratista, de dibujo preciso y con gran riqueza de detalles, próximo en ocasiones al arte de los miniaturistas.En 1858 el presidente Benito Juárez, hallándose de paso en la población natal del pintor, posó para un retrato que desgraciadamente fue destruido a la muerte del pintor.En 1901, seis años antes de su muerte, pintó su autorretrato, para el cual diseñó su propio abrigo. En él plasmó lo siguiente: “Hermenegildo Bustos, indio de este pueblo de Purísima del Rincón, nací el 13 de abril de 1832”. Al reverso de sus cuadros describía a los retratados, frecuentemente señalaba la altura y esporádicamente les ponía una dedicatoria.Su obra está distribuida entre varias ciudades: Purísima del Rincón, San Francisco del Rincón, León, Silao, Guanajuato, Irapuato, Ciudad Manuel Doblado en el Estado de Guanajuato; en Aguascalientes, Zacatecas, ciudad de México y poblaciones del estado de Jalisco: Lagos de Moreno, San Diego de Alejandría y Encarnación de Díaz.Hermenegildo Bustos murió a los 75 años, un 28 de junio de 1907, y sus restos fueron sepultados en el cementerio del municipio que lo vio nacer.

La compañía escénica interdisciplinaria La Giralda ofrecerá funciones del 13 al 30 de mayo, en el Foro de las Artes del Cenart 

El texto dramático es de Ximena Escalante y la dirección de Kaveh Parmas 

El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura, presenta la temporada del performance con tintes becketteanos Cruzando geografías, a cargo de la compañía escénica interdisciplinaria La Giralda. Las funciones se llevarán a cabo del 13 al 30 de mayo, de jueves a domingo, en el Foro de las Artes.

Cruzando geografías surge del entrecruce de la obra Tooba, de Shirin Neshat; el cuento persa del siglo XII La conferencia de los pájaros, de Farid al Din Attar; el texto dramático de Ximena Escalante y la dirección de Kaveh Parmas. Esta relación no se halla únicamente en la narrativa, sino que tiene sus raíces en el espiritualismo del lejano y medio oriente, envuelto en un halo musical con tintes de estilo eclesiástico. 

El texto de Ximena Escalante refiere a un hombre que caminaba con su tribu y ha quedado rezagado. Sobre él vuela un pájaro, como un compañero de viaje o un verdugo. El hombre sabe que tiene que llegar a un destino, pero ignora a dónde. Tampoco sabe qué pasará cuando llegue a ese lugar, ni quiénes estarán ahí. El hombre camina porque tiene que dejar su anterior morada. Y su gente ha quedado dispersa en otros lugares, por razones incomprensibles para él.

Este performance es un dispositivo escénico rizomático que invita al espectador a sumergirse en un momento de inhalación y exhalación espiritual, tanto individual como colectivo. Está conformado por un piano, una enorme pantalla que remite al cinemascopio de principios del siglo XX, un circuito cerrado de cámaras, un enorme pájaro y un hombre que encarna a un ermitaño atemporal.

El elenco de Cruzando geografías está conformado por el actor Kaveh Parmas, el contratenor Edwin Calderón y el videoartista Jan Machacek. Este proyecto ha sido posible gracias al programa de Producción Nacional Teatral realizada con el Estímulo Fiscal del Artículo 190 de la LISR (EFIARTES).

Cruzando Geografías se presentará del 13 al 30 de mayo en el Foro de las Artes del Cenart, en el marco de #VolverAVerte. El cupo estará limitado a 33 espectadores y los asistentes deberán seguir un riguroso protocolo para garantizar la seguridad de los visitantes y de las personas trabajadoras, el cual incluye el acceso a través de un filtro sanitario, uso obligatorio de cubrebocas y la sana distancia, de acuerdo con los lineamientos establecidos por las secretarías de Cultura y de Salud, así como del Gobierno de la Ciudad de México.

Las funciones se llevarán a cabo los jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, a las 19:00 h; y domingos, a las 18:00 h. Los boletos tienen un precio de $120 y los jueves $30, están disponibles a través del sistema Ticketmaster y en las taquillas del Cenart. Para más información consulta www.cenart.gob.mx.