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Sobre 2 ruedas

Cris, Pequeña Valiente obra excelente con lenguaje sencillo y buena producción

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-   Si en  tu ciudad ves en cartelera Cris, Pequeña Valiente, con la compañía Espejo Negro. No dudes en verla en compañía de la familia, amigos o solo. Es un trabajo teatral muy bien realizado en producción y contenido.

Si  llega está nota algunos de los programadores de contenido de festivales en México o cualquier otro país. No duden en ponerse en contacto con está compañía, su calidad es inigualable en cualquiera de sus trabajos. 

Cris, Pequeña Valiente, es un espectáculo para todas las edades. En breve charla con Ángel  Calvente, creador de la compañía, antes de la función  indicó que es la historia de una niña transexual, que cuando llego al mundo, todo el mundo pensó que era un niño y no…. era una niña. Es una historia de superación, de amor , de diversidad y sobre todo de tolerancia. La obra es una vía libre, una ventana abierta para que entre la luz y entren los pequeños y los mayores para que entiendan y aprendan lo que es una persona transexual, explicó.

Y sin duda la obra cumple todo lo expresado por Calvente. Es una historia que capta nuestra atención desde el primer momento, Cris se desnuda ante el público y pone de manifiesto sus sentimientos, su vida cotidiana. Vemos una niña  atrapada en un cuerpo de niño. Es una pequeña que a temprana edad  indica que es  niña y  se ve afectada al crecer y enfrentarse a la sociedad con mayores y niños.

Calvente señala. “Los niños reciben muy bien la obra. Son  emocionalmente muy cercanos, es un espectáculo donde ríes, lloras y te diviertes,  es como la vida misma”.

El espectador se enfrenta a una historia  que  nace de la necesidad de dar visibilidad y ponerle cara a los cientos y miles de niños y niñas transexuales que conviven entre nosotros. “La transexualidad en los más pequeños, desde su tierna infancia, es algo que a muchos y a muchas sorprende y no terminan de creer. Niños y niñas que padecen desde sus primeros años de vida el rechazo de la sociedad, incluso en ocasiones contadas, el de sus propios padres y madres. La total desinformación sobre este tema y el tabú que supone para la sociedad el visibilizar la diversidad, causa en estas pequeñas personas un sufrimiento innecesario que debemos y tenemos la obligación de remediar. Cada cual nace con un cuerpo y una mente propios y en ocasiones el azar lógico y biológico de nuestra propia naturaleza humana hace que de cada mil nacimientos uno sea el de una niña o un niño transexual. Ser transexual no es una enfermedad, es una condición más de la diversidad del género humano” .

Cristina nos hace pensar, reír y llorar. Está tan bien realizada la obra, que se olvida que estamos viendo unas marionetas. La buena producción, la  luz,  el sonido y la escenografía nos lleva por diferentes ambientes. 

Otro acierto es la claridad que hay en el lenguaje, se habla con la verdad, en todos los temas. El sello de Calvente es claro, no sólo hace espectáculos recreativos, se compromete ante el público que ve sus obras.

El público al término de la obra de pie ovacionó por varios minutos al elenco. El público sale sonriente de la sala y algunos respondiendo a sus hijos algunas dudas que tienen.

La obra ha recibido los siguientes premios: Premio Max al mejor espectáculo infantil, juvenil o familiar en el 2022. Premio FETEN 2021 al mejor espectáculo, Primer premio del público MIT 2021 y en 38 Feria de Artes Escénicas de Palma  premio especial del jurado, entre otros.

 

Exitosa la 29 edición Festival de Cine  Francés de Málaga con diversas actividades

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Málaga, España.-  Málaga se viste de fiesta para celebrar el nacimiento de Pablo Ruiz Picasso y celebrar el tradicional Festival de Cine Francés que celebra su 29 edición. Este año cuenta con una sección  oficial que cuenta con doce estrenos y preestrenos exclusivos, el  el festival contará con la presencia de las figuras del cine francófono Karin Viard, Alex Lutz, Sophie Dupuis, Paul Kircher, Khalil Ben Gharbia y Jimmy Laporal-Trésor, entre otros. El largometraje que inaugura la edición de este año es Anatomie d’une chute de Justine Triet; directora a la que el festival rinde homenaje con una sección retrospectiva de repaso por su carrera.

Entre las actividades que se anexan a este festival es la  primera exposición del fotógrafo Christophe Brachet, en la muestra encontramos instantáneas entre las bambalinas de grandes momentos de la historia reciente del cine francés: Marion Cotillard y Vincent Cassel en Astérix y Obélix: L’Empire du Milieu, dirigida por Guillaume Canet; Jean Dujardin en OSS 117: Alerte rouge en Afrique noire de Nicolas Bedos ; Isabelle Adjani y Mathieu Amalric en Adieu Vinyle, dirigida por Josée Dayan; Charlotte Gainsbourg en Alphonse, dirigida por Nicolas Bedos ; o o Adèle Exarchopoulos en Je verrai toujours vos Visages de Jeanne Herry.

La serie Dix pour cent, creada por Fanny Herrero, está muy presente en la muestra a través de inéditos y curiosos momentos en los que podemos ver a Camille Cottin y François Civil dirigidos por Cédric Klapisch; Isabelle Huppert o Monica Bellucci bajo la dirección de Marc Fitoussi; Juliette Binoche dirigida por Jeanne Herry; y Fanny Sidney y Sigourney Weaver dirigidas por Marc Fitoussi, entre muchos otros. En total, más de cincuenta personajes destacados de la cinematografía contemporánea.

“La idea de esta muestra surge de poder mostrar la importancia del oficio de la fotografía en el cine. Todas las fotografías que se exponen en Les Coulisses de Cinéma están realizadas en blanco y negro, sin ningún tipo de retoque: es una forma de captar el momento y mostrarlo de la forma más fiel posible, en el contexto de un rodaje” explicaba Christophe Brachet  director del festival.

Entre otras actividades se tendrá una jornada de cine para estudiantes ‘Le Cinéma Bien Sûr’, las secciones de cortometrajes y documentales en el Centre Pompidou Málaga y el Ateneo de Málaga respectivamente, y la música de St Graal, Elisa Kwamé y Restinga (dj set) en la fiesta de clausura en La Térmica, completan los contenidos de este año.

Las películas que presentan, el amor se aborda en algunas de las formas más novedosas; la caída y la toxicidad de la pareja, la pérdida o su ausencia, o la permanencia de este en nuestras vidas y las cuestiones que provoca. El cuerpo, otro de los elementos en común de muchas cintas del 29FCFM, no es solo un objeto de deseo o acción; el cuerpo sufre, muta, envejece, es alterado por la discriminación y así lo narra el cine francófono actual, y la sección oficial del festival también encontramos revisiones del pasado para entender el presente, a través de cuestiones políticas que vuelven a ser objeto en los medios, como la vuelta de un racismo muy característico de finales de los 80 y principios de los 90.

El festival recibe  al director parisino Jimmy Laporal-Trésor para el estreno de su largometraje debut, ‘Les Rascals’. La película se emite en exclusiva por primera vez en España.

 “Para mí, es una película que actúa como una especie de apisonadora emocional. Al verla, se experimenta alegría, enojo, frustración, desesperación e incluso la tentación de marcharse. Quería volver un poco a lo que se hacía en los años 70 y 80, como el cine de Brisseau o, por ejemplo, el de Costa-Gavras, cuando se realizaban películas populares, pero al mismo tiempo tenían una dimensión política”, ha explicado Laporal. ‘Les Rascals’, narra las vivencias de una banda de jóvenes inmigrantes que se defienden del racismo a las afueras de París en 1984.

La tarea de documentación para ambientar la película ha sido una de las más complejas según el director: “Nos dimos cuenta de que teníamos un extenso conjunto de documentos, pero que carecía de vida. Así que buscamos testimonios de personas que habían formado parte de bandas o incluso de grupos de música emblemáticos, para que nos contaran cómo era realmente la época, el ambiente en aquel entonces, cómo era tener 20 años en 1984, ¿Cómo eran las calles? ¿Cómo eran los conciertos?”, ha explicado en una entrevista para el festival que ha tenido lugar en el Hammam Al Andalus.

El festival, y su compromiso por ser más eco-responsable, han dedicado la sección documental al cambio climático y los sucesos medioambientales. En colaboración con ARTE se podrán ver de forma gratuita en el Ateneo de Málaga Une fois que tu sais, en el que el director Emmanuel Cappellin analiza el inevitable colapso de nuestra civilización industrial; Trop chaud pour travailler, donde Mikaël Lefrançois realiza un estudio del impacto del aumento de las temperaturas en el lugar de trabajo; y, finalmente, Low tech, una película documental sobre este enfoque ecológico que lucha contra el exceso ecológico en nuestra sociedad, dirigida por Adrien Bellay.

Un año más el festival propone su clásica por el formato de cortometraje. Con dos programas con un total de 10 cortos reflejo de la creación cinematográfica francófona contemporánea  y comisariados por el equipo del 29 FCFM, y que se podrán ver en el Centre Pompidou Málaga.

La Danza Contemporánea ofrecerán 4 montajes en homenaje al escritor Carlos Fuentes.

By Rutas literarias, Sobre 2 ruedasNo Comments

Se trata de un montaje con coreografías de Cecilia Appleton, Rossana Filomarino, Lola Lince y Silvia Unzueta que se mostraran sábado 4 de noviembre en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

Centro de Producción de Danza Contemporánea (Ceprodac), invitan a disfrutar del montaje coreográfico: 4 Miradas de Inez, en el marco del homenaje ofrecerán por el 95 aniversario del nacimiento del escritor mexicano Carlos Fuentes.  

La actividad se llevará a cabo el sábado 4 de noviembre de 2023, a las 19:00 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, donde se reunirán cuatro coreógrafas mexicanas de reconocida trayectoria para dar vida a esta propuesta escénica. De esta forma, el público podrá apreciar piezas creadas por Cecilia Appleton, Rossana Filomarino, Lola Lince y Silvia Unzueta.

Las coreógrafas se inspiraron en la novela Instinto de Inez, escrita en el año 2000 por Carlos Fuentes (1928-2012), autor referente de la literatura mexicana e hispanoamericana del siglo XX. Appleton, Filomarino, Lince y Unzueta, comparten cuatro miradas, cuatro visiones artísticas traducidas a la escena. Cada una siguiendo su propio impulso creativo y visión estética a través de la cual se dialoga con este mundo onírico y surreal de la obra literaria en esta original tetralogía coreográfica. 

La obra de Cecilia Appleton se titula El aullido salvaje de la memoria del cuerpo, y en ella, la también directora de la Compañía Contradanza presenta la lucha de poder que ha existido a lo largo de la historia de la humanidad y que ha derivado en la conquista del territorio y la denigración a la mujer.

A su vez, la maestra, bailarina y coreógrafa con casi seis décadas de trayectoria profesional Rossana Filomarino participará con la pieza nombrada El último concierto, musicalizada con una composición original de Rodrigo Castillo Filomarino.

Retazos de memoria es el título con el que la coreógrafa Lola Lince se vale de imágenes como fantasmas que se desvanecen, memorias de amores imposibles, insólitos jardines y pasajeros bizarros en la cola de un tren nocturno para plasmar una idea poderosamente reflexiva “no tendremos nada que decir sobre nuestra propia muerte”. 

Por su parte, Silvia Unzueta presenta Porvenir Perdido, una pieza que toma como tema esencial en su propuesta escénica los personajes más significativos de Instinto de Inez, así como su reflexión sobre los encuentros y la búsqueda de la pasión original, su obsesión por lo imposible de las relaciones, el grito primigenio, el entrecruce de los tiempos y la pérdida del porvenir como una constante en el entramado del discurso escénico. 

Voces del acervo, fragmento del libro Instinto de Inez 

Para conmemorar el 95 aniversario del natalicio del escritor Carlos Fuentes (11 de noviembre de 1928) y como parte de las actividades del ciclo Voces del acervo, la Coordinación Nacional de Literatura (CNL) transmitirá un fragmento del libro Instinto de Inez, en voz del autor, el miércoles 8 de noviembre de 2023 a las 11:00 horas, a través del perfil de Facebook de la CNL. 

El audio fue tomado en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes el 3 de abril de 2001, cuando el escritor presentó esta obra en el máximo recinto cultural del país. En esa ocasión, Fuentes comentó sobre el género de la novela, el lenguaje, la música, la ópera y, finalmente, leyó un fragmento de su obra. 

“De mujeres y otros relatos fantásticos” una exposición en el Museo José Luis Cuevas que reunirá arte y filantropía

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“De mujeres y otros relatos fantásticos” es una nueva oportunidad en la que la filantropía y el arte plástico se unen para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos, y continuar con los programas de ayuda a la comunidad en situación vulnerable.

El Museo José Luis Cuevas, la Galería Arte Contemporáneo SMA y el Club Rotario Campos Elíseos invitan a esta muestra “De mujeres y otros relatos fantásticos” en la que participan 19 reconocidos artistas del arte contemporáneo en México y que será inaugurada el próximo jueves 26 de octubre a las 19 horas en el Museo Cuevas ubicado en la calle de Academia 13 en el centro histórico, corazón de la ciudad de México.

En la muestra veremos obra de Eduardo Beristáin, Jordi Boldó, Alberto Castro Leñero, Alonso Chimal, EH?¿, José García Ocejo, Manuela Generali, Claudia Huizar, Luis Granda, Magali Lara, Lifer, Rubén Maya, Flor Minor, Héctor Ornelas, Marisela Peguero, Nunik Sauret, Luciano Spanó, Esmeralda Torres y Theriuss Allan Zaragoza, todos creadores de primera línea que han destacado por sus propuestas estéticas desde los años 60 hasta la actualidad en el arte contemporáneo de México.

Las obras son una mirada abierta y multidisciplinaria sobre el tema de la mujer y otros corpus -realistas, místicos, míticos- partiendo, en ocasiones, de la filosofía, la literatura o la vasta  historia del arte, y forman parte sustantiva del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA (San Miguel de Allende). Los relatos de los artistas permiten entrecruzar la figura femenina con una narrativa fantástica. De ahí que la muestra lleva a un primer plano a las mujeres como motivos de belleza, de fortaleza, de transgresión, pero también como fuente directa de relatos fantásticos.

La muestra es también es una ocasión para que la filantropía y el arte se una con un grupo de artistas representados por esta Galería, que han decidido donar una de sus obras para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos-México; recursos que servirán para continuar con los programas de trabajo que este Club realiza con comunidades vulnerables.

En el catálogo de presentación Héctor Gómez, director general de la Galería Arte Contemporáneo SMA, advierte sobre esta exposición: «“De mujeres y otros relatos fantásticos” es el resultado del gusto por el arte visual y de todas sus disciplinas, de sus creadores, sus simbolismos, propuestas, formatos, tamaños, el olor del óleo, de los procesos de modelado y fundición y no menos importante, del interés por conformar un acervo artístico que se distingue por un sentido profundo en sus contenidos y evidenciara las identidades propias de cada artista. A través de varios lustros se fueron incorporando obras modernas y contemporáneas mediante adquisiciones y encargos -entendidas como producciones de la galería con los artistas- en las que podemos apreciar un culto a la creación del arte y su estrecha relación con el conocimiento, la reflexión y el oficio (…) no son trabajos anecdóticos o catárticos sino grandes composiciones de artistas nacionales y extranjeros que viven y trabajan en nuestro país.».

Este galerista coincide con lo que el historiador de arte Víctor Stoichita afirma en su libro Cómo saborear un cuadro: el placer de una obra aumenta con el conocimiento del contexto de su creación. Y retoma las palabras del escritor y coleccionista de arte Javier Lumbreras en que la cuestión de coleccionar arte “va más allá de un asunto de dinero, es una combinación entre saber y pasión”.

En su texto añade «La intención de mostrar una parte sustantiva del acervo de la Galería Arte Contemporáneo SMA, a través de la exposición “De mujeres y otros relatos fantásticos” se trata, por principio, de una invitación al público a que mire detenidamente las obras expuestas que muchas de ellas, a pesar de su calidad, no son tan conocidas (…) las diversas salas del Museo José Luis Cuevas, ubicado en el centro histórico de la ciudad de México en lo que fue parte del Convento de Santa Inés, nos brinda la posibilidad de descorrer las relaciones entre las miradas abiertas y multidisciplinarias sobre el tema de la mujer con otros contenidos adaptados -realistas, místicos, míticos- a partir de la filosofía, la literatura, la historia del arte, de expresiones culturales, de gustos personales, de entornos sociales, entre otros, gracias al trabajo artístico de diecinueve artistas». Y cita al ensayista alemán Walter Benjamín “La fascinación más profunda del coleccionista consiste en encerrar el objeto individual en un círculo mágico. congelándose éste mientras le atraviesa un último escalofrío (el escalofrío de ser adquirido).”.

Por su parte Rafael Antonio Castro Hernández, Presidente en turno del Club Rotario Campos Elíseos destaca el eslogan actual de la comunidad rotaria en el mundo “Crea esperanza para el mundo” para referirse a esta exposición. De esta manera, agrega, Rotary está contribuyendo a crear ese sentido de esperanza que tanto se necesita para el mundo, con las Bellas Artes. “En cualquiera que sea su expresión, en el arte, siempre habremos de encontrar un trasfondo de conocimiento, de reflexión, de diálogo, de diferencias, pero también de coincidencias. Confiamos en que las obras de la muestra “De mujeres y otros relatos fantásticos” muevan el sentido filantrópico que todos llevamos dentro, que las aceptemos como pruebas y testimonios del hombre por crear y vivir en un mundo con esperanza».

En su texto de presentación apunta que “De mujeres y otros relatos fantásticos” es una oportunidad en la que la filantropía y el arte plástico se vuelven a reunir, ahora en el marco del Museo José Luis Cuevas, con la generosidad de un grupo de artistas que representa la Galería Arte Contemporáneo SMA y la donación de una de sus obras para contribuir a la campaña de recaudación 2023-2024 del Club Rotario Campos Elíseos-México. «Recursos que servirán para dar continuidad a los programas de trabajo en los que nuestro club rotario ha venido trabajando y ayudando a la comunidad en situación vulnerable».

En el catálogo el crítico Erik Castillo, destaca al corpus (cuerpo) como hilo conductor de la muestra “El sentido global del imaginario visible en la colección de arte que se presenta tiene que ver, precisamente, con el cuerpo, la corporeidad, en tanto sistema complejo con funcionamiento orgánico. El “corazón” de la propuesta expositiva consiste, por lo demás, en una proposición plural de relatos comunicantes a propósito de la identidad del cuerpo (…) ninguno tiene primacía sobre el resto: la curaduría ofrece una constelación creativa horizontal.”

Por su parte, la crítica de arte, Sylvia Navarrete advierte «Los títulos de las exposiciones no son inocentes. “De mujeres y otros relatos fantásticos”, el que eligió la Galería de Arte Contemporáneo de San Miguel de Allende para su presentación en el Museo José Luis Cuevas, amalgama dos registros: el del habla cotidiana que enfatiza el asombro ante lo descomunal, y un uso más especializado del léxico que vincula lo fantástico a un modo de expresión en la literatura y en las artes (…) Mediante la selección de 19 artistas de trayectoria variable ofrece un repertorio ecléctico de la gama de opciones que ha adoptado la plástica mexicana apegada a códigos tradicionales durante las décadas más recientes. Esta exposición nos recuerda que toda colección es un organismo vivo.”

El catálogo preparado para “De mujeres y otros relatos fantásticos” cuenta también con textos  Carlos Blas Galindo, Arturo Joel Padilla y Gabriel Santander en el que aportan sus ideas, conocimientos, reflexiones, y conceptos en torno a esta exposición que se inaugura jueves 26 de octubre a las 19 horas en el Museo José Luis Cuevas, y que podrá visitarse o hasta el 5 de noviembre del 2023 en Academia número 13 en el centro histórico de la CDMX.

Artería, concebida por Antonio Gritón y Lalo Barajas, se presentará durante una semana en el cobertizo de Arte Obrera.

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  • La tercera emisión del proyecto Artería se inauguró el martes 10 de octubre  a las 19 horas, con el resultado final de los procesos creativos de más de 20 artistas, realizados a lo largo de casi tres semanas en la que los creadores trabajaron sus piezas en un espacio abierto al público que pudo presenciar no solo la consecuencia final sino el tiempo de creación, los materiales, la técnica y el estilo de cada artista.

  • Artería 3 será la antesala para Artería 4 que en noviembre se enfocará en el grabado, con una intención sobre todo en recuperar el ambiente que prevaleció en el Taller de Gráfica Popular.

“Es el museo o la galería ideal, dice el artista y promotor cultural Antonio Gritón, la gente puede ver no solamente una obra de arte, sino también cómo se fue construyendo”.

Artería, concebida por Gritón y Lalo Barajas, otro titánico impulsor de la cultura comunitaria, se presentará durante una semana en el cobertizo de Arte Obrera, un centro cultural independiente que se ubica en la colonia Obrera, en el número 233 de la calle Isabel La Católica en el corazón de la Ciudad de México.

En esta tercera ocasión participan artistas de Argentina, Euskalerria, España y México como Mariana Parra, Ana Holmes, Arturo Sotomayor, Roberto Tostado, Gerardo Sánchez (Arte Acción), Claudia Arancio, Alejandra de Santiago, Leticia Parra, Emilia López, Darío Meléndez, Alejandro Pizarro, Yutsil Cruz, Moisés Falcón, Rubén Rosas, Iosu Zapata, Salvador Eduardo, Filogonio Naxin, Philippe Nevin, Luis Enríquez, Juan Hernández, Pablo Querea, el propio Antonio Gritón con algunos jóvenes emergentes que se sumaron al proyecto. Todas las obras están en venta.

En las anteriores emisiones Artería ha convocado a pintores y escultores consagrados a trabajar en este estudio abierto, como Alberto Castro Leñero, César Núñez Guerra, Néstor Quiñones, Magali Ávila, Mayra León, Octavio Moctezuma y René Freire, entre otros.

A un costado, en el 231, está la escuela abierta a todas las disciplinas artísticas, Arte Obrera, donde se imparten clases a niños y jóvenes de 5 a 16 años, es allí en dónde nació Artería con el propósito de acercar a  niños, jóvenes, padres de familia, creadores y público en general, al proceso creativo del arte, cuenta Eduardo Barajas Velasco, director de este espacio cultural comunitario.

Artería, en el diccionario debería definirse como: dícese del lugar donde se expende arte”, puntualiza Barajas y amplía “es un proyecto que deriva de nuestra experiencia de trabajar con niños y jóvenes y darnos cuenta de que lo que marca más su vida, más que el trabajo final, es el diálogo interno para expresar lo que se tiene dentro: y que es el arte; es el proceso creativo, el diálogo con los artistas, con los materiales y la obra, lo que logra penetrar en los niños y dejarlos expresarse libremente”.

Artería” es un proyecto de Arte Obrera, enfocado específicamente a las artes visuales, que como todos nuestros proyectos ha logrado crear comunidad, acortar la distancia entre las artes visuales y la sociedad. Sacamos a los artistas de su soledad creadora para compartir al mismo tiempo con otros artistas el trabajo creativo y con los niños de Arte Obrera. Luego, hemos buscado abordar el mercado desde una perspectiva diferente, contamos con obra de muchísima calidad, y buscamos cerrar el círculo con quienes adquieran las piezas, que sepan que parte de ese dinero servirá para fortalecer becas a los niños, se distribuirá entre los creadores participantes de manera colectiva, apoyará las residencias artísticas y a los maestros y trabajadores de Arte Obrera”, dice Barajas creador del emblemático LUC, La Última Carcajada de la Cumbancha, que entre 1987 y 1992 fue el escenario de legendarias bandas de rock como Maldita Vecindad, Café Tacuba y Caifanes, entre otras.

Artería, que nace en colaboración con el artista social y promotor cultural Antonio Ortiz Herrera –más conocido como Gritón– busca exponer las necesidades que tiene la comunidad artística. “Uno siempre es feliz encerrado en su estudio y pintando, pero lo que me empuja a hacer proyectos colectivos o incluyentes es tratar de mejorar a la sociedad en general. Como un anarquista, hay que ser buena persona, y ser buena persona no quiere decir que te quedes callado o seas conformista, sino al contrario, buena persona es el que lucha por los derechos de los demás, por la inclusión. Hay cosas que te molestan y hay que decirlas, pero también hay que ver las oportunidades como fue La Zurda en los Pinos, una propuesta con la que logramos hacer  historia de la gráfica en México”, apunta Gritón.

Artería 3 será la antesala para Artería 4 que se enfocará en el grabado, con una intención sobre todo en recuperar el ambiente que prevaleció en el Taller de Gráfica Popular, con la fuerte influencia de José Guadalupe Posadas en Pablo O´Higgins, Alfredo Zalce o José Chávez Morado.

Artería 4 dedicada a las artes gráficas, la estamos coordinando Antonio Gritón, Octavio Moctezuma, Luisa Carreón, y se va a coordinar con el Taller Tamayo de Oaxaca y la Universidad de Xalapa, en Veracruz, para que este un foro de exposición de artistas siga creciendo”, específica Barajas.

“La  venta no ha sido fácil, y requerimos de recursos, no estaría mal encontrar patrocinadores, pues Arte Obrera y Artería son una realidad por el beneficio social que hemos logrado, esperamos que empresas sensibles se interesen en replicar el modelo y apoyarnos” agrega.

Por su parte Luisa Carreón, bailarina y promotora cultura, advierte que en el mundo del arte: “Estamos pasando por una crisis sobre todo a nivel económico, ideas nunca nos han faltado, capacidades tampoco, y este tipo de proyectos generan una unión y experiencia distintas, lo que nos falta para cerrar el círculo es la venta, apoyar a los artista, el espacio y los alumnos. Tenemos mucho talento, ganas, ímpetu, sensibilidad colectiva para generar nuevas propuestas, pero nos falta el apoyo. Sumando ganamos todos”, define.

Artería ha logrado resultados para la cultura comunitaria, la gente viene a observar el proceso creativo, y el proyecto ya tiene popularidad, ha llamado la atención, se ha publicado en los medios, la venta se ha comenzado a mover y esperamos que con la emisión de gráfica todo se logre catapultar”, añade Gritón.

“En noviembre los procesos creativos irán en torno a crear gráfica, tener aquí los tórculos, coordinar técnicos de impresión, será totalmente abierta, podrán venir todos los artistas a producir su grabados. Y para el año que entra ya tendremos una convocatoria abierta con un límite de 20 artistas por invitación y por convocatoria abierta por redes, quizá algunos entren en lista de espera, pero todos podrán adentrarse en esta jungla que es el arte” establece.

Este colectivo lo sabe: comprar arte, tener obra de autor original, es algo que cambia el entorno y que toda la vida se va a valorar.

La historia de Arte Obrera

Arte Obrera, conocida por los habitantes de la colonia obrera como ARO, se sostiene desde hace seis años y surge a partir de una herencia de solidaridad, de empatía y humanismo de la familia Sarabia y como respuesta a una clase trabajadora preocupada y ocupada en ofrecerles más herramientas a sus hijos para resolver la vida.

El edificio del 231 cuenta con tres pisos y 36 salones de diferentes tamaños donde se imparten cursos de música –en los que se puede elegir violín, bajo y guitarra o chelo y teoría musical–, además de ballet, hip hop, danza aérea, teatro, lectura y escritura creativa y, pintura; espacios adaptados acústicamente; diseñado por el arquitecto Enrique Sarabia, hijo de Josefa Lago Tigel, y por el capitán Sarabia, familia arraigada en la colonia Obrera a mediados del siglo pasado, que donó en comodato el inmueble a la comunidad de la colonia, donde habitan más de 30 mil personas. La empresa Hermes Music México, a través de Juan Perches, realizó una donación de instrumentos musicales con los que se han formado varios ensambles de niños y jóvenes, así como de mamás y papás de los alumnos.

“En Arte obrera trabajamos con las herramientas académicas de 16 maestros y Fernando Parra, directora académica, logran que los niños y jóvenes amen la música, el teatro, la danza, la música, y encuentren en el arte una manera sensible de resolver sus problemas, que desarrollen funciones prácticas para enfrentar la vida adulta, porque el arte ofrece muchas maneras de abordar una situación y construir una solución, la creatividad da una herramientas de autoestima, seguridad, valoración a los alumnos que establecen vínculos, sobre todo trabajamos con ellos la autoestima, la seguridad y la creatividad, un trabajo en equipo que da como resultado la articulación”, amplía Lalo Barajas, director de Arte Obrera.

“Saber que la sociedad y la vida puede ser mejor gracias a lo que provoca el arte en el ser humanos, nos hace ver el panorama con una mirada horizontal, en colectivo y no en lo individual; compartir, ayudarnos en el trabajo puede hacer más amable el mundo”, concluye el director de Arte Obrera.

 

Se presenta obra del artista español Rafael Canogar, un pintor con historia

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Málaga, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga  presenta a uno de los artistas españoles representantes de la pintura informalista. Rafael Canogar nace en Toledo en 1935, es reconocido por representar el arte abstracto. Se exhiben diez propuestas realizadas entre los siglos XX y XXI, cuando  con  la amplia serie de Construcciones  sorprendió  de nuevo al mundo del arte con la creación de obras exclusivamente abstractas que rompía los límites convencionales del marcó.

Rafael Canogar. De architectura. Colección del artista (1993-2009). título de la exposición cuenta con la  generosidad del propio Rafael Canogar , que ha participado activamente en la selección y el préstamo de sus obras, ha permitido al Museo acoger en la Sala Noble diez piezas de su producción realizada entre la década de los noventa y comienzos de los dos mil, explica  Lourdes Moreno, directora artística del museo.

Javier Pérez Segura, profesor de la Universidad Complutense de Madrid, comisario de exposiciones y especialista en la obra de Canogar, señala que un inconfundible aire de libertad define el arte de Canogar, iniciado hace  más de siete décadas y  en el que continúa experimentando.

“En todo ese tiempo ha sido una fuerza creadora que ha desbordado los intentos de clasificación propuestos por la crítica y por la historia del arte. De manera que lo más sensato sólo puede ser, curiosamente, elegir el camino contrario. En vez de estrechar la mirada, ampliar el horizonte en vez de buscar puerto seguro bajo una determinado paraguas conceptual, dejarse llevar mar adentro y ver donde acabamos. O,  por decirlo de otra forma, repartir sobre la mesa todas las cartas de la baraja, que el artista ha manejado siempre con tanta maestría que ni siquiera ciertos términos distintivos o contradictorios lo siguen pareciendo. Por suerte para nosotros, esas cartas no dejan de amontonarse: Expresión, gesto, belleza, ruptura, comunicación, materia, color, humanismo, forma, destrucción, construcción, sociedad, denuncia, grito, luz, experimentación, osadía, silencio, pasión, vitalidad, compromiso, avance, organicidad, inconformismo, memoria y identidad, abstracción, figuras, geometría, esencia, sorpresa, brochazo, superficie, contraste, individuo, superposición….”

Detalla que cada una de sus etapas y dentro de ellas cada una de sus obras son el resultado de poner en juego muchos de esos conceptos con los que alcanza una suerte de tensión fértil que le lleva a nuevos interrogantes. A nuevas producciones, escéptico ante la ilusión de una obra acabada, el artista lleva defendiendo ya desde sus inicios en los años 50 esa noción tan actual del work in progress.

Artista de primer orden en el panorama del arte contemporáneo español, Premio Nacional de Bellas Artes, Académico de San Fernando y aún en activo, tras setenta años de infatigable experimentación creativa, Rafael Canogar se singulariza dentro del panorama de la abstracción española por su búsqueda de una pintura arquitectónica, que ha protagonizado varias etapas de su extensa producción y que centra esta exposición del Museo Carmen Thyssen.

“Rafael Canogar es uno de los creadores más originales e interesantes de la abstracción española y es un honor acoger su obra en el Museo. Con esta exposición, el Museo sigue reivindicando una relectura de la vanguardia española, que en lo que se refiere a la abstracción ya se ha concretado en exposiciones de otros miembros de El Paso, como Luis Feito y Juana Francés, también en la Sala Noble, espacio que ahora dedicamos a Rafael Canogar”, explica Moreno.

Las diez obras expuestas, algunas de ellas de gran formato, realizadas con collages de papeles pintados, sorprenden al espectador por su tridimensionalidad y sus texturas: fingen muros, sugieren formas de elementos arquitectónicos e incluso tienen títulos relacionados con una disciplina que fascina al pintor.

En el período que recorre esta exposición, Rafael Canogar trabaja en un tipo de abstracción muy distinta a sus inicios, a finales de los cincuenta en el contexto del mítico grupo El Paso, en el que participó. Aquí domina una pintura basada en la arquitectura y la estructura, a través de la superposición de materiales. De esta forma, la pintura escapa de su naturaleza bidimensional. – Explica Moreno-  Las formas escuetas y sencillas, su refinado minimalismo, los colores planos, un cierto gusto por la geometría y las texturas son otros de los valores de la obra de Rafael Canogar.

 Fotos: J. Carlos Santana

Los libros en español del noruego Jon Fosse, el Nobel de Literatura 2023.

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Algunas de las obras por la que Jon Fosse ha obtenido el máximo galardón mundial de las letras, es por sus innovadoras obras de teatro y una prosa que da voz a lo indecible, aquí algunos ejemplos:

Septología

Aclamada unánimemente como su obra más importante, la Septología de Jon Fosse comprende los títulos Det andre namnet (El otro nombre), parte I y II; Eg er ein annan (Yo es otro), partes III, IV y V; y Eit nytt namn (Un nuevo nombre), partes VI y VII. Culminada en 2021, está escrita en forma de monólogo y magistralmente sin puntos que separen las frases, de manera que la prosa se despliega como un torrente por las 1.250 páginas de las que consta la versión original en noruego. Novela considerada una de las mejores obras de la literatura escandinava.

¿Cómo habría sido nuestra vida si hubiéramos tomado otro camino? es la pregunta de la que parte El otro nombre, protagonizada por Asle, un pintor anciano que habla a su alter ego del mismo nombre, un alcohólico al que intenta salvar de morir en la nieve; un pintor famoso y viudo que ha dejado el alcohol y reflexiona sobre su vida, enfrentándose a los grandes temas de la existencia: el amor, la muerte, la fe y el poder de la naturaleza. Escrita desde la pulsión de la literatura, busca en los aspectos de nuestro entorno que nos condicionan, Fosse conduce al lector a través de la novela a un estado de meditación hasta llegar a lo más profundo de la condición humana. “Es una narración sugerente y magnífica sobre la naturaleza del arte y de Dios, sobre el alcoholismo, la amistad, el amor y el paso del tiempo”, destaca su editorial noruega, Samlaget.

La obra ha sido traducida a más de 20 idiomas (en español la editó De Conatus) y por ella Fosse ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio Brage y el Premio de la Crítica. También ha sido preseleccionado para el Premio Booker internacional y el American National Book Award.

Trilogía

En las tres breves novelas incluidas en Trilogía, Jon Fosse relata una trágica historia de amor que sucede en la Noruega rural: dos jóvenes adolescentes sin recursos, que esperan a su primer hijo, intentan sobrevivir en un mundo hostil, bajo la mirada despiadada de la sociedad. Ambientada en una época medieval indeterminada; es ahora la base de una ópera que se está preparando en Viena.

En este libro hipnótico, Jon Fosse se adentra en una profundidad desconocida a través de un lenguaje sencillo y un narrador único, partiendo de la oscuridad de una situación extrema e iluminando al lector a medida que avanzan las páginas. En Trilogía, Fosse explora tanto la experiencia de no tener nada de los protagonistas, como la ternura del primer amor y el ímpetu de iniciar una vida propia.

La noche canta sus canciones y otras obras teatrales

Sobre esta obra se ha dicho que Fosse hace coincidir contradicciones irreductibles, y las muestra, existiendo unidas en el mismo momento, en el mismo ser vivo; esto es posible solamente en el modo de vida tan particular de lo inconsciente.

En este libro, que incluye seis de sus obras de teatro más destacables (Y nunca nos separarán, El niño, La noche canta sus canciones, Un día de verano, Mientras las luces se atenúan y todo oscurece y Variaciones sobre la muerte), Fosse fusiona el realismo con el extrañamiento, y el discurso político y crítico con la poesía, componiendo una melodía literaria en la que aparecen algunos de los temas más frecuentes del autor, como la soledad, la incomunicación y la imposibilidad de las relaciones humanas.

Y nunca nos separaremos arranca, en el primer acto, con un monólogo de una mujer que espera a su hombre.

Mañana y tarde

Mañana y tarde se desarrolla entre el día que nace un niño al que llamarán Johannes y el día en que muere un anciano llamado Johannes. A lo largo de la historia de este personaje, Foss explora los detalles de toda una vida, empezando por los pensamientos del padre de Johannes el día que su esposa inicia el parto y terminando con las reflexiones del propio protagonista. Mañana y tarde es una obra sobre la ilusión de que nuestras vidas tienen un sentido, que divaga entre el pasado y el presente, los momentos cotidianos y el la velocidad de la existencia. El título representa la dualidad de la vida y la muerte, una preocupación definitiva para el autor a lo largo de su obra. Se trata de su novela más reciente traducida al castellano, se dice que es una obra breve y accesible.

Melancolía

Esta novela cuenta la historia del pintor noruego Lars Hertevig (febrero 1830, Borgøy, Noruega- enero de 1902, Stavanger, Noruega) y sus tiempos como estudiante en la Academia de Arte de Düsseldorf, en Alemania. Atravesado por el dolor de un amor no correspondido y las dudas que le surgen alrededor de su propia creación artística, Lars Hertevig vive una situación límite y se ve abocado a un colapso mental. Tras ser aplaudido por la crítica a propósito de Melancolía, Foss escribió la continuación de la obra Melancolía II, centrada en el día de la muerte del pintor sucedida el 6 de enero de 1902, un artista que fue azotado por la esquizofrenia, internado un tiempo en un hospital siquiátrico en Oslo, sin lograr curar su enfermedad; los últimos treinta años de vida padeció de apuros económicos, Hertervig adoptó sus motivos pictóricos de la zona natural cercana a Stavanger, con sus fiordos, peñascos y bosques de pinos.

La revista estadounidense Publishers Weekly dijo de esta novela que es un libro poderoso en el que Fosse se adentra en la mente de Hertevig a través de una salvaje narración de flujo de conciencia, con una prosa magnífica y conmovedora.

Un poema

La editorial Sexto Piso publicará en 2024 la poesía reunida de John Fosse, reconocido seguidor del poeta Federico García Lorca, con motivo del anuncio del Premio Nobel se dio a conocer un poema inédito traducido al español, incluido en Los movimientos del perro (1990), que a continuación añadimos:

I

también tú

como la lluvia sobre hojas secas

desapareces

cuando yo

te atraigo hacia mí

mientras me alejo

II

pero con el pelo mucho más largo

rozaban

fortuitamente

los dedos el uno del otro

(perro y ángel, perro y ángel).

Jon Fosse gana el premio Nobel de Literatura 2023, un noruego narrador, dramaturgo, ensayista y poeta.

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  • Su obra profundiza en sentimientos como la ansiedad, la inseguridad y las cuestionamientos sobre la vida y la muerte.

En México poco conocemos en del nuevo Premio Nobel de Literatura, el narrador, dramaturgo y poeta noruego Jon Fosse, quien ha sido reconocido en el mundo anglosajón por su obra Un nuevo nombre: Septología VI-VII, que aún no ha sido traducida al español; una pieza autobiográfica de siete partes repartidas en tres volúmenes sobre un hombre que conoce a otra versión de sí mismo, el texto tiene 1.250 páginas sin un solo punto.

Los primeros volúmenes si están traducidos al español: El otro nombre : Septología I, El otro nombre: Septología II y Yo es otro: Septología III-V.  Comenzó a escribir Septología cuando vivía en castillo de Paul Claudel en el sur de Francia, al que había sido invitado por la familia del poeta francés, y concluyó la obra en un pequeño pueblo austríaco en las afueras de Viena, tardo cinco años en realizarlo.

Sus trabajos teatrales aún no son de muy fácil acceso en español, pero se encuentran entre los más representados en algunas regiones de Europa.

Ya puesto en la lista desde hace años en los aspirantes del Nobel de Literatura, la Academia Sueca decidió por fin este jueves darle el galardón a este autor, de 64 años, por “su prosa innovadora y por dar voz a lo que no se puede decir. Su inmensa obra escrita en la forma Nynorsk, un dialecto noruego, con una radical reducción del lenguaje, cubre una gran variedad de géneros, en un caudal de obras de teatro, novelas, colecciones de poesía, ensayos, libros para niños y traducciones». Destacó que es uno dramaturgo que está siendo cada vez más reconocido.

Jon Olav Fosse nació en Haugesund, en los fiordos de Noruega, el 29 de septiembre de 1959, es narrador, poeta, dramaturgo y ensayista. Creció en una familia practicante con una estricta forma de luteranismo, pero se rebeló y se declaró ateo. En 2013 dijo convertirse al catolicismo, pero en realidad se considera agnóstico. Llegó a la escritura a partir de su pasión por la música. “En mi adolescencia tocaba la guitarra y el violín, y hacía letras para canciones. Me encantaba escribir porque sentía que entraba en otro lugar, en un refugio donde estar solo y sentirme seguro. Pronto comprendí que no valía para la música”, contó en 2019 en una entrevista con el diario El País. Inició en 1983 con la novela Raudt, svart (Rojo, negro) una tan pieza rebelde como emocionalmente cruda que aborda el tema del suicidio; viaja hacia adelante y hacia atrás en el tiempo desde varias perspectivas; una novela aún no traducida al español; pieza que en muchos sentidos marcó el tono de su obra posterior. Su primera obra de teatro Og aldri skal vi skiljast (Y nunca nos separaremos) se presentó y publicó en 1994; desde entonces ha publicado más de 40 libros entre los que se incluyen cuentos, poemas, novelas, libros infantiles, ensayos y piezas de teatro, algunas traducidas ya a varios idiomas. Intimista y reflexivo al igual que su literatura, Fosse, es autor de obras innovadoras y difíciles de catalogar que le han hecho casi inventar nuevas formas literarias.

Se matriculó en la Universidad de Bergen (Noruega) y estudió Literatura Comparada, Sociología, Filosofía y Teoría del lenguaje. Es doctor en Filosofía y profesor de la Academia de Escritura Creativa de Hordaland.

Decidió dedicarse a la literatura porque: “Simplemente quise vivir de una manera libre. Por eso la idea de ser escritor me llamaba la atención; no tendría que ir a una oficina. Asumía que siempre sería pobre, pero lo prefería a cambio de la libertad que me otorgaba. Terminé mis estudios en filosofía y teoría del lenguaje, pero no quería ser profesor. Resultaba complicado ganarme la vida, y justo entonces me pidieron que escribiera el comienzo de una obra para una institución cultural noruega muy grande que pagaba muy bien. Querían solo unas cuantas páginas y yo necesitaba el dinero. Me pidieron que entregara una sinopsis, pero no se puede hacer algo así. No con un poema ni con la música, ni con algo que vas a escribir, es como atentar contra tu propia habilidad. Al final escribí la obra entera en una semana y todavía hoy es, de mis 45 piezas de teatro, la que más veces se ha montado por todo el mundo”, añadió en la citada entrevista,

Fosse trabaja la memoria y recuerda muchas historias de su vida de forma poética, la relación con sus padres, sus historias de amor… y todo se convierte «en melodía», aseguró a EFE su editora en español, Beatriz González.

Le encanta escribir a mano, con plumas estilográficas, pero la mayor parte de su trabajo lo escribe en Mac, ordenadores de los que tiene una colección, incluido el primero que tuvo.

Algunas de sus obras que han sido traducidas al español incluyen Alguien va a venir, Melancolía, Trilogía y Mañana y tarde, editados por De Conatus.

En México sus libros pueden adquirirse en algunas librerías, pero sobre todo en línea. En Gandhi están disponibles Trilogía, El otro hombre: Septología I, El otro hombre: Septología II, El otro hombre: Septología III, y El otro hombre: Septología VI y VII. Además, tienen en preventa la versión ebook de Mañana y tarde. El Péndulo ofrece en su tienda en línea los títulos: Un nuevo hombre, El otro nombre, Otro nombre, y Yo es otro. Y en la librería El Sótano están disponibles El Otro nombre, Otro nombre, Trilogía, y Yo es otro. Septología III.

En un comunicado, la academia Sueca señala que el autor “presenta situaciones cotidianas que son instantáneamente reconocibles en nuestras propias vidas. Su radical reducción del lenguaje y su acción dramática expresan las emociones humanas más poderosas de ansiedad e impotencia en los términos más simples”.

“Lo que es especial es la cercanía en su escritura. Toca los sentimientos más profundos: inseguridad, cuestionamientos sobre la vida y la muerte… las cosas que cada humano enfrenta desde el principio. No importa si es drama, poesía y prosa. Tiene el mismo atractivo a estas humanidades básicas”. Sus novelas, según la academia, están “muy reducidas a un estilo que ha llegado a ser conocido como ‘minimalismo Fosse”.

“Es gracias a su capacidad para evocar la pérdida de orientación del hombre, y cómo esto, paradójicamente, puede proporcionar acceso a una experiencia más profunda y cercana a la divinidad, que ha llegado a ser considerado un gran innovador en el teatro contemporáneo”, apunta la academia.

Esto se puede ver en su segunda novela, Stengd gitar (1985), cuando Fosse presenta una desgarradora variación de uno de sus temas principales: el momento crítico de la irresolución. Una joven madre sale de su departamento para tirar basura por el vertedero, pero se queda fuera con su bebé todavía dentro. Al necesitar ir a buscar ayuda, no puede hacerlo porque no puede abandonar a su hijo. Si bien se encuentra, en términos kafkianos, “ante la ley”, la diferencia es clara: Fosse presenta situaciones cotidianas que son instantáneamente reconocibles en nuestras propias vidas.

Los organizadores del Nobel opinaron que Fosse combina fuertes vínculos locales, tanto lingüísticos como geográficos, con técnicas artísticas modernistas. Puede equipararse a otros grandes escritores como el noruego Tarjei Vesaas, el irlandés Samuel Beckett, los austriacos Thomas Bernhard y Georg Trakl y el checoslovaco Franz Kafka.

«Te conmueve muy hondo cuando lo lees…y cuando has leído una obra tienes que continuar», dijo Anders Olsson, presidente del Comité Nobel de Literatura de la Academia.

Si en la literatura noruega Jo Nesbø es el rey de la novela negra, y Karl Ove Knausgård el de la autoficción, Jon Fosse es la figura literaria por antonomasia; uno de los dramaturgos más prestigiosos de Europa. Fosse fue nombrado caballero de la Orden Nacional del Mérito de Francia en 2007; también se ha clasificado con el número 83 en la lista de los 100 mejores genios vivos por The Daily Telegraph. Desde 2011 se le cedió la Grotten, una residencia honoraria propiedad del Estado noruego y ubicado en las instalaciones del Palacio Real, en el centro de la ciudad de Oslo; el uso de la Grotten como residencia permanente es un honor especial otorgado por el rey de Noruega por sus contribuciones a las artes y la cultura noruega, él es considerado una gloria nacional en la letras de su país. Su vida la reparte entre una aldea próxima a la capital austriaca, Viena, una casa en un fiordo y Oslo. El escritor, que ha reconocido que durante una época bebió en exceso, es padre de cinco hijos.

Fosse es el cuarto autor de su país en lograr el Nobel de Literatura, tras Bjørnstjerne Bjørnson (1903), Knut Hamsun (1920) y Sigrid Undset (1928).

La obra de Jon Fosse ha sido elogiada como una de las contribuciones más importantes a la literatura escandinava contemporánea, sin embargo nuestras referencias sobre esta narrativa van en torno a las series policiacas que nos llegan desde distintas plataformas de streaming cuya trama sucede en la región escandinava. Crímenes complejos que azoran a todo un pueblo o una ciudad entera por ser casos extraordinarios y atroces de secuestro, asesinato, un asesino serial o un feminicidio; una situación también tan lejana de la realidad mexicana en donde suceden por lo menos tres homicidios cada hora y se suman 94 asesinatos diarios en promedio. Noruega tuvo 29 asesinatos en 2021, ocupa el puesto 24 en la tasa de homicidios intencionados por cada cien mil habitantes, y su tasa de asesinatos se sitúa en el 0,54 por cada cien mil habitantes, y cada año va bajando.

Obras en torno a Picasso de 92 artistas mexicanos se presentan en Málaga

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Málaga, España.-  Este  año se han realizado diversas actividades en torno al artista y padre del cubismo Pablo Ruiz Picasso. Y no podía faltar la participación de México por lo que llega la exposición Picasso en la Memoria.

Es una exposición colectiva en la que participan 92 artistas mexicanos que por primera vez exponen en la Costa del Sol, ciudad donde nació Pablo Ruiz Picasso. La sede es la galería Alfajar  que se encuentra frente a la Catedral;  conocida como la Manquita, los visitantes pueden disfrutar de diferentes obras realizadas con distintas técnicas.

 

El sello mexicano imperó en la inauguración. En el entorno de la catedral se escuchaba la música de mariachi ejecutada por Juan Manuel Valencia  y Augusto Peña. Algunos peatones se acercaron a la galería para ser testigos de la presencia del arte mexicano. Todos se llevaron la sorpresa de ver  las obras y degustar de tequila.

Responsables de la galería José Ángel Ruiz,  junto a su esposa Lola y el organizador Fernando Aroche fueron los anfitriones de la velada a la que asistieron en representación de los artistas: Monique Colinas y Sonia Sabido.

 

“Es un placer poder tener está exposición colectiva una de las más grandes que hemos tenido”, expresó José Angel Ruiz. Aroche manifestó su alegría de poder presentar la exposición en Málaga después de haberse presentado en Madrid. Destacó la colaboración de los dueños de la galería y los felicitó por el espacio ya que  no sólo es la galería sino una tienda de artesanías importante en el centro de la ciudad.

La obra que puede verse en su mayoría es figurativa, abstracta y cubista en torno a Picasso,  que este octubre festejaría sus 142 años. Si se habla de este artista malagueño la ciudad de Málaga sale a la luz primero por ser donde nació, por tener dos museos dedicados al artista y por tener la historia de sus inicios en el arte.

Además que este año finaliza las miles de actividades que se han realizado en torno a su cincuenta aniversario del fallecimiento del artista español. No sólo en Málaga sino en diversas ciudades españolas como en el extanjero en museos en Nueva York, Inglaterra y Francia.

Fotos: J. Carlos Santana

 

El Palacio de Bellas Artes presenta: «Una lógica de la belleza» obra de Francisco Castro Leñero.

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La muestra comprende más de 60 obras provenientes de colecciones particulares e institucionales, entre las que se encuentran pinturas, grabados, dibujos y objetos tridimensionales.
Abordan en cuatro núcleos temáticos las distintas facetas plásticas del artista, a quien se recuerda en el primer aniversario luctuoso.

El Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA), presentan la exposición Francisco Castro Leñero. Una lógica de la belleza, retrospectiva que examina la trayectoria de uno de los principales exponentes del arte abstracto en nuestro país, en el marco del primer aniversario de su fallecimiento.

La muestra tiene por objetivo conmemorar y analizar la producción artística de Castro Leñero, a través de una cuidadosa selección de piezas, basada en la investigación de la geometría y la experimentación desde la abstracción.

En el recinto de la Red de Museos del Inbal se exhibirán al público, a partir del 14 de septiembre, más de 60 obras, entre las cuales se encuentran pinturas al acrílico, gráfica, dibujos sobre papel, escultura y otros objetos tridimensionales provenientes de colecciones institucionales y privadas.

Francisco Castro Leñero (1954-2022) emergió en la escena artística mexicana a finales de los años setenta, con una propuesta que se basó en patrones rectilíneos y sobrias escalas cromáticas que abrieron la vía a una percepción exclusivamente visual, sin referentes explícitos a la vida cotidiana ni a la realidad empírica. De no haber búsqueda de la belleza, comentaba Castro Leñero, “se le negaría al espectador una experiencia fundamental. La belleza depara la posibilidad de conmoverse”.

La curaduría de la exposición está a cargo de Sylvia Navarrete Bouzard, reconocida investigadora y escritora mexicana, quien ha publicado diversos libros, ejercido como crítica de arte y ocupado distintos cargos públicos en reconocidas instituciones culturales, como el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca o el Museo de Arte Moderno.

En la exposición se condensan cinco décadas de producción artística en cuatro núcleos temáticos. El primero, Resumen de una trayectoria, ofrece una visión general e introductoria del trabajo de Castro Leñero, a partir de un conjunto de obras representativas de distintos periodos. En éstas se logra un equilibrio entre las creaciones pictóricas tempranas y las más recientes. Desde los ensambles de la década de 1980 hasta las esculturas y mandalas tridimensionales, los visitantes podrán apreciar la evolución de la obra de Castro Leñero a lo largo del tiempo.

Materia, madera y damas: 1980-2000, el segundo núcleo, exhibe la primera etapa creativa del artista, donde el paisaje urbano se entrelaza con la construcción artificial alterada por la influencia de la naturaleza, la lluvia, el tiempo y la intervención humana. Después del terremoto de 1985, el artista transformó su lenguaje plástico para conceptualizarlo en segmentos geométricos cuadriculados que remiten a baldosas o a tableros de juegos de mesa.

En Desfases, vibraciones y curvas: 2000-2021, se muestra la consolidación del lenguaje artístico del autor, resaltando el valor expresivo del cuadrado y las tensiones generadas por las líneas. Los hilos conductores en esta etapa son la elocuencia del espacio, la poética de la luz, los ritmos musicales y la experimentación cromática inspirada en el estudio de Velázquez y Rembrandt. A partir del año 2000, el enfoque se orienta hacia un uso más libre, pero siempre deliberado de las relaciones estructurales, en las cuales lo normativo de la composición cede paso a lo orgánico, con combinaciones de colores exuberantes.

En el último núcleo, Los papeles del maestro, se exhiben los trabajos preparatorios y piezas sobre papel, incluyendo estudios de bocetos figurativos y variaciones temáticas a través de secuencias de dibujo, grabado y pintura. En el centro de la sala destaca una pintura monumental realizada por el artista como parte del proyecto AKASO, una evocación de los murales producidos por México para la Exposición Universal de Osaka en 1970.

Esta exposición ha sido posible gracias a los préstamos de 17 colecciones particulares y de las colecciones del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Museo Amparo, Museo de Arte Moderno, Inbal y Museo Jumex.

El Museo del Palacio de Bellas Artes desea expresar un especial agradecimiento a la Fundación Jenkins por su valioso apoyo en la realización del catálogo que acompaña a esta exposición, el cual contribuye de una manera significativa a enriquecer la visión sobre la obra de Castro Leñero.

Francisco Castro Leñero. Una lógica de la belleza estará abierta al público a partir del 14 de septiembre, de martes a domingo, en un horario de 10:00 a 18:00 horas. Además de la exhibición se ofrecerá un programa de visitas guiadas y actividades paralelas para enriquecer la experiencia de visita de los públicos.

Los papeles del maestro.

“Nada tan complejo en formas y expresiones como el cuerpo humano”, observaba Francisco Castro Leñero, quien empleó únicamente el dibujo con modelo en tanto que disciplina académica. En el papel improvisaba figuras, pero también investigaba los valores geométricos que, así madurados, trasladaba a la pintura. Profesor de dibujo durante casi 40 años en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, recomendaba al alumno practicar continuamente con el lápiz y la libreta para estimular la creatividad y fortalecer la expresión.

Le apasionaba la gráfica. Impartió talleres de grabado en y fuera de México, produjo estampas sueltas o reunidas en carpetas, y desarrolló secuencias de dibujo, grabado y acrílico sobre un mismo tema. Su obra pictórica y aquella sobre papel corren parejas en el perfeccionamiento de la línea, la estructura, la textura de los pigmentos: el proceso, cauteloso pero flexible, lo lleva de la opacidad a la transparencia, de la raya al cuadrado y al trayecto sinuoso, y de la monocromía a una cálida paleta multicolor.

Materia: años 1980-2000

La madera es el primer instrumento formal de Francisco Castro Leñero. Secciona sus cuadros tempranos con rayas leñosas y da textura con empastes; así armada, la “osatura” de tiras diagonales evoca los ciclos de construcción y destrucción en una ciudad contaminada. Más tarde, desmaterializa la rigidez de las líneas en grandes superficies cuadriculadas. Esta estructura, que imita los tableros de damas o las baldosas de los patios, propicia una opulencia cromática que ilumina la composición; a la vez,
jaspeaduras, frotis y manchas desvanecidas trastocan la percepción errónea de un espacio uniforme.

Un fenómeno mundial marcó el regreso a la pintura figurativa en la década de 1980. Por su parte, Francisco Castro Leñero se apega a la tradición moderna de la abstracción geométrica —Gunther Gerzso, Manuel Felguérez, Fernando García Ponce y Vicente Rojo—, si bien la factura constructiva de su obra lo asimila a un radicalismo conceptual más que a las derivaciones gestuales u
oníricas de los pintores de aquel momento. Esta singularidad le valió amplia difusión, fortuna crítica y posición en el mercado del coleccionismo.

Años 2000-2021

Francisco Castro Leñero siempre fue fiel a la abstracción. Hacia el final de su vida, mantuvo la retícula que estructuraba sus composiciones, pero le incorporó patrones curvilíneos que provocan una sensación de desplazamiento en la repetición. Sus gustos musicales se reflejan en la dinámica aleatoria de figuras orgánicas y colores francos que unifican fases rítmicas y áreas de silencio:
es la idea del “canon”, una técnica clásica en que varias voces entonan la misma melodía comenzando unas después de otras. Éste es el desajuste que estremece, con elementos activados a intervalos irregulares, una lógica que de otro modo resultaría demasiado estricta.

A partir del nuevo siglo, Francisco Castro Leñero se internacionaliza. Ante el relevo generacional y el despegue de las prácticas multimedia, procura alianzas con la Howard Scott Gallery de Nueva York y la Diaz Contemporary de Toronto. Su actividad pública se vuelve intermitente en nuestro país, dónde prefiere enviar versiones de las exposiciones inauguradas en sedes foráneas. Con todo, jamás desatiende la labor docente ni el debate teórico sobre la pertinencia de la pintura en el arte contemporáneo.

Trayectoria del artista.

Francisco Castro Leñero (CDMX, 1954-2022) fue el pintor abstracto más conceptual de la escena contemporánea y un influyente profesor de dibujo en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Tres de sus cinco hermanos son pintores (Alberto, José y Miguel Castro Leñero); sólo él se arraigó en una plástica que descarta la figura humana en favor de precisos esquemas geométricos y sobrias escalas cromáticas. Con otra reconocida pintora abstracta, Irma Palacios, se casó, viajó y compartió casa y taller en el barrio de Tlalpan, donde murió prematuramente.

¿Cuál es la lógica de la belleza en la obra de Francisco Castro Leñero, caracterizada por una presunta frialdad? La retícula en que se reiteran motivos con ritmo sereno, las veladuras y sus matices, los colores dosificados en gamas elegantes constituyen sus recursos básicos. Agenciados de manera magistral en el lienzo, insinúan formas engañosamente austeras que invitan a mirarlas con atención circunspecta, pero que culminan en la revelación de una armonía incorpórea.

La propensión minimalista de Francisco Castro Leñero se asemeja a una mística de la pureza. Pinturas, dibujos, grabados y ocasionales objetos en relieve encajan en un sistema autorreferencial que despliega sus mecanismos internos: progresivamente, adelgaza con delicadeza la materia, adquiere cierto compás musical y luce una paleta vivificante. El ascetismo de su factura se ve atemperado por el sutil ejercicio, casi preciosista, de una belleza inmaterial.

Esta exposición conmemora la trayectoria de uno de los máximos exponentes del arte abstracto en el ámbito nacional, en el marco de su primer aniversario luctuoso, al tiempo que busca vencer ideas preconcebidas que tienden a privar de contenido emocional a cualquier lenguaje plástico basado en la geometría.

Programa de actividades | septiembre a diciembre 2023

Del 13 de septiembre 2023 al 14 de enero 2024

Académicas

Charla curatorial presencial
Presenta: Sylvia Navarrete, Patricia Soriano y Rodrigo Flores Herrasti
Modera: Rodrigo Ímaz
Jueves 21 de septiembre, 18 h
Sala Adamo Boari, Palacio de Bellas Artes
Cupo limitado: 70 personas
Dirigida a público general
Entrada libre

Recorrido virtual

Presenta: Sylvia Navarrete
Lunes 9 de octubre, 21 h
Estreno en Facebook (cupo ilimitado)
Dirigido a público general
Entrada libre
FB: Museo del Palacio de Bellas Artes

Presentación del catálogo

Presentan: Sylvia Navarrete, Sergio Ricaño y Jaime Moreno Villarreal
Modera: Uriel Vides
Jueves 19 de octubre, 18 h
Sala Adamo Boari, Palacio de Bellas Artes
Cupo limitado: 70 personas
Dirigida a público general
Entrada libre

Recorridos anecdóticos

Recordando a Francisco Castro Leñero. Recorrido con ex alumnos del artista
Presenta: Miriam Barrón
Miércoles 25 de octubre, 20 h
Presenta: Carlos Mier y Terán
Jueves 23 de noviembre, 16 h
Acompañamiento: Uriel Vides
Salas Diego Rivera y Nacional
Cupo limitado: 30 personas
Dirigido a público general
Entrada libre

Recorrido a través de la exposición donde se tendrá un acercamiento a la faceta de Francisco Castro Leñero como profesor, por medio de las voces de dos exalumnos que formaron parte de sus clases de dibujo en la antigua Escuela Nacional de Artes
Plásticas y tiempo después compartieron otras experiencias relacionadas a su producción artística.

Clase

Introducción a la expresión en el dibujo*
Presenta: Marcos Castro
**Fecha por confirmar
Área de murales
Cupo limitado: 30 personas con registro previo
Dirigido a público general
Entrada libre

 

Explorando el mundo de Francisco Castro Leñero

Martes a viernes a partir del 19 de septiembre, 13 a 15 h
Área de murales | Actividad libre sin registro previo
Cupo limitado: 10 personas cada 20 min.

Activación que invita al público a acercarse de diversas maneras a la obra de Castro Leñero, a partir de dinámicas multisensoriales que detonen una experiencia mediante las expresiones abstractas del artista.

Visitas guiadas

Martes a sábado a partir del 14 de septiembre, 11:30 y 15:30 h
Punto de encuentro: módulo de informes del Museo
Cupo limitado: 20 personas por grupo
Dirigida a público general sin registro previo
Actividad libre con boleto de acceso al Museo