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Luna Creciente compañía coreográfica de Monterrey, presentará Mujer Guerrero, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo

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La compañía regresa al foro del Centro Cultural del Bosque con un remontaje de Mujer Guerrero, del jueves 14 al domingo 17 de marzo en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo.

La compañía procedente de Monterrey, Nuevo León, presentará, del 14 al 17 de marzo en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo, este emotivo espectáculo como parte de la temporada Universos Femeninos, dedicada a visibilizar la labor de mujeres coreógrafas de distintos territorios del país.

La presentaciones son coordinadas por la Coordinación Nacional de Danza del INBAL, y las funciones del espectáculo dancístico Mujer Guerrero son parte del trabajo que realiza la Compañía de Danza Luna Creciente, con dirección y coreografía de Dolores Bernal Solís.

Mujer Guerrero es un espectáculo que busca representar la femineidad y la fertilidad, pero al mismo tiempo es un cuestionamiento a la situación de la figura femenina en su entorno social. La obra persigue reflejar en su danza lo que siente una mujer en sus estados críticos, en sus deseos, en sus temores, en sus contradicciones y conflictos.

La obra Mujer Guerrero se estrenó en 1987, precisamente en el Teatro de la Danza y posteriormente se remontó en 2012 para celebrar la trayectoria de la coreógrafa Dolores Bernal. Ahora el público apreciará esa versión actualizada de un montaje que surgió bajo la necesidad de resaltar y destacar la existencia de la mujer y el papel principal que juega en el contexto social actual. El programa de cada función se complementará con la interpretación de la coreografía Soledad acompañada.

De acuerdo con su creadora, ambas piezas abordan la temática de la mujer y su capacidad de amar, así como su confrontación con la soledad y su lucha cotidiana dentro de un entorno violento, en el cual debe alzar su voz para ser escuchada.

 

 

 

Megacalenda en la Ciudad de México para celebrar la diversidad de los pueblos indígenas.

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En conmemoración del Día Internacional de los Pueblos Indígenas proclamado por la UNESCO y en el marco del Decenio Internacional de las Lenguas Indígenas 2022-2032, el Movimiento indígena en la Ciudad de México ha anunciado una Megacalenda (una fiesta vibrante y llena de hermandad)  se llevará a cabo el próximo 9 de agosto de este año.

La procesión partirá del Ángel de la Independencia a las 12 del día con dirección al Zócalo de la ciudad. Colombia  será el país invitado. Se trata de un Movimiento que desde hace 14 años se ha ha venido visibilizando con presencia en la Ciudad de México.

En esta ocasión, la Megacalenda contará con la participación especial de hermanos indígenas del pueblo náhuatl del estado de Hidalgo y de la República de Colombia. Además, se unirán por primera vez los Tecuanes, provenientes del carnaval de San Pablito, y los huehues de San Miguel Caneo y de la Resurrección del estado de Puebla. También estarán presentes los Chinelos, la comparsa Tapia, los Diablos de Huajuapan Oaxaca, y la banda tradicional Donají y las Marmotas.

La diversidad de participantes será abundante, con la presencia de triquis con su chilolo, purépechas, mazatecos, zapotecos, nahuas de Veracruz y Puebla, totonacos, tzeltales y tzotziles, mazahuas, otomíes, mixtecos, tlapanecos, mixes y muchos más comunidades de distintas regiones del país. Contará con la asistencia de representantes de la Red Nacional Indígena y del movimiento indígena de la CDMX.

Existen alrededor de 476 millones de Indígenas viviendo a lo largo de 90 países. Representan poco más del 5% de la población mundial y, sin embargo, se encuentran entre las poblaciones más desfavorecidas y vulnerables representando el 15 por ciento de los más pobres.

La Asociación Civil Los Berracos, integrada por ciudadanos colombianos que viven en México, también se unirá al evento para compartir su riqueza artística, musical y gastronómica. En Colombia, existen 115 grupos indígenas que representan el 3.5% de la población y se hablan 65 lenguas originarias, lo que refleja la diversidad y vitalidad de las culturas indígenas en ambas naciones.

La Megacalenda y la Jornada para la visibilización de la presencia indígena son oportunidades valiosas para honrar y celebrar la riqueza cultural y lingüística de los pueblos indígenas, y para promover su reconocimiento y respeto en la sociedad mexicana y colombiana.

Por otro lado el Movimiento tiene también grandes planes para el mes de septiembre, donde se llevará a cabo la 14a. Jornada para la visibilización de la presencia indígena en la CDMX del 4 al 17 de septiembre. Durante este evento, se realizará la Expo Arte Indígena, una muestra gastronómica con exhibiciones de música, danza y poesía, además de demostraciones de medicina tradicional. Habrán conferencias magistrales, conversatorios y talleres en lenguas indígenas. Uno de los momentos más esperados será la participación del legendario trovador Gabino Palomares celebre por  su famosa pieza: La maldición de Malinche.

 

 

Daniel Hourdé llegan a México desde Francia: una Catarsis de la vanidad humana

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La Secretaría de Relaciones Exteriores expondrá a partir del 27 de julio una veintena de esculturas, pinturas y dibujos de Daniel Hourdé, uno de los artistas más emblemáticos y reconocidos de Francia. La exposición, de entrada gratuita, se exhibirá en el Museo de la Cancillería, ubicado en la calle República de El Salvador 47, centro de la Ciudad de México.

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Fallece la fotógrafa Lourdes Grobet a los 81 años de edad, una mujer a la que no le gustaba aburrirse.

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Con 81 años de edad, y una vida como fotógrafa en la que la constante fue dejar la historia en imágenes y divertirse siempre con la cultura, Lourdes Grobet murió tras un cáncer que detuvo la energía de esta mujer extraordinaria. Cuentan que unos días antes de morir dijo: «ya me aburrí», y entonces decidió su destino final.
 
Recientemente Grobet había sido homenajeada en el Centro Cultural Los Pinos con la presentación de imágenes de una de las colecciones a las que dedico muchos años y con la edición del libro “Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena: medio siglo de historia” editado por RM, en un auditorio repleto de admiradores y amigos, al que la fotógrafa ya no pudo asistir por problemas de salud, pero pudo ver gracias a las redes sociales.
Durante 40 años Grobet capturó imágenes del teatro campesino e indígena, lo que le valió un reconocimiento pasado sábado 9 de julio, al que la fotógrafa no asistió por su estado de salud, pero cuya presea fue recibida por una de sus hijas.
 

En un comunicado, los hijos de la fotógrafa que plasmó la vida indígena en los teatros comunitarios de México informaron que su madre falleció.

“Lourdes Grobet ha emprendido su viaje galáctico más allá del estrecho de Bering. Con el espíritu libre, divertido y pleno que siempre la caracterizó y de la mano de su siempre acompañante vampiro de la guarda la queremos despedir mañana sábado 16 de julio de 2022 de 16 a 23 hrs en el Salón Los Ángeles”, indicaron.

Grobet también retrató la vida fuera de los cuadriláteros en la intimidad de hombres y mujeres de la Lucha Libre mexicana.
Fue en el mundo de la Lucha Libre en el que la fotógrafa adquirió mayor popularidad, pues en las imágenes que capturó entre 1980 y 2018 plasmó la intimidad y vida cotidiana de los luchadores y las luchadoras que los fines de semana se subían a combatir al ring.
 
Sus imágenes en su momento no eran del agrado de muchos aficionados, pues contrario a la fotografía deportiva, que colocaba a los luchadores como héroes, Grobet los hacia ver cómo lo que realmente eran: personas que tenían una vida y familias.
 
Grobet nació en la Ciudad de México el 25 de julio de 1940 y a lo largo de su vida estudió Artes Plásticas en la Universidad Iberoamericana; Diseño Gráfico y Fotografía, en el Cardiff College of Art y en el Derby College for Higher Education, en Inglaterra e Introducción a la Realidad Virtual y Multimedia en el Centro Nacional de las Artes.
En repetidas ocasiones la artista, que expuso en todo el mundo sus colecciones fotográficas, afirmaba que sus mayores influencias fueron Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro y El Santo.
 
 
Lourdes Grobet expuso su obra en importantes espacios culturales como el Museo Quai Branly, de París; la Galería Silverstein, de Nueva York; el Centro Alvarez Bravo, en Oaxaca, y la Casa de América y Galería Xanon, en Madrid, y también e China.
 
Su obra forma parte de las colecciones Helmut and Alison Gernsheim, en la Universidad de Austin, Texas; el Museo de fotografía de San Francisco, California; y el Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México; entre otras.
 
El homenaje a Lourdes Grobet el pasado 9 de julio en el Centro Cultural los Pinos, su hija recibe la condecoración ya que la fotógrafa no pudo asistir por motivos de salud.

 

La revolución impresionista: de Monet a Matisse en Bellas Artes

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El Palacio de Bellas Artes presenta la exposición: “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas”, explora la fascinante historia del impresionismo, desde su nacimiento en 1874 hasta el legado que alcanzó en los primeros años del siglo XX. Contada completamente a través de las excepcionales colecciones del DMA, esta exposición revela los orígenes rebeldes del colectivo de artistas independientes conocido como “los impresionistas” y la revolución que crearon en el arte moderno. Un movimiento que nació de la rebeldía y la inconformidad, y que transformó la manera de entender el arte.

 

“La exposición nos cuenta una historia del impresionismo que no se conoce tanto, y nos muestra que este movimiento en realidad va más allá, fue un colectivo de artistas que se reunieron porque el estilo de arte moderno en 1874 era demasiado controvertido, radical e innovador; se trata de un grupo de jóvenes pintores rebeldes cansados de las restricciones de la Academia, que, a través de un arte difícil y provocador, decidieron plasmar la vida moderna con pinceladas sueltas y colores vibrantes.”, explicó  Nicole Myers, directora de Curaduría e Investigación y curadora senior de Arte Europeo Barbara Thomas Lemmon del Museo de Arte de Dallas, lugar de dónde proviene esta muestra.

A través de 45 piezas de 26 autores diferentes, como Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot y Camille Pissarro, se muestran los inicios y el lado revolucionario del impresionismo, así como su importante aportación al arte del siglo XX. Artistas que capturaron escenas cotidianas, desde los bulliciosos bulevares de París hasta los tranquilos paisajes rurales, elevando lo mundano a la categoría de arte refinado.

La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda mitad del siglo XIX. Si contamos los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver».

Los impresionistas rompieron con la tradición. Cambiaron las técnicas, los temas y la forma de exhibir sus obras. Así, redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia. Las innovaciones únicas de figuras centrales del movimiento, como Claude Monet, Edgar Degas y Berthe Morisot, sentaron las bases a las que respondieron los artistas vanguardistas de generaciones posteriores, desde Paul Gauguin y Vincent van Gogh hasta Piet Mondrian y Henri Matisse.

“Estaban interesados en temas modernos, pero también en voltear la espalda a la manera convencional de hacer una pintura acabada de acuerdo a la Academia de Bellas Artes en Francia, es decir, ellos estaban más interesados en dejar el rastro de las pinceladas sueltas de su primera inspiración”, explicó Myers.

 

“No estaban interesados en los detalles, sino en utilizar los métodos renacentistas, mostrando densidad, volumen, eliminando colores como el negro, dando la espalda a las formas tradicionales para darle brillo a su paleta”, dijo la curadora sobre esta muestra que concentra a los artistas que desafiaron los cánones del arte para retratar paisajes y situaciones incómodas.

«Cuando la mayoría de la gente escucha impresionismo, automáticamente ven una pintura de Monet o de Edgar Degas y parecería que nuestro arte siempre era popular, que siempre había mercado y que los artistas eran famosos en su tiempo, pero la historia no podía estar más lejos de la verdad. Este tipo de exhibición en el que compras un boleto, entras y ves estas exposiciones, esto se inventó en 1874, por estos artistas radicales, por este colectivo que hoy se le conoce como expresionistas» explicó.

 

Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin o Vicent van Gogh, entre otros, son parte de los artistas que se distinguieron por compartir su pasión por captar la vida cotidiana y moderna de sus realidades, quedando alejados y en contraste con los temas y estilos tradicionales que eran favorecidos por lo que dictaba la Academia.

Es así que La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas muestra escenas de la vida callejera o lo íntimo de la vida doméstica. Sin embargo,  las diversas exposiciones que se realizaban escandalizaban al público y eran consideradas un fracaso.

“La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas es una exposición internacional y se divide en cuatro núcleos que guían al visitante a través de la transformación del impresionismo y su impacto en el arte moderno:

• Rebeldes con causa: presenta a los artistas que, en 1874, decidieron organizar sus propias exposiciones, que desafiaron el sistema oficial. Aquí se encuentran obras como El Pont Neuf, de Claude Monet, en la que el artista captura el bullicio de París con pinceladas rápidas y desenfocadas, y Place du Théâtre Français: efecto de niebla, de Camille Pissarro, que muestra la ciudad envuelta en una bruma invernal.

• Notas de campo: explora las técnicas innovadoras que los impresionistas desarrollaron al pintar al aire libre. Obras como El río Sena en París, de Paul Signac, y Valle Buona, cerca de Bordighera, de Claude Monet, demuestran cómo los artistas capturaron la luz y el movimiento con pinceladas fragmentadas y colores complementarios. También se pueden observar obras como Nenúfares (1908), el óleo sobre tela de Claude Monet, artista que hizo a un lado la tierra firme para posar su mirada en las escenas acuáticas.

• Efectos secundarios: muestra cómo el impresionismo influyó en artistas como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Matisse, quienes llevaron las ideas impresionistas más allá, al explorar el color y la forma de manera más expresiva y simbólica. Aquí se incluyen obras como I Raro te Oviri (Debajo del pandano), de Gauguin; o Gavillas de trigo (1890), de Van Gogh, , pieza que pintó durante su último mes de vida y que capta el trigo cosechado. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo.

• Para siempre: el último núcleo explora cómo el legado del impresionismo sentó las bases para movimientos como el cubismo, el fovismo y el expresionismo o la abstracción y cómo se originaron a raíz del desafío a los valores académicos tradicionales. Obras como Naturaleza muerta: ramo de flores y frutero de Henri Matisse, y Barcos pesqueros en L’Estaque, de André Derain, muestran cómo los artistas del siglo XX continuaron innovando a partir de las ideas impresionistas.

La muestra se acompaña de un cuadernillo que incluye textos de Nicole Myers, así como imágenes de las obras exhibidas en salas, material que fue realizado gracias al apoyo de la Fundación Jenkins.

El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas, en particular de artistas como Hokusai e Hiroshige. De hecho, ambos pintores fueron influenciados por este arte venido de Extremo Oriente y Monet llegó a poseer una colección de 250 estampas.

Confrontados con las negativas reiteradas de los salones oficiales y con las duras críticas de la prensa como del público de las pinturas presentadas en los años 1860, en la primer salón de las obras rechazadas por el jurado oficial, el grupo de impresionistas decide crear sus propias exposiciones. La primera de ellas fue organizada con la ayuda del fotógrafo Nadar. Sin embargo, la iniciativa es un fracaso. El público acepta con dificultad este nuevo estilo de pintura, demasiado moderno y alejado de las referencias clásicas. Desconcertado, el público encontraba que las pinturas impresionistas eran vulgares, similares a bocetos sin forma, y se burló del movimiento y de sus obras. No obstante, los impresionistas fueron respaldados por escritores, en particular por Émile Zola, quien publicó artículos en defensa del movimiento que conoció gracias a su amigo de infancia, Cézanne. Por ejemplo, en el diario l’Événement del 30 de abril de 1866, Zola declara: «escribo precisamente estos artículos para exigirEn el marco del 150 aniversario de la primera exposición impresionista de la historia, la revolución impresionista invita a reflexionar en torno a estos artistas, reconocidos hoy como los escandalosos renegados que fueron, y a repensar el innegable impacto que tuvieron en el arte del siglo XX.

La exposición ofrece un programa de visitas guiadas y un conjunto de actividades paralelas para la visita .  “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas” estará abierta al público hasta el 27 de julio de 2025, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h.

Madre Coraje

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Es evidente que la celebración de la maternidad es sobre todo una actividad comercial que le pone al amor un moño rojo de muy diversos costos. Aun así podemos aprovechar la festividad celebrando a las madres buscadoras de sus hijos perdidos que merecen el título que le puso Bertold Brecht a una de sus fabulas contra la guerra: Madre Coraje y sus hijos, la trágica historia de Anna Fierling que sobrevive la guerra europea de los 30 años traficando lo que puede con el ejército sueco y a costa de la vida de sus tres hijos que a pesar de las precauciones de su madre para tenerlos a salvo sucumben al sinsentido de la violencia.

En La Ultima Diana, Sergio Magaña subió al escenario a una mujer aún más brava que la de Brecht, porque como escribí a propósito del estreno de la obra en la ciudad de Monterrey el 13 de septiembre de 1988, la Madre Coraje del autor alemán está dispuesta casi a todo para sobrevivir, mientras que la Madre a secas de Magaña está dispuesta a todo, sin el casi. Por cierto, el estreno de Monterrey fue la versión de un grupo de teatro de Michoacán dirigida por José Solís, de la que Magaña se quejó diciendo que su tragedia era como un traje de corte muy fino que requería de un sastre de primer nivel y en cambio lo habían confeccionado en Milano, una tienda de consumo popular.

Dos años más tarde Germán Castillo haría un montaje mucho más logrado para la UNAM que tampoco complació a mi querido Sergio que rara vez salía satisfecho del montaje de sus obras. El caso es que Magaña y Brecht nos muestran la maternidad como una fuerza en sí capaz de provocar la atrocidad ajena para evitar la propia. La guerra nos dice Brecht es la forma como el poder establecido se aferra a sus privilegios a costa de la vida de su propio pueblo. La violencia en Latinoamérica nos cuenta Magaña hace que los oprimidos sean los sicarios del poder. En ambos casos la figura de la madre está en el extremo opuesto a las cabecistas blancas que tuvieron en Sara García su retrato perenne.

Las madres buscadoras de diversas regiones del país son las madre coraje de nuestro tiempo porque con todo en contra siguen buscando a sus desaparecidos. De ahí que cause vergüenza ajena la postura de los gobiernos que las descalifican, las boicotean, les mientes, las interfieren, las abruman, en dos palabras; les temen. Porque su afán nace literalmente de sus entrañas y sólo hallará reposo cuando tengan la certeza de que sus hijos están vivos o muertos. Uno pensaría que la negación de enterrar a sus muertos era cosa de la tragedia griega, pero no, es la tragedia mexicana la que desde hace ya demasiados años está desangrando a las personas mas vulnerables de nuestra desigual sociedad, de manera que por este 10 de mayo, día oficial de las madres, abracemos a las madres coraje que le dan a la maternidad el mas alto valor humano: el de la dignidad.

Galería Atelier Natale se renueva en Fuengirola

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Fuengirola, Málaga.-  Trabajar por el arte es lo que hacen Alicia y Alejandra Natale, que orgullosamente madre e hija renuevan la Galería Atelier Natale, un espacio grande y luminoso para poder ofrecer obras de diferentes artistas, además de tener materiales y  dar clases para los que gustan de las artes plásticas.

Las actividades expositivas dan comienzo con la exposición colectiva que cuenta con 21 artistas, pertenecen a la Asociación de Artistas Gens´Art. 

Clara Belén Gómez Codina, crítica de arte  señala que: “ La exposición colectiva “Colores sin Fronteras”, celebra la pasión por el arte como forma de búsqueda, diversidad técnica, experimentación y compromiso humano. El nombre de la exposición invita, además, a la apertura, en una época en la que se habla de blindar fronteras, adquiriendo en este contexto una dimensión mucho más profunda. Gens’Art, asociación fundada en 1999, es una plataforma que ha unido a artistas de diferentes generaciones y trayectorias, ampliando su alcance desde Portugal hacia otros países europeos. Este cruce de caminos se refleja en una exposición que no busca la uniformidad estilística —un concepto que podría limitar la riqueza de la creatividad y la diversidad artística—, sino que apuesta por el diálogo entre sensibilidades distintas.

Una línea de trabajo acertada e interesante, – explica Belén Gómez- donde el predominio del color sobre la línea aporta coherencia y emoción al recorrido expositivo. La combinación de pintura, collage, técnicas mixtas y soportes variados consigue que el recorrido fluya en un diálogo constante con el espectador, quien se ve envuelto en un entramado de sensaciones. Esta propuesta expositiva refuerza, además, el protagonismo independiente de cada obra, permitiendo que cada pieza dialogue de forma única con el visitante. A través de las obras, el público puede reconocerse en las temáticas que los artistas exploran: desde la relación con el entorno hasta la introspección personal. 

 

Alejandra y Alicia, se mostraron muy contentas por recibir a Rafael Pérez Peña. Cónsul Honorífico de Portugal en Málaga. Del Ayuntamiento de Fuengirola asistieron  Rodrigo Romero, Vicealcalde y Concejal de Cultura y Turismo, Cristina Bornao. Concejala de igualdad, Carmen Díaz, Concejala de limpieza.

Y por parte de la Asociación Gens’Art estuvieron Margarida Basaloco. Presidenta de la asamblea General, Lina Santos. Vicepresidenta de la Asociación, Daniela Magano y Dina Oliveira. Secretaría e Isabel Melo. Tesorera.

 

Sobre Gens´Art: Gens’art  explicaron que surgió de un sueño y de la necesidad de presentar nuevos talentos, de dar un escenario a aquellos que de otra manera no podrían tener exposición. Fue en 1999, cuando su fundador Manuel Joaquim Martins Rodrigues, realizó la 1ª exposición colectiva, que tuvo lugar en la Cripta de la Capilla de Gens, su ciudad natal. Manuel Joaquim, artista apasionado por la pintura, soñaba con ir más allá y, junto a otros artistas, formó la asociación Gens’arte. Desde entonces, la asociación expone periódicamente, cumpliendo su objetivo principal de descubrir nuevos talentos y promover las Artes Visuales. Con el paso del tiempo, Gens’arte entró en una dinámica diferente. Además de numerosas exposiciones por todo el país, realiza desde 2018 la exposición “100 Artistas”, en 2022 se inicia en el panorama internacional con varias exposiciones en: España, Italia, Rumanía y Francia.

Entre las artistas presentes en la inauguración:  Lina Santos, Isabel Melo y Dina Oliveira. El espectador  en está exposición no se enfrenta a un discurso cerrado, sino que es invitado a construir su propio recorrido entre las obras, en un espacio donde la libertad creativa y el respeto por la diversidad son los verdaderos protagonistas; indica Belén. Y así lo demuestran los trabajos de : Oxana Shimanchuk, Aparício Farinha, Oao  Batista, José Lusi Canelha, Lisa Santos, Milita Mar, Sara Morais, Isabel Monfort Siso, Emilia Duque, Mário Tendinha, Gabriela Fontes, Quintina Alves Ritta, Filomena Fonseca, Graça Cardoso, Jorge Nuno,  Regina Affonso, José Lopes y Carlos Costa. 

La frescura de la creación en toda su pureza enriquecerá sin duda a aquellos visitantes sensibles a la búsqueda artística. Con Colores sin Fronteras, Gens’Art reafirma que el arte, más que nunca, sigue siendo un puente necesario entre la intimidad personal, las inquietudes colectivas y la libertad técnica. 

 

En la madre

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Cuentan las crónicas de aquel 10 de mayo de 1949, en la inauguración del Monumento a la Madre ubicado en el jardín Sullivan, el desmadre en que derivó el festejo. Se había anunciado que las primeras mamacitas que acudieran ahí, con el presidente Miguel Alemán en persona, serían obsequiadas con modernas licuadoras eléctricas para liberarlas del humillante molcajete. Y llegaron diez, cien, mil, diez mil… y aquello fue un bochinche que terminó en rebatinga. Los guardias del Primer Mandatario debieron llevárselo en andas para salvarlo del feroz arrebatadero.

    Ah, la fascinante modernidad. Aquello se remontaba a 1922, cuando el secretario de Educación, José Vasconcelos, instituyó la fecha como la efeméride cívica por antonomasia. En el pedestal del monolito fue colocada una placa anunciando a todos los cielos que la figura ahí dispuesta celebraba “a la que nos amó antes de conocernos”. Y todos (y todas) tan felices.
   Muchos pensadores del siglo pasado han señalado aquello de que el mexicano, “ausente de padre”, experimenta un complejo edípico de marca. Con un padre inexistente, no le queda más que vincularse afectivamente a su progenitora, con todas la consecuencias que ello supone. Después de todo madre sólo hay una, y el que lo niegue que se vaya mucho… Bueno, al fin que todo queda en familia.
   Sin mencionarlo abiertamente, los antropólogos coincidían en explicar aquello de que la (nefanda) Conquista habría implicado, también, una violación masiva de mujeres ante el hecho de que los soldados castellanos venían solos, lo mismo que Hernán Cortés. Y que cada cual se buscase su Malintzin para cumplir con la hombría en suspenso. Buena parte de nuestro mestizaje ocurrió de tal manera, que ya la cuestión de los apellidos vendría después.
   Que nadie se sorprenda… las guerras, además de la conquista territorial, supone ese daño colateral del que muy pocos (pocas) gustan hablar. Es el caso -para los interesados- de la crónica titulada “Una mujer en Berlín” (ed. Anagrama), publicado anónimamente en 1954, y que se presume es el testimonio de Marta Hillers, quien  habría sufrido -como cientos de miles de mujeres alemanas- el abuso sexual de las tropas soviéticas, comandadas por el general Zhúkov, “liberando” al país del régimen nazi.

   De tal manera es como en la madre depositamos toda nuestra confianza, nuestras dudas, nuestro cariño sin tapujos. Con el padre todo está bien, aunque históricamente era el ausente pues debía salir a matar bisontes, atender la chamba y cumplir con las 40 horas de jornada laboral que ya don Fidel Velázquez demandaba en los años setenta. La chuleta es la chuleta, en el sobreentendido de que desde hace medio siglo la mujer contribuye igualmente a la economía doméstica. Después de todo para eso se inventaron las guarderías y los klinbebés. La liberación femenina, después de todo, es mucho más que retórica electoral.
    La valoración suprema que hacemos de nuestras progenitoras habita en el lenguaje coloquial. ¡En la madre! es la expresión ante un percance inesperado. “Vale madre”, por lo contrario, significa la minusvalía de una decisión. Ya no se diga la exclamación suprema de un logro personal, ¡a toda madre!, implícito en la película de Pedro Infante y Luis Aguilar, ¡ATM!, que se anunció hipócritamente como ¡A toda máquina!
    Reyes y reinas, presidentes y presidentas, ministros y ministras; el ejercicio del poder no es más un asunto de testosterona, y los padres y las madres participan hoy en circunstancias de igualdad (se supone) dentro del seno familiar. La milicia y el clero, hasta hoy, son las instituciones donde las mujeres no alcanzan los estrados supremos… y así quedarán las cosas por algún tiempo. Caso aislado ha sido el de Michelle Bachelet, quien fungiera como Ministra del Defensa en Chile, antes de ser electa Presidenta.

    De la Mamá de Tarzán a “La Madre”, la inconmensurable novela de Máximo Gorki, corren todas las alusiones maternas de nuestra cultura. La de Iraq, en 1991, fue la “Tormenta del desierto” que Sadam Hussein rebautizó como “La madre de todas las batallas”… y así le fue cuando los ejércitos combinados de Estados Unidos y otras 30 naciones (incluyendo El Salvador) fueron al rescate del pequeño emirato.
    En “La Madre” cincelada por el escultor Luis Ortiz Monasterio son visibles los rasgos de la escuela mexicanista de arte. Mestizaje, rasgos olmecas, ya no más el paradigma afrancesado que imperó en el arte del porfiriato. Esa madre de cantera, por cierto, se fue al suelo en el terremoto de 2017, y ahí estuvo algunos meses a la espera de los restauradores.

    Ahora, celebrando el 10 de Mayo, reluce empoderada luego del resultado electoral de 2024. Pareciera evocar la estrofa retadora de Silvio Rodríguez en “…madre, en tu día, tus muchachos barren minas en Haiphong” porque el bombardeo norteamericano en Vietnam era del todo feroz. Esos muchachos cubanos que, hoy día, integran buena parte de las caravanas de menesterosos que marchan hacia Estados Unidos para enviar, en su momento, algunos dólares a las buenas madres que esperan reposando en la poltrona. Un ramo de rosas sí, una licuadora no.

LA CASA DE LOS FRESCOS ANGELICALES

By Bicimundo / ViceversaNo Comments

Después de cruzar el rio Loire, es decir de pasar del norte al sur de Francia en un barco autobús, llegamos al bello pueblo de Trentemoult , donde viven muchos artistas, para entrevistar a Jean – Paul Baudouin quien hizo de su casa y de su calle por extensión una obra de arte.El señor tiene 78 años, es muy amable ,sonriente y recibe casi a diario visitantes de paso por el pueblo intrigados por sus composiciones.

Jean – Paul Baudouin

El muro exterior de su casa está lleno de frescos, de poemas y piedras pintadas que parecen proteger el lugar. Manifiestan una espiritualidad en la que se sintetiza el druidismo celta con el budismo y la tradición esotérica, en un tono festivo y de exaltación a la vida. En la casa de enfrente, son escenas de puerto, fiestas entre mujeres altas ( ¿prostitutas ? sugiere sonriente el Jean-Paul pícaro) y marineros, en un tono ingenuo. Adentro hay decenas de esculturas de hierro, de pinturas sobre piedras, de cuadros que figuran según su autor el combate de la vida. Su esposa Mado nos enseña una pared cubierta de pilas de iglesia, de macetas con inscripciones y de cerámicas decoradas con oro que remiten al primer oficio del señor de la casa, el de alfarero.

El mismo alude al árbol de la vida y al Quetzalcoatl mexicanos, diciendo que la serpiente , en su movimiento en espiral, representa la eterna energía alrededor de nuestra columna vertebral. Según el druidismo celta, el de la corte del rey Arturo, de las hadas Viviana y Melusina, dice , esta energía es muy nefasta, es el dragón que lo devora todo, y solo la unión del masculino y del feminismo sagrados ( el yin y el yang de los taoístas) permite transformarlo en energía positiva. Baudouin afirma que al encontrar su feminismo sagrado, el hombre deviene un ser completo, un ángel, un ser de luz( « un être de lumière ») .

SERPEN

Esta tradición esotérica está representada en la mayoría de sus obras , a menudo acompañadas de epigramas. o de pequeños poemas ilustrativos.
Estamos en el Apocalipsis, en una época de guerra y de destruccion representada por unos ectoplasmas grises y blancos y unas llamas pero con una resolución positiva de paz y plenitud en el centro.

APOCALYPSE

En este collage pequeño realizado a partir de imágenes piadosas se encuentra la idea de los principios masculinos y femeninos.

ROYAUME

Muy seguido aparece el santo grial de latradicion cristiana que Beaudoin relaciona con el graal de la tradición asturiana y que buscaban los alquimistas.Segun él , el está en nosotros y se trata de nuestro corazón.
Casi toda su obra es ilustrativa, a la manera de las iluminaciones de los libros medievales.Su referencia principal es el Arte Bruto teorizado por Jean Dubuffet como el arte de los locos, de los marginales, de los que no estudiaron en la escuela de Bellas Artes y tienen ,dice Jean Paul Baudoin, una necesidad imperativa de crear.

Emotiva entrega de los Meninos premios Bulevar

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Se realizó la Tercera Entrega de los Premios Bulevar: “Uno de los nuestros”  a la Pili, artista  polifacética y esencial en el panorama cultural de Málaga, “Premio Toda una vida” a Eduardo Bandera fue un destacado presentador de televisión, actor y showman malagueño  y “ Premio Torremolinos por Bandera” a Satin Greco, destacada artista drag originaria de Torremolinos realiza imitación de figuras icónicas como Lola Flores y Sara Montiel.

La emoción y la festividad reinó desde el inicio en Café Bulevar By Na, que se ha caracterizado por ofrecer cultura en  un lugar donde se encuentra una gastronomía para disfrutar con los amigos y familiares. Además de tener un espacio para las artes plásticas, presentaciones de libros, canto y recientemente reunión para las tertulias que se realizan todos los martes; en conclusión, es Bulevar Espacio Cultural Abierto.

Los premios son parte de la labor que hacen desde hace tres años, Paulo Molleda y Juan  Royo, quienes abren las puertas de su negocio a la cultura para ser el centro y miradas de decenas de creadores que han pasado por sus instalaciones ofreciendo, sus trabajos plásticos, su cantó y sus reflexiones.

Entre los premiados y asistentes en pasadas entregas han asistido: Miguel ángel Martín (Tú no mandas), Pablo Ojeda; hijo de Javier Ojeda quién recibió el premio por ausencia de su padre, Pepe Lopez de la Taberna Flamenca, Blacksheep Producciones, Santaella, Betty Missiego, Marta Guzman y Eduardo Molero entre otros.

Molleda dio inicio a la premiación cantando el tema de Bulevar, los asistentes desde el comienzo mostraron su gusto por la celebración y se sumaron con aplausos. Al terminar expresó:

“Bienvenidas y bienvenidos a una nueva edición de los Premios Bulevar, una noche en la que nos reunimos para celebrar algo que a veces se nos olvida entre tanto ruido: el arte de verdad, la cultura que nace del corazón y que transforma espacios, barrios y vidas. Hoy no hemos traído  alfombras rojas ni focos de photocall. ¡No hace falta!  Porque lo que celebramos aquí no es el brillo de los flashes, sino el de las personas que construyeron día a día, con esfuerzo, talento y muchísimo amor, el alma artística y cultural de este lugar tan especial que es Torremolinos”.

Señaló que este año no había tantos rostros famosos en el escenario. “ Y quién sabe si por eso la clase política se lo ha pensado dos veces antes de aparecer. Pero bueno, una silla queda reservada, por si acaso aparece uno”.

Entre los asistentes estuvieron Antonio Navarro, concejal del  PSOE, y Diputado Provincial, Mimout Bel Madi, Isabel Marín Lozano, Forum Plataforma violencia, Anna Isern y David Tejeiro Concejal IU.

Molleda indicó que este evento no va de postureos, va de compromiso. De verdad, de cultura con raíces. “Y sí, va también de poner en valor a los artistas que viven de su trabajo, de su entrega, y que muchas veces no tienen los focos que merecen. Porque el arte también es trabajo, y de eso vivimos muchos y muchas”.

Durante la presentación participaron la cantante Ruth Nieto que deleitó a los asistentes con su voz y el coro Rainbow Voces, integrado por Santiago Rubio, Paulo Molleda, Manuel García, Carlos De Castro, Jlio Ramos, Diego Márquez, Minu San Martín, Juan Carlos Álvarez, Lorenzo Rafael Fernández bajo la dirección de Cristina Risueño.

Luis Algoró estuvo de conductor de la gala junto a Molleda quiénes dieron ritmo a la celebración.

Los momentos  más emotivos para los premiados  fueron cuando se vieron sorprendidos por las palabras que dieron por vídeo amistades y personajes que son especiales para ellos.

Los que aparecieron fueron: Miguel Angel Martín /Tú no mandas, Salva Reina, Jota Carajota, Tomás García,  Ángel Calvente de El espejo Negro,Carmen Calle y  Roberto López de 101 TV.  

Especial momento fue lo que se vivió al entregar el premio póstumo a Eduardo Bandera que lo recibió su viuda  Gema Vega. Molleda recalcó que también era un  homenaje para ella. Y qué Bandera siempre será recordado por su risa y alegría que impartió entre los malagueños y todo aquel que lo conocía.

Aparte de la entrega de los Meninos, obra creada y realizada por el artista Narchy. Molleda entregó reconocimientos a Francisco Quintero; periodista y escritor, Santiago Rubio por su labor con Colega Torremolinos, a Narchy; artista y a María Esther Beltrán; periodista y gestora cultural.

La tercera entrega de los premios no sólo contó con la ceremonia, también inauguró la exposición “Kalopsia” con obras de la artista Lorena Hermoso. Con está muestra se suman esfuerzos con Bulevar Espacio Cultural Abierto por apoyar a los artistas.

CUANDO LA HISTORIA ERES TÚ

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Medio siglo de pisar por primera vez un escenario, 30 años de Pescar Águilas y 15 primaveras de lograr el delirio de un Rinoceronte que soñó desde muy joven con hacer teatro y enseguida con tener un foro propio para que no estuvieran chingando, vocablo que sintetiza la batalla que ha dado Jesús Coronado y su tribu desde San Luis Potosí para hacer un teatro que permita ver la realidad con los rayos equis de la ficción que muestra las fisuras del cuerpo social…, y del propio.

Acaso una de las bondades del tiempo es que cuando lo hemos fatigado por décadas eso que llamamos historia la podemos contar en primera persona porque en el caso de Jesús Coronado sus padres -que fueron maestros de escuela- le dieron la llave de su futuro; los libros. Cuenta Jesús que la lectura lo llevó en mayo de 1975 al segundo encuentro nacional de teatro de CLETA organizado en San Luis por el grupo insignia del teatro contestatario de esa región del país; Los Zopilotes de los hermanos Betancur, y que ahí vio un monólogo titulado La rata del grupo La brigada popular de teatro que lo dejó tocado y con suerte porque al grupo le faltaba un actor e incorporó al joven estudiante que escribió y representó un divertimento que tomó a sus maestros de secundaria como personajes de su fábula logrando que sus mentores enfurecieran al reconocerse en la parodia  pararan la función y desalojara el recinto, así que ahora podemos decir que el de Jesús Cornado fue un destino manifiesto.

Hay 20 años de distancia entre pisar por primera vez el espacio de la invención artística y darle sentido a esa pisada. El 17 de mayo de 1995 se estrenó en el histórico teatro de la Paz de San Luis, Pescar Águilas, una paráfrasis de El pupilo quiere ser tutor, de Peter Handke en donde el autor alemán -que por esos años ya provocaba admiración internacional- reflexiona sobre el abuso del poder y la imitación de ese atropello, en un discurso de acciones más que de palabras en las se manifiesta el despotismo del mentor sobre su discípulo y el afán del pupilo por superar al maestro. Esta lucha de poder ficticia pero real propició no el encuentro sin la fusión de dos vidas paralelas: Enrique Ballesté y Jesús Coronado le dieron nombre y fama a un animal que espanta por su fortaleza, el Rinoceronte, pero enternece por una cualidad inimaginable de la bestialidad: el amor.

Aquel montaje fue un hito para el teatro regional porque Enrique y Jesús supieron incorporar la atmósfera interna y externa de su matria a la helada ficción teutona, pero aprovechando esa contención para huir de la carga emocional del teatro provinciano. Yo aún recuerdo a Coronado y a Ballesté pescando águilas y dando pie a una trayectoria que los llevó a cumplir el sueño y la pesadilla de todo hombre de teatro: hacerse cargo, esto es, tener su teatro. El Rinoceronte enamorado ya había administrado el teatro del Seguro Social en San Luis padeciendo las interferencias burocráticas y la buena y mala leche de la tramoya sindicalizada, y por lo mismo debía luchar para conseguir el ideal de todo colectivo: un espacio propio.

Y vaya espacio que se consiguió la dulce bestia con la asesoría de Maese Alejandro Luna y apoyos institucionales del estado y la federación. A partir del estreno de Pescar águilas en el 2009 hí se vieron y se verán espectáculos sin otra limitación que la de los creadores porque si algo practicó la familia Coronado en esos tres lustros fue la libertad de expresión y de repertorio. Jesús y sus hijos Edén y Caín y como autora su hija Eurídice, abrieron un abanico dramático que va de obras propias a los clásicos de ayer y de hoy, teniendo como norma la experimentación escénica y el riesgo artístico.

Otra característica del Rino fue abrir su maravillo espacio a inventores de ficciones como Mauricio Jiménez que trabajó como director y también como actor en El mal, montaje que mereció viaje a Bélgica y España. En la calle Carlos Tovar 315 del centro histórico de San Luis vi la expedición escénica que hicieron del Macbeth Laura Almela y Daniel Giménez Cacho, quienes aprovecharon literalmente el inmenso espacio del teatro a la Bauhaus para desplegar una energía actoral que agotaba al espectador de tanta intensidad.

Se terminaron las subvenciones y el Rino tuvo que replegarse a la realidad sin renunciar a su esencia que es la de pescar águilas a pesar de que no abundan en los gobiernos morenistas mas aptos para el huachicoleo y la voluntad de poder que para la cultura artística. Pero queda el testimonio de aquel estudiante de secundaria que halló en la ficción dramática el escudo y la espada para dar la pelea por un teatro que revelara lo que oculta el poder por pequeño que sea. Trump es el epítome de la prepotencia a la Ubu Rex. pero hay tiranos insignificantes que no soportan el vuelo del águila. Jesús Coronado, como cantó tu brother Enrique Ballesté, eso de jugar a la vida es algo que a veces duele, pero en ese juego tu has cantado tu canción. Qué más, Jesús, qué más.

Subconscious Bloom de Hugo Maza, una exposición que explora la geometría, la sensualidad y la simetría de la flores.

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Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró el pasado 24 de abril en la galería Picci Fine Arts. La muestra reúne 13 ediciones especiales —10 fotografías de la serie Subconscious Bloom y 3 pinturas digitales de la serie Rouge— en las que Maza ha explorado por años la geometría, la sensualidad y la simetría natural de las flores, pero también de las formas del cuerpo o del todo.

Hugo Maza es un director y productor audiovisual que ha encontrado en las flores un motivo y una metáfora central para la vida: las flores son una expresión intensa de energía. «Para él –explica el texto de sala preparado por Juan Pablo Aguilar– condensan significados culturales de gran importancia: cargan y transmiten alegría en su gesto más sencillo, acompañan el duelo, evocan la fugacidad, el renacimiento y también el misterio. Esa es la energía cultural que portan en su acontecer cotidiano: cuando regalamos flores, cuando la ciudad se transforma con la llegada de la primavera y nos envuelve un recordatorio del tiempo cíclico, o cuando nos vemos sumidos en el acto contemplativo (…) Pero existe otra energía, más sutil, que se activa al acercar el cuerpo a las composiciones y objetos que Maza ha producido. Proviene, por antonomasia, de zonas quizás más ocultas de nuestro ser. Esta serie forma parte de un ciclo de creación iniciado durante la pandemia de COVID-19 (…) Luego vino la investigación –un proceso también prolongado de nutrición conceptual a través de textos- y, finalmente, la refinación formal de su trabajo. Hoy, ese recorrido le permite compartir su interés estético y artístico, que brota desde la contemplación y el asombro. Subconscious Bloom sostiene que, a través de la simetría y de las formas florales cuidadas y construidas por el artista, no se representa naturalmente el florecer de una flor, sino el de los impulsos internos – afectivos y psíquicos- que nos habitan», explica en su texto el coordinador de Picci Fine Arts.

Titulando a sus exposición Subconscious Bloom, Hugo Maza, explora los juegos de la conciencia y sus formas, incluso ha buscado en ese concepto tomado por Platón de las “Verdades Eternas”. Platón no aborda las flores específicamente en sus obras, pero su filosofía sí ofrece una perspectiva sobre la naturaleza y la belleza que se puede aplicar a las flores. Para Platón, el conocimiento verdadero no reside en la apariencia sensorial de las cosas, sino en sus formas o ideas ideales. Así, una flor no es simplemente el objeto que vemos, sino una manifestación imperfecta de la Idea de la flor, una entidad eterna e inmutable que existe en un plano superior, y en ese conciencia es dónde crea su obras Hugo Maza. Impresas sobre meta, aluminio, la definición de sus imágenes precisa, sugerente y poética.

Esto también ha conducido a Hugo Maza a una exploración visual profundamente personal. Las imágenes —sugerentes, íntimas, vibrantes— proponen que la sensualidad florece de manera espontánea desde los rincones más profundos de la mente. A través de composiciones que oscilan entre la precisión geométrica (simetría en espejo) y lo onírico, donde crea un universo visual, para el artista, el subconsciente toma forma.

La muestra de alguna forma dividida en dos, el realismo y la abstracción, incluye también 3 obras en las que las formas emergen libremente sin orden aparente. «Como un contrapunto a la serie Subconscious Bloom, esta pequeña muestra presenta tres obras pertenecientes a Rouge, una serie reciente en la que Hugo Maza se aparta de las imágenes florales para adentrarse en un gesto distinto de construcción. Las obras aquí expuestas no parten de una imagen natural previa, sino que emergen de composiciones pictóricas digitales creadas por el artista, impresas con la misma técnica fotográfica y escala inmersiva (…) Si en Subconscious Bloom las formas florales nos devolvían a impulsos internos a través de su simetría orgánica, en Rouge ocurre algo análogo pero desde la abstracción. La imagen ya no nos remite a lo reconocible, sino que activa una lectura libre y subjetiva, donde las formas sugieren, aunque no dictan (…) nos enfrenta a zonas profundas de lo emocional y lo psíquico», escribe en texto de esta sala de la galería Juan Pablo Aguilar.

Subconscious Bloom marca un momento clave en su tránsito de Hugo Maza hacia el arte contemporáneo. Maza ha desarrollado una destacada carrera como director y productor audiovisual para cadenas como TNT y ABC. Ha trabajado por varios años en Santiago de Chile, y este mexicano actualmente radica en Valle de Bravo.

Subconscious Bloom de Hugo Maza se inauguró este jueves 24 de abril y en Picci Fine Arts —Alpes 700ª, Lomas de Chapultepec, Ciudad de México— y se podrá visitar hasta el 10 de mayo; ee recomienda agendar cita a través de mensaje directo al instagram de la galería @piccifinearts o al correo info@piccifinearts.com.

 

LA PERFECTA IMPERFECTA.

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Los que asistieron a esa premier en la Cineteca Nacional aún lo recuerdan. Era el jueves 12 de febrero de 1976, y a punto de iniciar la proyección de “El reportero”, la premiada película de Antonioni, irrumpió el novelista afrancesado (recién había desembarcado de París), y dirigiéndose al novelista de Aracataca, en la primera fila de la sala, le soltó un puñetazo al rostro. Gabriel García Márquez, que apenas lo saludaba, rodó al piso y Vargas Llosa se fue sin decir palabra. La “china” María Luisa Mendoza, ahí presente, clamaba: “Traigan un bistec”, para el moretón. Así moría esa fraternidad literaria que algún crítico bautizó como “el boom latinoamericano”, luego que Rodrigo Moya la retratara en su casa al acudir al llamado de Gabo.

Habían sido amigos y cómplices, en las buenas y en las malas, durante los años de zafacoca en Barcelona, París y La Habana donde conversaban con sus pares, Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Carlos Barral y José Donoso. La deslumbrante camada se extinguió la semana pasada con el fallecimiento de Mario Vargas Llosa en su casa familiar de Lima.

Contar y recontar la vida. La vida nacional y la vida personal, la tragedia que es Latinoamérica a ratos, la pasión y la desesperanza, la utopía, la entronización del poder, la barbarie que se niega a abandonarnos. Todo ello habita en las novelas de esos monstruos de la narrativa –el Boom– que se fumaron la vida con su obra, como aventureros desaforados.

En México se recordará por siempre la expresión destemplada que hizo Vargas Llosa en el verano de 1990 para describir al régimen del PRI. “La dictadura perfecta no es el comunismo, no es la Unión Soviética, no es Fidel Castro, la dictadura perfecta es el PRI en México”. Sentencia que quedó como de bronce. La dictadura no tan perfecta que había perdurado 70 años (desde 1929, en que Plutarco Elías Calles lo fundara como PNR). Y con cajas destempladas alguien le sugirió que sí, abandonara prontito el país. Y se le quedó el mote. La perfecta dictadura que ni Somoza, ni Perón, ni Trujillo lograron instalar, per se, en sus propios países.

La novelística de Vargas Llosa recoge algunos episodios regionales del caso. Es lo que se narra de modo magistral en La Fiesta del Chivo, La guerra del fin del mundo, Historia de Mayta, Tiempos recios, y de algún modo en La casa verde, Conversación en la catedral, El pez en el agua. En esas novelas Vargas Llosa nos cuenta las ilusiones de redención nacional, el atraso popular, el ejercicio del poder que se arrogan esos tiranuelos ávidos de codicia y venganza, cuyos nombres hacen heder las páginas de la historia continental… Fulgencio Batista, Alfredo Stroenssner, Augusto Pinochet, Jorge Videla, Hugo Chávez, nuestro Victoriano Huerta, “Papá Doc” Duvalier.

Dictadores de pacotilla que sucumbían en la primera asonada pues nunca supieron hacer “institucional” la sucesión del poder, como aquí lo vislumbró el Jefe Máximo, ya lo decíamos, Plutarco Elías Chávez. Sólo que la democracia, cuando se conquista en las calles y en las urnas, se vuelve del todo aburrida y no es candidata a protagonizar un ejercicio narrativo de peso. ¿Alguien se animará a escribir la novela de Dilma Roussef, de Andrés Pastrana, de Enrique Peña? Serían convenientes para la lucha contra el insomnio.

En un arranque de arrogancia, discípulo al fin de Jean-Paul Sartre, Vargas Llosa sintió la necesidad existencial de trascender en el plano político. Como nadie de su generación, se lanzó a la campaña electoral por la presidencia del Perú en 1990, que perdió ante un anónimo candidato de apellido japonés, que terminaría en la cárcel. Rómulo Gallegos, escritor colombiano, sí logró la presidencia de su país (1947-48) hasta que fue derrocado. Lo mismo intentaría nuestro José Vasconcelos en la campaña antirreleccionista de 1929, pero el temerario intelectual político fue derrotado por el incipiente y perfecto régimen.

Mario Vargas Llosa fue igualmente aventurero. En la literatura, combinando los episodios biográficos con la narración histórica, en la vida personal, concertando relaciones sentimentales cada decenio, en la vida intelectual, ciñéndose al liberalismo luego de abandonar las militancias juveniles de corte comunista.

Fue el más importante escritor en lengua española de su generación, y así fue reconocido por los jurados del Premio Nobel y del Príncipe de Asturias. Cumplida su misión, en los últimos años fue conciliándose consigo mismo y su gente. En 2022 publicó en la revista Letras LIbres un cuento denominado “Los aires”, en el que describía el aburrimiento y la extrañeza de un personaje que no se reconoce ya en los ámbitos de antaño… la gente ya no conversa, sino que dialoga con sus telefonitos, y todo ha perdido de interés. Luego anunció que ya no colaboraría con su columna periodística Piedra de toque, y se despidió de sus lectores. Al poco abandonó a Isabel Preysler, con quien había concertado un romance de socialité, y retornó al seno familiar con Patricia, su mujer.

Paseaba por los barrios antiguos de Lima, se reconocía en las avenidas de antaño, conversaba con sus hijos, recibía a viejos amigos en su casa. El héroe estaba fatigado, su existencia había sido del todo imperfecta, pero vital como ninguna. Sí, el mundo le había pertenecido. ¿Qué más?

EN LA FILA DE VARGAS LLOSA.

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Manuel Becerra Acosta cofundador y director del diario unomásuno no aprobaba el liberalismo de Mario Vargas Llosa y sin embargo me encargó entrevistarlo porque en 1985 estaba en México para promover el estreno de su obra de teatro La señorita de Tacna en el Teatro de los Insurgentes con Silvia Pinal y Margarita Galia dirigidas por José Luis Ibáñez. Fue una entrevista formal en el desayunador de un hotel de lujo donde me avasalló el torrente verbal del escritor y no pude poner en cuestión la eficacia dramática de su discurso escénico que me pareció intelectual y aburrido. Tuve que esperar 12 años para conversar con él nuevamente en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, precisamente la de 1997 cuando la FIL cumplía sus primeros 10 años de vida y uno de sus blasones era la presencia del escritor peruano que ya se había convertido en compinche de Raúl Padilla, fundador y presidente de la feria y el cacique cultural más conspicuo del entre siglo mexicano, quien sabía agasajar a sus invitados especiales como es debido.

Ya Luis Enrique Gutierrez Ortiz Monasterio, el singular y difunto dramaturgo tapatío, LEGOM, me había hecho la crónica de las cenas que daba en su casa su tío lejano y exrector de la UAG para darles la bienvenida a los escritores de renombre y su corte de admiradores y lame plumas. Era la oportunidad de cruzar por lo menos pasillo con los pesos pesados del Establishment cultural y en el caso de los periodistas de lanzarles alguna pregunta a bocajarro aunque teníamos advertido que ahí no era el lugar para hacer entrevistas ni siquiera para pactarlas. Para impedirlo estaba la tropa de asistentes del presidente de la Feria formada mayormente por jóvenes y diligentes mujeres. Eran los 90 y era evidente que ahí los hombres mandaban y que las mujeres estaban como posibles trofeos de los famosos. Salvo si eras más famosa que ellos como Ofelia Medina que provocó una expresión callejera que tuvo mucho eco en Guadalajara porque cuando Padilla lució a la Medina en las puertas de la FIL le gritaron: “¡Padilla, podrás con el alcalde, con el gobernador, hasta con el presidente pero esa mujer es mucha pieza para ti!

El caso es que vi al autor de La guerra del fin del mundo en la fiesta de Padilla rodeado permanentemente por un coro de hombres y mujeres embelesados con su presencia y embriagados por sus palabras. Como el futuro Premio Nobel era mi objeto de observación pude ver tres estados de ánimo en las casi cuatro horas que duró su sortilegio. Llegó cansado, somnoliento, como si lo hubieran sacado de la siesta. El primer y segundo guisqui los tomó despacio, respondiendo brevemente alas preguntas de sus corifeos. Al tercer trago se le borró el cansancio de la cara y comenzó a desplegar su dominio de la plática y a mirar con mas detenimiento a las mujeres que lo adulaban. Al final de este periodo de la noche su monologo era brillante y tenía prácticamente a la multitud de invitados pendientes de su elocución, que terminó por el llamado de su vejiga para tirar el líquido que lo había animado. Cuando regresó buena parte de los comensales ya estaban en su propia fiesta y aunque el escritor peruano nacionalizado español siguió siendo el centro del convivio la desinhibición de sus admiradores cambió el trato respetuoso y comedido por el mexicano apapacho de los beodos y el escote mas bajo de las mujeres, por decirle así a la abierta tirada de calzón que la lanzaron algunas de sus admiradoras. El escritor que a los 19 años se había casado con su tía Julia 10 años mayor a la que dejaría por Patricia la sobrina de su tía y por lo tanto su propia prima, entró un momento en el juego pero ya no era el joven escritor de La casa verde sino el maduro literato con 35 años de escribidor y 61 años bajo la piel del cuerpo. Así que luego de una confidencia con Padilla desapareció como por arte de magia bajó una nube de asistentes.

EN LA FILA

No recuerdo su nombre ni su rostro pero aquella encargada de prensa de la FIL era contundente: “Me vale un pito que vengas del Reforma, o tomas la última entrevista de hoy o te quedas sin nota”.

– Pero es la número diez, Vargas Llosa estará hecho polvo.

– Es lo que hay. Ayer te dije en la fiesta que a las 9 de la mañana se daban los turnos y son las 11.

– Es que…

Afortunadamente mi acompañante para grabar la entrevista era una mujer muy bella que esa media mañana iba despampanante y con un vestido negro que distrajo seguidamente al escritor de Pantaleón y las visitadoras, así que me formé en la fila y nos sentamos a esperar el último turno jugando a ver que era más rápida, mi mirada o el abrir y cerrar de sus piernas. Ganó ella y me quedé con la duda de si traía o no ropa interior.

Don Mario se tiraba tres entrevistas seguidas y pedía un descanso de 10 o 15 minutos. Al tercer descanso ya había respondido preguntas por 270 minutos porque se habían pactado un máximo de 30 minutos por medio informativo. Al despedir en la puerta del recinto de la FIL al noveno interlocutor Vargas Llosa lucía visiblemente aburrido y al ver que faltaba un fulano le dijo por lo bajo a la guardiana de la puerta si podía pasar de largo.

– Pero es del Reforma, arguyó la camarada de prensa.

. ¡Ah, exclamó sonoramente el futuro Premio príncipe de Asturias, deme cinco minutos.

LA ENTREVISTA

Entrando le dije al entonces impensable esposo de Isabel Preysler si no prefería que fuéramos a tomar una cerveza para refrescar la boca y la cabeza. Sería lo mejor pero tengo una comida en 30 minutos, respondió, y la bella joven de negro prendió la grabadora. Fue un repaso generoso -duró 45 minutos- sobre temas que aun no eran lugares comunes de su trayectoria intelectual como la influencia que Sartre tuvo en la invención de La ciudad y los perros, su primera novela, y cómo esa admiración entró en crisis cuando Sartre y Camus protagonizaron uno de los pleitos del vecindario intelectual de París más atractivos de la época, al menos para las élites intelectuales de la mitad del siglo XX en Europa. Porque siguiendo uno de los postulados de la filosofía existencialista había que tomar partido, y admirando a Sartre aquel incipiente novelista apostó por el hombre rebelde de Camus.

En otro campo, al revisar el boom de la literatura latinoamericana en Hispanoamérica dijo algo que vale la pena replicar porque es un juicio de valor -literario- sobre Rayuela, de Cortázar, que pocos compartían entonces y ahora:

“Por ejemplo, en un cursillo que di hace unos años incluí el reino de este mundo, de Alejo Carpentier del que tenía un buen recuerdo pero que de ninguna manera consideraba una obra maestra, y lo es. Me ha pasado, en cambio, con Rayuela de Cortázar, que todos consideramos una obra absolutamente revolucionaria, descubrir que hoy en día es mucho menos renovadora desde el punto de vista de la forma, que los cuentos de Cortázar” (1).

Me alegró escuchar de una boca tan autorizada la misma opinión que yo había expuesto para el escándalo de mis amigos y sobre todo de mis amigas enamoradas de la Maga o de Horacio Oliveira, los protagonistas. Esa satisfacción se nubló un poco cuando al final de la entrevista el escritor nativo de Ayacucho comentó que a pesar de las criticas él seguiría escribiendo teatro porque había temas que le pedían a gritos el tratamiento dialógico del arte dramático. Seguramente no recordaba que mi nota sobre La señorita de Tacna 12 años atrás no fue nada favorable, pero igual me di por aludido para sentirme importante.

Más que su giro a la derecha lo que lamento como un lector que halló en sus libros, sobradamente en La guerra del fin del mundo. una revelación ontológica, es que en sus últimos años negó con su conducta todo lo que había escrito y parlado sobre el mal de nuestro tiempo que es la frivolidad que ha convertido a la cultura en un espectáculo, como se titula uno de sus ensayos. De la editorial Alfaguara que publicó varios de sus grandes libros a la revista ¡Hola! hay un salto al abismo que solo se explica por la complejidad del cerebro humano. Para paliar este mal sabor de vida termino con la respuesta que me dio en la FIL a esta pregunta:

– ¿Cómo ha cambiado la literatura de Vargas Llosa?

“¿En qué forma ha cambiado? No lo sé. Pero tiene que haber cambiado porque yo he cambiado. Han pasado muchas experiencias por mí, he conocido mucha gente, he leído muchos libros, he cambiado de manera de opinar y de pensar sobre muchas cosas, todo eso tiene que reflejarse en lo que escribo. Creo que todo escritor por más que se haya renovado, que se haya trasformado a lo largo de su vida siempre continua una cierta búsqueda que tiene que ver con alguna problemática personal que está en el origen de su vocación, pero eso se ve mejor a la distancia, eso lo ven mejor los lectores” (2).

 1Telón de fondo, Colección Periodismo Cultural del CNCA)
2.Ibid

LAS PUERTAS GIRATORIAS

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  • El Instituto Mexicano del Seguro Social, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, lanzan convocatoria para participar en “Escenarios IMSS-CULTURA 2025-2026”, con proyectos de danza y teatro para realizar un circuito de presentaciones en la Red Teatral del IMSS.

Simultáneamente el IMSS, la Secretaría de Cultura Federal y el INBAL lanzaron este fin de semana dos convocatorias que alivianaran el desempleo ente la gente de teatro, aunque de nuevo entrando por esas puertas giratorias en las que son menos los elegidos que quienes siguen dando vueltas para la próxima, pero al menos hay una oportunidad para la producción artística y tanto en Escenarios IMSS-CULTURA 2025 como en ARTES ESCENICAS EN LA ESCUELA, el monto de los apoyos es sustantivo y los propósitos y las reglas de participación explícitas y razonables.

La red nacional de teatros del Seguro Social formó parte de un proyecto de país en el que la seguridad social incluía a la cultura artística como parte de la salud pública. Fue en el sexenio de Adolfo López Mateos, de 1958 a 1964, cuando el Seguro Social que dirigía Benito Coquet levantó en 30 estados del país 38 teatros cubiertos y 33 al aire libre, y 25 de ellos, ubicados en 14 estados, serán los escenarios de esta iniciativa en la que se seleccionarán hasta 100 proyectos de teatro y danza que recibirán 300 mil pesos para dar tres funciones en el teatro donde reside el grupo y tres mas en otra demarcación. Es importante destacar que la convocatoria es para obras de danza y teatro ya estrenadas, es decir que el apoyo ya no es para producir el artefacto escénico sino para darle mejor forma al cuerpo ya construido.

En justicia, la convocatoria del IMSS dividirá sus apoyos entre producciones de danza y teatro para niños y jóvenes y montajes para el público en general, y como su nombre lo indica, la iniciativa del INBAL es para el público en edad escolar, Afortunadamente porque sólo comenzando desde la infancia se puede formar un público que disfrute por sí mismo de la invención artística y encuentre en ella una compensación de la realidad, si se me permite decirlo de esta manera.

La convocatoria IMSS-INBAL está abierta desde el 8 de abril al 30 de mayo y sus bases y propósitos se encuentran en todas las plataformas digitales, de manera que hagamos votos porque esta vez la burocracia y las restricciones sindicales no entorpezcan el rescate de un bien común como fueron pensados los teatros del Seguro Social, y no dificulten la celebración de este circuito de teatro y danza que solo puede hacerle bien a los artistas que muestran su sentido de la vida y al público que recibirá un puñado de visiones del mundo narradas con el cuerpo el movimiento la palabra la música el ingenio, la invención de un tiempo paralelo, en suma.

Artes escénicas en la Escuela dará 250 mil pesos para 60 producciones de teatro y danza ya estrenadas en escuelas o teatros, en dos modalidades, o tu vas a las escuelas o recibes a las escuelas en un recinto teatral. Participan 28 estados y supongo que la Ciudad de México y la convocatoria está abierta del 10 de abril al 2 de junio y las bases también se pueden consultar en las plataformas digitales.

El comentario sería que no hay mejor escuela para los jóvenes comediantes que el teatro escolar en sus dos modalidades, sobresaliendo la habilidad que se debe tener para hacer de un patio o una cancha deportiva un escenario de maravillas. Se aprende a improvisar y a poner en práctica la energía que debe tener el actor para captar la atención de sus espectadores. Y es recomendable entender que la imaginación de las y los niños requiere de una imaginación semejante, esto es, lo suficientemente creativa como para hacer de los brazos alas y de la realidad un cuento intergaláctico con un recurso tan antiguo como el gesto y la palabra.

Entre ambas convocatorias serán 160 producciones de prácticamente todo el país las que tengan la oportunidad de socializar su trabajo, esto es, de darle sentido a tantas horas de ensayo y de suspenso, porque solo la mirada del público me dirá si logré mi cometido. Nada mal considerando que los apoyos a la producción de las artes escénicas fueron muy pocas en el pasado reciente. Esperemos que en la selección de proyectos no ocurra lo que en las cámaras legislativas donde para los cuates todo y para el resto nada. Por lo pronto la convocatoria está abierta para todo el que cumpla con los requisitos que son los apropiados para la tarea y si hay un jurado capaz, imparcial, plural, honesto, saldrán los mas calificados para demostrar que vale la pena apostar por la cultura siempre, pero sobre todo en un momento en que el país está en vilo en varios frentes. Ya sabemos que un poema no evita el hambre de un niño pero sin el poema el hambre persiste y falta ese fulgor de vida que destella incluso en los poemas sobre el hambre y la muerte. Brindemos pues para que tu entres a la puerta giratoria de la fortuna y seas uno de los hallan la salida al premio.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador» dice Ramón Durán ante su exposición “Confluencias y transfiguraciones”

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  • La exposición presenta el trabajo del editor y productor gráfico Ramón Durán Rivas, cuya complicidad por más de 40 años suma a las obras creadas con 34 artistas un resultado de unión y transformación en cada grabado, gráfica y monotipo. El título une la influencia del artista con el grabador, dos conocimientos en el proceso de creación, el resultado es lo veremos en esta muestra.

“Confluencias y transfiguraciones del Taller de Ramón Durán” es una exposición que reúne 65 obras trabajadas por Ramón Durán Rivas con diversos artistas, dando como resultado grabados de complicidad en unión y transformación con la labor de este editor y productor gráfico, que suma una experiencia de más de 40 años.

La muestra, que reunirá 34 artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, bajo la curaduría de Fernando Gálvez de Aguinaga, será inaugurada el sábado 12 de abril a las 13 horas en la Cabaña 1, del Complejo Cultural Los Pinos (Molino del Rey. Bosque de Chapultepec. 1 Sección. Miguel Hidalgo. CDMX), y podrá visitarse hasta el 18 de mayo de 2025.

Las prensas de Ramón Duran son testigos de la creación compartida con creadores como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Arturo Rivera, Flor Minor, Gabriel Macotela, Irma Palacios, Daniel Lezama, Patricia Sánchez Saiffe o Francisco y Alberto Castro Leñero, dejando ver en el resultado que el arte de imprimir es también es el arte de crear.

La exposición es una antología generada en su taller que reúne grabado, gráfica y monotipo de artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, en la que están obras de Alberto Castro Leñero, Arturo Rivera, Axel Rayón, Celeste Bejarano, César Oropeza, César Villegas, Cristina Estrada, David Crivelli, Daniel Lezama, Dorian Soto, Eduardo Ángeles, Elena Manero, Eric Pérez, Francisco Castro Leñero, Filogonio Naxín, Flor Minor, Gabriel Macotela, Gerardo Rivera Kura, Gustavo Monroy, Héctor de Anda, Iza Mendoza, Irma Palacios, Julián Madero, Marcos Castro, Margarita Chacón, Mr. Alc, Ms. Self Destruct, Olinka Domínguez, Octavio Moctezuma, Paulina Jaimes, Patricia Sánchez Saiffe, René Freire, Santiago Robles y Sergio Sánchez Santamaría.

El título de la muestra Confluencias y transfiguraciones busca unir la influencia del artista con el taller y hacer una transfiguración por medio de los dos conocimientos en el proceso de creación de dos oficios. Ahí está la relación entre artista y el taller: “El artista crea su idea, su poema, manifiesta lo que él quiere decir, y luego se puede olvidar de cuál es el proceso, porque eso lo llevo yo, ahí están las dos influencias y aparece la transfiguración: el resultado es lo que obtenemos. Quien tiene que desarrollar los detalles y técnica es el taller, el resultado es la transfiguración de las dos influencias” apunta Durán.

“La exposición es una selección realizada por el reconocido curador Fernando Gálvez, con la idea de presentar una sección del taller, luego habrá otras propuestas. En estas obras veremos una secuencia entre lo abstracto, lo surrealista o lo figurativo, por supuesto hay piezas que van muy relacionadas, pero con un paso diferente en la manifestación de las técnicas con la finalidad de mostrar los diferentes procesos: punta seca, litografía en piedra, aguafuerte, aguatinta o el azúcar, que es una técnica muy suelta que normalmente la usa Macotela, Francisco Castro Leñero, Irma Palacio, y Flor Minor; en cada obra el desarrollo de la técnica es muy importante” cuenta en entrevista Durán.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador. En el aguafuerte se barniza la placa, se calienta, se hace duro el barniz, el artista raya y descubre el cobre que es dónde va a atacar el ácido, dependiendo la intensidad del trazo son los efectos o las líneas; pero el artista no tiene que lavar la placa en ácido, solamente se enfoca en hacer el trazo, tallar el metal o la madera, él trae una idea y juntos vamos tomamos la decisión de qué técnica debemos desarrollar. Dependiendo la intensidad, menos tiempo más clara la línea, más tiempo más fuerte; el aguatinta que se maneja con resinas, nos da líneas; la resina llena una partes; la azúcar se descubre y en la placa se mete el ácido que definen las tonalidades. Ahí entra el taller, me encargo de ponerle barniz a la placa, meterla el tiempo justo al ácido, preparar los materiales, las herramientas, lo que se necesite para hacer el progreso de la transfiguración y sacar las impresiones, llevar el proceso y darle seguimiento hasta llegar al punto final”, abunda.

Con su taller independiente Ramón Durán ha logrado una carpeta con más de 60 artistas que han asistido a trabajar con él durante el tiempo necesario para lograr lo que ambos desean hacer.

Esta exposición es solo un fragmento del trabajo que se ha realizado en el taller de Ramón Durán, promete que luego vendrán otras exposiciones para mostrar otra parte de la función su taller donde los artista son libres de plasmar lo que quieren: “Normalmente no hago carpetas temáticas, no les propongo un tema, los invito a trabajar en el taller para hacer lo que ellos quieran”, dice.

La gráfica, para Durán, es un poema o también la manera de manifestarse, de mostrar inquietudes como protestas, cuestiones sociales, inquietudes en las que el artista encuentra la manera de decirlo. Y suscribe lo que decía el argentino Antonio Seguí: “el grabado es una forma de democratizar a la gente”, por medio de la gráfica se puede manifestar cualquier inquietud social y política como lo hemos visto también a través de la historia de la gráfica.

Una de las primeras litografías que realizó Ramón Durán como impresor fue de Francisco Toledo con la pieza llamada “La Cenicienta” que se logró a tres piedras; la segunda fue “La Hoja”, una de las obras más reconocidas de Toledo en la técnica de la gráfica. Fue el maestro impreso Andrew Vlady, a quién Durán le había pedido trabajo, con quién inició este oficio que le fascinó para siempre. Entonces tenía 16 o 17 años y comenzó a imprimir obras con otros maestros como Rufino Tamayo o Francisco Zúñiga.

Ser grabador es el oficio en dónde Durán se siente cómodo, en su trayectoria ha realizado apenas dos o tres piezas personales: “He intentado hacer obra, aprendo de los artistas que vienen al taller, su manera de componer, sus trazos, trato de asimilar y normalmente caigo en el sentido del artistas que está en turno, se me pega querer hacer lo mismo. En cambio me siento seguro cuando estoy imprimiendo, cuando desarrollo una colaboración con un artistas y puedo opinar, sugerir con toda la certeza”.

“Un grabado es la colaboración de dos oficios: la parte técnica de grabar en la placa y lo que realiza el artista con su tema. He adquirido la sensibilidad de poder entender qué es lo que quiere el artista o a dónde quiere ir, hacerle sugerencias. Algo que he desarrollado tanto que muchas veces hacemos monotipos, que es prácticamente es una pintura, el monotipo se trata de manifestar efectos con su debido control, he aprendido a controlarlos fielmente en lo que se realizan en la placa, esto me ha ayudado ha hacer no un monotipo sino serie de monotipos con importantes artistas”, concluye.

LA GRAN DEPRESIÓN II

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Fueron los años de Miguel de la Madrid, de José López Portillo, de Luis Echeverría. Todos ellos heredaron a Carlos Salinas de Gortari una economía que no hallaba salida a la crisis. Entonces surgió la oportunidad en eso que se llamó Tratado de Libre Comercio (TLC) de América del Norte, y con ello se avizoró la salvación de la patria. Los mandatarios de Estados Unidos, Canadá y México lo firmaron en diciembre del 1992. Tratado que un año después se encargaría de opacar el alzamiento del FZLN en las cañadas de Chiapas, y poco después el magnicidio en la barriada de Lomas Taurinas.

Fue lo que vivió esa generación, cuando el PRI arribaba a la senectud; la crisis, la crisis, la crisis que se repetía en todas las sobremesas y reuniones. “¿Para dónde hacerse?”.
         La mía fue un poco la generación del “milagro mexicano”. Los gobiernos de Miguel Alemán, Ruiz Cortines, López Mateos, y un poco Gustavo Díaz Ordaz. Crecimiento económico del 6, del 7 por ciento a ratos, y la clase media reinventándose con el frenesí de Dámaso Pérez Prado, Angélica María, Enrique Guzmán y Cri-cri alegrándonos la vida con la historia del Ratón Vaquero… antes que ganara las elecciones.
         Pero aquello se acabó con el neo-populismo de Echeverría y López Portillo, y el manido “desarrollo estabilizador” pasó a la historia cuando quisimos convertirnos en líderes del Tercer Mundo, de tan triste memoria.
         Ahora una nueva crisis asoma en el horizonte. La anunciada autarquía trumpista, que pretende cerrar de hecho la frontera a las exportaciones de productos y mano de obra mexicana, está empujándonos a la tan temida recesión. No hay dinero, no hay trabajo, no hay crecimiento económico, y que cada quien se rasque con sus propias uñas.

La decisión arancelaria de míster Trump –en lo que toca a Norteamérica– va encaminada a cancelar, en los hechos, el beneficio tripartita que significó el TLC, luego transformado en T-MEC. Resulta un poco el abuelo gruñón, que en su crisis de amargura decreta que ya se cansó de mantener nietos inútiles. Y lo peor de todo, que en su explosiva perturbación se está llevando entre las patas al comercio internacional… con el beneplácito de los líderes de Rusia y China, que aguardan el río revuelto para echar sus redes.
         Los efectos de la crisis económica son múltiples. El principal es la ausencia de dinero circulante, que en cadena ocasiona muchos más… desempleo, quiebras, recorte en los gastos de salud, entretenimiento, educación; con sus consecuentes efectos sociales: desalojos, depresión, mendicidad, y la tentación de incorporarse a las filas del crimen. Algo que esfuma los abrazos y multiplica, lamentablemente, los balazos.
         Las crisis, desafortunadamente, no se remedian con declaraciones y anuncios redentores. Las crisis ocurren cíclicamente, y por fortuna llega el día en que se dan por concluidas. La peor de todas fue la Gran Depresión de los años treinta, que arrasó las economías de las naciones más desarrolladas. Ahora pareciera estarse anunciada un nuevo periodo similar, hasta que sea anunciado un nuevo tratado (New Deal, como el que implementó Franklin D. Roosevelt en 1933 para impulsar un programa reformista) que nos salvaría de la ruina.

En ese sentido, los 18 puntos anunciados en el Plan México (y Plan Nacional de Desarrollo 2025-30) por la presidenta Claudia Sheinbaum, apuntan a resistir mejor los efectos perniciosos que tendrán los nuevos aranceles del gobierno de Donald Trump sobre las exportaciones mexicanas. Todo ello no hace sino corroborar que estamos ante el anuncio de una nueva crisis mundial, que ya podríamos denominar… Gran Depresión II, o Crisis de los Aranceles.

En el mundo globalizado de hoy la autarquía (“autosuficiencia nacional que busca reducir las influencias económicas, políticas y culturales extranjeras”) es impensable. Todas las naciones dependemos unas de otras; vino chileno y zapatos vietnamitas, autos mexicanos y aviones brasileños, relojes japoneses, sardinas españolas, celulares coreanos, películas hollywoodenses. Pero con la anunciada autarquía trumpiana, todo se ralentizará hasta los impensable. Serán tristes años de pobreza generalizada, que ya algún político humanista se encargará de corregir. O la guerra.

MÉXICO CANTA un concurso de composición contra la apología de la violencia y el narco.

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Luego de la imagen que dio la vuelta al mundo en donde un grupo de banda regional hizo una apología del narco al proyectar en el escenario, durante  un concierto, el rostro de de un narcotraficante, el gobierno prende las alertas y se da cuenta de que la cultura es el mejor antídoto contra la violencia, la ignorancia y la ironía en la que vive México en estos días.

Con el concurso México Canta, se buscase fortalecer géneros y variantes tradicionales mexicanas como el mariachi, banda, corrido, duranguense, con temas que ya no sean una alabanza a la violencia contra las mujeres y el narcotráfico. Se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical.

 

Con esa intención es que el gobierno convocó a jóvenes mexicanos y estadounidenses a participar en el concurso binacional de música México canta por la paz y contra las adicciones, que tiene dos objetivos principales: promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología a la violencia o a las drogas; y, como parte del Plan México, traer al país parte de la industria creativa de Estados Unidos.

El concurso está dirigido a jóvenes intérpretes y compositores de entre 18 y 34 años, quienes podrán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo de 2025 a través de la página https://www.mexicocanta.gob.mx/ . La final será el 5 de octubre en el estado de Durango.

La información se dio a conocer el lunes 7 de abril durante la conferencia de prensa que ofrece por la mañana la presidenta Claudia Sheinbaum en dónde dijo que presentar este festival  tiene por objetivos, promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología de la violencia o de las drogas. Esto como parte de la «campaña por la paz y contra las adicciones, y además de impulso de la actividad creativa de las y los jóvenes mexicanos de este lado de la frontera, nuestro territorio, y del otro lado, el impulso a la música mexicana en ambos lados de la frontera». El concurso, dijo entra dentro del  Plan México, para traer parte de la industria creativa que hay en los Estados Unidos a nuestro país y promover esta actividad «que a veces parece que es muy pequeña, pero es muy grande, y genera muchísimos empleos en Estados Unidos y queremos que mucho de eso también venga a nuestro país. Es una iniciativa de ambos lados de la frontera con empresarios, empresarias, artistas, muy diversos” explicó.

Con esta iniciativa el gobierno busca confrontar  a la música que habla de drogas, narcotráfico y violencia, un concurso musical para buscar e impulsar nuevos talentos mexicanos que miren al país con los positivo que tiene, con valores y emociones que da el arte y la cultura.

Shembaum precisó que se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical. “Entonces es una iniciativa de ambos lados de la frontera, con empresarios, empresarios, artistas muy diversos”, algunos de los participantes que se han sumado a esta iniciativa, entre los que se encuentran artistas, productores, empresarios y representantes de la industria musical, tanto de México como de Estados Unidos.

 

 

Añadió que el concurso binacional México canta por la paz y contra las adicciones se transmitirá por los medios públicos y surgió con la idea de construir una narrativa distinta a la música que hace elogios de la violencia, y con esto buscar generar una identidad vinculada con el arte, la cultura y con el acceso a derechos como la educación y al empleo.

Además, dijo, que se insistirá en que en todas las escuelas públicas de México haya coros para incentivar la música y el canto.

“Estamos cambiando la realidad de los jóvenes dándoles acceso a todos los derechos y  queremos que haya una narrativa distinta. Esta falsa idea de que entrar a un grupo delictivo es una opción de vida; siempre lo he dicho: ‘no es opción de vida, es opción de muerte’”, puntualizó.

Parte de este esfuerzo, también se está conformando el Consejo Mexicano de la Música, precisó la mandataria.

El concurso está abierto a todos los jóvenes de entre 18 a 34 años que quieran participar con canciones de cualquier género desde mariachi, norteño, banda, corrido, tropical, duranguense, campirano, bolero, con fusiones de rap, rock, pop, hip hop, incluidos las de los pueblos originarios. Las inscripciones se harán por medio de la página arriba mencionada; posteriormente se hará una selección municipal y estatal, cuyos seleccionados se van a presentar en vivo en los diferentes estados, y la final será el 5 de octubre.

Por su parte la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, precisó que el concurso México Canta por la paz y contra las adicciones, es una alianza histórica entre el gobierno y la iniciativa privada gracias a que sus contenidos se van a profesionalizar con apoyo del Consejo Mexicano de la Música (CMM). El chiste, dijo, es formar nueva música mexicana inspirada en “valores y emociones ajenas a la apología de la violencia y la denigración de la mujer”.

Explicó que los participantes tienen tres semanas para prepararse ya que deberán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo en la plataforma: https://www.mexicocanta.gob.mx/. Los compositores deberán enviar a la plataforma una canción inédita de una duración de hasta 3 minutos, mientras que los intérpretes podrán concursar con canciones de 3 minutos que no sean de su autoría. Los materiales pueden estar en lenguas originarias, en español y en lo que Curiel de Icaza llamó: espanglish.

Una vez que termine el periodo de inscripciones, a partir del 31 de mayo iniciará la primera fase del concurso, en la que un jurado seleccionará a 10 personas por estado de la República Mexicana y 15 por cada región de Estados Unidos (Oeste: Los Ángeles; Centro: Houston; y Este: Chicago), dando un total de 365 seleccionados quienes pasarán a la fase dos, que se realizará del 5 de julio al 8 de agosto, para seleccionar ocho finalistas por región de México (Norte, Sur y Centro) y ocho por región de Estados Unidos.

La tercera fase será presencial del 17 de agosto al 21 de septiembre, con ocho semifinalistas, cuya participación será transmitida por todos los medios públicos de comunicación y su calificación será 70 por ciento de un jurado de especialistas y 30 por ciento por parte del público.

En esta fase iniciarán las presentaciones en vivo: en Chicago el 17 de agosto; en Houston el 24 y en Los Ángeles el 31 del mismo mes. Mientras que en Tijuana será 7 de septiembre; en la Ciudad de México el 14, y en Oaxaca el 21 de septiembre. En cada uno de los eventos se elegirán 8 semifinalistas, que llegarán a la gran final el 5 de octubre en Durango, donde se elegirá un ganador de cada categoría.

Todas las personas que lleguen a la fase Regional recibirán una mentoría por parte del grupo especializado del Consejo de la Música Mexicana  para su preparación profesional en estudios de grabación para la Final. Sin embargo, solo habrá tres ganadores: 1.Mejor canción: se llevará un contrato con una editora nacional, transnacional o independiente del CMN. 2. Mejor intérprete: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente. Igualmente tendrá la grabación y producción de un LP (12 canciones) y contenidos audiovisuales. 3. Premio del jurado: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente de la música, perteneciente al CMN. Además, grabación y producción de EP (6 canciones) y contenidos audiovisuales

 

En la conferencia estuvo presente Miguel Ángel Trujillo, miembro de Latin Grammy y director del CMM, quién manifestó su entusiasmo de que por primera vez hay una iniciativa por parte del Gobierno de México para «respaldar acciones que promuevan contenidos con valores y que abren espacios para nuevos talentos sin glorificar el vicio, la violencia o los discursos que normalizan el maltrato hacia cualquier género».

Presente también Guillermo González, director general de la Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), recordó que México es un terreno firme para las inversiones dentro de la industria musical y que es una de las mejores apuestas en la industria global.

Algunos de los presentes, compositores e interpretes todos de música popular, expresaron sus esperanzas, como América Sierra, cantante y compositora mexicana del género regional, reiteró que en nuestro país hay mucho talento. El cantautor romántico de banda Horacio Palencia,  expresó su confianza de que esta iniciativa ayude a cambatir las causas que generan la violencia y que afectan a los jóvenes. Jesse Martínez, cantante mexicoestadounidense del Colectivo Legado de Grandeza, dijo que la música mexicana captura el corazón de jóvenes de ambos países que es posible tener éxito sin hablar de violencia.

Estuvieron presentes Martín Urieta compositor y cantante, y actual presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México SACM; la cantante Regina Orozco; Mónica Vélez también compositora; Alfredo Delgadillo CEO y presidente de Universal Music México, Fonovisa US México; Oswaldo Díaz Grimaldo, locutor mexicoamericano; Juan Carlos Hidalgo, CEO de Monitor Latino; Erasmo Hernández, presidente de la Asociación de Empresarios de Entretenimiento en México; Mariana Escamilla vicepresidenta de Promotores Unidos US; Isale Gutiérrez CEO de Music VIP; Javier Ramírez productor musical y fundador del Consejo Mexicano de la Música.

Cabe recordar que después de la presentación que hizo el grupo de banda en un estadio de Jalisco, el Departamento de Estado de Estados Unidos revocó las visas de los miembros del grupo musical mexicano que proyecto las imágenes del rostro de un capo del narcotráfico en la pantalla gigante durante su concierto.

“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe”, el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de X’ocen lleva a escena los últimos días de Felipe Carrillo Puerto.

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El Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, llevará a escena la obra: “Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Delia Rendón Novelo. Las presentaciones de esta pieza, hablada en maya y español, se realizarán en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, en ValladolidYucatán, la entrada es libre. El estreno es el sábado 5 de abril a las 18:30 horas; las siguientes funciones el viernes 25 de abril; y el 17 y 31 de mayo, todas a las 18:30 horas.

La historia  aborda los últimos días en la vida, y el asesinato, del prócer Felipe Carrillo Puerto, quien fue gobernador del estado de Yucatán de 1922 a 1924, y era  considerado un defensor de los mayas frente la despiadada oligarquía yucateca de fines del siglo XIX y principios del XX. Carrillo Puerto es reconocido por sus obras de tipo social y educativas que llevó durante su gobierno revolucionario y el compromiso social que sostuvo por el bienestar de los mayas y su enfrentamiento con los hacendados del estado. La obra es narrada por quien fuera un sindicalista y legislador constituyente yucateco Héctor Victoria Aguilar y contemporáneo del Apóstol de la raza.

Felipe Carrillo Puerto (8 noviembre 1874–3 enero 1924) fue un revolucionario con ideas socialistas, que también ejerció el periodismo. Nació en el pueblo de Motul, fue el segundo hijo de familia mestiza de 14 hijos y clase media, desde pequeño aprendió el maya yucateco, y la relación que tuvo con los indígenas de su estado hizo que se le considerara un aliado, se le creía descendiente de la dinastía Nachi Cocom de Mayapam. Durante su mandato instituyó el tipo de gobierno más moderno, el sistema económico y los métodos educativos más avanzados y laicos que hasta entonces se conocían en México. Organizó y mantuvo la primera clínica de control natal, promulgó leyes que otorgaron a las mujeres mayores de 21 años el derecho al voto, al divorcio, a la propiedad de bienes y a la educación; fundó una universidad en la que prevalecía la filosofía humanista; construyó pueblos con caminos para lograr que los campesinos pudieran trasladar más fácilmente sus productos al mercado.

Casado con Isabel Palma Puerto, con quien tuvo cuatro hijos, en febrero de 1923 conoció a la periodista norteamericana Alma Reed, con quien sostuvo un romance que inspiró la canción “Peregrina”, y con quien pensaba casarse. Ese mismo año apoyó la candidatura presidencial de Plutarco Elías Calles para el periodo 1924-1928; pero entre el 6 y el 7 de diciembre inició la rebelión de Adolfo de la Huerta frente a la supuesta imposición de Calles por Álvaro Obregón. Las tropas huertistas se levantaron en armas y el 12 de diciembre la rebelión llegó a Yucatán.

Carrillo Puerto y sus tropas intentaron combatir a los sublevados, pero se vio obligado a huir ante la superioridad de las fuerzas delahuertistas; se marchó en un barco que naufrago y fue apresado en Holbox, el 21 de diciembre, y llevado a la penitenciaría Juárez de Mérida. Adolfo de la Huerta había enviado un emisario para que se respetara la vida de los prisioneros, pero el coronel rebelde Juan Ricárdez Broca, autonombrado gobernador de Yucatán, ordenó que el 3 de enero de 1924, fuera fusilado junto con tres de sus hermanos y nueve de sus colaboradores. Cuentan que sus últimas palabras fueron: “¡No abandonen a mis indios!”.

El personaje que narrará esta obra será Héctor Victoria Aguilar, fue un político que destacó por su aportaciones a la Constitución de 1917, muy en especial en el artículo 123 para tratar los derechos de los trabajadores. En 1916 fue de los fundadores, junto con Felipe Carrillo Puerto, del Partido Socialista Obrero, y durante el gobierno de Carrillo Puerto, fungió como consejero de los Ferrocarriles Unidos de Yucatán.

Cabe resaltar la importancia de esta compañía de teatro que en abril de 2021 el Congreso del Estado declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán, de allí la importancia fundamental del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, que tras haberse iniciado este proyecto en el país hace 36 años, fundado a iniciativa María Alicia Martínez Medrano, dramaturga, directora de teatro y funcionaria pública, ha logrado el desarrollo del teatro en comunidades indígena sobre todo de Tabasco, Yucatán, Sinaloa y la Ciudad de México. Se trata de compañía con una trayectoria y experiencias teatro comunitario, masivo, indígena y campesino que ha proporcionado a numerosas comunidades marginadas, los instrumentos para desarrollar, valorar y disfrutar su propio lenguaje artístico, sus tradiciones, su teatralidad y la integración de sus rituales, con un profundo sentido de dignidad.

Una logro nuevamente de la cultura que parece que ahora contará con el reconocimiento y el apoyo gubernamental como deja ver la visita que la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo hiciera el viernes 13 de diciembre de 2024 a esa comunidad para presenciar la puesta en escena de la obra  “La Conjura”, también autoría de Delia Rendón.

“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Rendón Novelo, se lleva a escena con el apoyo de la Sede Valladolid de las Universidades para el Bienestar Benito Juárez García, esto en el marco del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura. La obra estará hablada en maya y español, y se presentará en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, Valladolid, Yucatán. El estreno será el sábado 5 de abril a las 18:30 horas. Y el resto de las funciones son el viernes 25 de abril, y el 17 y 30 de mayo, todas a las 18:30 horas. La dirección es Calle 6 por 13 sin número, X’ocen, Valladolid, Yucatán. La entrada es libre y para todo público.

Historia del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en la Comunidad de X’ocen

En 1989 la maestra María Alicia Martínez Medrano propuso al Instituto Nacional Indigenista un Programa de Teatro para la zona Maya de Yucatán y Tabasco. La Comunidad de X’ocen, su importancia como Centro Ceremonial Maya, sus orígenes prehispánicos, la riqueza y preservación de sus costumbres y tradiciones mayas, su organización comunitaria y la memoria histórica fueron determinantes para que en septiembre de ese año  se estableciera la sede del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena.

La comunidad entregó en comodato el terreno para la construcción del espacio en el que hasta hoy se realizan actividades de educación y producción teatral y presentaciones al público. Un espacio escénico natural, al aire libre, en el que las paredes son de árboles, follaje, arbustos y flores, con graderío de piedra para el público. Cuenta con bodegas, cabina de control de sonido e iluminación y las partes de un teatro convencional: escenario, desembarcos, ciclorama, piernas, etc., todo construido con materiales naturales de la región.En marzo de 1990 la obra X’ocen (Tómame en cuenta, soy alguien, no me olvides) fue su primera producción. En octubre del mismo año produjo Romeo y Julieta de William Shakespeare en versión indígena; esta obra se presentó en el Festival Shakespeare de Nueva York en el Central Park, y en el Festival Cultural Sinaloa en la ciudad de Culiacán.

En los 31 años de trabajo el LTCI de X’ocen ha producido una gran cantidad de funciones de teatro presentadas en más de 100 comunidades de Yucatán y Quintana Roo; cientos de niños y jóvenes mayas se han formado como actores, han viajado llevando teatro a comunidades del Sureste de México, a la Ciudad de México y Estados Unidos. En el 2020, antes de la pandemia este Laboratorio contaba con 468 alumnos de las comunidades de Nohzuytún, Tikuch, Dzitnup, Chichimilá, Xuilub, Tixcacalcupul, Valladolid, San Silverio, Yalchén, Chan Chen I, Yaxché. Actualmente participan 287 niños y jóvenes de 5 de las comunidades mencionadas.

Esta escuela de educación teatral ha sobrevivido con apoyos, becas, aportaciones, donaciones, pagos por proyectos realizados para instituciones públicas y privadas, dependencias del gobierno federal, estatal, municipal, organismos nacionales e internacionales. Pero sobre todo con la solidaridad de muchos; la confianza y apoyo de todas las comunidades mayas en las que el LTCI ha desarrollado su trabajo son el resultado de 31 años de existencia. En abril de 2021 el Congreso del Estado lo declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán.

Actualmente el LTCI de X’ocen trabaja con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural y con el apoyo de las Universidades del Bienestar Benito Juárez García, Sede Valladolid.

Αυτοψια: ver por una misma, una exposición de Gabriela Murray en la que mostrará sus grabados por primera vez.

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La actriz Gabriela Murray dedicada también de modo análogo al arte de la cerámica y el grabado, presenta su primera exposición individual: Aυτοψια Ver por una misma, comprende una serie de grabados que son una invitación a poder ver el tejido interno como un reflejo de los que somos: venas, ríos que se bifurcan, conexiones, ramificaciones, fractalidades, pensamientos repetitivos, obras que son para ella una invitación a mirarnos adentro.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril a las 13 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX) de Gandhi; y la acompañarán el artista visual, docente e investigador en artes plásticas Arturo Rodríguez Döring y Francisco Paz, pintor con amplia experiencia en el grabado, ambos maestros de Gabriela Murray.

Aυτοψια es una palabra que proviene del griego, se compone de los vocablos autós (αὐτός) que significa «uno mismo» y opsis (ὄψις) que significa «observar», que para Murray encuentra su significado en lo que implica ser mujer y ver por una misma. “Las obras que veremos son de alguna manera ramificaciones del interior y son también patrones que se replican, como una fractalidad que se reproduce y queda grabada dentro de mi como quedan estos grabados”, dice en entrevista.

“La ramificación de árbol es una similitud de nuestra estructura pulmonar; los ríos que se bifurcan parecen unas venas; nuestros pensamiento que siguen patrones repetitivos, ¿Acaso las galaxias del universo no giran en espirales también? Es decir esta repetición casi matemática es lo que me interesa, por eso creo que el tejido que imprimo en esos grabados se vuelve a grabar en mi, y así sucesivamente, porque lo que yo miro afuera, lo tengo adentro, y en la medida en que lo puedo replicar, puedo mirarme”, precisa.

Actriz de profesión, pasión y legado. Hija del actor Guillermo Murray y hermana Rodrigo; para Gabriela el arte satisface también su necesidad de palabra que no se ha limitado solo a los escenarios. Casi paralelamente a estudiar Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, se adentra también en el mundo de la cerámica, estuvo en la escuela La Esmeralda del INBA, realizando estructuras con las manos, modelando el barro, esa relación sensual le hizo realizar piezas diminutas como una obsesión por los pequeños muros interiores que habitan en cada objeto, persona, universo, y cuyo límite llega a nuestra piel.

Los tiempos de espera en la actuación, le hicieron comenzar a realizar una serie de dibujos automáticos, casi involuntarios donde la línea iba  sola; dibujos que iba repitiendo una y otra vez en cualquier superficie que se lo permitía. Y tras una visita al Museo de La Estampa, se preguntó ¿Y qué es hacer un grabado? Y el tema se convirtió en su siguiente pasión y comenzó a aprender con diversos maestros e impresores, desde marcar la placa de metal hasta la pulsión de entintar.

Algunos de esos dibujos que se volvieron sorprendentes en el grabado son los que veremos en su exposición Aυτοψια Ver por una misma, que inaugurará el 6 abril, compuesta por 12 placas.

En el texto de sala Arturo Rodríguez Döring escribe: “Escribir acerca de la obra gráfica de Gabriela Murray es hablar de un acto de amor; de una artista que imprime toda su energía positiva en la práctica de la creación (…) esta sensible creadora ha incursionado desde hace muchos años en el ámbito de la cerámica, donde con infinita paciencia y destreza manual modela delicadas formas orgánicas que nos remiten al mundo vegetal en su aspecto más sensual: las formaciones florales, y que alude de manera inevitable a uno de sus distintivos más característicos, que es el color; también preponderante en muchos de sus grabados”.

Lo que miraremos en estos grabados, advierte Murray, es una visión cerrada, como la que se mira al bucear, solo un pedazo del espectro como una representación muy clara de que solo existe lo que miramos. “En los grabados me meto igual que en el teatro en la representación, es volver todo presente. En estas obras creo que lo que se verá, es como si alguien abriera mi piel, vería esas líneas que están en el grabado”.

Para Gabriela Murray exponer por primera vez significa liberar, pues para ella la cerámica y el grabado habían sido un trabajo muy personal, un refugio de la vorágine que tiene que ver con el afuera. “Pero nunca un hobby, es algo muy serio, es reinventarme. Y con ello me demuestra que la vida se ramifica y podemos tener varias  profesiones de manera muy seria y cambiante”.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril 13:00 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX), la entrada es libre y estará hasta 8 de junio de 2025.

Gabriela Murray es una actriz mexicana egresada de la licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ha tomado diversos cursos y talleres con los afamados profesores Hugo Argüelles, Luis de Tavira, José Luis Ibáñez, Mario Lage, Sergio Jiménez, René Pereyra, Pilar Medina y Elsa Cross en instituciones dedicadas a la formación actoral en México, además del acreditado Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, España. Desde muy joven ha trabajado tanto en radio como en televisión, teatro y cine. En televisión es recordada por las novelas Alondra, Gente bien, Ramona, Agua y aceite. En cine Profundo carmesí de Arturo Ripstein, Un embrujo, de Carlos Carrera, Todo el poder de Fernando Sariñana, Frida, producida por Salma Hayek y Ella es Ramona de Hugo Rodríguez. Como actriz de teatro ha trabajado en múltiples obras desde 1991 con giras por ciudades de la república e internacional, como con Los hijos de Kennedy, Pedro Páramo, Nortes de providencia Nortes de providencia y Las chicas del 3.5 floppies por la que fue nominada como mejor actriz en el Edinburgh FestivaL Fringe.

SI HAY LUZ HAY SOMBRA

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Este año el mensaje por el día mundial del teatro vino de Grecia para preguntar si ese artificio artístico está preparado para responder a las tragedias de nuestro tiempo que han puesto en crisis el sentido humano de la vida personal y colectiva. Theodoros Terzopoulos termina su llamado diciendo que requerimos de nuevas formas narrativas cuyo objetivo sea cultivar la memoria y darle forma a una nueva responsabilidad moral y política que emerja de la actual dictadura multiforme de esta nueva edad media que vivimos en nuestros días.

Todo el mensaje del escritor griego es un llamado para que la ficción dramática y escénica responda de otro modo a la crisis global que pese a todos los adelantos tecnológicos nos tiene en el portal de un nuevo tiempo infame en el que paradójicamente el oscurantismo está en el excesos de información de la que disponemos sin salir de casa. Sin embargo parte del gremio celebró el onomástico festejando el teatro por lo que es y no por lo que debería ser; un bien común.

Por ejemplo, sólo se puede aplaudir que 20 universidades públicas iniciaran los festejos del centenario de Emilio Carballido leyendo el pasado jueves fragmentos de las obras del autor considerado el mejor comediógrafo de la exitosa generación de los años 50. Bravo. Pero que hacen esas casas de estudio para que el teatro sea una disciplina artística que le ofrezca una vida digna a sus egresados que suelen pagarse sus estudios como botargas de farmacia.

Las instituciones púbicas de cultura de diversos estados del país se unieron con algún desplegado y ciertas funciones gratis al festejo pero sería mejor que dejaran de cobrarle renta a los artistas locales por utilizar edificios hechos con fondos públicos precisamente para socializar su trabajo. Son acciones que sólo requieren la voluntad de los responsables por hacer las cosas justas. Ahí están los edificios que no pueden utilizar los actores bailarines músicos y cómicos en general para ensayar y mostrar sus obras porque les cobran rentas escandalosas que solo pueden pagar entes privados. Se entiende que renten los teatros para eventos sociales en aras del presupuesto que no les da el estado para mantenerlos abiertos, pero es injusto que se les cobre por sus espacios naturales a los artistas de ahí que rara vez reciben apoyos para la producción de sus obras y que trabajan en condiciones tan adversas que lo menos que puede hacer el bienestar público es no cobrarles renta por un espacio público. ¡Leñe!

Mucha gente de teatro celebró el día mundial del teatro haciendo teatro pero hubo cómicos que hicieron algo mas, como salir en Xalapa, Puebla, Saltillo, a señalar los equívocos de la autoridad sobre cultura y turismo, en el caso de Veracruz, y a recordarle al gobierno de Saltillo que el Teatro de la Ciudad lleva un largo tiempo cerrado y la que fue una joya de la capital de Coahuila es hoy piedra abandonada al olvido.

Mucho jolgorio en las redes sociales por el día mundial del teatro pero también llamados de atención sobre la autentica situación del teatro institucional y particular, más que independiente. Aunque hay indicios de que las autoridades federales están tomando algunas acciones positivas para las artes escénicas, en Querétaro se denuncia la simulación de la secretaría de cultura para premiar a sus favoritos fingiendo ser imparciales.

Hay tantos pendientes para el teatro en nuestros ranchos que el llamado del autor griego para intentar nuevas formas de buscar una renovada moral política y social solo puede pasar por la democratización de la vida pública en un momento de nuestra historia en el que el poder se muerde la cola para cerrar el ciclo que se inició en 1920 con el triunfo del general Álvaro Obregón sobre Venustiano Carranza. El último caudillo de ese periplo histórico dejó todo el poder en manos de su partido, y digo todo porque falta muy poco para que el poder judicial pase a ser parte del gobierno que ya está cometiendo atrocidades jurídicas como condenar al ex rector de la UNAM Enrique Graue a pagar 15 millones de pesos por haber cumplido con su deber en el caso del plagio de la ministra Yasmin Esquivel. Así las cosas, habrá que releer el opúsculo de Bertold Brecht sobre las formas más efectivas de decir la verdad y no ser enjuiciado por ello.

Inicia el ciclo de música experimental DOPPELGÄNGER: ciclo de conciertos para un solista y su doble.

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Doppelgänger, ciclo de conciertos para un solista y su doble, que se llevará a cabo en las instalaciones del Teatro Lola Cueto (Fransisco Sosa 298, Santa Catarina, Coyoacán), inicia este 27 de marzo con la participación de Natalia Pérez Turner, violonchelo. Sus presentaciones serán de marzo a diciembre de 2025, una vez al mes, en el Teatro Lola Cueto, bajo la curaduría del músico, curador y gestor italiano Marco Albert.

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Doppelgänger (doble caminante, en alemán) es el concepto de la existencia de un doble espiritual u fantasmal de una persona viva, especialmente uno que acecha a su propia contraparte carnal, y es así como se nombrado a este ciclo de conciertos. El concepto de alter egos y espíritus dobles ha aparecido en el folclor, los mitos, los conceptos religiosos y las tradiciones de muchas culturas a lo largo de la historia de la humanidad.

El Teatro Lola Cueto, recibe al músico, curador y gestor italiano Marco Albert quién, en esta ocasión, presenta una propuesta exquisita sobre la conversación, la deconstrucción y la semántica que un músico desarrolla con y a través de su instrumento en el Ciclo Doppelgänger.

«En esto ciclo de conciertos en solo, el concepto de Döppelganger alude al estado de concentración absoluta, casi de trance, al que obliga la performance solitaria basada en la improvisación, en la relación entre el público, el espacio y la relación estrecha entre el artista y su instrumento; que, a veces, permite entrar en contacto con algunos rasgos de la personalidad que a menudo permanecen ocultos, latentes, esperando el momento adecuado. Y juntos constituyen un verdadero alter ego, un doble que emerge sólo cuando uno lo evoca» explica el boletín de prensa.

A lo largo de 10 meses, de marzo a diciembre 2025, el ciclo Doppelgänger presenta 10 conciertos «en solo», para ello se han invitado a 10 artistas, de trayectorias destacadas, que han desarrollado a lo largo de su carrera una relación profunda con su instrumento, con cierto énfasis en las técnicas extendidas que les han permitido ampliar sus posibilidades tímbricas, sonoras y expresivas.

El Ciclo Doppelgänger se presentará el último jueves de cada mes en el Teatro Lola Cueto, en Coyoacán, y convocará cada vez a un artista diferente, con un instrumento diferente, como dicen de las prácticas actuales del arte sonoro en la Ciudad de México, advierte la informaciuón.

Programa:

27.03.2025. Natalia Pérez Turner, violonchelo

24.04.2025. Darío Bernal Villegas, batería

29.05.2025. Eli Piña, saxofón

26.06.2025. Fernando Vigueras, guitarra acústica

31.07.2025. Bárbara Lázara, voz

28.08.2025. Xavier Frausto, trombón

25.09.2025. Maribel Alonso, fagot

30.10.2025. Jacob Wick, trompeta

27.11.2025. Alina Maldonado, violín

18.12.2025. Alex Motta, contrabajo

 

Alberto Castro Leñero inaugura mural en San Idelfonso, lo llama Desplazamiento.

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Alberto Castro Leñero es sin duda uno de nuestros más grandes artistas visuales contemporáneos, pintor y escultor, siempre está experimentando también en la fotografía o el video para añadir nuevos elementos estéticos a su obra.

Este artista mexicano ha trabajado durante los últimos dos años en el mural transportable Desplazamiento, de 3.10 de altura por 10.55 metros de largo, que formará parte de las obras monumentales del Colegio de San Idelfonso luego de su inauguración el próximo sábado 29 de marzo a las 13 horas, en ese recinto localizado en la calle de Justo Sierra 16 en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

El tema general del mural tiene que ver con la migración y mezcla diferentes lenguajes en los que resalta lo figurativo. Después de la muerte del poeta David Huerta (octubre de 2022), amigo entrañable del artista, Alberto Castro Leñero fue invitado a hacer ese mural.

“Comencé a trabajar los bocetos cuándo falleció David, y los dejé un tiempo, luego los fui trabajando poco a poco hasta que me decidí a atacar la pintura en grande con lienzos de más de 3 metros que implicaba un ejercicio físico y una gran concentración.  El tema de la migración fue entrando, y sentí que ese tema estaba relacionado con toda la producción de los grandes muralistas que hay en San Idelfonso y tratan contenidos sociales. Entonces la migración que está tan viva empezó a aparecer en el mural, y al final la referencia a David Huerta es casi imperceptible y ambigua, hay un elemento circular en el mural que podrá representar un gran ojo que ve la escena, y que sería David que observa, es el observador”, explica en entrevista el artista.

Va narrando el resto de la imágenes que aparecen en Desplazamiento: “Está la imagen de la Virgen de Guadalupe, porque sentí que era necesario incluirla como un ícono que tiene que ver con la energía popular, con la energía de la gente que está buscando, era casi natural meter esa imagen que además está en diferentes murales de San Idelfonso, fue como establecer un diálogo”.

“Luego está la gente que forma como una mancha urbana y es como una especie de paisaje, busqué videos y captura de pantallas en internet, imágenes del metro que he tomado, de gente camina en la calle y lleva bolsas, imágenes que representan el esfuerzo de un movimiento y que me parecieron muy fuertes, con esto estructuré los puntos más importantes de la composición. También hay trazos figurativos muy libres que forman otro contingentes de personas que puede ser los que estamos atrás”.

Como artista en constante búsqueda Castro Leñero utilizó una paleta muy colorida “casi choqueante” en la que también están colores suaves, no quiso poner el clásico cielo azul, trabajó primero el fondo y el firmamento es rosa donde y en él aparecen piezas muy contemporáneas como drones que simbolizan la vigilancia. Abajo, en un parte, en la tierra, están elementos dolorosos como las cruces que representan los asesinatos.

“Traté de usar fragmentos de la realidad y mezclarla, para que la gente interprete lo que capta y también se refleje. Trabajé el fondo como manchado, con una pintura muy suelta, muy líquida, lo realicé sobre el piso con grandes brochas, cree una atmósfera que luego  me sirvió para iniciar el dibujo figurativo y todas las formas que tienen presencia el mural”.

La pintura del mural es plana, bidimensional. Pero en medio de la composición tiene un saliente triangular, prisma o doblez. A cada lado está la multitud que camina hacia algún lugar de vida mejor.

Invitado a hacer ese mural tras una propuesta de Déborah Chenillo Alazraki, entonces subdirectora operativa del Colegio de San Ildefonso, y Eduardo Vázquez Coordinador ejecutivo de San Idelfonso, que pensaron en una obra que tuviera cierta relación David Huerta, para mostrase en San Idelfonso junto a los murales de este tremendo recinto en el que están obras de Diego Rivera, Fernando Leal, Jean Charlot, Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Emilio García Cahêro, Carlos Mérida, Xavier Guerrero, Amado de la Cueva y Máximo Pacheco, se le pregunta a Alberto Castro:

—¿El artista debe ser un comprometido político con su realidad?—haciendo referencia a los murales  Rivera, Siqueiros y, decididamente, Orozco.
—El artista está inmerso en una realidad y en ese sentido la capta o la procesa, pero por otra parte no hay un deber de que “deba hacerlo”, porque el artista busca la libertad. Claro que el mundo contemporáneo que vemos ahora pide comprensión, sintonía de las cosas que vivimos, y al artista también lo siente.

Para Alberto Castro “llegar a San Idelfonso con muralista que desde muy jóvenes pintaron y que tenían un manejo tanto de la técnica como del compromiso social, simplemente Orozco que es como el abuelo de todo el muralismo, para mi es muy estimulante y a la vez riesgoso de qué ¿ahora que voy a decir yo?” reflexiona. Su pieza se exhibirá seis meses junto al fresco La ley y la justicia, de José Clemente Orozco. Castro Leñero piensa que el muralismo se dio en una época en la que hubo alguien que tuvo la visión para proyectarlo al futuro, y ahora debe continuarse con el arte contemporáneo y ahora con su mural en San Idelfonso: «Es como una grieta que se abre, una forma de ligar esta gran tradición a mi generación; es parte de nuestra cultura que le da fuerza al país. Continuar eso es algo que se necesita».

Este mural forma parte también del programa de actividades de divulgación entorno a las expresiones actuales del arte contemporáneo nacional e internacional que hace El Colegio de San Ildefonso, y que este año presenta el mural transportable: Desplazamiento del Alberto Castro Leñero.

“El ladrón de perros” se lleva la Biznaga de Oro

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El 28 Festival de Málaga otorgó la Biznaga de Oro a la Mejor película Iberoamericana a “El ladrón de Perros” del director chileno, Vinko Tomicic. La película, una coproducción entre Bolivia, Chile, México, Francia e Italia, llegó tras su desarrollo en la Residencia de la Cinéfondation de Cannes y el programa College Cinema de la Biennale de Venecia.

El productor Álvaro Manzano indicó que la combinación de nacionalidades en la financiación hace posible que en Bolivia se realicen películas, ya que no existen fondos públicos ni hay mecanismos para que el sector privado apoye la producción de cine.

De las siete películas latinoamericanas que participaron en la sección oficial, “El ladrón de perros”, fue la que cautivó al jurado, es una historia protagonizada por Franklin Aro, en el papel de Martín, un joven lustrabotas. En la vida real Aro realizó está actividad laboral en Bolivia. Su experiencia en el cine es nula, sin embargo traslada su experiencia de vida al papel que interpreta.

Sencillo y con gran honestidad, Aro expresó en conferencia de prensa su alegría de estar en el Festival de Málaga, compartió su experiencia de ser lustrabotas y la situación de menosprecio que viven en Bolivia, razón por lo que se ven en la necesidad de usar pasamontañas.

La película narra la historia de Martín, un huérfano que trabaja como lustrabotas y que decide robar el perro de su mejor cliente, un sastre solitario, protagonizado por el actor  Alfredo Castro,  por razones personales.

Destaca la fotografía de Sergio Armstron, que captura las calles de La Paz, junto con la dirección de Tomicic muestra los papeles de soledad y dolor que viven los protagonistas. Una sociedad injusta y cómo los adolescentes tienen que enfrentarse ante la pobreza y la lucha por sobrevivir.

El público por 90 minutos conocerá una historia donde el trabajo sonoro está presente en  cada secuencia. Al respecto en la conferencia de prensa  indicaron que el  objetivo fue “reflejar los ambientes sonoros de La Paz, una ciudad un tanto caótica”; y es, ese propio caos, el que transmite una “belleza propia”. También resaltaba  “el sonido de las protestas y de los petardos”, sonidos que permiten “que se sienta la ciudad”. El lugar pretende ser “un protagonista más que muestra lo que le pasa al personaje por dentro”, aseguró el productor.

Por su parte, el actor de la película Franklin Aro admitió que “jamás pensó quedar protagonista de la película” pero que estaba muy “agradecido” de poder ser parte de este viaje y de contar esta historia. 

Tras su paso por el Festival de Málaga, el filme de Vinko Tomičić Salinas se estrenará en cines el 17 de octubre de 2025.

“El ladrón de perros” seguirá presentándose en diferentes países, llevando la imagen de Bolivia y la situación que viven pobladores y como la sociedad castiga la pobreza. Además de que es una manifestación de la necesidad de encontrar un lugar en la sociedad y principalmente sentirse amado. 

Hasta dónde se puede llegar para encontrar la verdad de la existencia. 

El trabajo de está película fue largo. Así como la relación con el protagonista que ha ido creciendo desde que lo conocieron hasta que se finalizó el rodaje. El mismo ha sido también quien ha dado aspectos especiales a la película como la situaciones que pasaba él en la escuela y cómo transcurre su día.

El director ha resaltado que hay escenas que han sido una realidad, como fue que un día los echaron de un billar porque Franklin iba vestido de limpiabotas.

Sin duda alguna el cine es la posibilidad de llegar a ciudades y realidades que no se imagina uno. Y es un gran acierto del festival de Málaga haber incluido producciones latinoamericanas. Hay realidades que siguen presentes tan dolorosas como la que exhibió el cine mexicano con “Violentas Mariposas”, donde la injusticia y la falta de autoridades que cumplan con su labor hace de la vida de los jóvenes un  suplicio para vivir.

 Fotos: Festival de Málaga