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Sobre 2 ruedas

LA PERFECTA IMPERFECTA.

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Los que asistieron a esa premier en la Cineteca Nacional aún lo recuerdan. Era el jueves 12 de febrero de 1976, y a punto de iniciar la proyección de “El reportero”, la premiada película de Antonioni, irrumpió el novelista afrancesado (recién había desembarcado de París), y dirigiéndose al novelista de Aracataca, en la primera fila de la sala, le soltó un puñetazo al rostro. Gabriel García Márquez, que apenas lo saludaba, rodó al piso y Vargas Llosa se fue sin decir palabra. La “china” María Luisa Mendoza, ahí presente, clamaba: “Traigan un bistec”, para el moretón. Así moría esa fraternidad literaria que algún crítico bautizó como “el boom latinoamericano”, luego que Rodrigo Moya la retratara en su casa al acudir al llamado de Gabo.

Habían sido amigos y cómplices, en las buenas y en las malas, durante los años de zafacoca en Barcelona, París y La Habana donde conversaban con sus pares, Carlos Fuentes, Julio Cortázar, Carlos Barral y José Donoso. La deslumbrante camada se extinguió la semana pasada con el fallecimiento de Mario Vargas Llosa en su casa familiar de Lima.

Contar y recontar la vida. La vida nacional y la vida personal, la tragedia que es Latinoamérica a ratos, la pasión y la desesperanza, la utopía, la entronización del poder, la barbarie que se niega a abandonarnos. Todo ello habita en las novelas de esos monstruos de la narrativa –el Boom– que se fumaron la vida con su obra, como aventureros desaforados.

En México se recordará por siempre la expresión destemplada que hizo Vargas Llosa en el verano de 1990 para describir al régimen del PRI. “La dictadura perfecta no es el comunismo, no es la Unión Soviética, no es Fidel Castro, la dictadura perfecta es el PRI en México”. Sentencia que quedó como de bronce. La dictadura no tan perfecta que había perdurado 70 años (desde 1929, en que Plutarco Elías Calles lo fundara como PNR). Y con cajas destempladas alguien le sugirió que sí, abandonara prontito el país. Y se le quedó el mote. La perfecta dictadura que ni Somoza, ni Perón, ni Trujillo lograron instalar, per se, en sus propios países.

La novelística de Vargas Llosa recoge algunos episodios regionales del caso. Es lo que se narra de modo magistral en La Fiesta del Chivo, La guerra del fin del mundo, Historia de Mayta, Tiempos recios, y de algún modo en La casa verde, Conversación en la catedral, El pez en el agua. En esas novelas Vargas Llosa nos cuenta las ilusiones de redención nacional, el atraso popular, el ejercicio del poder que se arrogan esos tiranuelos ávidos de codicia y venganza, cuyos nombres hacen heder las páginas de la historia continental… Fulgencio Batista, Alfredo Stroenssner, Augusto Pinochet, Jorge Videla, Hugo Chávez, nuestro Victoriano Huerta, “Papá Doc” Duvalier.

Dictadores de pacotilla que sucumbían en la primera asonada pues nunca supieron hacer “institucional” la sucesión del poder, como aquí lo vislumbró el Jefe Máximo, ya lo decíamos, Plutarco Elías Chávez. Sólo que la democracia, cuando se conquista en las calles y en las urnas, se vuelve del todo aburrida y no es candidata a protagonizar un ejercicio narrativo de peso. ¿Alguien se animará a escribir la novela de Dilma Roussef, de Andrés Pastrana, de Enrique Peña? Serían convenientes para la lucha contra el insomnio.

En un arranque de arrogancia, discípulo al fin de Jean-Paul Sartre, Vargas Llosa sintió la necesidad existencial de trascender en el plano político. Como nadie de su generación, se lanzó a la campaña electoral por la presidencia del Perú en 1990, que perdió ante un anónimo candidato de apellido japonés, que terminaría en la cárcel. Rómulo Gallegos, escritor colombiano, sí logró la presidencia de su país (1947-48) hasta que fue derrocado. Lo mismo intentaría nuestro José Vasconcelos en la campaña antirreleccionista de 1929, pero el temerario intelectual político fue derrotado por el incipiente y perfecto régimen.

Mario Vargas Llosa fue igualmente aventurero. En la literatura, combinando los episodios biográficos con la narración histórica, en la vida personal, concertando relaciones sentimentales cada decenio, en la vida intelectual, ciñéndose al liberalismo luego de abandonar las militancias juveniles de corte comunista.

Fue el más importante escritor en lengua española de su generación, y así fue reconocido por los jurados del Premio Nobel y del Príncipe de Asturias. Cumplida su misión, en los últimos años fue conciliándose consigo mismo y su gente. En 2022 publicó en la revista Letras LIbres un cuento denominado “Los aires”, en el que describía el aburrimiento y la extrañeza de un personaje que no se reconoce ya en los ámbitos de antaño… la gente ya no conversa, sino que dialoga con sus telefonitos, y todo ha perdido de interés. Luego anunció que ya no colaboraría con su columna periodística Piedra de toque, y se despidió de sus lectores. Al poco abandonó a Isabel Preysler, con quien había concertado un romance de socialité, y retornó al seno familiar con Patricia, su mujer.

Paseaba por los barrios antiguos de Lima, se reconocía en las avenidas de antaño, conversaba con sus hijos, recibía a viejos amigos en su casa. El héroe estaba fatigado, su existencia había sido del todo imperfecta, pero vital como ninguna. Sí, el mundo le había pertenecido. ¿Qué más?

EN LA FILA DE VARGAS LLOSA.

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Manuel Becerra Acosta cofundador y director del diario unomásuno no aprobaba el liberalismo de Mario Vargas Llosa y sin embargo me encargó entrevistarlo porque en 1985 estaba en México para promover el estreno de su obra de teatro La señorita de Tacna en el Teatro de los Insurgentes con Silvia Pinal y Margarita Galia dirigidas por José Luis Ibáñez. Fue una entrevista formal en el desayunador de un hotel de lujo donde me avasalló el torrente verbal del escritor y no pude poner en cuestión la eficacia dramática de su discurso escénico que me pareció intelectual y aburrido. Tuve que esperar 12 años para conversar con él nuevamente en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, precisamente la de 1997 cuando la FIL cumplía sus primeros 10 años de vida y uno de sus blasones era la presencia del escritor peruano que ya se había convertido en compinche de Raúl Padilla, fundador y presidente de la feria y el cacique cultural más conspicuo del entre siglo mexicano, quien sabía agasajar a sus invitados especiales como es debido.

Ya Luis Enrique Gutierrez Ortiz Monasterio, el singular y difunto dramaturgo tapatío, LEGOM, me había hecho la crónica de las cenas que daba en su casa su tío lejano y exrector de la UAG para darles la bienvenida a los escritores de renombre y su corte de admiradores y lame plumas. Era la oportunidad de cruzar por lo menos pasillo con los pesos pesados del Establishment cultural y en el caso de los periodistas de lanzarles alguna pregunta a bocajarro aunque teníamos advertido que ahí no era el lugar para hacer entrevistas ni siquiera para pactarlas. Para impedirlo estaba la tropa de asistentes del presidente de la Feria formada mayormente por jóvenes y diligentes mujeres. Eran los 90 y era evidente que ahí los hombres mandaban y que las mujeres estaban como posibles trofeos de los famosos. Salvo si eras más famosa que ellos como Ofelia Medina que provocó una expresión callejera que tuvo mucho eco en Guadalajara porque cuando Padilla lució a la Medina en las puertas de la FIL le gritaron: “¡Padilla, podrás con el alcalde, con el gobernador, hasta con el presidente pero esa mujer es mucha pieza para ti!

El caso es que vi al autor de La guerra del fin del mundo en la fiesta de Padilla rodeado permanentemente por un coro de hombres y mujeres embelesados con su presencia y embriagados por sus palabras. Como el futuro Premio Nobel era mi objeto de observación pude ver tres estados de ánimo en las casi cuatro horas que duró su sortilegio. Llegó cansado, somnoliento, como si lo hubieran sacado de la siesta. El primer y segundo guisqui los tomó despacio, respondiendo brevemente alas preguntas de sus corifeos. Al tercer trago se le borró el cansancio de la cara y comenzó a desplegar su dominio de la plática y a mirar con mas detenimiento a las mujeres que lo adulaban. Al final de este periodo de la noche su monologo era brillante y tenía prácticamente a la multitud de invitados pendientes de su elocución, que terminó por el llamado de su vejiga para tirar el líquido que lo había animado. Cuando regresó buena parte de los comensales ya estaban en su propia fiesta y aunque el escritor peruano nacionalizado español siguió siendo el centro del convivio la desinhibición de sus admiradores cambió el trato respetuoso y comedido por el mexicano apapacho de los beodos y el escote mas bajo de las mujeres, por decirle así a la abierta tirada de calzón que la lanzaron algunas de sus admiradoras. El escritor que a los 19 años se había casado con su tía Julia 10 años mayor a la que dejaría por Patricia la sobrina de su tía y por lo tanto su propia prima, entró un momento en el juego pero ya no era el joven escritor de La casa verde sino el maduro literato con 35 años de escribidor y 61 años bajo la piel del cuerpo. Así que luego de una confidencia con Padilla desapareció como por arte de magia bajó una nube de asistentes.

EN LA FILA

No recuerdo su nombre ni su rostro pero aquella encargada de prensa de la FIL era contundente: “Me vale un pito que vengas del Reforma, o tomas la última entrevista de hoy o te quedas sin nota”.

– Pero es la número diez, Vargas Llosa estará hecho polvo.

– Es lo que hay. Ayer te dije en la fiesta que a las 9 de la mañana se daban los turnos y son las 11.

– Es que…

Afortunadamente mi acompañante para grabar la entrevista era una mujer muy bella que esa media mañana iba despampanante y con un vestido negro que distrajo seguidamente al escritor de Pantaleón y las visitadoras, así que me formé en la fila y nos sentamos a esperar el último turno jugando a ver que era más rápida, mi mirada o el abrir y cerrar de sus piernas. Ganó ella y me quedé con la duda de si traía o no ropa interior.

Don Mario se tiraba tres entrevistas seguidas y pedía un descanso de 10 o 15 minutos. Al tercer descanso ya había respondido preguntas por 270 minutos porque se habían pactado un máximo de 30 minutos por medio informativo. Al despedir en la puerta del recinto de la FIL al noveno interlocutor Vargas Llosa lucía visiblemente aburrido y al ver que faltaba un fulano le dijo por lo bajo a la guardiana de la puerta si podía pasar de largo.

– Pero es del Reforma, arguyó la camarada de prensa.

. ¡Ah, exclamó sonoramente el futuro Premio príncipe de Asturias, deme cinco minutos.

LA ENTREVISTA

Entrando le dije al entonces impensable esposo de Isabel Preysler si no prefería que fuéramos a tomar una cerveza para refrescar la boca y la cabeza. Sería lo mejor pero tengo una comida en 30 minutos, respondió, y la bella joven de negro prendió la grabadora. Fue un repaso generoso -duró 45 minutos- sobre temas que aun no eran lugares comunes de su trayectoria intelectual como la influencia que Sartre tuvo en la invención de La ciudad y los perros, su primera novela, y cómo esa admiración entró en crisis cuando Sartre y Camus protagonizaron uno de los pleitos del vecindario intelectual de París más atractivos de la época, al menos para las élites intelectuales de la mitad del siglo XX en Europa. Porque siguiendo uno de los postulados de la filosofía existencialista había que tomar partido, y admirando a Sartre aquel incipiente novelista apostó por el hombre rebelde de Camus.

En otro campo, al revisar el boom de la literatura latinoamericana en Hispanoamérica dijo algo que vale la pena replicar porque es un juicio de valor -literario- sobre Rayuela, de Cortázar, que pocos compartían entonces y ahora:

“Por ejemplo, en un cursillo que di hace unos años incluí el reino de este mundo, de Alejo Carpentier del que tenía un buen recuerdo pero que de ninguna manera consideraba una obra maestra, y lo es. Me ha pasado, en cambio, con Rayuela de Cortázar, que todos consideramos una obra absolutamente revolucionaria, descubrir que hoy en día es mucho menos renovadora desde el punto de vista de la forma, que los cuentos de Cortázar” (1).

Me alegró escuchar de una boca tan autorizada la misma opinión que yo había expuesto para el escándalo de mis amigos y sobre todo de mis amigas enamoradas de la Maga o de Horacio Oliveira, los protagonistas. Esa satisfacción se nubló un poco cuando al final de la entrevista el escritor nativo de Ayacucho comentó que a pesar de las criticas él seguiría escribiendo teatro porque había temas que le pedían a gritos el tratamiento dialógico del arte dramático. Seguramente no recordaba que mi nota sobre La señorita de Tacna 12 años atrás no fue nada favorable, pero igual me di por aludido para sentirme importante.

Más que su giro a la derecha lo que lamento como un lector que halló en sus libros, sobradamente en La guerra del fin del mundo. una revelación ontológica, es que en sus últimos años negó con su conducta todo lo que había escrito y parlado sobre el mal de nuestro tiempo que es la frivolidad que ha convertido a la cultura en un espectáculo, como se titula uno de sus ensayos. De la editorial Alfaguara que publicó varios de sus grandes libros a la revista ¡Hola! hay un salto al abismo que solo se explica por la complejidad del cerebro humano. Para paliar este mal sabor de vida termino con la respuesta que me dio en la FIL a esta pregunta:

– ¿Cómo ha cambiado la literatura de Vargas Llosa?

“¿En qué forma ha cambiado? No lo sé. Pero tiene que haber cambiado porque yo he cambiado. Han pasado muchas experiencias por mí, he conocido mucha gente, he leído muchos libros, he cambiado de manera de opinar y de pensar sobre muchas cosas, todo eso tiene que reflejarse en lo que escribo. Creo que todo escritor por más que se haya renovado, que se haya trasformado a lo largo de su vida siempre continua una cierta búsqueda que tiene que ver con alguna problemática personal que está en el origen de su vocación, pero eso se ve mejor a la distancia, eso lo ven mejor los lectores” (2).

 1Telón de fondo, Colección Periodismo Cultural del CNCA)
2.Ibid

LAS PUERTAS GIRATORIAS

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  • El Instituto Mexicano del Seguro Social, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, lanzan convocatoria para participar en “Escenarios IMSS-CULTURA 2025-2026”, con proyectos de danza y teatro para realizar un circuito de presentaciones en la Red Teatral del IMSS.

Simultáneamente el IMSS, la Secretaría de Cultura Federal y el INBAL lanzaron este fin de semana dos convocatorias que alivianaran el desempleo ente la gente de teatro, aunque de nuevo entrando por esas puertas giratorias en las que son menos los elegidos que quienes siguen dando vueltas para la próxima, pero al menos hay una oportunidad para la producción artística y tanto en Escenarios IMSS-CULTURA 2025 como en ARTES ESCENICAS EN LA ESCUELA, el monto de los apoyos es sustantivo y los propósitos y las reglas de participación explícitas y razonables.

La red nacional de teatros del Seguro Social formó parte de un proyecto de país en el que la seguridad social incluía a la cultura artística como parte de la salud pública. Fue en el sexenio de Adolfo López Mateos, de 1958 a 1964, cuando el Seguro Social que dirigía Benito Coquet levantó en 30 estados del país 38 teatros cubiertos y 33 al aire libre, y 25 de ellos, ubicados en 14 estados, serán los escenarios de esta iniciativa en la que se seleccionarán hasta 100 proyectos de teatro y danza que recibirán 300 mil pesos para dar tres funciones en el teatro donde reside el grupo y tres mas en otra demarcación. Es importante destacar que la convocatoria es para obras de danza y teatro ya estrenadas, es decir que el apoyo ya no es para producir el artefacto escénico sino para darle mejor forma al cuerpo ya construido.

En justicia, la convocatoria del IMSS dividirá sus apoyos entre producciones de danza y teatro para niños y jóvenes y montajes para el público en general, y como su nombre lo indica, la iniciativa del INBAL es para el público en edad escolar, Afortunadamente porque sólo comenzando desde la infancia se puede formar un público que disfrute por sí mismo de la invención artística y encuentre en ella una compensación de la realidad, si se me permite decirlo de esta manera.

La convocatoria IMSS-INBAL está abierta desde el 8 de abril al 30 de mayo y sus bases y propósitos se encuentran en todas las plataformas digitales, de manera que hagamos votos porque esta vez la burocracia y las restricciones sindicales no entorpezcan el rescate de un bien común como fueron pensados los teatros del Seguro Social, y no dificulten la celebración de este circuito de teatro y danza que solo puede hacerle bien a los artistas que muestran su sentido de la vida y al público que recibirá un puñado de visiones del mundo narradas con el cuerpo el movimiento la palabra la música el ingenio, la invención de un tiempo paralelo, en suma.

Artes escénicas en la Escuela dará 250 mil pesos para 60 producciones de teatro y danza ya estrenadas en escuelas o teatros, en dos modalidades, o tu vas a las escuelas o recibes a las escuelas en un recinto teatral. Participan 28 estados y supongo que la Ciudad de México y la convocatoria está abierta del 10 de abril al 2 de junio y las bases también se pueden consultar en las plataformas digitales.

El comentario sería que no hay mejor escuela para los jóvenes comediantes que el teatro escolar en sus dos modalidades, sobresaliendo la habilidad que se debe tener para hacer de un patio o una cancha deportiva un escenario de maravillas. Se aprende a improvisar y a poner en práctica la energía que debe tener el actor para captar la atención de sus espectadores. Y es recomendable entender que la imaginación de las y los niños requiere de una imaginación semejante, esto es, lo suficientemente creativa como para hacer de los brazos alas y de la realidad un cuento intergaláctico con un recurso tan antiguo como el gesto y la palabra.

Entre ambas convocatorias serán 160 producciones de prácticamente todo el país las que tengan la oportunidad de socializar su trabajo, esto es, de darle sentido a tantas horas de ensayo y de suspenso, porque solo la mirada del público me dirá si logré mi cometido. Nada mal considerando que los apoyos a la producción de las artes escénicas fueron muy pocas en el pasado reciente. Esperemos que en la selección de proyectos no ocurra lo que en las cámaras legislativas donde para los cuates todo y para el resto nada. Por lo pronto la convocatoria está abierta para todo el que cumpla con los requisitos que son los apropiados para la tarea y si hay un jurado capaz, imparcial, plural, honesto, saldrán los mas calificados para demostrar que vale la pena apostar por la cultura siempre, pero sobre todo en un momento en que el país está en vilo en varios frentes. Ya sabemos que un poema no evita el hambre de un niño pero sin el poema el hambre persiste y falta ese fulgor de vida que destella incluso en los poemas sobre el hambre y la muerte. Brindemos pues para que tu entres a la puerta giratoria de la fortuna y seas uno de los hallan la salida al premio.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador» dice Ramón Durán ante su exposición “Confluencias y transfiguraciones”

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  • La exposición presenta el trabajo del editor y productor gráfico Ramón Durán Rivas, cuya complicidad por más de 40 años suma a las obras creadas con 34 artistas un resultado de unión y transformación en cada grabado, gráfica y monotipo. El título une la influencia del artista con el grabador, dos conocimientos en el proceso de creación, el resultado es lo veremos en esta muestra.

“Confluencias y transfiguraciones del Taller de Ramón Durán” es una exposición que reúne 65 obras trabajadas por Ramón Durán Rivas con diversos artistas, dando como resultado grabados de complicidad en unión y transformación con la labor de este editor y productor gráfico, que suma una experiencia de más de 40 años.

La muestra, que reunirá 34 artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, bajo la curaduría de Fernando Gálvez de Aguinaga, será inaugurada el sábado 12 de abril a las 13 horas en la Cabaña 1, del Complejo Cultural Los Pinos (Molino del Rey. Bosque de Chapultepec. 1 Sección. Miguel Hidalgo. CDMX), y podrá visitarse hasta el 18 de mayo de 2025.

Las prensas de Ramón Duran son testigos de la creación compartida con creadores como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Arturo Rivera, Flor Minor, Gabriel Macotela, Irma Palacios, Daniel Lezama, Patricia Sánchez Saiffe o Francisco y Alberto Castro Leñero, dejando ver en el resultado que el arte de imprimir es también es el arte de crear.

La exposición es una antología generada en su taller que reúne grabado, gráfica y monotipo de artistas fundamentales y emergentes de las artes visuales del siglo XX y XXI, en la que están obras de Alberto Castro Leñero, Arturo Rivera, Axel Rayón, Celeste Bejarano, César Oropeza, César Villegas, Cristina Estrada, David Crivelli, Daniel Lezama, Dorian Soto, Eduardo Ángeles, Elena Manero, Eric Pérez, Francisco Castro Leñero, Filogonio Naxín, Flor Minor, Gabriel Macotela, Gerardo Rivera Kura, Gustavo Monroy, Héctor de Anda, Iza Mendoza, Irma Palacios, Julián Madero, Marcos Castro, Margarita Chacón, Mr. Alc, Ms. Self Destruct, Olinka Domínguez, Octavio Moctezuma, Paulina Jaimes, Patricia Sánchez Saiffe, René Freire, Santiago Robles y Sergio Sánchez Santamaría.

El título de la muestra Confluencias y transfiguraciones busca unir la influencia del artista con el taller y hacer una transfiguración por medio de los dos conocimientos en el proceso de creación de dos oficios. Ahí está la relación entre artista y el taller: “El artista crea su idea, su poema, manifiesta lo que él quiere decir, y luego se puede olvidar de cuál es el proceso, porque eso lo llevo yo, ahí están las dos influencias y aparece la transfiguración: el resultado es lo que obtenemos. Quien tiene que desarrollar los detalles y técnica es el taller, el resultado es la transfiguración de las dos influencias” apunta Durán.

“La exposición es una selección realizada por el reconocido curador Fernando Gálvez, con la idea de presentar una sección del taller, luego habrá otras propuestas. En estas obras veremos una secuencia entre lo abstracto, lo surrealista o lo figurativo, por supuesto hay piezas que van muy relacionadas, pero con un paso diferente en la manifestación de las técnicas con la finalidad de mostrar los diferentes procesos: punta seca, litografía en piedra, aguafuerte, aguatinta o el azúcar, que es una técnica muy suelta que normalmente la usa Macotela, Francisco Castro Leñero, Irma Palacio, y Flor Minor; en cada obra el desarrollo de la técnica es muy importante” cuenta en entrevista Durán.

“Desarrollar la técnica es la influencia del grabador. En el aguafuerte se barniza la placa, se calienta, se hace duro el barniz, el artista raya y descubre el cobre que es dónde va a atacar el ácido, dependiendo la intensidad del trazo son los efectos o las líneas; pero el artista no tiene que lavar la placa en ácido, solamente se enfoca en hacer el trazo, tallar el metal o la madera, él trae una idea y juntos vamos tomamos la decisión de qué técnica debemos desarrollar. Dependiendo la intensidad, menos tiempo más clara la línea, más tiempo más fuerte; el aguatinta que se maneja con resinas, nos da líneas; la resina llena una partes; la azúcar se descubre y en la placa se mete el ácido que definen las tonalidades. Ahí entra el taller, me encargo de ponerle barniz a la placa, meterla el tiempo justo al ácido, preparar los materiales, las herramientas, lo que se necesite para hacer el progreso de la transfiguración y sacar las impresiones, llevar el proceso y darle seguimiento hasta llegar al punto final”, abunda.

Con su taller independiente Ramón Durán ha logrado una carpeta con más de 60 artistas que han asistido a trabajar con él durante el tiempo necesario para lograr lo que ambos desean hacer.

Esta exposición es solo un fragmento del trabajo que se ha realizado en el taller de Ramón Durán, promete que luego vendrán otras exposiciones para mostrar otra parte de la función su taller donde los artista son libres de plasmar lo que quieren: “Normalmente no hago carpetas temáticas, no les propongo un tema, los invito a trabajar en el taller para hacer lo que ellos quieran”, dice.

La gráfica, para Durán, es un poema o también la manera de manifestarse, de mostrar inquietudes como protestas, cuestiones sociales, inquietudes en las que el artista encuentra la manera de decirlo. Y suscribe lo que decía el argentino Antonio Seguí: “el grabado es una forma de democratizar a la gente”, por medio de la gráfica se puede manifestar cualquier inquietud social y política como lo hemos visto también a través de la historia de la gráfica.

Una de las primeras litografías que realizó Ramón Durán como impresor fue de Francisco Toledo con la pieza llamada “La Cenicienta” que se logró a tres piedras; la segunda fue “La Hoja”, una de las obras más reconocidas de Toledo en la técnica de la gráfica. Fue el maestro impreso Andrew Vlady, a quién Durán le había pedido trabajo, con quién inició este oficio que le fascinó para siempre. Entonces tenía 16 o 17 años y comenzó a imprimir obras con otros maestros como Rufino Tamayo o Francisco Zúñiga.

Ser grabador es el oficio en dónde Durán se siente cómodo, en su trayectoria ha realizado apenas dos o tres piezas personales: “He intentado hacer obra, aprendo de los artistas que vienen al taller, su manera de componer, sus trazos, trato de asimilar y normalmente caigo en el sentido del artistas que está en turno, se me pega querer hacer lo mismo. En cambio me siento seguro cuando estoy imprimiendo, cuando desarrollo una colaboración con un artistas y puedo opinar, sugerir con toda la certeza”.

“Un grabado es la colaboración de dos oficios: la parte técnica de grabar en la placa y lo que realiza el artista con su tema. He adquirido la sensibilidad de poder entender qué es lo que quiere el artista o a dónde quiere ir, hacerle sugerencias. Algo que he desarrollado tanto que muchas veces hacemos monotipos, que es prácticamente es una pintura, el monotipo se trata de manifestar efectos con su debido control, he aprendido a controlarlos fielmente en lo que se realizan en la placa, esto me ha ayudado ha hacer no un monotipo sino serie de monotipos con importantes artistas”, concluye.

LA GRAN DEPRESIÓN II

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Fueron los años de Miguel de la Madrid, de José López Portillo, de Luis Echeverría. Todos ellos heredaron a Carlos Salinas de Gortari una economía que no hallaba salida a la crisis. Entonces surgió la oportunidad en eso que se llamó Tratado de Libre Comercio (TLC) de América del Norte, y con ello se avizoró la salvación de la patria. Los mandatarios de Estados Unidos, Canadá y México lo firmaron en diciembre del 1992. Tratado que un año después se encargaría de opacar el alzamiento del FZLN en las cañadas de Chiapas, y poco después el magnicidio en la barriada de Lomas Taurinas.
Fue lo que vivió esa generación, cuando el PRI arribaba a la senectud; la crisis, la crisis, la crisis que se repetía en todas las sobremesas y reuniones. “¿Para dónde hacerse?”.
         La mía fue un poco la generación del “milagro mexicano”. Los gobiernos de Miguel Alemán, Ruiz Cortines, López Mateos, y un poco Gustavo Díaz Ordaz. Crecimiento económico del 6, del 7 por ciento a ratos, y la clase media reinventándose con el frenesí de Dámaso Pérez Prado, Angélica María, Enrique Guzmán y Cri-cri alegrándonos la vida con la historia del Ratón Vaquero… antes que ganara las elecciones.
         Pero aquello se acabó con el neo-populismo de Echeverría y López Portillo, y el manido “desarrollo estabilizador” pasó a la historia cuando quisimos convertirnos en líderes del Tercer Mundo, de tan triste memoria.
         Ahora una nueva crisis asoma en el horizonte. La anunciada autarquía trumpista, que pretende cerrar de hecho la frontera a las exportaciones de productos y mano de obra mexicana, está empujándonos a la tan temida recesión. No hay dinero, no hay trabajo, no hay crecimiento económico, y que cada quien se rasque con sus propias uñas.
La decisión arancelaria de míster Trump –en lo que toca a Norteamérica– va encaminada a cancelar, en los hechos, el beneficio tripartita que significó el TLC, luego transformado en T-MEC. Resulta un poco el abuelo gruñón, que en su crisis de amargura decreta que ya se cansó de mantener nietos inútiles. Y lo peor de todo, que en su explosiva perturbación se está llevando entre las patas al comercio internacional… con el beneplácito de los líderes de Rusia y China, que aguardan el río revuelto para echar sus redes.
         Los efectos de la crisis económica son múltiples. El principal es la ausencia de dinero circulante, que en cadena ocasiona muchos más… desempleo, quiebras, recorte en los gastos de salud, entretenimiento, educación; con sus consecuentes efectos sociales: desalojos, depresión, mendicidad, y la tentación de incorporarse a las filas del crimen. Algo que esfuma los abrazos y multiplica, lamentablemente, los balazos.
         Las crisis, desafortunadamente, no se remedian con declaraciones y anuncios redentores. Las crisis ocurren cíclicamente, y por fortuna llega el día en que se dan por concluidas. La peor de todas fue la Gran Depresión de los años treinta, que arrasó las economías de las naciones más desarrolladas. Ahora pareciera estarse anunciada un nuevo periodo similar, hasta que sea anunciado un nuevo tratado (New Deal, como el que implementó Franklin D. Roosevelt en 1933 para impulsar un programa reformista) que nos salvaría de la ruina.
En ese sentido, los 18 puntos anunciados en el Plan México (y Plan Nacional de Desarrollo 2025-30) por la presidenta Claudia Sheinbaum, apuntan a resistir mejor los efectos perniciosos que tendrán los nuevos aranceles del gobierno de Donald Trump sobre las exportaciones mexicanas. Todo ello no hace sino corroborar que estamos ante el anuncio de una nueva crisis mundial, que ya podríamos denominar… Gran Depresión II, o Crisis de los Aranceles.
En el mundo globalizado de hoy la autarquía (“autosuficiencia nacional que busca reducir las influencias económicas, políticas y culturales extranjeras”) es impensable. Todas las naciones dependemos unas de otras; vino chileno y zapatos vietnamitas, autos mexicanos y aviones brasileños, relojes japoneses, sardinas españolas, celulares coreanos, películas hollywoodenses. Pero con la anunciada autarquía trumpiana, todo se ralentizará hasta los impensable. Serán tristes años de pobreza generalizada, que ya algún político humanista se encargará de corregir. O la guerra.

MÉXICO CANTA un concurso de composición contra la apología de la violencia y el narco.

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Luego de la imagen que dio la vuelta al mundo en donde un grupo de banda regional hizo una apología del narco al proyectar en el escenario, durante  un concierto, el rostro de de un narcotraficante, el gobierno prende las alertas y se da cuenta de que la cultura es el mejor antídoto contra la violencia, la ignorancia y la ironía en la que vive México en estos días.

Con el concurso México Canta, se buscase fortalecer géneros y variantes tradicionales mexicanas como el mariachi, banda, corrido, duranguense, con temas que ya no sean una alabanza a la violencia contra las mujeres y el narcotráfico. Se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical.

 

Con esa intención es que el gobierno convocó a jóvenes mexicanos y estadounidenses a participar en el concurso binacional de música México canta por la paz y contra las adicciones, que tiene dos objetivos principales: promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología a la violencia o a las drogas; y, como parte del Plan México, traer al país parte de la industria creativa de Estados Unidos.

El concurso está dirigido a jóvenes intérpretes y compositores de entre 18 y 34 años, quienes podrán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo de 2025 a través de la página https://www.mexicocanta.gob.mx/ . La final será el 5 de octubre en el estado de Durango.

La información se dio a conocer el lunes 7 de abril durante la conferencia de prensa que ofrece por la mañana la presidenta Claudia Sheinbaum en dónde dijo que presentar este festival  tiene por objetivos, promover la música mexicana sin contenidos que hagan apología de la violencia o de las drogas. Esto como parte de la «campaña por la paz y contra las adicciones, y además de impulso de la actividad creativa de las y los jóvenes mexicanos de este lado de la frontera, nuestro territorio, y del otro lado, el impulso a la música mexicana en ambos lados de la frontera». El concurso, dijo entra dentro del  Plan México, para traer parte de la industria creativa que hay en los Estados Unidos a nuestro país y promover esta actividad «que a veces parece que es muy pequeña, pero es muy grande, y genera muchísimos empleos en Estados Unidos y queremos que mucho de eso también venga a nuestro país. Es una iniciativa de ambos lados de la frontera con empresarios, empresarias, artistas, muy diversos” explicó.

Con esta iniciativa el gobierno busca confrontar  a la música que habla de drogas, narcotráfico y violencia, un concurso musical para buscar e impulsar nuevos talentos mexicanos que miren al país con los positivo que tiene, con valores y emociones que da el arte y la cultura.

Shembaum precisó que se trata de un proyecto binacional que involucra a diversos representantes de la industria musical. “Entonces es una iniciativa de ambos lados de la frontera, con empresarios, empresarios, artistas muy diversos”, algunos de los participantes que se han sumado a esta iniciativa, entre los que se encuentran artistas, productores, empresarios y representantes de la industria musical, tanto de México como de Estados Unidos.

 

 

Añadió que el concurso binacional México canta por la paz y contra las adicciones se transmitirá por los medios públicos y surgió con la idea de construir una narrativa distinta a la música que hace elogios de la violencia, y con esto buscar generar una identidad vinculada con el arte, la cultura y con el acceso a derechos como la educación y al empleo.

Además, dijo, que se insistirá en que en todas las escuelas públicas de México haya coros para incentivar la música y el canto.

“Estamos cambiando la realidad de los jóvenes dándoles acceso a todos los derechos y  queremos que haya una narrativa distinta. Esta falsa idea de que entrar a un grupo delictivo es una opción de vida; siempre lo he dicho: ‘no es opción de vida, es opción de muerte’”, puntualizó.

Parte de este esfuerzo, también se está conformando el Consejo Mexicano de la Música, precisó la mandataria.

El concurso está abierto a todos los jóvenes de entre 18 a 34 años que quieran participar con canciones de cualquier género desde mariachi, norteño, banda, corrido, tropical, duranguense, campirano, bolero, con fusiones de rap, rock, pop, hip hop, incluidos las de los pueblos originarios. Las inscripciones se harán por medio de la página arriba mencionada; posteriormente se hará una selección municipal y estatal, cuyos seleccionados se van a presentar en vivo en los diferentes estados, y la final será el 5 de octubre.

Por su parte la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, precisó que el concurso México Canta por la paz y contra las adicciones, es una alianza histórica entre el gobierno y la iniciativa privada gracias a que sus contenidos se van a profesionalizar con apoyo del Consejo Mexicano de la Música (CMM). El chiste, dijo, es formar nueva música mexicana inspirada en “valores y emociones ajenas a la apología de la violencia y la denigración de la mujer”.

Explicó que los participantes tienen tres semanas para prepararse ya que deberán inscribirse del 28 de abril al 30 de mayo en la plataforma: https://www.mexicocanta.gob.mx/. Los compositores deberán enviar a la plataforma una canción inédita de una duración de hasta 3 minutos, mientras que los intérpretes podrán concursar con canciones de 3 minutos que no sean de su autoría. Los materiales pueden estar en lenguas originarias, en español y en lo que Curiel de Icaza llamó: espanglish.

Una vez que termine el periodo de inscripciones, a partir del 31 de mayo iniciará la primera fase del concurso, en la que un jurado seleccionará a 10 personas por estado de la República Mexicana y 15 por cada región de Estados Unidos (Oeste: Los Ángeles; Centro: Houston; y Este: Chicago), dando un total de 365 seleccionados quienes pasarán a la fase dos, que se realizará del 5 de julio al 8 de agosto, para seleccionar ocho finalistas por región de México (Norte, Sur y Centro) y ocho por región de Estados Unidos.

La tercera fase será presencial del 17 de agosto al 21 de septiembre, con ocho semifinalistas, cuya participación será transmitida por todos los medios públicos de comunicación y su calificación será 70 por ciento de un jurado de especialistas y 30 por ciento por parte del público.

En esta fase iniciarán las presentaciones en vivo: en Chicago el 17 de agosto; en Houston el 24 y en Los Ángeles el 31 del mismo mes. Mientras que en Tijuana será 7 de septiembre; en la Ciudad de México el 14, y en Oaxaca el 21 de septiembre. En cada uno de los eventos se elegirán 8 semifinalistas, que llegarán a la gran final el 5 de octubre en Durango, donde se elegirá un ganador de cada categoría.

Todas las personas que lleguen a la fase Regional recibirán una mentoría por parte del grupo especializado del Consejo de la Música Mexicana  para su preparación profesional en estudios de grabación para la Final. Sin embargo, solo habrá tres ganadores: 1.Mejor canción: se llevará un contrato con una editora nacional, transnacional o independiente del CMN. 2. Mejor intérprete: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente. Igualmente tendrá la grabación y producción de un LP (12 canciones) y contenidos audiovisuales. 3. Premio del jurado: contrato discográfico con una compañía nacional, transnacional o independiente de la música, perteneciente al CMN. Además, grabación y producción de EP (6 canciones) y contenidos audiovisuales

 

En la conferencia estuvo presente Miguel Ángel Trujillo, miembro de Latin Grammy y director del CMM, quién manifestó su entusiasmo de que por primera vez hay una iniciativa por parte del Gobierno de México para «respaldar acciones que promuevan contenidos con valores y que abren espacios para nuevos talentos sin glorificar el vicio, la violencia o los discursos que normalizan el maltrato hacia cualquier género».

Presente también Guillermo González, director general de la Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas (AMPROFON), recordó que México es un terreno firme para las inversiones dentro de la industria musical y que es una de las mejores apuestas en la industria global.

Algunos de los presentes, compositores e interpretes todos de música popular, expresaron sus esperanzas, como América Sierra, cantante y compositora mexicana del género regional, reiteró que en nuestro país hay mucho talento. El cantautor romántico de banda Horacio Palencia,  expresó su confianza de que esta iniciativa ayude a cambatir las causas que generan la violencia y que afectan a los jóvenes. Jesse Martínez, cantante mexicoestadounidense del Colectivo Legado de Grandeza, dijo que la música mexicana captura el corazón de jóvenes de ambos países que es posible tener éxito sin hablar de violencia.

Estuvieron presentes Martín Urieta compositor y cantante, y actual presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México SACM; la cantante Regina Orozco; Mónica Vélez también compositora; Alfredo Delgadillo CEO y presidente de Universal Music México, Fonovisa US México; Oswaldo Díaz Grimaldo, locutor mexicoamericano; Juan Carlos Hidalgo, CEO de Monitor Latino; Erasmo Hernández, presidente de la Asociación de Empresarios de Entretenimiento en México; Mariana Escamilla vicepresidenta de Promotores Unidos US; Isale Gutiérrez CEO de Music VIP; Javier Ramírez productor musical y fundador del Consejo Mexicano de la Música.

Cabe recordar que después de la presentación que hizo el grupo de banda en un estadio de Jalisco, el Departamento de Estado de Estados Unidos revocó las visas de los miembros del grupo musical mexicano que proyecto las imágenes del rostro de un capo del narcotráfico en la pantalla gigante durante su concierto.

“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe”, el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de X’ocen lleva a escena los últimos días de Felipe Carrillo Puerto.

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El Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, llevará a escena la obra: “Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Delia Rendón Novelo. Las presentaciones de esta pieza, hablada en maya y español, se realizarán en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, en ValladolidYucatán, la entrada es libre. El estreno es el sábado 5 de abril a las 18:30 horas; las siguientes funciones el viernes 25 de abril; y el 17 y 31 de mayo, todas a las 18:30 horas.

La historia  aborda los últimos días en la vida, y el asesinato, del prócer Felipe Carrillo Puerto, quien fue gobernador del estado de Yucatán de 1922 a 1924, y era  considerado un defensor de los mayas frente la despiadada oligarquía yucateca de fines del siglo XIX y principios del XX. Carrillo Puerto es reconocido por sus obras de tipo social y educativas que llevó durante su gobierno revolucionario y el compromiso social que sostuvo por el bienestar de los mayas y su enfrentamiento con los hacendados del estado. La obra es narrada por quien fuera un sindicalista y legislador constituyente yucateco Héctor Victoria Aguilar y contemporáneo del Apóstol de la raza.

Felipe Carrillo Puerto (8 noviembre 1874–3 enero 1924) fue un revolucionario con ideas socialistas, que también ejerció el periodismo. Nació en el pueblo de Motul, fue el segundo hijo de familia mestiza de 14 hijos y clase media, desde pequeño aprendió el maya yucateco, y la relación que tuvo con los indígenas de su estado hizo que se le considerara un aliado, se le creía descendiente de la dinastía Nachi Cocom de Mayapam. Durante su mandato instituyó el tipo de gobierno más moderno, el sistema económico y los métodos educativos más avanzados y laicos que hasta entonces se conocían en México. Organizó y mantuvo la primera clínica de control natal, promulgó leyes que otorgaron a las mujeres mayores de 21 años el derecho al voto, al divorcio, a la propiedad de bienes y a la educación; fundó una universidad en la que prevalecía la filosofía humanista; construyó pueblos con caminos para lograr que los campesinos pudieran trasladar más fácilmente sus productos al mercado.

Casado con Isabel Palma Puerto, con quien tuvo cuatro hijos, en febrero de 1923 conoció a la periodista norteamericana Alma Reed, con quien sostuvo un romance que inspiró la canción “Peregrina”, y con quien pensaba casarse. Ese mismo año apoyó la candidatura presidencial de Plutarco Elías Calles para el periodo 1924-1928; pero entre el 6 y el 7 de diciembre inició la rebelión de Adolfo de la Huerta frente a la supuesta imposición de Calles por Álvaro Obregón. Las tropas huertistas se levantaron en armas y el 12 de diciembre la rebelión llegó a Yucatán.

Carrillo Puerto y sus tropas intentaron combatir a los sublevados, pero se vio obligado a huir ante la superioridad de las fuerzas delahuertistas; se marchó en un barco que naufrago y fue apresado en Holbox, el 21 de diciembre, y llevado a la penitenciaría Juárez de Mérida. Adolfo de la Huerta había enviado un emisario para que se respetara la vida de los prisioneros, pero el coronel rebelde Juan Ricárdez Broca, autonombrado gobernador de Yucatán, ordenó que el 3 de enero de 1924, fuera fusilado junto con tres de sus hermanos y nueve de sus colaboradores. Cuentan que sus últimas palabras fueron: “¡No abandonen a mis indios!”.

El personaje que narrará esta obra será Héctor Victoria Aguilar, fue un político que destacó por su aportaciones a la Constitución de 1917, muy en especial en el artículo 123 para tratar los derechos de los trabajadores. En 1916 fue de los fundadores, junto con Felipe Carrillo Puerto, del Partido Socialista Obrero, y durante el gobierno de Carrillo Puerto, fungió como consejero de los Ferrocarriles Unidos de Yucatán.

Cabe resaltar la importancia de esta compañía de teatro que en abril de 2021 el Congreso del Estado declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán, de allí la importancia fundamental del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de la región de X’ocen, que tras haberse iniciado este proyecto en el país hace 36 años, fundado a iniciativa María Alicia Martínez Medrano, dramaturga, directora de teatro y funcionaria pública, ha logrado el desarrollo del teatro en comunidades indígena sobre todo de Tabasco, Yucatán, Sinaloa y la Ciudad de México. Se trata de compañía con una trayectoria y experiencias teatro comunitario, masivo, indígena y campesino que ha proporcionado a numerosas comunidades marginadas, los instrumentos para desarrollar, valorar y disfrutar su propio lenguaje artístico, sus tradiciones, su teatralidad y la integración de sus rituales, con un profundo sentido de dignidad.

Una logro nuevamente de la cultura que parece que ahora contará con el reconocimiento y el apoyo gubernamental como deja ver la visita que la presidenta Claudia Sheinbaum Pardo hiciera el viernes 13 de diciembre de 2024 a esa comunidad para presenciar la puesta en escena de la obra  “La Conjura”, también autoría de Delia Rendón.

“Ya’ax ich, ik suku’un Felipe” (El de ojos verdes, nuestro hermano Felipe), bajo la dramaturgia y dirección de Rendón Novelo, se lleva a escena con el apoyo de la Sede Valladolid de las Universidades para el Bienestar Benito Juárez García, esto en el marco del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura. La obra estará hablada en maya y español, y se presentará en el espacio escénico natural al aire libre de X’ocen, Valladolid, Yucatán. El estreno será el sábado 5 de abril a las 18:30 horas. Y el resto de las funciones son el viernes 25 de abril, y el 17 y 30 de mayo, todas a las 18:30 horas. La dirección es Calle 6 por 13 sin número, X’ocen, Valladolid, Yucatán. La entrada es libre y para todo público.

Historia del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena en la Comunidad de X’ocen

En 1989 la maestra María Alicia Martínez Medrano propuso al Instituto Nacional Indigenista un Programa de Teatro para la zona Maya de Yucatán y Tabasco. La Comunidad de X’ocen, su importancia como Centro Ceremonial Maya, sus orígenes prehispánicos, la riqueza y preservación de sus costumbres y tradiciones mayas, su organización comunitaria y la memoria histórica fueron determinantes para que en septiembre de ese año  se estableciera la sede del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena.

La comunidad entregó en comodato el terreno para la construcción del espacio en el que hasta hoy se realizan actividades de educación y producción teatral y presentaciones al público. Un espacio escénico natural, al aire libre, en el que las paredes son de árboles, follaje, arbustos y flores, con graderío de piedra para el público. Cuenta con bodegas, cabina de control de sonido e iluminación y las partes de un teatro convencional: escenario, desembarcos, ciclorama, piernas, etc., todo construido con materiales naturales de la región.En marzo de 1990 la obra X’ocen (Tómame en cuenta, soy alguien, no me olvides) fue su primera producción. En octubre del mismo año produjo Romeo y Julieta de William Shakespeare en versión indígena; esta obra se presentó en el Festival Shakespeare de Nueva York en el Central Park, y en el Festival Cultural Sinaloa en la ciudad de Culiacán.

En los 31 años de trabajo el LTCI de X’ocen ha producido una gran cantidad de funciones de teatro presentadas en más de 100 comunidades de Yucatán y Quintana Roo; cientos de niños y jóvenes mayas se han formado como actores, han viajado llevando teatro a comunidades del Sureste de México, a la Ciudad de México y Estados Unidos. En el 2020, antes de la pandemia este Laboratorio contaba con 468 alumnos de las comunidades de Nohzuytún, Tikuch, Dzitnup, Chichimilá, Xuilub, Tixcacalcupul, Valladolid, San Silverio, Yalchén, Chan Chen I, Yaxché. Actualmente participan 287 niños y jóvenes de 5 de las comunidades mencionadas.

Esta escuela de educación teatral ha sobrevivido con apoyos, becas, aportaciones, donaciones, pagos por proyectos realizados para instituciones públicas y privadas, dependencias del gobierno federal, estatal, municipal, organismos nacionales e internacionales. Pero sobre todo con la solidaridad de muchos; la confianza y apoyo de todas las comunidades mayas en las que el LTCI ha desarrollado su trabajo son el resultado de 31 años de existencia. En abril de 2021 el Congreso del Estado lo declaró Patrimonio Cultural Intangible de Yucatán.

Actualmente el LTCI de X’ocen trabaja con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Programa Cultura Comunitaria de la Dirección General de Vinculación Cultural y con el apoyo de las Universidades del Bienestar Benito Juárez García, Sede Valladolid.

Αυτοψια: ver por una misma, una exposición de Gabriela Murray en la que mostrará sus grabados por primera vez.

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La actriz Gabriela Murray dedicada también de modo análogo al arte de la cerámica y el grabado, presenta su primera exposición individual: Aυτοψια Ver por una misma, comprende una serie de grabados que son una invitación a poder ver el tejido interno como un reflejo de los que somos: venas, ríos que se bifurcan, conexiones, ramificaciones, fractalidades, pensamientos repetitivos, obras que son para ella una invitación a mirarnos adentro.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril a las 13 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX) de Gandhi; y la acompañarán el artista visual, docente e investigador en artes plásticas Arturo Rodríguez Döring y Francisco Paz, pintor con amplia experiencia en el grabado, ambos maestros de Gabriela Murray.

Aυτοψια es una palabra que proviene del griego, se compone de los vocablos autós (αὐτός) que significa «uno mismo» y opsis (ὄψις) que significa «observar», que para Murray encuentra su significado en lo que implica ser mujer y ver por una misma. “Las obras que veremos son de alguna manera ramificaciones del interior y son también patrones que se replican, como una fractalidad que se reproduce y queda grabada dentro de mi como quedan estos grabados”, dice en entrevista.

“La ramificación de árbol es una similitud de nuestra estructura pulmonar; los ríos que se bifurcan parecen unas venas; nuestros pensamiento que siguen patrones repetitivos, ¿Acaso las galaxias del universo no giran en espirales también? Es decir esta repetición casi matemática es lo que me interesa, por eso creo que el tejido que imprimo en esos grabados se vuelve a grabar en mi, y así sucesivamente, porque lo que yo miro afuera, lo tengo adentro, y en la medida en que lo puedo replicar, puedo mirarme”, precisa.

Actriz de profesión, pasión y legado. Hija del actor Guillermo Murray y hermana Rodrigo; para Gabriela el arte satisface también su necesidad de palabra que no se ha limitado solo a los escenarios. Casi paralelamente a estudiar Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, se adentra también en el mundo de la cerámica, estuvo en la escuela La Esmeralda del INBA, realizando estructuras con las manos, modelando el barro, esa relación sensual le hizo realizar piezas diminutas como una obsesión por los pequeños muros interiores que habitan en cada objeto, persona, universo, y cuyo límite llega a nuestra piel.

Los tiempos de espera en la actuación, le hicieron comenzar a realizar una serie de dibujos automáticos, casi involuntarios donde la línea iba  sola; dibujos que iba repitiendo una y otra vez en cualquier superficie que se lo permitía. Y tras una visita al Museo de La Estampa, se preguntó ¿Y qué es hacer un grabado? Y el tema se convirtió en su siguiente pasión y comenzó a aprender con diversos maestros e impresores, desde marcar la placa de metal hasta la pulsión de entintar.

Algunos de esos dibujos que se volvieron sorprendentes en el grabado son los que veremos en su exposición Aυτοψια Ver por una misma, que inaugurará el 6 abril, compuesta por 12 placas.

En el texto de sala Arturo Rodríguez Döring escribe: “Escribir acerca de la obra gráfica de Gabriela Murray es hablar de un acto de amor; de una artista que imprime toda su energía positiva en la práctica de la creación (…) esta sensible creadora ha incursionado desde hace muchos años en el ámbito de la cerámica, donde con infinita paciencia y destreza manual modela delicadas formas orgánicas que nos remiten al mundo vegetal en su aspecto más sensual: las formaciones florales, y que alude de manera inevitable a uno de sus distintivos más característicos, que es el color; también preponderante en muchos de sus grabados”.

Lo que miraremos en estos grabados, advierte Murray, es una visión cerrada, como la que se mira al bucear, solo un pedazo del espectro como una representación muy clara de que solo existe lo que miramos. “En los grabados me meto igual que en el teatro en la representación, es volver todo presente. En estas obras creo que lo que se verá, es como si alguien abriera mi piel, vería esas líneas que están en el grabado”.

Para Gabriela Murray exponer por primera vez significa liberar, pues para ella la cerámica y el grabado habían sido un trabajo muy personal, un refugio de la vorágine que tiene que ver con el afuera. “Pero nunca un hobby, es algo muy serio, es reinventarme. Y con ello me demuestra que la vida se ramifica y podemos tener varias  profesiones de manera muy seria y cambiante”.

La muestra se inaugura el domingo 6 de abril 13:00 horas en la librería Mauricio Achar. (Av. Miguel Ángel de Quevedo 121, Chimalistac, Coyoacán, 01050 Ciudad de México, CDMX), la entrada es libre y estará hasta 8 de junio de 2025.

Gabriela Murray es una actriz mexicana egresada de la licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Ha tomado diversos cursos y talleres con los afamados profesores Hugo Argüelles, Luis de Tavira, José Luis Ibáñez, Mario Lage, Sergio Jiménez, René Pereyra, Pilar Medina y Elsa Cross en instituciones dedicadas a la formación actoral en México, además del acreditado Centro Andaluz de Teatro en Sevilla, España. Desde muy joven ha trabajado tanto en radio como en televisión, teatro y cine. En televisión es recordada por las novelas Alondra, Gente bien, Ramona, Agua y aceite. En cine Profundo carmesí de Arturo Ripstein, Un embrujo, de Carlos Carrera, Todo el poder de Fernando Sariñana, Frida, producida por Salma Hayek y Ella es Ramona de Hugo Rodríguez. Como actriz de teatro ha trabajado en múltiples obras desde 1991 con giras por ciudades de la república e internacional, como con Los hijos de Kennedy, Pedro Páramo, Nortes de providencia Nortes de providencia y Las chicas del 3.5 floppies por la que fue nominada como mejor actriz en el Edinburgh FestivaL Fringe.

SI HAY LUZ HAY SOMBRA

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Este año el mensaje por el día mundial del teatro vino de Grecia para preguntar si ese artificio artístico está preparado para responder a las tragedias de nuestro tiempo que han puesto en crisis el sentido humano de la vida personal y colectiva. Theodoros Terzopoulos termina su llamado diciendo que requerimos de nuevas formas narrativas cuyo objetivo sea cultivar la memoria y darle forma a una nueva responsabilidad moral y política que emerja de la actual dictadura multiforme de esta nueva edad media que vivimos en nuestros días.

Todo el mensaje del escritor griego es un llamado para que la ficción dramática y escénica responda de otro modo a la crisis global que pese a todos los adelantos tecnológicos nos tiene en el portal de un nuevo tiempo infame en el que paradójicamente el oscurantismo está en el excesos de información de la que disponemos sin salir de casa. Sin embargo parte del gremio celebró el onomástico festejando el teatro por lo que es y no por lo que debería ser; un bien común.

Por ejemplo, sólo se puede aplaudir que 20 universidades públicas iniciaran los festejos del centenario de Emilio Carballido leyendo el pasado jueves fragmentos de las obras del autor considerado el mejor comediógrafo de la exitosa generación de los años 50. Bravo. Pero que hacen esas casas de estudio para que el teatro sea una disciplina artística que le ofrezca una vida digna a sus egresados que suelen pagarse sus estudios como botargas de farmacia.

Las instituciones púbicas de cultura de diversos estados del país se unieron con algún desplegado y ciertas funciones gratis al festejo pero sería mejor que dejaran de cobrarle renta a los artistas locales por utilizar edificios hechos con fondos públicos precisamente para socializar su trabajo. Son acciones que sólo requieren la voluntad de los responsables por hacer las cosas justas. Ahí están los edificios que no pueden utilizar los actores bailarines músicos y cómicos en general para ensayar y mostrar sus obras porque les cobran rentas escandalosas que solo pueden pagar entes privados. Se entiende que renten los teatros para eventos sociales en aras del presupuesto que no les da el estado para mantenerlos abiertos, pero es injusto que se les cobre por sus espacios naturales a los artistas de ahí que rara vez reciben apoyos para la producción de sus obras y que trabajan en condiciones tan adversas que lo menos que puede hacer el bienestar público es no cobrarles renta por un espacio público. ¡Leñe!

Mucha gente de teatro celebró el día mundial del teatro haciendo teatro pero hubo cómicos que hicieron algo mas, como salir en Xalapa, Puebla, Saltillo, a señalar los equívocos de la autoridad sobre cultura y turismo, en el caso de Veracruz, y a recordarle al gobierno de Saltillo que el Teatro de la Ciudad lleva un largo tiempo cerrado y la que fue una joya de la capital de Coahuila es hoy piedra abandonada al olvido.

Mucho jolgorio en las redes sociales por el día mundial del teatro pero también llamados de atención sobre la autentica situación del teatro institucional y particular, más que independiente. Aunque hay indicios de que las autoridades federales están tomando algunas acciones positivas para las artes escénicas, en Querétaro se denuncia la simulación de la secretaría de cultura para premiar a sus favoritos fingiendo ser imparciales.

Hay tantos pendientes para el teatro en nuestros ranchos que el llamado del autor griego para intentar nuevas formas de buscar una renovada moral política y social solo puede pasar por la democratización de la vida pública en un momento de nuestra historia en el que el poder se muerde la cola para cerrar el ciclo que se inició en 1920 con el triunfo del general Álvaro Obregón sobre Venustiano Carranza. El último caudillo de ese periplo histórico dejó todo el poder en manos de su partido, y digo todo porque falta muy poco para que el poder judicial pase a ser parte del gobierno que ya está cometiendo atrocidades jurídicas como condenar al ex rector de la UNAM Enrique Graue a pagar 15 millones de pesos por haber cumplido con su deber en el caso del plagio de la ministra Yasmin Esquivel. Así las cosas, habrá que releer el opúsculo de Bertold Brecht sobre las formas más efectivas de decir la verdad y no ser enjuiciado por ello.

Inicia el ciclo de música experimental DOPPELGÄNGER: ciclo de conciertos para un solista y su doble.

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Doppelgänger, ciclo de conciertos para un solista y su doble, que se llevará a cabo en las instalaciones del Teatro Lola Cueto (Fransisco Sosa 298, Santa Catarina, Coyoacán), inicia este 27 de marzo con la participación de Natalia Pérez Turner, violonchelo. Sus presentaciones serán de marzo a diciembre de 2025, una vez al mes, en el Teatro Lola Cueto, bajo la curaduría del músico, curador y gestor italiano Marco Albert.

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Doppelgänger (doble caminante, en alemán) es el concepto de la existencia de un doble espiritual u fantasmal de una persona viva, especialmente uno que acecha a su propia contraparte carnal, y es así como se nombrado a este ciclo de conciertos. El concepto de alter egos y espíritus dobles ha aparecido en el folclor, los mitos, los conceptos religiosos y las tradiciones de muchas culturas a lo largo de la historia de la humanidad.

El Teatro Lola Cueto, recibe al músico, curador y gestor italiano Marco Albert quién, en esta ocasión, presenta una propuesta exquisita sobre la conversación, la deconstrucción y la semántica que un músico desarrolla con y a través de su instrumento en el Ciclo Doppelgänger.

«En esto ciclo de conciertos en solo, el concepto de Döppelganger alude al estado de concentración absoluta, casi de trance, al que obliga la performance solitaria basada en la improvisación, en la relación entre el público, el espacio y la relación estrecha entre el artista y su instrumento; que, a veces, permite entrar en contacto con algunos rasgos de la personalidad que a menudo permanecen ocultos, latentes, esperando el momento adecuado. Y juntos constituyen un verdadero alter ego, un doble que emerge sólo cuando uno lo evoca» explica el boletín de prensa.

A lo largo de 10 meses, de marzo a diciembre 2025, el ciclo Doppelgänger presenta 10 conciertos «en solo», para ello se han invitado a 10 artistas, de trayectorias destacadas, que han desarrollado a lo largo de su carrera una relación profunda con su instrumento, con cierto énfasis en las técnicas extendidas que les han permitido ampliar sus posibilidades tímbricas, sonoras y expresivas.

El Ciclo Doppelgänger se presentará el último jueves de cada mes en el Teatro Lola Cueto, en Coyoacán, y convocará cada vez a un artista diferente, con un instrumento diferente, como dicen de las prácticas actuales del arte sonoro en la Ciudad de México, advierte la informaciuón.

Programa:

27.03.2025. Natalia Pérez Turner, violonchelo

24.04.2025. Darío Bernal Villegas, batería

29.05.2025. Eli Piña, saxofón

26.06.2025. Fernando Vigueras, guitarra acústica

31.07.2025. Bárbara Lázara, voz

28.08.2025. Xavier Frausto, trombón

25.09.2025. Maribel Alonso, fagot

30.10.2025. Jacob Wick, trompeta

27.11.2025. Alina Maldonado, violín

18.12.2025. Alex Motta, contrabajo