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Sobre 2 ruedas

EL CÓDICE

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Sólo un intenso deseo de trascender la vida te puede llevar en busca de una manera de hacerlo. Los santos del medioevo europeo anhelaban con tanto ardor alcanzar la gracia divina que morían consumidos por su anhelo. El esoterismo de todos los tiempos se basa en aquello que puede darnos las llaves del porvenir, pero se encuentra oculto en el Misterio. Hallar la entrada a ese laberinto fue la meta de la cofradía de Elvira a partir de 1997, una fecha propicia para entrar al interior de la Pirámide de Cholula, de acuerdo con un códice del período tolteca chichimeca que se halló en la casa de los abuelos de Elvira cuando hicieron el pozo nuevo. Hasta fechas muy recientes en San Andrés Cholula no había sistema de agua corriente porque cada casa tenía su pozo. Sobre todo, en la zona aledaña a la gran pirámide se desenterraron huesos, ofrendas, ollas y figuras de barro, puntas de flecha, puñales de pedernal, y el códice de Elvira, como lo llamaré en adelante.

Elvira se graduó como antropóloga en la Escuela Nacional de Antropología e Historia en 1990, pero en lugar de politizarse como buena parte de sus compañeros, se metió de lleno al estudio de los diversos periodos del milenario asentamiento Choluteca. Yo caí rendido a sus pies la primera vez que la vi exponer la historia de Cholula en un coloquio de historiadores efectuado en la Casa de la Cultura de la ciudad de Puebla, que, por la recta, quedaba entonces a 15 minutos de San Andrés. Cuando me dio la invitación en el circuito de caminantes de la pirámide, me gustó que no dijese una palabra al respecto, me dio el folleto, me sonrió con los ojos y me dio la espalda, esta vez ya con el pantalón ajustado.

Llegué al coloquio justo cuando le estaban cediendo la palabra, y en los 45 minutos que le dieron para desarrollar su tema me sumergí sin ningún esfuerzo en el nacimiento, el esplendor, la decadencia y el resurgimiento de una ciudad fantástica que era el mayor centro religioso del actual valle Puebla-Tlaxcala, y en la evolución de una cultura de raíz olmeca Xicalancas que decayó cuando sus aliados teotihuacanos abandonaron la ciudad de los dioses en el siglo VII. Los toltecas dominaron la zona al final del primer milenio de la era cristiana e hicieron del templo de su dios, Quetzalcóatl, el nuevo centro ceremonial del valle, justo a los pies del coloso que algún día cubrirá de fuego la vanidad humana; el volcán Popocatépetl, el mismo que vi la tarde con la que comenzó esta inusual crónica sobre el pensamiento mágico.

En la vida diaria Elvira era una mujer a la defensiva. No le faltaban razones. Fue una batalla convencer al padre que irse a estudiar antropología a la ciudad de México no la hacía potencialmente una mujer pública. En los 80 ya habían estudiado en la ENAH algunos indígenas de diversas etnias, y el tupido personal de izquierda que había entre los maestros, el estudiantado y los trabajadores de la Escuela, los favorecía con su paternalismo; pero ser morena, poblana y nalgona es otra cosa, que rima con el acoso de diversos tipos que sufrían las alumnas en general y las alumnas provincianas en particular. Ninguno de esos burlones sospechó nunca que Elvira estaba ahí por una misión que le fue encomendada el día que descubrieron el Códice Elvira en casa de sus abuelos.

Ella tendría 17 o 18 años y pasaba por el trance de decidir qué carrera estudiaría en la BUAP, y en ese momento estaba en blanco al respecto. Ese día se acercó al pozo para llevarle un agua de chía con limón a su abuelo, que estaba ahí, de guardia, desde que sus excavadores descubrieron una ollita de barro que se salvó del pico y la pala. El viejo era un devoto de los usos y costumbres de sus ancestros y sentía orgullo de ser Choluteca. Por lo tanto, ordenó a sus albañiles que cavaran con cuidado para ver si había más reliquias, provocando que la terminación del pozo se prolongara tres días más, para contento de los dos excavadores que ya estaban enamorados de la espalda baja de la jovencita que iba dos o tres veces al día a llevarle algo a su abuelo. Elvira me contó este episodio con rubor porque sucedió que ella traía faldita de colegiala y se ponía precisamente al borde del pozo para charlar con su abuelo. Se ruborizó porque también recordó que cuando se topaba en la calle con los dos jovencitos que le vieron las nalgas desde la estimulante perspectiva del Shot up del pozo, la miraban con veneración. No se traslucía en su mirada ninguna lascivia sino una reverencia sin límites.

El caso es que luego de la ollita de barro sólo encontraron los despojos de otros utensilios de cocina, más el último día de la instalación, cuando ya estaban cavando de nuevo a pico limpio, la pala topó con un envoltorio vegetal que al ser lavado y puesto a secar perdió su primera capa por el efecto del aire. El segundo embalaje cedió fácilmente a las manos del abuelo, como esas cebollas que se despellejan de inmediato. La tercera cubierta era más resistente pero la ansiedad del señor de la casa pudo con ella rápidamente gracias la navaja suiza, Victorinox, que siempre traía consigo. Todos estaban expectantes, pero cuenta Elvira que lo impresionante fue que de pronto su abuelo le dio la navaja a su nieta y le dijo, de una forma definitiva, contundente:

-Tú debes abrir este regalo.

Elvira quitó la última protección vegetal para descubrir un rollo de papel Amat envuelto en la fina piel que se desprende de las pencas del maguey, que, a la manera del papel adherente de la actualidad, protegió el códice que era perfectamente legible para alguien como Yuri Knórosov –el soldado ucraniano que descifró el código fonético de los mayas-, más no para una chamaca que no tenía idea de lo que deseaba estudiar en su vida. Lo asombroso, confiesa Elvira, es que en cuanto abrió aquel mensaje de los Tlacuilos toltecas (Tlacuilos: los que escriben pintando), dijo en voz alta:

-Yo quiero estudiar antropología.

El abuelo se extasió un momento con aquella corteza de árbol en la que sus antepasados dejaban testimonio de su paso por Cholula y le regresó el Códice a su nieta.

-Te dije que era un regalo para ti.

Cuando Elvira tuvo la preparación necesaria para leer al menos parte del mensaje, siguió guardando el secreto de su existencia porque lo primero que descifró fue que era un mensaje para ella, dibujado 700 años antes de su nacimiento.

Así comenzó el Misterio de la Pirámide.

EROS

 Al tiempo en que Elvira recibía el mensaje de sus ancestros, a finales de los 80, mi personaje estaba por encontrar otra vereda hacia lo desconocido: el erotismo. Fue el momento en el que mi profesión me permitió acceder a lugares muy privados donde la libertad sexual tenía tintes culturales, porque como preámbulo de la orgía se ofrecían cuadros artísticos muy locos. Era un secreto a voces que los montaba el ex niño malo del teatro mexicano, Juan José Gurrola, famoso por su exploración sexual en los escenarios de la capital, tanto en las obras en sí como en el cuerpo de las actrices. En los viejos y buenos burdeles capitalinos había un ambiente muy cachondo, según los testimonios directos de varios de sus participantes; el cine mexicano mostró la vulgaridad de los bajos fondos del placer, pero la censura le prohibía mostrar el franco desenfreno de los clientes y las putas en esos lupanares de lujo.

La diferencia entre aquellas mancebías en las que los señores iban a engañar a sus señoras era que, en la casa de Lomas de Chapultepec, iban con sus esposas. Bastaron 30 años para que las señoras de su casa se dieran cuenta que siendo putas en la cama dejarían de ser cornudas, porque entiendo que el intercambio de parejas no se considera una infidelidad puestos que ambos conyugues están de acuerdo en revolcarse con ajenos. La entrada era con pareja y solo se admitían a los tres jóvenes más buenos de la lista para suplir a los maridos que ya no podían fornicar a diestra y siniestra. Yo no era feo, pero nada que ver con los machos álficos que eran seleccionados por su físico. Entré porque vivía mis 15 minutos de fama como critico de teatro y dos señoras con influencias, que me leían en el unomásuno, me querían garlopear (Garlopa, instrumento que sirve para raspar la madera).

La cantina de la casa era excepcional, pero no había charolas con coca como en las películas gringas. La gente esnifaba en los baños porque la mayoría era alcohólica y la medida de su atrevimiento con las drogas era los Popper, esas cápsulas de nitrito de alquilo y nitrito de amilo que se tronaba en la nariz en el momento del orgasmo para sentir, no que te venías sino te ibas al hoyo negro del placer, del que salías disparado para salvar la vida. Un segundo más y ahí te quedas. Lo realmente notable de esa casa fue, al menos para mí, el amplio y cómodo baño de vapor instalado en el sótano, porque sudar la noche siempre ayuda al cuerpo a restablecer sus energías. Como igual había servicio de masajes, bebidas y caldo de camarón, tenías la oportunidad de purificarte para regresar a tu casa, o de seguir pecando suave, lentamente, aprovechando el sudor de los cuerpos y la hospitalidad de las hendiduras femeninas, aun inflamadas por la orgía, aunque justo esa inflamación, protegida por la humedad de ambos miembros era lo que provocaba el deleite de la cruda, el único momento en el que el exceso de alcohol es un estremecimiento divino.

En la casa de Las Lomas encontré el vínculo que me llevó a la casa de la vieja carretera a Cuernavaca en la que, protegida por el bosque, estaba el Ashram de Carlo Ursini, un italiano radicado en México que creía religiosamente que la iluminación se alcanzaba en el orgasmo, pero sin Popper. A puro pulmón esotérico. No es broma. Ursini creía firmemente que el orgasmo era una reproducción minimalista del big bang que dio origen al Universo, y por los gritos y las contorciones que lograban sus discípulos no había duda de que el principio de esa teoría era correcto.

Fue la única vez en la vida que me entregué al sexo en mis cinco sentidos, comiendo verduras y meditando tres o cuatro veces al día, porque la conexión amorosa la hallaban los cofrades de aquella congregación en ese estado mental en el que tienes la mente en blanco y de pronto aparecen los pechos de Devora, por decir un nombre, o la redonda y carnosa boquita de Yanira, la libanesa, o el rabo de Carlo, que sin ser el más notable del repertorio era el más solicitado. Esto me llevó a pensar que el dominador de un grupo siempre lleva las de ganar porque el poder, por miserable que sea, es un motivo de lujuria. Cuando en lugar de las mujeres del Ashram apareció el rabo de Carlo en mis meditaciones, el de la voz dejó el Ashram.

Hay ritos sexuales desde el remoto pasado en el que una mujer y un hombre se acoplaron sexualmente (me disculpo si ya en la prehistoria había la diversidad sexual del 2022, y yo lo ignoro). Eran ritos salvajes (las erinias griegas), agrícolas, ceremoniales, propiciatorios para la fecundidad de la tierra que les daba de comer. La promiscuidad de los pueblos antiguos, más que un desafío a la moral dominante era la consecuencia de la poligamia de sus dioses que ejercían la libertad sexual como un privilegio divino. El desenfreno del Olimpo griego influyó, sin duda, en la facilidad con la que los varones cambiaban de sujeto amoroso, de modo que en una misma mañana podrían poseer a su esposa y a al mancebo que limpiaba los establos. Las religiones monoteístas impusieron la moral de un solo Dios, y la católica, la de una sola pareja de por vida. En consecuencia, privilegiaron el arrepentimiento como la forma de expiar los pecados de la carne que seguían cometiéndose en todos los pueblos y todos los estratos sociales. No es arriesgado decir que Moisés puso entre sus diez mandamientos no desear a la mujer ajena porque era algo que ocurría con harta frecuencia.

La teoría del big bang de Ursini me permitió recordar que de adolescente escuchó al tío Juan, hermano de su madre, platicar a la hora del café y los coñacs su fábula de la reencarnación orgásmica. Debo añadir que el hermano mayor de su progenitora se distinguía por su incontrolable lascivia, pues incluso cuando saludaba a sus sobrinas en edad de merecer buscaba siempre la comisura de sus labios. Cuando una señora llegaba a la reunión de fin de semana de la familia con un escote prolongado, o un vestido arriba de la rodilla, bastaba la mirada del tío Juan para que buscara un tapado. Como aquella conducta no era explícita sino cubierta de cortesía, sus hermanos se hacían de la vista gorda y las muchachas desaparecían de su vista en cuanto se dirigía a saludarlas. En contraste, era un ingeniero muy capaz, precursor de la fibra de vidrio con la que construía chasis de automóviles y de lanchas que causaban admiración en los años 50 por su material y su diseño.

Antes de que el poliedro de las pirámides se utilizase a escala para afilar las navas de afeitar y conservar algunos alimentos, flores y frutos, el Tío Juan construyó en su casa de campo una pirámide con cupo para diez personas de pie, con un entramado eléctrico que desembocaba en un casco que se pondría en la cabeza para potenciar el efecto cósmico del poliedro. Tardo varias semanas alistando su fuente de energía de la que hablaba sin parar en los convivios familiares. Por fin llegó el día en que todo estaba listo para el invento del siglo, pero antes de encender el switch, un sobrino que sabía de electricidad le advirtió al tío que faltaba el modulador de potencia que gradúa la descarga y que sin él recibiría de golpe la carga eléctrica. Como además de lascivo era necio y prepotente, el tío Juan ignoró la advertencia y prendió su invento. Dice el sobrino de la advertencia que el resultado fue casi mortal, pero de caricatura porque el tío se puso rígido y se le pararon los pelos de punta. De no haber estado ahí su pariente el tío Juan habría pasado a mejor vida.

Con todo, era un buen conversador, y la noche que habló de la reencarnación orgásmica, incluso los primos que jugábamos dominó en una salita adjunta, paramos el oído para escucharlo. En suma, el tío Juan sostenía que si lograbas morirte en el momento en el que tu cuerpo hacía la descarga seminal que mantiene con vida a la especie humana, era muy probable que viajaras –como María Sabina-, más rápido que la luz hacia el útero de una mujer del otro lado del mundo que sostuviera en ese instante relaciones con algún varón. Claro que no podía ser un orgasmo común sino la madre de todos los orgasmos. Para ello había que tomar diariamente el coctel de vitaminas y minerales que el tío Juan desayunaba todas las mañanas. También era indispensable que la mujer de tu última fornicación no fuera la tuya sino alguien a quien hubieras deseado con vehemencia. La mujer prohibida –acotó el tío-, es el mejor estímulo para este salto mortal que en lugar de llevarte al cementerio te da la oportunidad de comenzar de nuevo, en otro país, con otra familia, con otro nombre. Recuerdo nítidamente que todos rieron y sólo yo deduje mentalmente que si no tenías una enfermedad mortal difícilmente morirías “en el acto”, y si la tenías, sería complicado copular con la vehemencia necesaria para renacer en el Asia Menor. Como sea, desde entonces he tenido esa fantasía.

En el placer carnal hay diversos estados de acoplamiento. Tratándose de los instintos no hay una regla y si las más más variadas formas de alcanzar ese placer. Digo placer en su sentido ontológico, esto es, que está relacionado con el ser mismo de la persona; con aquello que es el sujeto en el fondo de sí mismo, lo sepa o no. En este orden de ideas, hay cuerpos que se juntan con el ser, que se acoplan como Adán y Eva; por primera vez. En esos casos, el cuerpo no se sacia una vez al día, quiere repetir lo más posible esa sensación de ser al mismo tiempo vencedor y vencido del otro. Aunque sea por un momento, se sale el cuerpo del espacio y el tiempo ordinarios para sentir la electricidad del firmamento, o como quieran llamarle a esa sensación de que no hay mejor manera de estar en el mundo que cogiendo con ese otro cuerpo, con ese otro ser. Este relator desperdicio la oportunidad de vivir con ese ser la plenitud del amor. Pero eso es otra crónica.

Para esta, vale concluir que el Pensamiento Mágico no tiene nada que ver con esa superación de la realidad –que es su propósito continuo-, porque los cuerpos deciden por sí mismos que son ellos las únicas puertas al paraíso que tenemos los seres vivos. Aunque como cuerpos, como sistemas cerrados a lo Platón, como dos sujetos en la misma esfera, tienen sus límites biológicos. Podría ocurrir que te mueras en el orgasmo –como soñaba el tío Juan-, pero no te irás a China sino al crematorio. El Pensamiento Mágico es indispensable para escapar de esa esfera biológica, y los mejores magos al respecto te aseguran que hay una manera de lograrlo.

Aunque como todo acto de magia, es muy posible que sea un truco.

4 de junio de 2025
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De acordeones y desaires.

By Sobre 2 ruedasNo Comments
Tómbola, bingo, desdén. A eso se ha reducido la democracia mexicana ahora que se pretendió la “elección” de sus impartidores de justicia. Fue una novedad histórica que jamás imaginaron los constituyentes del 17: elegir a los jueces que no debieran deberle sumisión a partido alguno. De ese modo, 87 millones de electores le dieron la espalda al proceso electoral del domingo, toda vez que se pretenda celebrar con fanfarrias la aquiescencia de los 12 millones que sí asistieron, “acordeón” en mano, a obedecer la orden –diría Cri cri– que dio el general.
¿Rutilo Méndez, Herlinda Sierra o Fabián Izquierdo? Las disquisiciones del elector, boleta en mano, con los más de 2 mil 600 candidatos de los que realmente se ignora todo. Circunstancia que alcanza el absurdo, máxime que muchos de ellos fueron pre-seleccionados por el “democrático” procedimiento de la tómbola. De ese modo, alguien diría, el sufragio universal ahora se ejerce al ritmo de la melodía de Marisol en los años 60, cuando nos advertía con su jovial desenfado… “la vida es una tómbola, tom-tom tómbla, de luz y de color”, por no decir que de tin-marín, de do pingüé, porque votar o no votar por Rutilo, Herlinda o Fabián, daba lo mismo.

El vicio de los pensionistas gringos se denomina Bingo. Es una suerte de lotería donde se gritan los guarismos, del uno al 99, para completar la cartilla, hasta que algún viejillo grita eso, “¡bingo!”. Así muchos, boleta en mano, parodiaron el domingo pasado la ruleta judicial… ¿el 22 o el 4, la 37 o la 13?, y que la diosa Fortuna se encargue de la designación de los señores magistrados.
Ya que estamos con las preguntas, ¿qué son los 27 mil millones de pesos empleados en el ejercicio comicial del 1 de junio? Pues eso, 270 pesos por piocha que (ya aprendimos la lección) sirvieron para marcar el bingo judicial que nadie, nadie de los nadies pudo aprenderse. Insisto, ¿Rutilo Méndez o Lucrecia Hernández?, y que San Acordeón lo resuelva.
Este ejercicio comicial pasará a la historia como “la elección de los acordeones” pues nadie habría podido reconocer los méritos de los postulantes. De ahí que, oficial y extraoficialmente, empezaron a circular los acertados “acordeones” que impedirían confundir la destreza jurídica del 33 o de la 14. Si en mis años de pupilo el “acordeón” era imprescindible para resolver la fórmula de los paralelipípedos, ahora hasta el ex presidente López Obrador ha llevado el propio a la casilla en Palenque, no fuera a ser que cayera en confusiones.

La pregunta quedará en el aire. ¿No ha sido éste un ejercicio electoral innecesario, es decir, un desperdicio? Habrá que ver los resultados, y que el Cielo nos guarde de ver convertido el Judicial en una suerte de Secretaría de la Justicia, igual que la SEP o la SHCP.
Lo que estamos presenciando es la consolidación gradual de la nueva mayoría que pretende constituirse en régimen absoluto, como el PRI de Lázaro Cárdenas y de Carlos Salinas, o de Adolfo Ruiz Cortines y Gustavo Díaz Ordaz. El régimen de la mayoría que, en ruso, se denomina “bolchevique”. Revisen su diccionario, porque los minoritarios, obvia recordarlo, era la facción “menchevique”. Cuestión de asimilar las lecciones de la historia, por más que ahora los declarantes se cansen de argumentar que no somos Nicaragua, Venezuela o Cuba. Y que Dios nos coja confesados.

Cabe imaginar que esa mayoría-minoría que anuló su voto (o no acudió a sufragar), constituye una expresión cierta del desdén contra el cerco al Poder Judicial. Desaire por convicción, desconfianza o desaliento. “Que sigan haciendo de las suyas hasta que se cansen”, o rompan el juguete nuevo, al fin que cada seis años se restituye. Y que alguien ponga el disco de Javier Solís interpretando “Desdén”, al fin que a alguien le habrá de venir el saco: “Mira mi sufrir, oye mi alma gemir, ¿qué no ves que sin ti ya no puedo vivir?”.

         El destino nacional por siempre será el manotazo sobre la mesa. “Aquí nomás mis chicharrones truenan”, porque la vida es una tómbola, tom-tom tómbola, donde unos pierden y otros ganan. ¿El 22 ó la 37?
4 de junio de 2025
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“Misanthropus”de Alejandro Ordóñez reúne figuras emblemáticas

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Alejandro Ordóñez “Morby”, crear su propio proyecto musical llamado “Misanthropus”  es una máquina de ruido que intenta causar caos musical; rugidos furiosos combinados

con riffs pesados y mensajes de inconformidad e ironía, son los ingredientes que unen las diferentes texturas de música y escritos que definen el arte que crea “Morby” junto a un grupo de inadaptados, como músicos invitados. Misanthropus es Heavy Rock & Roll, diciendo las cosas claras, valiéndole ´madre´ todo y hecho para ser escuchado por pocos o por muchos. 

Pero se preguntará quién es  Alejandro Ordóñez y de dónde sale.  La respuesta es. Hay personas que nacen con el “don” de la creatividad, ese es el caso de Alejandro Ordóñez “Morby”, un mexicano que desde muy joven emigró a Estados Unidos donde se convirtió en un profesional en diversos ámbitos. Estudió las carreras de Comunicación Visual y Política Internacional en la Universidad Estatal de California; muy pronto se incorporó al mercado laboral y hoy por hoy es conocido como un profesional del arte con muchas facetas.

Ha dirigido y producido varias películas que han sido distribuidas internacionalmente “Hollywood Sex Wars”, “Imagraphy”, “I, Nirvana” y “Mojave Lords-No New Normal”; también como mercadólogo ha impulsado campañas muy fuertes de compañías internacionales de bebidas y deportes, pero su gran pasión es la música  es guitarrista, compone todos sus temas y goza de buena reputación en el ámbito del rock estadounidense, por ello decidió crear su propio proyecto musical llamado MISANTHROPUS y lanzar hacia finales de este año su álbum-EP “Matters of the Heart”, el cual cuenta con la colaboración de grandes músicos del género no sólo estadounidenses, sino además suecos, franceses y mexicanos y por supuesto un compatriota muy conocido e ícono del rock Sergio Arau.

Todos los temas del disco son propuesta musical de Alejandro Ordóñez, son de su autoría y han sido grabados en inglés, pero como caso único, el nuevo sencillo “Insensible” fue grabado en español a petición del cantante mexicano  Sergio Arau, quien lo interpreta y también funge como protagonista del video, dirigido y producido por Ordóñez nada menos que en el famoso Tianguis Cultural de El Chopo, en el corazón de la Ciudad de México.

“Insensible” es un tema rock potente, con toques de blues y una letra directa mezcla de pasión y odio, necesidad y reclamo: “Hey nena, me voy a suicidar, pinche insensible”… ya se puede escuchar en todas las plataformas digitales y a la par se estrena con un video musical homenajeando la escena del Rock Underground mexicano. 

Sergio Arau, ícono del rock en español, aparece a lo largo de todo el video, con Erik “Chore” en la cubeta y Alejandro Ordóñez como guitarrista. La historia es una visita del músico a tan emblemático lugar (El Chopo), entrelazada con tramas de amor, una buena torta, violencia y shamanismo. Todo esto al son de la canción que él va cantando durante su travesía. 

El video dirigido y producido por Alejandro Ordóñez es digno de apreciarse, muestra a personajes singulares de la vida real, a Sergio siendo reconocido por ´la banda rockera´ y hasta disfrutando encontrar sus propios álbumes piratas y legales.

Participan  Lars Sköld (baterista de Tiamat, Avatarium, Knights of the Realm), a Gustaf Hielmen (bajo de ex-Messhuggah, Tiamat y más).

 El  lanzamiento completo ocurrirá a finales de este 2025 y con el cual el público podrá apreciar la potencia de MISANTHROPUS, rock-metal que está marcando al público de diversas latitudes por ser un proyecto multicultural.

2 de junio de 2025
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«En la actualidad hay más gente que no es, que no somos»: Carlus Padrissa.

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En Málaga dio inicio el estreno europeo de la gira  de  “SONS: ser o no ser”,  obra inspirada en Hamlet de William Shakespeare de la compañía La Fura dels Baus. Los argentinos fueron los primeros en disfrutar de este espectáculo con gran éxito.

Como parte de la difusión del espectáculo se presentó “un ejercicio práctico”, como lo definió  el director artístico Carlus Padrissa, con el que tuvimos una charla en el Muelle Uno a un costado de Pompidou Málaga.

“Nos encanta hacer nuestro trabajo y poder  viajar  y enseñar a  la gente.  Estos niños van a hacer un ejercicio práctico,- se refiere a  los cuatro actores malagueños de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga: Pablo Leyva, Alba Maro, Belén Hernández y Teresa Escobar, que se incorporaron a la compañía para las presentaciones en Málaga- . Una cosa es recibir  la teoría y otra es la practicidad. Se van a poner barro en la cabeza y en todo el cuerpo. Y este barro, que lo hemos aprendido de vosotros los mexicanos que lo usan para curar a la gente, lo ponen dentro del barroco en la tierra… Es muy bueno que el hombre recobre sus raíces. Polvo somos y polvos seremos, es llegar a la esencia. Es una terapia que además cura las imperfecciones de la piel. El barro es la tierra, es la santidad”, expresa Padrissa sin dejar de perder la sonrisa y con una gran vitalidad nos comparte su alegría de conocer México y haber disfrutado de la gastronomía mexicana. Además que nos indica que este espectáculo quieren y están trabajando para que se presente en tierra azteca.

Fotos: Daniel Pérez / Teatro Cervantes

Sobre la presentación  de “SONS: ser o no ser”  indica que lo más  importante es que la gente lo ve y vive el espectáculo,  pero también lo puede oír y resalta el trabajo que realiza en cada función el técnico de sonido Damià Duran, originario de Barcelona y tiene una aparición en la función. 

Durán que está durante la charla explica que el sonido es cuadrafónico. “El sonido está basado en ser inmersivo, según la posición de los actores y de las situaciones que se plantean hace posible que el público se sumerja y se envuelva dentro de la historia y tengan diferentes sensaciones. Es el complemento del vídeo y esto logra que se tengan diferentes emociones y se viva intensamente”.

Sobre el tema de Ser o no ser en la actualidad, Carlus Padrissa expresa: 

“En la actualidad hay más gente que no es, que no somos. Porque nos encerramos en una bolsa de plástico como un pollo envasado al vacío. Y nos  quedamos con el teléfono allí, pensando que eso es  la vida. Es como la vida en sueño, el protagonista  está en una cueva y todo lo que ve es la cueva  de Platón . Es decir  los seres humanos estamos perdiendo la capacidad de comunicarnos de manera táctil  de manera directa, nos miramos através  de cámaras y entonces quedamos aislados. Y la gente cada vez más  se vuelve loca, hay más enfermedades mentales,  las estadísticas lo reafirman  cada vez estamos peor de la cabeza porque no nos ponemos barro, por qué no vivimos la vida tocando el suelo, experimentando directamente el tacto, el olor; esas cosas no lo tiene el teléfono, no te lo da imposible”.

Padrissa recalca que el éxito de la Fura dels Baus es por el equipo de profesionales que tiene en las diferentes áreas. Como es el responsable del vídeo que hace posible que se tenga un espacio virtual de 360 grados. Y su management que es Meritxell Viña,  quien comparte que con México hay mucho apego, es donde  la compañía ha estado más veces, se ha participado en diversos Festivales como es el Cervantino, es especial para la compañía. En el 2023 se palmaron dos espectáculos uno de Querétaro a Monterrey y otro en Mérida. Responsable de la agenda  comparte que después de Málaga van a Milano y que en Croacia están con otro proyecto europeo, irán a Luviana con “La Creación” que es una ópera de Padrissa, irán a Madrid, Serbia y Portugal. En Venezuela están con “Carmina Burana”. 

Padrissa vive intensamente y transmite esa misma energía a sus actores que actúan ante los viajeros que llegan de diversos cruceros y algunos  viandantes malagueños.

 “SONS: ser o no ser”

 

La Fura dels Baus con 45 años de trayectoria, llegaron a Málaga con un espectáculo inmersivo, físico y visual que invita al espectador a un viaje entre la razón y la locura, las fuerzas del destino contrapuestas al azar, el enfrentamiento entre el bien y el mal, la duda entre el binomio libertad-responsabilidad, la vida y la muerte.

El elenco estuvo conformado por  Quico Torrent, Tamara Ndong, Guillermina Brandauer y Ferran Plana junto a los intérpretes procedentes de la ESAD de Málaga Pablo Leyva, Alba Maro, Belén Hernández y Teresa Escobar  trasladan a los asistentes a un mundo donde la muerte se hace presente y convive con los que se encuentra en su camino. Así como ser parte de una huida y luchar por un elemento tan especial para sobrevivir como es el agua.

“Nuestro teatro es el teatro que te provoca y te hace segregar adrenalina”, así lo describe Padrissa. Y puedo atestiguar que lo logra muy bien.  

“SONS: ser o no ser”  se presenta en un recinto de planta abierta con proyecciones y un sistema de sonido envolvente. 

El elenco actúa junto a la audiencia, que se convierte en testigo y protagonista de una experiencia que como siempre persigue sorprender, que propone un nuevo reto, explorando sensaciones de temor y miedo en el hombre y la mujer de hoy. Vídeo o teatro, ¿Dónde termina la pantalla y dónde el actor? La experiencia es visual y física. El desbordamiento de la imagen une las dos disciplinas en una sola.

 La experiencia lleva a la reflexión “ser o no ser” en una sociedad consumista, alejada de la realidad y de soportar las injusticias sociales que en la actualidad se viven. 

La muerte presente ante una sociedad quieta e hipócrita ante la masacre. ¿Qué somos? ¿En qué nos hemos convertido?

 

2 de junio de 2025
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El Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano podría definir la vida literaria de los jóvenes poetas.

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Convoca a partir del 31 de mayo a todos los poetas que escriben es español de hasta 30 años de edad –cumplidos al 31 de julio de 2025 que cierra la convocatoria a las 20:00 horas de la Ciudad de México–, nacidos y que residan en el continente americano, incluyendo Estados Unidos, Canadá y Brasil.
 El fallo del jurado se dará a conocer el 6 de noviembre y la ganadora o el ganador, recibirá un premio único e indivisible de cien mil pesos. El certamen no podrá ser declarado desierto.
La premiación se llevará a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2025, el 4 de diciembre, con la publicación impresa de la obra.

Este viernes en conferencia de prensa la Fundación Carmen Toscano IAP anunció las bases para participar en el Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano que, en su edición 2025, convoca a partir del 31 de mayo a todos los escritores nacidos y que residen en el continente americano, que escriben en español, incluyendo Estados Unidos, Canadá y Brasil, hasta 30 años de edad al 31 de julio, fecha en que cierra la convocatoria. Los poemarios de tema y forma libre deberán contar con un mínimo de 45 y un máximo de 60 cuartillas; el fallo se dará a conocer el 6 de noviembre y la ganadora o el ganador recibirá un premio de $100,000.00 (cien mil pesos 00/100 M.N.).

“Los poetas más jóvenes del continente, desde Canadá hasta la Patagonia que escriben en español ya tiene un premio que les dará visibilidad y que puede ser el inició de una fructífera carrera literaria”, comento el poeta Rodolfo Naró al dar a conocer las bases del Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano.

La ceremonia de entrega del premio, con la obra ganadora publicada en una edición impresa, se llevará a cabo en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2025, el 4 de diciembre de este año; el Comité Organizador correrá con los gastos de la ganadora o el ganador para estar presente en dicha celebración, según detallan las bases del certamen que se dieron a conocer hoy en conferencia de prensa en la Casa del Poeta Ramón López Velarde, localizada en la ciudad de México, en la que participaron la doctora en historia, Alejandra Moreno Toscano, presidenta de la Fundación; el poeta Rodolfo Naró, coordinador general del Premio; el escritor Adolfo Castañón, quien recibió en 1976 el Premio Diana Moreno Toscano 1976; y el editor y traductor Joaquín Díez-Canedo Flores.

La historiadora Alejandra Moreno Toscano, presidenta de la Fundación, habló de la importancia de la reanudación de este premio que nació en 1966, tras la muerte de su hermana la poeta Diana Moreno Toscano cuando apenas tenía 25 años de edad, y fue entonces que su madre, la escritora y cineasta, Carmen Toscano Escobedo convocó al Premio Diana Moreno Toscano para apoyar a jóvenes poetas.

Recordó que algunos de los ganadores fueron Elsa Cross en 1967, quien lo recibió con apenas 20 años de edad, y otros de los hoy reconocidos escritores como Héctor Manjarrez, David Huerta, Marco Antonio Campos, José Joaquín Blanco, Roberto Vallarino y Adolfo Castañón en 1976, el último año en que se convocó a este premio, y que ahora la Fundación Carmen Toscano reanuda y con ello impulsa y celebra el trabajo de los jóvenes poetas de todo el continente americano.

Por su parte el poeta Rodolfo Naró, Coordinador general del Premio, detalló sobre las bases de esta convocatoria que anima a los jóvenes a participar con un libro de poemas originales e inéditos, escrito en español, de tema y forma libre, con un mínimo de 45 y un máximo de 60 cuartillas, y que deberán ser obras que no sean enviadas simultáneamente a otros concursos, premiadas en otro certamen o que se encuentren en espera de dictamen editorial. Contó que el jurado, compuesto por tres especialistas en la materia, no podrá declarar desierto el premio. “La ganadora o el ganador recibirá un premio único e indivisible, de cien mil mexicanos y un diploma, entregados por la Fundación Carmen Toscano IAP, así como la publicación de la obra ganadora en formato impreso, y el viaje para estar presente en la entrega en la Fil Guadalajara”.

El autor de los poemarios Los días inútiles y Lo que dejó tu adiós, añadió que se otorgará una mención honorífica, sin recurso monetario, al segundo mejor trabajo recibido, pero que la Fundación no correrá con los gastos de traslado ni estancia en Guadalajara.

En la conferencia el escritor Adolfo Castañón y el editor Joaquín Díez-Canedo Flores, recordaron que en su primera edición este “premio a la promesa literaria” tuvo como jurado vitalicio nada menos que a Octavio Paz, Rubén Bonifaz Nuño, Juan José Arreola, José Luis Martínez y Héctor Azar. Por lo que vaticinaron que pronto el Premio Latinoamericano de Poesía Joven Diana Moreno Toscano será uno de los galardones de poesía más importantes en el continente y en el mundo.

Adolfo Castañón con el libro, fotocopiado,  Informe para un psiquiatra de Diana Moreno Toscano en la mano, expuso al tomar la palabra: “Cuando recibí el Premio Diana Moreno Toscano en 1976 tenía 24 años y además de los 10 mil pesos, que entonces me dieron, para mi significó mi consagración porque el premio lo recibí de manos de Carlos Monsiváis y Octavio Paz. Desde entonces la literatura fue mi camino a seguir”.

Durante la conferencia la actriz y cantante argentina, radicada en México, María Inés Montilla, leyó algunos poemas de Diana Moreno Toscano, por quien nació este premio que lleva su nombre.

Diana Moreno Toscano nació en la Ciudad de México el 31 de mayo de 1942. Fue una mujer de muchos talentos, estudió Música en el Conservatorio Nacional, e historia del arte en Francia, pintaba, era miembro del equipo de equitación, pero su pasión estaba en la poesía, publicó Informe para un psiquiatra en 1965, pero murió el 2 de enero de 1966. Ese año amigos y familiares reunieron algunos de sus escritos y a manera de homenaje póstumo y publicaron Cuando apenas existo, que estuvo al cuidado editorial de Alí Chumacero; los libros fueron editados por Talleres Gráficos de Manuel Casas.

Las bases completas y detallas del premio se pueden consultar:

https://premio.fundacioncarmentoscano.org/ de la WWW.FUNDACIONTOSCANO.ORG

INFORMES: RECEPCION@FUNDACIONTOSCANO.ORG

1 de junio de 2025
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LA SÁTIRA

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Como no hay tiempo que no se cumpla este 2025 Las Reinas chulas cumplen 20 años de haber tomado el relevo de uno de los momentos estelares de la sátira cabaretera en el México de nuestros días. En El Hábito, Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe hicieron época convirtiendo las noches del histórico barrio de Coyoacán en un jolgorio satírico en el que no quedaba títere con cabeza, sobre todo si el motivo de la befa era un funcionario público.

A su vez, Liliana y Jesusa reabrieron el espacio histórico en el que Salvador Novo montó por primera vez a Samuel Becket en México en un escenario de bolsillo que tenía como principal atractivo la cena que daban en La capilla, como llamó irónicamente a su sitio de recreo el poeta satírico. Corría el prehistórico año de 1954 y la clase política y empresarial le disculpaban a Novo “su excentricidad”, como llamaban entonces al homosexualismo, a cambio de sentirse cosmopolitas.

36 años después, Una actriz y una cantante y compositora abiertamente lesbianas se burlaban del presidente Salinas para abajo en parodias musicales que fueron afinando su eficacia satírica y formando cabareteras con conciencia social y artística como Ana Francis More, que salió de  las aulas de Ludwik Margules para continuar en El vicio una tradición que nace en las carpas del inicio del siglo XX como el escape de la gente de a pie ante los abusos de autoridad y las costumbres sociales dominantes.

Por definición la sátira es el arte de ridiculizar, avergonzar, humillar o desacreditar algo o alguien, y tanto Novo como el matrimonio Rodríguez f dieron ejemplo de cómo lograrlo con máxima eficacia. Las primeras reinas chulas estaban verdes cuando tomaron el relevo de sus maestras en el teatro y en la vida, pero con el tiempo y ese ganchito que hace el estudio y la diciplina Cecilia Sotres alcanzó a escribir un libro para introducir el albur en el cabaret y el colectivo finalmente logró que artistas, intelectuales, periodistas y público en general se dieran cita en El Vicio para disfrutar de la sátira al mal gobierno y socios capitalistas que lo acompañan.

Aunque sucede que la sátira es el dominio opuesto al del compromiso ideológico y político, como nos demostraron con creces los moneros en el sexenio pasado, que al no poder criticar a su mesías y su entorno se volvieron ideólogos y polemistas del poder en funciones para desastre de la televisión pública que jamás en su historia había tenido tan poca audiencia, y es que sin la sátira el satirista se vuelve una mala broma.

Así las cosas, Las reinas chulas festejan sus 20 años con una muy celebrada sátira contra Trump, Millei y Ricardo Salinas Pliego porque en el segundo piso de la Cuarta Transformación ya no hay vicio que perseguir. Solo puestos oficiales que cuidar. La sátira se cuenta sola.

28 de mayo de 2025
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La artista malagueña Lorena Hermoso renace con Kalopsia 

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Málaga.-  Bulevar Espacio Cultural Abierto, sigue creciendo. Y suma esfuerzos con Art, Studio Gallery Kalopsia de la artista malagueña, Lorena Hermoso Peláez, quien  abrió sus puertas de su espacio de creación  para exhibir la obra del artista mexicano; Erik Rivera. Ahora Hermoso se traslada a  Café Bulevar con 15 obras de su autoría .

Lorena con una trayectoria amplia en las artes plásticas, tuvo su primera exposición en 2013, desde entonces no ha dejado de trabajar y su mayor reto ha sido poder tener un espacio para la creación “la idea era poder hablar con los amantes del arte no solo el día de una inauguración cuando expones. Es poder recibir visitas durante el proceso de creación de obra. Mostrar tu lienzo a medio pintar, boceto en mano, comentar sobre utensilios, pinturas y sus mezclas. Hacer el arte más cercano y accesible”, expresa Hermoso al hablar sobre Kalopsia.

Con el título de “Kalopsia “ palabra de origen griego que significa la ilusión de creer o ver las cosas más bonitas de lo que en realidad son”, se hace posible que dos espacios culturales unan esfuerzos para difundir el arte y  muestren  obras a diferentes públicos y conozcan las creaciones de artistas.

Lorena Hermoso  (seudónimo Lo) presenta obras de sus tres colecciones. La primera es “Retratos” que comenzó desde el 2018, cuando comienza a estudiar el rostro haciendo una serie interminable ya que en la actualidad sigue trabajando y desarrollando. En un estilo que descompone los rasgos faciales en figuras geométricas con líneas muy sencillas consigue plasmar una armonía en la imagen. El uso del color da ese áspero Pop-Art tan propio de su obra.

La segunda colección es “Amor  macarra y otros vicios”. Esta nace de una foto que la autora hace a su taza de café, después a unas copas o a sus tacones preferidos. Y es cuando decide pintar esas capturas cotidianas con ese aspecto pop art tan característico. Risas festivas, deseos descarados y un poco de música son la musa que inspira esta serie basada en la fotografía íntima del artista  como autorretrato.

Y la tercera “las emociones” no tienen una forma concreta es una energía interior con la que se convive para bien o para mal. Hermoso libera sus emociones a través del movimiento y el color de la pintura sobre lienzo. Sin un porqué, sin un boceto ni una paleta predeterminada el  proceso de autorreflexión fluye. La introspectiva que utiliza para gestionar tanto la negatividad de la ira como la fuerza de maternidad, el estrés de la incertidumbre o los efectos físicos de la pasión dan como resultado está colección.

Si tuvieras que dar un calificativo de Lorena Hermoso Pélaez, sería incansable.  Ha conseguido cumplir su sueño, para ella no existen las palabras ”no se puede”, siempre encuentra una solución  y da respuesta. 

Recientemente fue reconocida como embajadora del Proyecto  “Siempre fuerte”,  Asociación  benéfica que lucha contra el cáncer. Participa en diferentes eventos como llevar el arte al mar, subirse a un catamarán con sus pinceles y trabajar  mientras se recorren las playas de Málaga.  

La obra de Lorena  es siempre muy visceral a través del color y la forma nos presenta tanto mundo interior como Super Express excepción lo que la rodea desde el 2013 ha sido convocada para exposiciones, ferias y eventos tanto nacionales como internacionales.

Ha participado en la performance realizada con el elenco del musical “A Chorus Line”  del teatro Soho de Málaga incluso Antonio Banderas hizo aparición en dicha performance y adquirió alguna de las obras de Lorena.

El Málaga Club de Fútbol solicitó a Lorena realizar un retrato de Pablo Ráez para los premios Siempre Fuertes quinta edición dicha obra está expuesta en el Museo club junto con otras obras del artista como:  José Luis Puche,  Antonio Montiel entre otros.

Lorena Hermoso tiene mucho que expresar y ofrecer con su obra que bien puede recordar a personajes de la farándula o dejarnos entrar a la intimidad de su espacio. 

La exposición “Kalopsia” permanecerá en Café Bulevar Torremolinos hasta finales del mes de junio. Pueden disfrutar de su obra mientras degustan de una buena bebida y un postre delicioso.

22 de mayo de 2025
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EL SIGLO DE EMILIO CARBALLIDO.

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Emilio Carballido es en el teatro de México un Dios:
adorado y reverenciado, pero también negado y odiado
por algunos gratuitos herejes.
Tomás Espinoza

 

El siglo XX fue la centuria de Emilio Carballido porque nació en Córdova Veracruz el 22 de mayo de 1925 justo a tiempo para ingresar en los años 40 a la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM para ser alumno de Rodolfo Usigli y formar parte de la generación del medio siglo que sería la primera en hacer del teatro el centro de su vida personal y laboral porque hasta entonces los autores dramáticos eran abogados funcionarios periodistas diplomáticos o de familia pudiente como Luisa Josefina Hernández la única discípula de Usigli que pudo escribir sus obras en la tranquilidad de su estudio no como Emilio su hermano del alma que abrió telón por primera vez con El triángulo sutil en el cuarto de azotea de Sergio Magaña en la ciudad de México dos años antes de que Salvador Novo lo pusiera en el camino de la fama con el estreno de Rosalba y los llaveros estrenada en el Palacio de Bellas Artes el 11 de marzo de 1950.

Con más de cien obras en su haber Carballido es el gran polígrafo del teatro mexicano porque a sus comedias dramas sainetes autos sacramentales piezas históricas obras didácticas mitológicas fársicas infantiles experimentales clásicas y lo que se ofrezca hay que añadir sus novelas cuentos crónicas operas guiones de cine radionovelas y todo lo que un ser sensible y pensante pueda escribir sobre el lugar y el tiempo que le tocó vivir. Si a esta tarea hercúlea le añadimos su magisterio, todos, incluso los herejes a los que se refiere Tomás Espinoza en el epígrafe, debemos lanzar el sombrero al viento en su memoria.

EL MEJOR DE TODOS

Por lo menos en tres ocasiones pero teniendo siempre a Vicente Leñero como el centro de la plática, el autor de La mudanza hizo la misma pregunta a comensales distintos que tenían el común denominador ser gente de teatro. Preguntó entre los años 90 y 91 del siglo de Carballido:
– ¿Quién es el mejor autor dramático de México?
Las tres veces se suspendió el copeo para poner cara de circunstancia y reflexionar la respuesta. En las tres ocasiones la respuesta fue unánime:
– Emilio Carballido.
Con una aclaración: la mía.
“Para mi Carballido es el mejor comediógrafo de nuestro teatro pero el mejor autor dramático de su generación es Sergio Magaña”.
Juro por la virgencita de Guadalupe que las tres ocasiones todos me voltearon a ver sintetizando con su mirada lo que se sabía en los cotilleos de salón sobre mi enemistad con Carballido.
Es hora de dar la versión de mi herejía.

EL DESENCUENTRO

Los años 70 fue la década del arribo de Carballido al cuadro de honor de la cultura oficial, lo digo así porque el premio a la excelencia artística de aquel priato era tener un puesto público como recompensa y Carballido fue nombrado primero subdirector y luego dirigente de la Escuela Nacional de Teatro del INBAL En esos años yo viví primero en Nueva York y luego en diversas partes del mundo, hasta 1974 que regresé a México conocí a Margie Bermejo y comencé a vivir con ella en los inolvidables Edificios Condesa. Ahí, la vecina del primer piso puerta derecha fue Socorro Avelar, actriz de alto copete contemporánea de Carballido porque nació el mismo mes y el mismo año que el dramaturgo cordobés y seguro no solo por ello sino por su capacidad histriónica fue la sucesora de don Emilio en la dirección de la ENAT.

Como vecinos y gente de teatro compartimos en cierta ocasión la copa con la actriz que ya era la directora de la ENAT y ahí me habló de un tema que llamó la atención del imberbe reportero en el que la amistad de Margie con Carlos Payan me había convertido sin pretenderlo porque yo no quería ser periodista sino escritor. Comentó la actriz que la Escuela era el coto de caza de los maestros de ambos sexos para atrapar alumnos. Le pedí de inmediato una entrevista formal como directora y lo extraordinario fue que ya sin el estímulo del alcohol refrendó lo dicho sin reparar que su amigo mentor y jefe máximo estaría involucrado en el tema simplemente porque fue su antecesor y quien le heredó el cargo. Ella fue honesta porque le disgustaba la situación pero tan ingenua que jamás sospechó que aquel secreto a voces salpicaría a su benefactor. Ella simplemente me dejó de hablar pero no me culpó de nada porque sus voz estaba grabada, pero el máximo dramaturgo de la estupenda ciudad de Córdova lo tomó como una afrenta personal y ahí comenzó la batalla.

A partir de aquel reportaje en el unomásuno el Dios del teatro en México comenzó a denostarme primero como periodista y luego como crítico cuando jamás nos habíamos visto los rostros. Yo respondí con la misma moneda.

PORTAZO EN LA CARA

Como reportero me llamaba la atención que la mayoría de los autores dramáticos de los años 50 a los 80 fueran homosexuales y se me ocurrió la peregrina idea de preguntarle a los autores que podrían ser catalogados en esa esfera cuál era el motivo. Hugo Arguelles me contó la fábula de su nacimiento en la que a punto de morir por un accidente su madre le dio a beber sangre de toro y eso lo convirtió en “el animal que se entrega al deseo de la bestia”. El soldado del teatro que fue Luis G. Basurto se apenó tanto por la pregunta que en lugar de contestar como Juanga que lo que se ve no se juzga, comenzó a sollozar y me dejó en ascuas. Sergio Magaña me mandó al carajo aunque años después perdería su valiosa amistad por confesarme abiertamente su deseo por los hombres en una entrevista para el diario Excélsior. Cuando llegué a la casa de Carballido en San Pedro de los Pinos toqué a puerta abrió apenas y al verme se llenó de ira para preguntarme cuál era el motivo de mi visita
Cuando le dije el motivo me dio un portazo fulminante.

LOS SOBRINOS

Supongo que las nuevas generaciones de cómicos lo ignoran aunque a partir del inicio del siglo de Carballido los gay tenían sobrinos que compartían la cama de los famosos con tal frecuencia que se volvió un detalle cómico. Los alumnos de Novo no solo heredaron la maledicencia de su paradigma sino el mote de sobrinos para sus amantes ocasionales. Fanny Mikey y Ramiro Osorio convirtieron el Festival Internacional de Teatro de Bogotá en uno de los acontecimientos culturales del continente llamado América. Y en uno de esos festejos llegué con el Maestro al mismo tiempo al hotel asignado y cuando el responsable del mostrador de entradas del hotel le dijo a Carballido que no había reservación para su joven acompañante el autor de Orinoco montó en colera. Y yo dije, con la solemnidad del momento:
– ¡Por Esquilo, cómo es posible tal descuido! No importa, denle mi cuarto al sobrino del maestro Carballido.
Me disculpo con los adoradores del Maestro pero jamás olvidaré su cara su gesto su enojo. Se puso literalmente verde y gritó a viva voz que su joven acompañante no era su sobrino sino un notable autor dramático que merecía un cuarto propio por una obra que nadie conocía. Entonces me sentí satisfecho. Hoy solo irreverente ante un genio del teatro en uso por su capacidad de contemplación de escritura y de resolución dramática de lo real en la fantasía que es el teatro. Nadie como él en gran parte de su siglo para registrar la voz humana y las cuitas de sus criaturas tan reales que parecen inventadas.

Sería una falta de respeto a su memoria que en el aniversario de sus cien años ocultara mi desencuentro con el extraordinario autor dramático que fue Emilio Carballido solo porque tuvimos divergencias extra-dramáticas. En su honor concluyo que en esa obra monumental no hay una tragedia memorable como Moctezuma II de Magaña ni una pieza que sostenga el paso del tiempo como Los motivos de Lobo, de su camarada de azotea. La quinta vez que vi en Xalapa Rosaura y los llaveros no pude soportar el segundo acto porque ese costumbrismo decimonónico no es el de la obra, es el de su público. Aunque Fotografía en la playa, un texto que le costó al dramaturgo años de gestación muestra la capacidad del autor para dejar no solo la huella impresionante del polígrafo sino aquel gesto íntimo de los grandes escritores en los que por fin se muestran no solo en la forma sino en el contenido de lo que fue y lo que serán en la ingrata memoria de sus semejantes.

 

21 de mayo de 2025
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Viento en popa, a toda vela.

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De no creerse. Iba vestido de lujo, las velas tendidas y el enorme pendón desplegado en popa. La marinería trepada en las jarcias bajo aquella luminaria a lo ancho de los aparejos… igual que un sueño infantil, cuando en cosa de segundos la fragata quedó al garete, arrastrada por la corriente del East River y ¡zaz!, colisionó bajo el puente de Brooklyn y todo se esfumó.
    Botado en los astilleros de Bilbao, el buque escuela “Cuauhtémoc” fue abanderado el 1982 por el presidente José López Portillo, tan dado a las proezas marineras. En principio se trataba de un “crucero de instrucción” para los cadetes de la Escuela Naval, donde concluirían sus estudios navegando por los cinco mares. La noche del viernes, cuando zarpaba con rumbo a Reikiavic, ocurrió el accidente que ha ocasionado la muerte de los cadetes América Sánchez y Adal Jair Marcos.
    La vocación marina del país no es sobresaliente. Poseemos una armada más bien modesta que se constriñe a medio vigilar los 10 mil kilómetros de litorales que poseemos. Si bien un ataque marino fue el que nos obligó a entrar en la contienda de la II Guerra Mundial, el país se precia de no requerir de una armada mayor dada nuestra nula ambición expansionista.
    “Navega, velero mío sin temor, que ni enemigo navío, ni tormenta ni bonanza, tu rumbo a torcer alcanza ni a sujetar tu valor”, nos hacían aprender en el salón escolar porque la copla de José Espronceda era obligatoria para cubrir la calificación de la materia de Español. Se paraba uno ante el pizarrón para arrancarse con la Canción del Pirata, que inicia: “Con diez cañones por banda, viento en popa a toda vela, no corta el mar, sino vuela, un velero bergantín”.
    Más que accidentes, verdaderas catástrofes navieras son las que sufrieron Rusia y Argentina en años recientes. Como se recordará, la explosión del submarino (K-141) “Kursk” en aguas del Mar de Barents, fue un escándalo a cuentagotas. En el otoño de 2000 la armada ex soviética participaba en maniobras navales cuando los radares registraron una tremenda explosión bajo el mar. Después se sabría: un torpedo estalló dentro del casco del submarino, ocasionando la muerte de sus 118 tripulantes.
    El caso argentino es más reciente. El submarino ARA “San Juan” quedó destruido al depositarse en el talud oceánico, al norte de las islas Malvinas. Se supone que habrá perdido el control, quedando a expensas de la fuerza de gravedad que lo habrá depositado en el lecho marino a 907 metros de profundidad, luego de “implosionar” su estructura. Costó la vida de sus 44 tripulantes.
    Las explicaciones que se han dado en torno al accidente del buque-escuela “Cuauhtémoc” son un tanto confusas. Que el capitán a cargo no debió hacer la maniobra en el punto más alto de la marea, que el motor quedó atascado en reversa y no pudo salvarse con un golpe de “todo avante”, que el remolcador que acompañaba la maniobra no remolcó puntualmente a la fragata mexicana… y así hasta el infinito, toda vez que, como asegura el capitán John A. Konrad, especialista de navegación postuaria, “en el mar los errores se pagan prontamente”.
    Los accidentes ocurren. Sí, pero pueden ser previsibles. Si la máquina de la corbeta tenía un fallo, ¿por qué no se atendió puntualmente?. Si el remolcador “Charles MacAlister” no cumplió cabalmente su cometido, ¿debe su piloto ser sometido a un proceso penal por negligencia? Si la fragata-escuela debió permanecer amarrada al muelle durante la bajamar, ¿debe su capitán ser sometido a juicio marcial?
    Decíamos de las veleidades marineras del expresidente López Portillo cuando, al concluir su mandato, decidió hacer un crucero alrededor del Mediterráneo acompañado por su segunda esposa, de apellidos Acimovic Popovic. Un capricho de viejo verde, como hay otros que se encaprichan con los trenecitos o los ranchos del Bajío.
    Los cadetes del “Cuauhtémoc” deberán esperar a que los tres mástiles del navío (por cierto que de aluminio) sean reparados en el astillero naval de Brooklin para cumplir la travesía pendiente por Islandia, Noruega y San Petersburgo. Tiempo tendrán de aprender la estrofa completa de Espronceda: “¿Qué es mi barco? Mi tesoro. ¿Qué es mi Dios? La libertad. ¿Mi ley? ¡La fuerza y el viento!”, o lo que disponga Mr. Trump con sus aranceles.
21 de mayo de 2025
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La revolución impresionista: de Monet a Matisse en Bellas Artes

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El Palacio de Bellas Artes presenta la exposición: “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas”, explora la fascinante historia del impresionismo, desde su nacimiento en 1874 hasta el legado que alcanzó en los primeros años del siglo XX. Contada completamente a través de las excepcionales colecciones del DMA, esta exposición revela los orígenes rebeldes del colectivo de artistas independientes conocido como “los impresionistas” y la revolución que crearon en el arte moderno. Un movimiento que nació de la rebeldía y la inconformidad, y que transformó la manera de entender el arte.

 

“La exposición nos cuenta una historia del impresionismo que no se conoce tanto, y nos muestra que este movimiento en realidad va más allá, fue un colectivo de artistas que se reunieron porque el estilo de arte moderno en 1874 era demasiado controvertido, radical e innovador; se trata de un grupo de jóvenes pintores rebeldes cansados de las restricciones de la Academia, que, a través de un arte difícil y provocador, decidieron plasmar la vida moderna con pinceladas sueltas y colores vibrantes.”, explicó  Nicole Myers, directora de Curaduría e Investigación y curadora senior de Arte Europeo Barbara Thomas Lemmon del Museo de Arte de Dallas, lugar de dónde proviene esta muestra.

A través de 45 piezas de 26 autores diferentes, como Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot y Camille Pissarro, se muestran los inicios y el lado revolucionario del impresionismo, así como su importante aportación al arte del siglo XX. Artistas que capturaron escenas cotidianas, desde los bulliciosos bulevares de París hasta los tranquilos paisajes rurales, elevando lo mundano a la categoría de arte refinado.

La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la segunda mitad del siglo XIX. Si contamos los principales pintores impresionistas que formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Vincent Van Gogh, una misma causa los reunió: deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros quieren ver».

Los impresionistas rompieron con la tradición. Cambiaron las técnicas, los temas y la forma de exhibir sus obras. Así, redefinieron el arte contemporáneo de vanguardia. Las innovaciones únicas de figuras centrales del movimiento, como Claude Monet, Edgar Degas y Berthe Morisot, sentaron las bases a las que respondieron los artistas vanguardistas de generaciones posteriores, desde Paul Gauguin y Vincent van Gogh hasta Piet Mondrian y Henri Matisse.

“Estaban interesados en temas modernos, pero también en voltear la espalda a la manera convencional de hacer una pintura acabada de acuerdo a la Academia de Bellas Artes en Francia, es decir, ellos estaban más interesados en dejar el rastro de las pinceladas sueltas de su primera inspiración”, explicó Myers.

 

“No estaban interesados en los detalles, sino en utilizar los métodos renacentistas, mostrando densidad, volumen, eliminando colores como el negro, dando la espalda a las formas tradicionales para darle brillo a su paleta”, dijo la curadora sobre esta muestra que concentra a los artistas que desafiaron los cánones del arte para retratar paisajes y situaciones incómodas.

«Cuando la mayoría de la gente escucha impresionismo, automáticamente ven una pintura de Monet o de Edgar Degas y parecería que nuestro arte siempre era popular, que siempre había mercado y que los artistas eran famosos en su tiempo, pero la historia no podía estar más lejos de la verdad. Este tipo de exhibición en el que compras un boleto, entras y ves estas exposiciones, esto se inventó en 1874, por estos artistas radicales, por este colectivo que hoy se le conoce como expresionistas» explicó.

 

Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin o Vicent van Gogh, entre otros, son parte de los artistas que se distinguieron por compartir su pasión por captar la vida cotidiana y moderna de sus realidades, quedando alejados y en contraste con los temas y estilos tradicionales que eran favorecidos por lo que dictaba la Academia.

Es así que La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas muestra escenas de la vida callejera o lo íntimo de la vida doméstica. Sin embargo,  las diversas exposiciones que se realizaban escandalizaban al público y eran consideradas un fracaso.

“La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas es una exposición internacional y se divide en cuatro núcleos que guían al visitante a través de la transformación del impresionismo y su impacto en el arte moderno:

• Rebeldes con causa: presenta a los artistas que, en 1874, decidieron organizar sus propias exposiciones, que desafiaron el sistema oficial. Aquí se encuentran obras como El Pont Neuf, de Claude Monet, en la que el artista captura el bullicio de París con pinceladas rápidas y desenfocadas, y Place du Théâtre Français: efecto de niebla, de Camille Pissarro, que muestra la ciudad envuelta en una bruma invernal.

• Notas de campo: explora las técnicas innovadoras que los impresionistas desarrollaron al pintar al aire libre. Obras como El río Sena en París, de Paul Signac, y Valle Buona, cerca de Bordighera, de Claude Monet, demuestran cómo los artistas capturaron la luz y el movimiento con pinceladas fragmentadas y colores complementarios. También se pueden observar obras como Nenúfares (1908), el óleo sobre tela de Claude Monet, artista que hizo a un lado la tierra firme para posar su mirada en las escenas acuáticas.

• Efectos secundarios: muestra cómo el impresionismo influyó en artistas como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Henri Matisse, quienes llevaron las ideas impresionistas más allá, al explorar el color y la forma de manera más expresiva y simbólica. Aquí se incluyen obras como I Raro te Oviri (Debajo del pandano), de Gauguin; o Gavillas de trigo (1890), de Van Gogh, , pieza que pintó durante su último mes de vida y que capta el trigo cosechado. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo. Aquí se explora el color, la forma y su manera más expresiva y simbólica del impresionismo.

• Para siempre: el último núcleo explora cómo el legado del impresionismo sentó las bases para movimientos como el cubismo, el fovismo y el expresionismo o la abstracción y cómo se originaron a raíz del desafío a los valores académicos tradicionales. Obras como Naturaleza muerta: ramo de flores y frutero de Henri Matisse, y Barcos pesqueros en L’Estaque, de André Derain, muestran cómo los artistas del siglo XX continuaron innovando a partir de las ideas impresionistas.

La muestra se acompaña de un cuadernillo que incluye textos de Nicole Myers, así como imágenes de las obras exhibidas en salas, material que fue realizado gracias al apoyo de la Fundación Jenkins.

El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas, en particular de artistas como Hokusai e Hiroshige. De hecho, ambos pintores fueron influenciados por este arte venido de Extremo Oriente y Monet llegó a poseer una colección de 250 estampas.

Confrontados con las negativas reiteradas de los salones oficiales y con las duras críticas de la prensa como del público de las pinturas presentadas en los años 1860, en la primer salón de las obras rechazadas por el jurado oficial, el grupo de impresionistas decide crear sus propias exposiciones. La primera de ellas fue organizada con la ayuda del fotógrafo Nadar. Sin embargo, la iniciativa es un fracaso. El público acepta con dificultad este nuevo estilo de pintura, demasiado moderno y alejado de las referencias clásicas. Desconcertado, el público encontraba que las pinturas impresionistas eran vulgares, similares a bocetos sin forma, y se burló del movimiento y de sus obras. No obstante, los impresionistas fueron respaldados por escritores, en particular por Émile Zola, quien publicó artículos en defensa del movimiento que conoció gracias a su amigo de infancia, Cézanne. Por ejemplo, en el diario l’Événement del 30 de abril de 1866, Zola declara: «escribo precisamente estos artículos para exigirEn el marco del 150 aniversario de la primera exposición impresionista de la historia, la revolución impresionista invita a reflexionar en torno a estos artistas, reconocidos hoy como los escandalosos renegados que fueron, y a repensar el innegable impacto que tuvieron en el arte del siglo XX.

La exposición ofrece un programa de visitas guiadas y un conjunto de actividades paralelas para la visita .  “La revolución impresionista: de Monet a Matisse del Museo de Arte de Dallas” estará abierta al público hasta el 27 de julio de 2025, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 h.

15 de mayo de 2025
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