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Sobre 2 ruedas

De Nueva York a México: José Luis Puche estrena “Welcome” antes de su desembarco en tierras aztecas

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Madrid, España.-  ​La Semana del Arte en Madrid recibirá este marzo un soplo de aire cosmopolita con sello malagueño. El reconocido artista José Luis Puche regresa puntualmente de su residencia en Manhattan para presentar ‘Welcome’, una colección que marca un hito en su carrera: es la primera serie creada íntegramente en su nuevo estudio neoyorquino tras su traslado permanente en 2025.

​La cita tendrá lugar  en el Hyatt Regency Madrid, convirtiéndose en uno de los eventos destacados de la agenda artística de la capital.

Green Ligth

​Más que una simple exposición, ‘Welcome’ es el testimonio plástico de una mudanza emocional y geográfica. Puche, tras casi un año de inmersión en la cultura estadounidense, traduce el «vacío inicial» y la desorientación del inmigrante en una propuesta visual potente.

Cambiar de continente implica desmontar certezas. Nuevo idioma, nuevos códigos culturales, nuevas formas de medir el tiempo y el éxito. En ese escenario, el artista se enfrenta a un vacío inicial que precede a toda creación.

“Los cambios físicos me desorientan, se acumulan las preguntas sin resolver y las respuestas van llegando a cuenta gotas”, afirma Puche.

En ‘Welcome’, el blanco y negro reaparece como origen del dibujo, como retorno a la raíz. El carbón graso —aplicado en capas, borrado, superpuesto— actúa como materia viva que respira sobre el papel. Las imágenes no se fijan: se erosionan, se repiten, se diluyen. La superficie funciona como un palimpsesto donde pasado y presente conviven en tensión.

Memory. José Luis Puche

Iconografías como la arquitectura neoyorquina, los coches accidentados entendidos como ruinas contemporáneas, el deporte como metáfora de resistencia emocional o la figura del inmigrante emergen desde una mirada que compara, traduce y reinterpreta. Nueva York no aparece como postal, sino como experiencia interior. Lo que sucede en el papel no es únicamente un dibujo, sino un acontecimiento.

​La estética del cambio: El dibujo se entiende como un «acontecimiento» vivo que respira sobre el papel, donde el pasado y el presente conviven en tensión. Tras su paso por Madrid, Puche regresará a Nueva York para preparar sus próximos proyectos, incluyendo una esperada exposición en México el próximo mes de junio.

José Luis Puche no es un extraño en las grandes instituciones. Licenciado en Historia del Arte, su obra ha pasado por centros de prestigio mundial como el Centre Pompidou, el CAC Málaga y la Ópera de Sídney.

​Su versatilidad también ha quedado patente en proyectos multidisciplinares, destacando su labor en la escenografía del musical Gypsy, dirigido por Antonio Banderas, o sus intervenciones murales de gran formato. Con ‘Welcome’, Puche reafirma su madurez artística, consolidándose como un creador capaz de convertir la experiencia migratoria en un discurso universal de vanguardia.

Con Welcome, Puche no solo presenta nuevas obras: presenta un momento vital. Un territorio intermedio entre dos ciudades, dos identidades y dos formas de entender el mundo.

2 de marzo de 2026
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LA APOTEOSIS DE LUIS FERNANDO DE TAVIRA.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El pasado 24 de febrero Teatro El Milagro ofreció un homenaje a la vida y la obra, -no del último caudillo cultural de nuestro teatro, pero sí del último cacique del teatro institucional patrocinado con fondos públicos-, que por la emotividad del gentío que acudió a felicitarlo se convirtió en un adoratorio singular, muy acorde con la vocación religiosa de este autor, director, maestro, pedagogo, actor y gestor de instituciones  que ha dejado la vida en ese espacio vacío que llamamos teatro.

En días marcados por la muerte del narcotraficante más poderoso del mundo, aquella congregación de amigos, alumnos, admiradores y pares de Luis Fernando de Tavira protagonizó un acto de amor a la inteligencia, el empeño, la audacia y la poíesis de un seminarista que halló en la liturgia religiosa su vocación artística. Precisamente su formación jesuítica marcó la diferencia en ese conglomerado variopinto de mujeres y barones seducidos por la invención dramática de los años 70, porque los jesuitas se distinguían por el rigor la profundidad y la duración de sus estudios, antes de ser consagrados sacerdotes.

omo Novicio Luis Fernando tuvo dos años para indagar la espiritualidad de San Ignacio de Loyola y la propia. En el Juniorado estudió filosofía, literatura y humanidades, aunque no estoy seguro sí hizo los votos de pobreza, castidad y obediencia para entrar a la fase siguiente, que es la del Magisterio, o si fue ahí donde enfrentó el dilema de obedecer la orden de sus superiores de abandonar sus pininos teatrales. Como fuera, ese voto de sometimiento a la autoridad del Papa que los jesuitas debían jurar además del voto de obediencia común a todas las órdenes religiosas, influyó sin duda en el director de teatro, el formador de comediantes y el utopista que buscó diversas formas de fundar su falansterio.

Aunque sus primeros montajes tuvieron un formato cuasiliturgico, Tavira encontró en Brecht la herramienta para socializar su labor artística, no por oposición a la fe sino como una extensión de la creencia en el bien común que predicó la Teología de la Liberación. La Casa del Teatro, San Cayetano y el Centro Dramático de Michoacán (CEDRAM) pretendieron formar congregaciones acéticas en pro de la verdad poética del mundo. Aunque de las reuniones nacionales en Pátzcuaro lo que se me gravó en la memoria fue la imagen de Francis Mor, actual secretaria de cultura de la ciudad de México, diciendo a mi lado: “Si Tavira vuelve a decir la palabra poíesis le aviento un zapatazo.”

Como director de escena de Tavira fue nuestro Peter Stein por su interés en el teatro alemán de los años 80 y 90 y en razón de los presupuestos monumentales de algunos de sus montajes, que, sin alcanzar las cifras astronómicas de los directores europeos, estuvieron muy por encima de las producciones públicas nacionales. Sin embargo, a mí y otros colegas el montaje que más nos motivó de la amplia obra de Luis Fernando fue su versión de la Suave Patria de López Velarde, un cuadro intimista bajo la sombra de Kantor.

La celebración de El Milagro demostró la influencia que ha tenido Tavira en el teatro mexicano de entre siglos, y el interminable y cálido aplauso que cerró los elogios vertidos por Marina de Tavira, David Olguín, Philipe Armand y Gabriel Pascal, fue el reconocimiento de una grey que ha recibido de diversas formas la experiencia, el discernimiento y la indagación sobre la conducta humana del maestro de Tavira, una de las figuras mas poderosas del teatro público que con sus 60 años de oficio teatral justifica el adjetivo tavireano como una escuela y una corriente del pensamiento en la que el ensayo de los montajes es el equivalente al rigor del noviciado, y el montaje en sí, un acto sacramental.

A partir de José Vasconcelos Enrique Krauze llama Caudillos Culturales a personalidades como Vicente Lombardo Toledano y Manuel Gómez Morín por el legado que dejó su vida y su obra. En el teatro tal vez podamos poner en esa lista a Rodolfo Usigli, pero nada más porque a partir de Héctor Azar nuestros proceres de la ficción dramática son más bien caciques culturales porque tanto en la UNAM como en el INBA fueron los mandones del presupuesto. Héctor Mendoza heredó el puesto de Azar y Tavira el de Mendoza, y todos ellos, incluyendo a Ludwik Margules. Lo ejercieron para su grupo, su claque, su pandilla, como caciques culturales.

Toda la obra de maese de Tavira y todas las iniciativas para formar comunidad teatral fueron patrocinadas por las instituciones, es decir, con fondos públicos. Cierto que el estado tiene la obligación de hacerlo, pero uno entre mil no es sólo una excepción sino un privilegio. Mese de Tavira supo contar con ese privilegio toda su carrera. ¿También hay que aplaudirle por ello? Ya vimos que sí.

2 de marzo de 2026
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El cine español conquista con récords de audiencia y el sello internacional de Sarandon

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Barcelona, España .- La 40ª edición de los Premios Goya, celebrada en el Auditori Forum CCIB de Barcelona, ha dejado una huella profunda no sólo por su palmarés, sino por el firme discurso social que ha marcado la ceremonia. Con la presencia de la actriz Susana Sarandon,  engalanó la noche donde el cine español demostró estar más vivo que nunca.

Más allá de la competición, la gala se detuvo para rendir homenaje a dos figuras icónicas: ​Goya Internacional. Una magnética Susan Sarandon recibió el calor del público español. ​Goya de Honor: El veterano Gonzalo Suárez fue reconocido por su dilatada y personal trayectoria.

Susana Sarandon. Foto Miguel Córdoba.

La actriz estadounidense, fue relevante con su participación al recibir el Goya Internacional. Fiel a su estilo, pronunció un discurso que mezcló la gratitud artística con un fuerte compromiso social y político.

​Sarandon comenzó agradeciendo a la Academia de Cine de España, destacando la vitalidad de la industria local.

​»Es un honor recibir este premio en un país con una tradición cinematográfica tan rica y apasionada. El cine español tiene una voz única que siempre he admirado… Como actores, tenemos el privilegio de contar historias, pero también la responsabilidad de dar voz a quienes no la tienen. El arte no puede estar separado de la realidad del mundo».

Agregó que «No podemos mirar hacia otro lado mientras ocurre el sufrimiento. La cultura debe ser un puente para la paz y la empatía, no un muro». También dedicó unas palabras a su conexión personal con el país y su alegría por estar en Barcelona, que alabo su gastronomía y la belleza de la ciudad y su gente.

 “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, indicó . y terminó con una referencia del historiador y filósofo estadounidense Howard Zinn: “Tener esperanza en tiempos difíciles no es solo una actitud romántica ni ingenua, sostiene una verdad esencial. La historia de la humanidad no es solo de crueldad, sino de valentía, compasión y bondad. Si elegimos centrarnos solamente en lo peor, paralizamos nuestra capacidad de actuar. Pero si recordamos los momentos en los que alguien obró con grandeza, da energía para actuar y cambiar el mundo, que gira como una peonza”. 

Mientras que Dolores Fonzi, directora de la película  argentina “Belén” que ganó como Mejor Película Iberoamericana, subió al escenario para aceptar el premio y dio un discurso bastante crítico contra la gestión de Javier Milei. “ Ustedes todavía están a tiempo, no caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo, eso es así, yo vengo del futuro. Vengo del futuro de un país donde el presidente incluso puso en venta el agua. O sea que ya no solo defendemos el cine, estamos teniendo que defender el agua”.

 «Los Domingos» y «Sirât» cumplieron los pronósticos, tal como se preveía, los grandes nombres de la temporada no fallaron: Los Domingos (Alauda Ruiz de Azúa): Se coronó con Mejor Película, Dirección, Guion Original y las actuaciones de Patricia Lopez Arnaiz y Nagore Aranburu.

“Sirât” (Mauro Herce): Imbatible en el apartado técnico con 6 estatuillas (Fotografía, Montaje, Música, Sonido, Producción y Arte).

​”Sorda”. Logró hitos importantes con Mejor Dirección Novel (Eva Libertad), Mejor Actriz Revelación (Miriam Garlo) y Actor de Reparto (Álvaro Cervantes). ​Otros premios destacados El actor,  Jose Ramon Soroiz se hizo con el Goya al Mejor Actor Protagonista por “Maspalomas”, mientras que la película  el polémico y esperado trabajo de Albert Serra, “Tardes de soledad”, se alzó como la Mejor Película Documental. ​y la noruega “Valor sentimental”  como Mejor Película Europea.

​Los datos respaldan el interés que hay por el cine español.  La gala fue líder absoluta con un 26% de cuota de pantalla (el mejor dato desde 2020) y atrajo a 2.396.000 espectadores de media en La 1 de TVE. Especialmente notable fue el impacto en el público joven (13-24 años), donde alcanzó un impresionante 37,6%.

​La alfombra roja fue un escaparate de diseño español. Mientras Luis Tosar vestía de Pedro del Hierro y Rigoberta Bandini alternaba diseños de Rabanne, Moschino y Marta Martí, la nota internacional la puso Susan Sarandon (Goya Internacional) vestida de Armani.

1 de marzo de 2026
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Roman Khimei y Yarema Malashchuk en el Museo Thyssen- Bornemisza

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Madrid, España.-  Este trimestre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Fundación TBA21 presentan “Pedagogías de guerra”, la primera exposición individual en España de Roman Khimei y Yarema Malashchuk, figuras clave de la nueva generación de artistas visuales ucranianos. La responsable de la comisariada es  Chus Martínez, la muestra propone cuatro instalaciones audiovisuales que han sido producidas en los últimos cuatro años, cuando comenzó la invasión a gran escala de Ucrania por parte de Rusia.

Las piezas analizan cómo, en un contexto donde la guerra es omnipresente y se retransmite a través de pantallas, sistemas algorítmicos y tecnologías, la violencia se infiltra en la vida cotidiana y reconfigura la percepción, el comportamiento y el día a día de la población. El proyecto se inscribe en el compromiso a largo plazo del museo y TBA21 con los artistas en situaciones de conflicto y cuenta con el apoyo de la Fundación Ecolec.

Roman Khimei and Yarema Malashchuk_Photo_ Courtesy of the artists

En palabras de Chus Martínez: “La exposición puede leerse a través de la paradoja formulada por Bertolt Brecht, quien distinguía entre Erlebnis –la experiencia vivida inmediata e inmersiva– y Erfahrung, la experiencia procesada, reflexionada y transformada en conocimiento. Para Brecht, el arte no transmite directamente la experiencia vivida; la convierte en una forma de comprensión. ¿Qué tipo de conocimiento puede producir entonces el arte sobre la guerra? Una posible respuesta, explorada a lo largo de esta exposición, es que la guerra lo transforma todo de manera radical, mientras que otros aspectos se mantienen inquietantemente familiares”.

Voceros del museo explican  que la práctica artística de Roman Khimei (1992) y Yarema Malashchuk (1993) se desarrolla entre el cine, la performance y la observación social. Su metodología va más allá de la grabación documental y recurre a la creación de situaciones de ficción para reflexionar sobre cómo la propia violencia se escenifica y se interioriza en contextos bélicos. “Desde nuestra perspectiva de civiles, nuestros trabajos ofrecen un tiempo distinto al de los medios, que permite ralentizar la mirada e invita a la reflexión. Nos interesa cómo la guerra se infiltra en la vida cotidiana, cómo altera la percepción y cómo se forma la memoria cuando conviven, como es nuestro caso, la proximidad al conflicto y la distancia que debemos tomar como artistas”, explican.

Los visitantes verán  cuatro videoinstalaciones, creadas a partir de imágenes de cámaras de vigilancia, imágenes cinematográficas escenificadas y grabaciones de personas que viven la guerra en Ucrania, diluyen los límites entre el documental y la ficción. Las obras, en su conjunto, tratan de combatir los clichés de una ciudad en guerra e invitan al espectador a experimentar cómo es la cotidianeidad en la ciudad de Kyiv –y en otros territorios ucranianos– entre un bombardeo y otro, intentando romper la distancia de seguridad que las personas crean como espectadores ante una guerra televisada. 

Yarema Malashchuk_Roman Khimei_Open World_Have to See This_© Mathias Völzke
Yarema Malashchuk_Roman Khimei_Open World_Have to See This_© Mathias Völzke

La exposición comienza con The Wanderer [El caminante] (2022), una pieza producida poco después del inicio de la invasión que forma parte de la Colección TBA21. En ella, los artistas utilizan sus cuerpos para escenificar las posturas de los cadáveres de los soldados rusos caídos que se confunden con el paisaje natural de los Cárpatos.  

La tercera obra de la muestra, “You Shouldn’t Have to See This [No deberías tener que ver esto]” (2024) –reconocida con el Premio Curatorial de OFFSCREEN París– es una videoinstalación de seis canales que, marcada por el silencio, presenta a niños y niñas ucranianas mientras duermen. 

Los artistas exhiben por primera vez “We Didn’t Start this War [Nosotros no empezamos esta guerra]” (2026), un nuevo encargo de TBA21 para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. 

Esta instalación –cuyo título hace referencia a una frase que la sociedad civil ucraniana repite tras la invasión rusa, ya que rechaza el conflicto– presenta un tríptico audiovisual concebido en un contexto bélico donde las imágenes no muestran representaciones violentas del conflicto, sino el resultado de una atención sostenida a una rutina que casi ha desaparecido para la sociedad ucraniana: la vida cotidiana que transcurre sin catástrofes visibles. En palabras de los artistas, “a través de la recreación de la realidad cotidiana en Kyiv, iniciamos una conversación con el espectador sobre la representación de un país en guerra”.

Los cuatro vídeo ensayos reivindican la capacidad del arte para sostener una reflexión colectiva en un momento en el que la violencia corre el riesgo de convertirse en un fenómeno rutinario. La exposición apuesta por la experiencia directa y por el diálogo entre el cine y las realidades sociales contemporáneas, presentando un lugar desde el que proponer el arte como un espacio político compartido, donde las personas aparecen como iguales y la paz puede seguir pensándose como una práctica colectiva diaria.

La fecha para verlo será del 3 de marzo al 21 de junio de 2026. 

24 de febrero de 2026
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SIN CORBATA.

By Sobre 2 ruedasNo Comments

La idea fue de Jaime Torres Bodet, luego de conversar con el candidato electo, Adolfo López Mateos. Hacer libros para todos los niños de México, atractivos, gratuitos, instructivos. Así en 1959, luego de creada la Comisión Nacional del Libro de Texto Gratuito, fue publicado el inaugural de ellos: “Mi libro de Primer Año”.

La leyenda cuenta que don Adolfo, cuando niño, no tenía libro escolar y era la burla (como siempre) de sus compañeritos del salón de clases. Después de su aciaga participación como orador en la campaña presidencial de José Vasconcelos, después de su trashumante peregrinaje hasta la hacienda en Chiapas donde vivía su verdadero padre –don Gonzalo de Murga–, después de sobresalir como senador y como ministro de Trabajo, López Mateos fue electo presidente de la República. Cuentan que se emocionó hasta la lágrimas al tener en las manos aquel primer ejemplar, en cuya portada lucía el retrato de La Patria, óleo de Jorge González Camarena.

Hace días el retrato de Carlos Marx lucía en el escritorio de su homónimo, Marx Arriaga, director de Producción Editorial en la SEP. Es cosa de revisar las fotografías de prensa. De ese modo, el capitán de los libros gratuitos que reciben los niños en México, se precia de ser coautor de la Nueva Escuela Mexicana, que se ha impuesto desde diciembre de 2018.

Quien revise los libros de texto hoy vigentes, comparados con los editados en décadas anteriores, se podría ir de espaldas. El ánimo por la formación y el aprendizaje (científico) se ha puesto de lado en beneficio de la instrumentación ideológica. En el libro de Cuarto Año, por ejemplo, asoma el dibujo de un caballero elegante, trajeado, sobre el cual hay una voluta de rayones, eliminándolo, sobre una leyenda que dice: “Las personas que llevan corbata son desconfiables”. Así nomás.

Ahora que don Marx Arriaga fue despedido de su puesto, sin embargo, se aseguró que no habrá cambios en el contenido de los libros producidos por la Conaliteg, si acaso serán incorporados temas de las mujeres y las comunidades indígenas del país. Y como don Marx Arriaga no se quería ir de su trinchera… perdón, de su oficina, emprendió una campaña para salvar el puesto, aduciendo que las fuerzas neoliberales, en connivencia con el titular de la SEP, Mario Delgado, están confabuladas contra él y la “revolución educativa” que encabezaba.

Para quienes hayan leído el Manifiesto Comunista, recordarán que tesis fundamental del volumen es aquella donde se afirma que “La historia del mundo es la historia de la lucha de clases”. En ese volumen, escrito emparejadamente por Federico Engels y Carlos Marx (el verdadero), asoma la primera frase de terror cívico: “Un fantasma recorre Europa, es el fantasma del comunismo”.

Así ahora, en la crónica que podría escribirse desde el sexto piso de la SEP, asomaría la sentencia: “Un fantasma recorre la SEP, es el mismo que vaga por Palacio Nacional”. Cosa de esperar cómo se desenvuelve el desaguisado.

Los precedentes políticos que confluyeron en la integración del PRD –luego Morena–, fueron partidos de apellido histórico: Popular Socialista, Socialista Unificado (antes PCM), Mexicano de los Trabajadores, “Tendencia democrática” del PRI. Todos tildados de izquierda, asumiendo el marxismo como principio motor de su lucha, que era (y es) la de los desheredados del mundo. Recuérdense las pueriles pancartas asomando en las dos campañas electorales de Cuauhtémoc Cárdenas… Carlos Marx, Federico Engels, Joseph Stalin, junto a las imágenes de la Virgen de Guadalupe. O sea, el que se daba en llamar “marxismo guadalupano”, del que hoy disfrutamos sus consecuencias.

La revolución proletaria requiere de conciencia, militancia, adoctrinamiento. Así fue en la Rusia zarista de 1917, así fue en Cuba después del 16 de abril de 1961, cuando la Declaración de La Habana. No es ningún secreto, en esa visión del mundo lo primordial es azuzar la “lucha de clases”… esclavos vs. patricios, siervos vs. hacendados, proletarios vs. capitalistas, y ahora “el pueblo bueno” vs. neoliberales. En ese sentido es como deben ser entendidos los nuevos libros de texto, bendecidos por don Marx Arriaga, para concientizar a las masas. Al fin que los encorbatados –del Banco de México y del Grupo Monterrey– son del todo desconfiables, y merecen ser tachonados a golpes de crayón.

Cada quien se llama como quiere (o como puede). Las Guadalupes son adeptas a la Virgen que apareció en el Tepeyac, los Benitos son discípulos del Benemérito, los Brandon del mundo son prosélitos del tosco Marlon de las películas. Así nuestro (Carlos) Marx defendiendo la barricada del sexto piso… ¿por qué ese nombre tan histórico? ¿De qué se hablaba en la sobremesa familiar? ¿De princesas y castillos, del canto de Filippa Giordano? Me parece que no mucho, aunque sí de incendiar corbatas, tan incómodas por cierto.

24 de febrero de 2026
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INICIÓ LA LEGENDARIA FERIA DEL LIBRO DE MINERÍA.

By Rutas literarias, Sobre 2 ruedasNo Comments

La 47.ª edición de la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM) se lleva a cabo del 20 de febrero al 1 de marzo de 2026 en la Ciudad de México.

El viernes 20 de febrero de 2026, se inauguró la 47 Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería, esta que ya es toda una tradición, FIL que organiza nuestra máxima casa de estudios, UNAM. En esta ocasión el estado invitado es Sonora. Es un lugar donde convergen todas las editoriales de la UNAM en un mismo lugar, también, se llevan acabo actividades culturales y conversaciones con los autores.

Este año Mercedes Alvarado es directora del encuentro, ella la ha vivido como lectora, como autora y ahora como quien la dirige. La nueva directora dijo que se siente muy emocionada y cree que el público podrá disfrutar de una nueva versión de la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería sin perder de vista, que es la más antigua en la historia del país.

También señaló que dentro de la FIL habrá más de 1200 actividades: con un claro enfoque en infancias y juventudes con presentaciones de libros, conversatorios, mesas de análisis, charlas especializadas y actividades escénicas, que conectan escritura, territorio e identidad y permiten leer esa entidad desde múltiples capas: la histórica, la social, la comunitaria y la contemporánea.

Participaran aproximadamente un centenar de exponentes y conferencistas; en los mil 500 metros cuadrados de exhibición se contará con 550 sellos editoriales y 185 expositores.

Entre los nombres más destacados que integran esta participación figuran Fernanda Ballesteros, Alfonso López Corral, Selene Carolina Ramírez, Daniel Serrano. Carlos René Padilla y Emilia Buitimea, autores cuyas obras dialogan con temas como memoria cultural, violencia, frontera, desplazamiento, lenguas originarias y experimentación formal.Entre los nombres más destacados que integran esta participación figuran Fernanda Ballesteros, Alfonso López Corral, Selene Carolina Ramírez, Daniel Serrano. Carlos René Padilla y Emilia Buitimea, autores cuyas obras dialogan con temas como memoria cultural,violencia, frontera, desplazamiento, lenguas originarias y experimentación formal.

Homenajes a Jaime Sabines, León-Portilla y Sergio Galindo

Durante la 47 edición de la Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería (FILPM) se celebrará a numerosas figuras de la literatura que nacieron hace un siglo, como el poeta Jaime Sabines, el antropólogo Miguel León-Portilla, los escritores Armida de la Vara, Sergio Galindo y el estadunidense Richard Matheson. Jaime Sabines, considerado uno de los poetas más leídos del siglo XX, será recordado con dos conversatorios: el primero fue «Algo sobre la vida del poeta: A 100 años de Jaime Sabines», que se realizó a las 13 horas el 22 de febrero . en la Galería de Rectores. Participaron la escritora Pilar Jiménez y Javier Aranda Luna, articulista de La Jornada.

El segundo tendrá lugar el 1º de marzo a la misma hora, con una lectura en voz alta titulada «Sabines en sus palabras», con la participación de Ethel Krauze, Julio Toledo, Alejandro von Düben y Mercedes Alvarado, en el Salón de la Autonomía.

En tanto, Miguel León-Portilla será recordado con una lectura de poesía en la Galería de Rectores, denominada «El mundo y sus raíces», con Natalia Toledo, Mardonio Carballo, Rubí Tsanda Huerta y Socorro Venegas, al mediodía del 22 de febrero. El día 28 a las 17 horas en el auditorio cuatro se presentará el libro Soy mi memoria: Miguel León Portilla, en el que participarán Ascensión Hernández Triviño y María Luisa León-Portilla (viuda e hija del antropólogo, respectivamente), Natalio Hernández, Diego García y Alejandro Cruz.

El novelista Richard Matheson, destacado escritor de terror a escala mundial, será la figura central de la edición 11 de la Jornada de Literatura de Horror, que será inaugurada con una conferencia el 27 de febrero a las 17 horas. Una hora después, Abraham Castillo, Amaranta Monterrubio y José Antonio Valdés Peña realizarán un análisis de tres de sus obras más importantes: El hombre menguante, La leyenda de la casa infernal y Soy leyenda.

El 28 de febrero a las 16 horas, en la Galería de Rectores, se realizará una mesa de diálogo en la que se hablará de la influencia que Matheson tuvo en la televisión, para la cual inspiró series como La dimensión desconocida, La hora de Alfred Hitchcock y las historias del detective ficticio Carl Kolchak. Posteriormente se llevará a cabo una lectura dramatizada de la novela Bebe mi sangre.

Habrá música en vivo, por primera vez, la feria integra una agenda de conciertos diarios en el recinto.

El programa incluye a figuras mediáticas y autores consolidados como
Vania Bachur quien presenta presenta 15 consejos malvados para ser un adulto independiente el 28 de febrero a las 15:00 hrs.
Y la mesa «90 años del Instituto de Investigaciones Estéticas»: una charla magistral con Socorro Venegas el 28 de febrero.

Sonora estado invitado y homanaje a Armida de la Vara y Robles.

La presencia de Sonora está como el invitado de honor, con un espacio destinado a mostrar su oferta editorial y aspectos de su cultura, además de más de 80 presentaciones editoriales.

«En el corazón del desierto sonorense, en un pueblo sostenido por el canto del viento y el ritmo silente de las horas, nació Armida de la Vara y Robles. El 1 de enero de 1926, Opodepe la recibió como a la luz: con el silencio profundo de las mañanas y el olor antiguo de la tierra recién despierta. Abrió ahí los ojos a un mundo de sombras frescas, callejones polvorientos y rumor de animales madrugadores», dice la información de la FilMinería

Sede: Palacio de Minería, ubicado en la calle Tacuba No. 5, Centro Histórico, Alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México.
 
Lunes a viernes: 11:00 a 21:00 horas.
Sábados y domingos: 10:00 a 21:00 horas.
24 de febrero de 2026
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Fortuny: El esplendor de la realidad

By Sin categoría, Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga  presenta “Mario Fortuny. Dibujos” exposición que destaca el dibujo de uno de los maestros del siglo XIX. Es en la Sala Noble donde se presenta el trabajo de  Mariano Fortuny y Marsal (Reus, 1838 –Roma, 1874). 

Fortuny en la disciplina del dibujo – explican –  fue un verdadero maestro, dotando a sus obras de una visión adelantada a su tiempo y volcando en ellas toda su original y moderna personalidad artística.

Foto: J. Carlos Santana

 “Mariano Fortuny. Dibujos” reúne 28 dibujos y cuatro grabados del autor procedentes del Musée Goya de Castres (Francia).

La directora artística del Museo Carmen Thyssen Málaga, Lourdes Moreno, explica que la muestra recoge los principales temas que Mariano Fortuny, el pintor español más internacional del siglo XIX, trató a lo largo de su vida artística, tanto en su pintura como en los dibujos y grabados. De sus escenas de la vida cotidiana y temas orientalistas sobresale el minucioso y concienzudo estudio del natural que Fortuny aplicaba a sus retratos y personajes, cualidades que en la disciplina del dibujo cobraron singular fuerza expresiva.

“Su fascinación por el paisaje y la naturaleza también destacan en esta exposición, con apuntes que evidencian el interés del artista por la luz y la pintura al aire libre, de la que fue sin duda un precursor anticipándose a la libertad de trazo que llegaría a finales del siglo, ya tras su fallecimiento, con el impresionismo”.

Dos mendigos árabes en la esquina de una calle. Aguada sobre papel. FOTO: J. Carlos Santana

En palabras de Lourdes Moreno, “si en 2025 iniciamos el año con Zurbarán, en este 2026 otro gran maestro del arte español abre nuestra programación expositiva: Mariano Fortuny y Marsal, una verdadera referencia de su tiempo que alcanzó la categoría de mito, quizá por su temprana muerte a los 36 años; un artista cuya sombra es muy alargada, gracias a haberse revelado como una inusitada

punta de lanza de la modernidad en la pintura y, como puede verse en esta exposición, también en el dibujo”.

En la inauguración estuvo presente la directora  del Musée Goya de Castres,  Joëlle Arches, indicó que su museo  posee uno de los más importantes fondos de obra gráfica de Fortuny, compuesto por más de 80 dibujos y grabados y fruto de la generosa donación de Henriette Fortuny, nuera del artista, en 1950, y también de compras posteriores realizadas por el museo. 

Sobre el artista se conoce que su condición de artista viajero -residió en lugares tan diversos como Barcelona, Marruecos, Roma o Granada- y su preferencia por el mundo oriental son el caldo de cultivo de unas obras que cautivan la mirada del espectador por su vivacidad y sencillez, por la maestría con que unos pocos y ágiles trazos de tinta, carboncillo o acuarela dan forma a personajes y ambientes en las más variadas actitudes.

Hombre vestido con un trapo, c1869. Acuarela sobre papel. Foto: J. Carlos Santana

Destacan que “Mariano Fortuny. Dibujos» supone también una oportunidad para calibrar la importancia que el dibujo ejerció en el crecimiento creativo del pintor de Reus. Formado en el sistema académico, donde el dibujo venía siendo la base de la práctica artística desde el renacimiento, fue especialmente en esta disciplina en la que Fortuny dio rienda suelta a su talento, a su creatividad, a su capacidad de resolver desafíos compositivos y a evidenciar su arrojo y autoexigencia, lo que desembocó en propuestas de una palmaria modernidad, generando en su tiempo -y aún hoy- una verdadera fascinación por su obra en el mundo del arte.

El relato expositivo ha sido concebido como un acto de celebración de la capacidad que tuvo Fortuny de trascender su tiempo histórico, hasta el punto de erigirse, debido a la brevedad de su existencia y al éxito alcanzado, en un personaje revestido de un aura mítica, tanto antes como después de su inesperado deceso. Transcurridos más de 150 años desde su desaparición, contemplada con la sensibilidad contemporánea su figura emerge como el emblema de una modernidad vislumbrada, de una ambición desmedida por superar los límites de unas convenciones visuales deudoras de la tradición ochocentista.

Para Francesc Quílez Corella. Comisario del Año Fortuny la contemplación de algunas de sus obras, más allá de su refinamiento técnico o de ejercer un misterioso efecto de imantación, nos ayuda a descubrir a un artista inadvertido, casi desconocido, capaz de establecer con el soporte de papel una relación idílica. En estos trabajos emerge un creador insólito, que con su exacerbada sensibilidad es capaz de despertar en nosotros el registro de la experiencia estética. Sus dibujos nos trasladan a un lugar inexplorado, en el que el lenguaje artístico activa los resortes de nuestras emociones y nos permiten gozar de un universo plagado de imaginación, fantasía, hedonismo y belleza. Sin renunciar a las referencias literarias, deudoras de las convenciones del lenguaje de su época, que encontramos en muchas de sus creaciones pictóricas, o al principio de verosimilitud que rige su manera de entender la práctica artística, las obras dibujadas exploran lugares insospechados y en ellos es fácil observar un anhelo de libertad, de superación de las referencias visuales tradicionales, con el fin de dejarse arrebatar por las pulsiones más instintivas. Las ideas artísticas adquieren una nueva dimensión, se nos muestran luminosas y despojadas de los condicionamientos del mercado artístico y de los gustos arcaicos de una clientela que no acostumbraba a tolerar las desviaciones heterodoxas.

19 de febrero de 2026
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DIA DEL AMOR Y LA PROMISCUIDAD

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“Estas palabras están dedicadas a todas las mujeres que amé como se ama una sola vez en la vida”. Yo escuché por primera vez esta contradicción del amor ideal en la boca cabaretera de Tito Vasconcelos. Pensando en Platón, para quien el amor sublime no es el ser querido sino la idea de esa persona, me pregunto si los poliamorosos del siglo XXI van de casa en casa para abrazar a sus múltiples amores únicos. Afortunadamente las parejas abiertas tienen hoy internet para coordinar los encuentros el 14 de febrero, porque si la o el amante también es poliamoroso debe haber una logística para darle un ramo de flores a tanta concurrencia. Al menos que se reúnan todos y hagan una poliorgía.

En 1983 Darío Fo estrenó su mundialmente famosa sátira sobre la Pareja abierta, pero tuvo que ser en Suecia porque en Italia el Vaticano aun pesaba sobre la moral pública. El único cómico que ha ganado el Premio Nobel descreía de la posibilidad de amar profundamente a una persona y permitir al mismo tiempo que se encuentre con otros sujetos a la manera bíblica, esto es, para el fornicio. Es posible que los amantes del siglo XX no estuviéramos preparados para el poliamor y por un tiempo consideré que la generación Z si lo estaba, pero ya vi que tampoco, al menos no todos los nacidos al final del siglo analógico, porque conozco algunas parejas que sufren como Otelo la libertad que le dieron a Desdémona de revolcarse con Yago.

La generación Alfa dirá que acabo de escribir una frase machista porque le doy al hombre la potestad de darle a la mujer la libertad que ella tiene por derecho propio. Aunque sé de casos en los que es la mujer quien le permite al hombre buscar otro cuerpo para agasajar el suyo, y sé de cierto que en ambos casos ese permiso es de dientes para afuera, porque como en la obra de Fo, tanto el hombre como la mujer se retuercen por dentro al ver que su pareja les tomó la palabra.

Resulta positivo que las nuevas generaciones estén desarmando la estructura del amor como pertenencia. Nadie es dueño de nadie, aunque para tantos seres humanos el amor es un título de propiedad. Tu eres mía porque yo te amo. O porque te amo me perteneces. El corazón es el símbolo del amor, pero sabemos que esa emoción se produce en el cerebro cuando la fábrica de dopamina (ATV) lanza su primera ráfaga de placer al ver a determinada persona. Si la descarga es muy fuerte el Núcleo Accumbens que es la médula de la adicción se encarga de que sientas la necesidad de perseguir ese estímulo, al tiempo que la oxitocina del Hipotálamo refuerza las ganas de contemplar el cuerpo amado. Lo que ignoro es si esta danza entre el tronco encefálico, el sistema límbico y la corteza cerebral se ha modificado con la cultura líquida del siglo XXI, de tal forma que, así como un adolescente Alfa no puede fijar su atención en una imagen más de tres minutos, tampoco logre amar a la misma persona más de una semana.

En lo personal conocí la promiscuidad de la carne en los años 70 cuando viajé por Europa en auto y pernoctaba en los campings que ya proliferaban en esos países (salvo en la España de Franco). Ponías tu casa de campaña y tenias derecho a los baños y al comedor general en donde el bar era el eje central. En aquellos veranos todas las noches fueron de reventón psicodélico y etílico en el que los jóvenes sin pareja hallaban una para esa noche, y era tan abundante la oferta de ambos sexos que la consigna era no repetir acompañante la próxima noche. Ahí pude ver la frustración de las parejas casadas o comprometidas por el amor, al no poder vivir el desenfreno de los sentidos.

Aunque lo que me intriga del poliamor es saber si se trata de diversificar tu placer a partir de una pareja definida, porque si no tienes un compromiso afectivo con alguien no es poliamor sino promiscuidad sexual y con suerte erótica. Se cuenta que los vikingos y otras etnias europeas y americanas compartían a sus mujeres y a sus hombres por mera cortesía. No hablo de los árabes porque ahí solo los hombres pueden ser poliamorosos mientras la mujer no puede ni enseñar los tobillos. Tampoco menciono a los apóstoles de diversas sectas que obligan a los padres a entregas a sus hijos de ambos sexos porque es algo criminal y abominable.

Finalmente me pregunto si hay una filosofía y una ética en la búsqueda del amor plural, en la que se renuncia por principio al amor sublime. Porque dicen los clásicos que se puede fornicar con muchas parejas, pero sólo con una se puede hallar la plenitud del amor. ¿Usted qué opina?

14 de febrero de 2026
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El pintor José Luis Bustamante es homenajeado por 50 años de trayectoria con EUDAIMONIA.

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El pintor trasciende con cinco décadas de trabajo y es homenajeado en una exposición en la que celebrarán también su cumpleaños con obra de él y una decena de pintores.

El pintor José Luis Bustamante será homenajeado con la exposición EUDAIMONIA, un término que para Aristóteles y los antiguos griegos, no significaba un estado de ánimo pasajero como la alegría, sino el florecimiento humano alcanzado a través de la excelencia y la virtud, y con este título amigos se une para celebrar a Bustamante  el próximo 14 de febrero, donde una decena de artistas invitados rinden un homenaje al “Maestro de la Luz y la Abstracción” , en la Casa de la Cultura de de Tlalpan, coincidiendo con el Día de San Valentín y el aniversario del nacimiento del artista.

Convocados por Elsa Quiñones se podrán ver obras de Miguel Alarcón, Majo Alonso, Cynthia Clava, Juan Ibarra, Marcos Mion, Indra Ortiz,  Alejandra Pous, Regina Tena, Angélica Zermeño y el propio Bustamante heredero de la Escuela Neofigurativa.

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Desde septiembre 2025 el maestro Bustamante inició con la celebración de sus cinco décadas como pintor con una completa exposición en la Fundación Sebastian, en la que expuso cuatro de sus series de obras en las que estaba el agua, la poesía, los paisajes de los dioses, el sol y las lecturas de la tierra; así como  la publicación de un nuevo libro: José Luis Bustamante Murales, y obras de gran formato, que se presentó tanto en la Fundación como en Tepoztlán, Morelos, sitio en donde reside el pintor.

Luego de EUDAIMONIA, las conmemoraciones continuarán a lo largo del 2026. El 28 de febrero en el Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO) localizado en el corazón de la ciudad de Oaxaca, se inaugurará la exposición Panorámica 50 años de Trayectoria, con más de 20 obras que mostrarán su arte abstracto donde ha incorporado la connotación de símbolos como el viento, el fuego, el silencio, la escritura, la divinidad o el cosmos, iconografías inherentes a su lenguaje.

Bustamante ha insistido en sus pinturas en dominar la luz, y para ello en utilizar la hoja de oro o de plata como trasfondo, luego utilizar  rojos, azules, blancos, amarillos u ocres. Porque para este pintor nacido en México pero dominicano de corazón: “La luz exuberante de ese país es un sol que nunca se apaga” y ese brillo atrajo su atención. Pero la luz viene desde sus andanzas en la pintura siendo muy joven cuando conoció la obra del pintor inglés William Turner, ha dicho.

El trayecto de su arte y las celebraciones de Bustamante llevarán su obra en abril hasta el Museo Iberoamericano de Arte, en Trujillo, Cáceres, España; en donde participará en la exposición colectiva NEXOS 2026, junto a otros 14 artistas iberoamericanos, y donde este creador desplegará su «abstracción connotada» con  obra que poseen un significado profundo y simbólico.

Geometria-del-Sol-2022-Oleo-sobre-tela-Exagonal-150×130-cm

“Si voy a meter una mancha, esa mancha tiene que decir algo, un signo, un tema, un simbolismo”, ha expresado el pintor.

Hay que mirar de frente cada obra de Bustamante para ver lo que propone, de manera sutil, hay formas reconocibles como señaló Leo Rosshandle, quien añadió que “son pocos los artistas que logran unir símbolo y abstracción”.

Para Bustamante el color es también parte del simbolismo: “el color es un lenguaje y tiene un simbolismo innegablemente, como en las religiones”.

 

Nacido en la Ciudad de México en 1955, estudió en la Escuela Nacional de Artes plásticas San Carlos (UNAM); radicó en Santo Domingo, República Dominicana, por casi una década; es ya un artista reconocido en México y el extranjero, recibió en 2007 una  de las becas más prestigiosas en los Estados Unidos, la Pollock-Krasner, la cual se dedica generalmente al arte abstracto. Actualmente vive y tiene su taller en Tepoztlán, Morelos.

La exposición colectiva EUDAIMONIA, que rinde homenaje a José Luis Bustamante, en la que celebrarán sus 50 años de trayectoria y el cumpleaños del maestro, se inaugura el próximo 14 de febrero a las 12 horas en la Casa de Cultura de Tlalpan –Camino a Sta. Teresa, Bosque del Pedregal, Tlalpan, 14010 CDMX–. La entrada es libre.

12 de febrero de 2026
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Clara Belén Gómez: «Mi obra no es una historia cerrada, es el mapa de mi propio laberinto emocional»

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​Málaga, España.- El próximo 13 de febrero a las 19:00 horas, el Museo de Arte Contemporáneo Mayte Spínola de Marmolejo se convertirá en el escenario de una de las propuestas más personales de la temporada. La artista malagueña Clara Belén Gómez presenta su exposición «Mapa de lo que queda», una muestra que desafía la cronología convencional para ofrecer, en cambio, un recorrido por el «laberinto emocional» de su autora.

​A diferencia de las retrospectivas tradicionales, esta exposición no busca narrar una evolución lineal. Belén Gómez ha comisariado sus piezas guiándose por la intuición y el contraste. «Es mi propio laberinto emocional», explica la artista. «Fui colocando las obras por sensaciones: piezas impulsivas que conviven con otras silenciosas, como pasa en la vida misma».

Despertar de Otoño. 40x50cm. Collage digital. Impresión en papel bambú Hahnemühle. 2024
Despertar de Otoño. 40x50cm. Collage digital. Impresión en papel bambú Hahnemühle. 2024

En una breve entrevista Belén  Gómez sin perder su sonrisa, al preguntarle ¿si su obra es una lucha contra el olvido o una celebración de lo que sobrevive al paso del tiempo? Indicó que más que una lucha, es una toma de conciencia. “Es más bien lo que queda, lo que permanece. Es lo aprendido. Es mi visión actual, de algo que en su momento decidí componer de una forma y no de otra. Cuando estoy inmersa en el día a día, con sus problemáticas, sus alegrías o sus tiempos de tristeza, no soy tan consciente de ese proceso como lo soy después de haber creado una obra y, sobre todo, al volver a contemplarla con la perspectiva del paso del tiempo. Sencillamente es mi propia introspección que lógicamente da sentido a la estética y al concepto de la obra”.

​El visitante se encontrará con un diálogo inesperado entre obras de distintas épocas que, al verse juntas por primera vez, revelan una coherencia temática asombrosa: la mitología, el equilibrio y la resiliencia aparecen como hilos conductores de un camino que la artista ha recorrido casi sin darse cuenta.

 ¿Hubo conexiones entre obras de distintas épocas que te sorprendieron al verlas juntas?

 Sí, y bastante. En ese sentido me he dado cuenta, a la hora de configurar la exposición, de que hay temas muy recurrentes en mí, como el equilibrio, la superación, quizá la rebeldía, bueno, y la mitología, que aparece bastante, porque creo que es uno de los recursos que mejor me han ayudado a expresar mi camino por ese laberinto emocional, que para mí es la vida. Me ha sorprendido descubrir que existe una coherencia temática en mi obra a lo largo del tiempo, incluso sin pretenderlo. Como si llevara años recorriendo el mismo camino sin darme cuenta. Me ha hecho pensar en la importancia del autoanálisis para mí, al no ser un diario escrito y preciso, mis imágenes acabo leyéndolas desde la perspectiva del presente, de ahí que el título “Mapa de lo que queda”, es tan fiel a la exposición. Quizás en esas imágenes del pasado se guarden muchas más emociones, pero queda mi visión actual: mi aprendizaje.

Hay obras recientes, realizadas en el 2025 y 2026, incluso las de finales del 2024, supongo que dentro de unos años las comprenderé mucho mejor. Con esto no quiero decir que no haya un tema de creación o un concepto, que sí lo hay. De lo que hablo aquí es de lo que me llevó a crearla de esa manera y no de otra y de cómo he podido comprender esas decisiones al cabo de años después.

– Al mirar atrás, ¿reconoces a la Clara Belén de los primeros trabajos o te sientes otra persona?

 La reconozco, pero también me siento distinta. Veo coherencia en la obra, pero yo como persona he cambiado muchísimo. A veces siento que me voy construyendo como mis propios personajes, a base de fragmentos.

​Definida como artista plástica y digital, Clara Belén utiliza el ordenador no como un filtro que distancia, sino como la «mesa enorme» donde unifica su mundo. Sus obras son un ensamblaje de dibujos a mano, texturas de acrílico y fragmentos de fotografías antiguas que cobran una nueva piel al ser impresas.

¿Cuánto hay de planificación y cuánto de accidente al superponer fragmentos?

Depende muchísimo de la obra. Algunas están muy pensadas y otras nacen casi del azar. Muchas veces empiezo con una idea, una crítica y termino en un sitio completamente distinto. Y me gusta que pase eso. Siento que el accidente dice cosas más sinceras sobre mí que la planificación. También hay obras que son fruto de un encargo para algún cartel, ahí me adapto a proyecto y su temática, como mis cuatro Ateneas para Prensa Futura, un proyecto junto a la actriz y cantante LaPili y Vicky Molina, vocal de Acción literaria del Ateneo de Málaga. Y a pesar de ello, aunque me ciña al tema, aflora mi estado de ánimo en ese momento.

El accidente y la experimentación también me abren a técnicas nuevas. Por ejemplo es el caso de “Estigma”, un experimento con pasta de modelar que accidentalmente se manchó de acrílico rojo y finalmente, se convirtió en otra técnica con la que expresarme.

¿Eres una persona que acumula objetos y recuerdos o el collage es tu forma de ordenar el caos?

Acumulo bastante, la verdad, supongo que mi caos mental se tiene que reflejar en mi vida también de esa manera. Guardo papeles, texturas, cosas que otros tirarían, pero las necesito en mi proceso. Por eso, me alegro de no haberlo tirado. Así que sí, el collage es un poco mi manera de ordenar ese caos, de darle sentido a todo eso que voy guardando. Y luego está la parte cotidiana: yo tiendo a acumular recuerdos y objetos.

 Inauguración de la exposición «Mapa de lo que queda» de Clara Belén Gómez presenta más de veinte obras. Museo de Arte Contemporáneo Mayte Spínola, Marmolejo (Jaén). 13 de febrero a las 19:00 horas.

8 de febrero de 2026
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