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Sobre 2 ruedas

MIL PESOS

By Sobre 2 ruedasNo Comments
Bonito León Guanajuato, se cansaba de cantar José Alfredo, botella en mano, porque amor sin sufrimiento no es amor y allá en su feria con su jugada la vida no vale nada… Es verdad, ¿cuánto cuesta la vida en México?
    No se queda atrás la Comisión Nacional del Salario Mínimo al situar éste en 172 pesos con 87 centavos. Serán suficientes, sí, “para satisfacer las necesidades normales de un jefe de familia en el orden material, social y cultural para proveer la educación de los hijos”. Muy bien, aunque hay indicios que llevan por encima de esa estimación.
    Como se recordará, el lunes 4 pasado la señora Noemí acudió a las oficinas del DIF en el barrio de Neza-Bordo luego de que las agencias del MP en Los Reyes y Ciudad Neza desatendieran su caso. No le entendían, toda vez  que la mujer denunciaba que su pequeño de cinco años había sido robado por una vecina y no se lo querían devolver. El caso ocupó las planas de la prensa debido a la bestialidad del hecho: El niño Fernandito había sido secuestrado “en prenda” por una deuda de mil pesos que doña Noemí debía a su vecina Ana Lilia, en la misma colonia El Pino donde habita.
    Luego del peritaje que realizó la agencia especializada en Delitos de Género, se halló el cuerpo del infante dentro de una bolsa de plástico. Los agentes señalaron que Fernandito presentaba heridas en todo el cuerpo y que había fallecido a consecuencias de un martillazo (posiblemente) en la cabeza. De inmediato fueron apresados los parientes Lilia N. y Carlos N. junto con doña Ana Lilia, quien manifestó que no sabía leer ni escribir.
    Todo por los mil pesos que le habían prestado a Noemí, y que se negaba a pagar. De ese modo queda actualizada la estrofa del vate de Dolores Hidalgo pues no; es falso que la vida no valga nada. Vale mil pesos que, puestos en dólares, son apenas $50.
    ¿Vale más un ser humano con estudios en Harvard o Stanford (como nuestra señora Presidenta), que un niño de familia analfabeta en los márgenes de Ciudad Neza? Antes de responder recordemos, ¿cuánto pagó el Sanedrín a Judas Iscariote por la entrega del Nazareno? Treinta denarios, muy buenos, y la zozobra que lo acompañó por el resto de sus días.
    Treinta denarios, mil pesos, ¿cuál es la cantidad mínima que aceptan las compañías aseguradoras para contratar un seguro de vida? Eso me lleva a recordar el precio acordado por la vida de los presos políticos durante la dictadura de Augusto Pinochet. Alguna vez, conversando con el buen Hugo Gutiérrez Vega, recordábamos sus años cuando dirigente del Comité de Solidaridad con el Pueblo Chileno.
    El golpe militar que derrocó al gobierno de Salvador Allende fue en 1973 (el 11 de septiembre), y un año después Gutiérrez Vega desde México logró pactar la liberación de algunas decenas de presos del gobierno de la Unidad Popular.
    “En el Comité nos hicieron saber que el gobierno chileno estaría dispuesto a liberar a algunos prisioneros por un trueque en metálico. Un preso por una maleta llena de dinero en billetes de 20 dólares. El gobierno de Echeverría nos dio todas las facilidades y así volamos a Panamá, donde nos entrevistamos con dos coroneles chilenos que descendieron del avión donde venía medio centenar de presos políticos. Y se dio el intercambio”.
    Eso del precio de una vida me hace recordar, igualmente, el viacrucis de un amigo que recientemente transitó por los quirófanos de un afamado nosocomio a sur de la ciudad… ingresado a consecuencia de una apoplejía ya no superó. Durante dos meses los médicos le ordenaron radiografías, ultrasonidos y tomografías de todo tipo sospechando desde luego que el paciente ya no se levantaría. Así lo enviaron a su casa, aquejado de una atrofia total y con una deuda cercana a los cuatro millones de pesos que, para nada. A la semana pasó a mejor vida.
     Entonces, ¿la vida cuesta 30 denarios, una maleta llena de dólares, 4 millones o los mil pesos que quedó a deber la mamá de Fernandito? La patria bien vale la vida, nos lo recuerda la abnegada estrofa que promete “exhalar en tus aras su aliento”, si el clarín lo convoca. Así que actualicemos la copla del buen José Alfredo y no, que la vida no valga nada sino al menos un poquito… por lo menos los mil pesos de Fernandito, que hubieran alcanzado para comprarle un bonito triciclo.
16 de agosto de 2025
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LA RESISTENCIA

By Sobre 2 ruedasNo Comments

En diversas épocas se ha debatido si la creatividad en el arte tiene fecha de caducidad o es permanente. Para ejemplificar el agotamiento poético se menciona a Rimbaud, y para lo contrario, a Goethe. Germán Castillo, acaso el decano de la dirección escénica en la nopalera decía que la creatividad en el teatro dura entre 20 y 30 años, con picos ascendentes y descendentes, pero en activo, Luego solo se repite. La creatividad artística en Grotowski duró diez años, el resto fue su maestría como profeta disfrazado de pedagogo.

El Odín Theater de Eugenio Barba tiene 61 años de fundado y todavía abre telón en diversas partes del mundo. Los orígenes de la Compañía de Teatro de la Universidad Veracruzana se remontan a 1953 y su consolidación a 1984. El común denominador de las agrupaciones que han resistido el paso del tiempo es que tienen financiamiento oficial o académico, gubernamental o universitario, ¿Pero cuanto resisten los colectivos que se rascan con sus propias uñas?

En Nuevo León la Compañía  Gorguz Teatro cumple esta temporada 20 años de habitar el escenario y llama la atención que desde el nombre hace una declaración de principios porque Gorguz es una vara larga con una punta de hierro de dos hojas, una recta y otra curva que sirve para recoger las piñas de los pinos, los libros de un alto librero, las pantaletas que se atoran en la lámpara del cuarto, esto es, se trata de un instrumento de trabajo, de una herramienta para el cambio, a decir de su director artístico Alberto Ontiveros.

Como todos los grupos mal llamados independiente, Gorguz también ha recibido apoyos oficiales para sus montajes, pero eso no basta para tener una actividad coherente con sus intenciones durante 240 meses. Y sus motivos para hacer ficción dramática son artísticos y sociales, en ese peligroso equilibrio entre la estética y la moral política, para emplear una expresión que está ausente entre los legisladores del partido en el poder.

Es inevitable volver a Brecht para recordar que, para lograr la eficacia artística de su mensaje político, el artista y activista alemán rompió el esquema del teatro tradicional empleando recursos del cabaret y del teatro frívolo en un formato de cultura popular que el teatro latinoamericano comprometido imitó hasta el agotamiento, y rara vez haciéndole honor a su profeta.

En el amplio y variado el repertorio de Gorguz Teatro podemos ver que hay una intención artística en el origen de cada montaje. Me refiero a los textos escogidos que también nos muestran el interés por el contexto geográfico y social de la región noreste de México. Yo estoy convencido que el teatro regional puede ser tan universal como las obras de Chéjov que suceden en pueblos perdidos de la madre Rusia. Por lo mismo, el teatro clásico puede tener su versión regional si se hace la adecuada traslación más que del texto de la intención central de la obra. Y eso intenta Gorguz Teatro.

En los montajes que he presenciado se han cumplido las premisas del colectivo de hacer un teatro en el que el artefacto artístico es el medio para exponer el dolor tan variado del ser humano. Ese dolor puede ser por la violencia, la injusticia, el destino, la venganza, la marginación, y la queja es que a veces pesa más ese fondo que la forma de explorarlo, aunque explorar es la palabra clave en la historia de este colectivo porque Ontiveros está en esos picos del talento y el imaginario personal en el que la experimentación con los lenguajes estéticos y audiovisuales del presente y el cruce de disciplinas es lo que hay y lo que está produciendo las visiones del porvenir.

En nuestro país cada montaje bien realizado es un acto de resistencia, de manera que quien ha resistido 20 años utilizando el teatro como una pinza para atrapar la realidad y transformarla en ficción, merece el premio mayor de todo cómico serio; la atención del público.

13 de agosto de 2025
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“Locomocionales” una exposición de Alberto Castro Leñero

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El artista presenta una serie de figuras “despojadas de todo lo accesorio”, esenciales y conectadas por un mismo signo.

Locomocionales  es una reflexión visual sobre la condición humana, donde cada figura locomocional parece formar parte de una misma humanidad arraigada en la existencia, sostenida por la fuerza del trazo y el color.

La Galería Yuri López Kullins, con sedes en Ciudad de México y Madrid, España, reafirma su compromiso con la difusión de artistas de gran relevancia y calidad. La obra de Alberto Castro Leñero, también presente en la sede madrileña, se suma así al selecto conjunto de creadores promovidos por la galería.

Alberto Castro Leñero es un artista mexicano y figura clave en la plástica contemporánea, ha desarrollado una sólida trayectoria que abarca pintura, escultura, gráfica y obra pública, con exhibiciones en México, Estados Unidos, Europa y Asia. Y a partir de este viernes 15 de agosto se presenta su exposición “Locomocionales» en la Galería Yuri López Kullins, reconocida internacionalmente por su labor en la promoción del arte contemporáneo, se trata de obra reciente del artista mexicano.

Su trabajo se distingue por una exploración constante de la figura humana, el lenguaje plástico y la construcción de universos visuales que dialogan entre la abstracción y la figuración, siempre con un trazo decidido y una profunda carga poética.

En Locomocionales, el artista presenta una serie de figuras “despojadas de todo lo accesorio”, esenciales y conectadas por un mismo signo. No se trata de representaciones perfectas ni sometidas a cánones tradicionales de belleza; más bien, son presencias que, como escribe el crítico Félix San Vicente, poseen “una inefable actitud, un querer poder existir o dejar de hacerlo” y que invitan al espectador a situarse en un tiempo que es a la vez el ayer y el hoy del ser humano.

La muestra es una reflexión visual sobre la condición humana, donde cada figura locomocional parece formar parte de una misma humanidad arraigada en la existencia, más allá del pasado o el futuro, sostenida por la fuerza del trazo y el color.

La Galería Yuri López Kullins, con sedes en Ciudad de México y Madrid, España, reafirma con esta exposición su compromiso con la difusión de artistas de gran relevancia y calidad. La obra de Alberto Castro Leñero, también presente en la sede madrileña, se suma así al selecto conjunto de creadores promovidos por la galería, distinguida en varias ocasiones por organismos internacionales por su aportación al arte contemporáneo.

La muestra Locomocionales estará el mes de septiembre en la Galería Yuri López Kullins localizada en Avenida Insurgentes Sur 4342, al sur de la Ciudad de México, para visitarla se puede escribir a info@yurilopezkullins.com o consultar su página web https://yurilopezkullins.com/

13 de agosto de 2025
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EL TIEMPO PASA

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El tiempo pasa y los hombres nos volvemos polvo: Armando Partida, Roberto Servín, Francisco Beverido, tres destacadas personalidades del teatro que ya hicieron mutis de una vida que abarca más de la mitad del siglo XX hasta nuestros días porque Partida nació en 1937, Servín en 1941 y Beverido en 1949.

Coincidencia o destino, los tres hicieron sus carreras a la vera de las universidades de México, Querétaro y Veracruz, respectivamente.

Cuando la crítica de teatro estaba más cerca de la farándula que de la academia, Armando Partida llegó de la Unión Soviética con el rigor necesario para convertir el análisis del texto y la puesta en escena en una tarea del conocimiento, aunque como dijo Braulio Peralta, uno de sus alumnos en la UNAM, sus clases eran tediosas. No tenía el don de la retórica, pero si el rigor del estudio y la serenidad de un maestro zen.

Compartí butaca muchos años con él en la ciudad de México y las Muestras Nacionales de Teatro, así que fui testigo de cómo la sordera lo fue tirando hacia el silencio interno porque se negaba a usar aparato auditivo por coqueto, decía su gran amigo Enrique Mijares. Sin gozar realmente de su amistad porque de algún modo yo era su antípoda como persona y como crítico, abrevé en su saber sobre el teatro y la cultura rusa en general. Recuerdo una cena en San Luis Potosí en donde le pregunté qué era leer Crimen y Castigo de Dostoievski en su idioma original. Se quedó absorto, dejó los cubiertos en la mesa, trató de decir algo, no pudo y tuvo que secar la humedad de sus ojos con la servilleta.

Roberto Servín fue una referencia para mí desde los años 70 en que comencé a frecuentar la ciudad de Querétaro como reportero de cultura. Como uno de los fundadores del histórico colectivo Cómicos de la legua en 1959, pensé que era una fuente directa del episodio en el que “el jefe Diego” (Fernández de Ceballos), azotó con un fuete al poeta y rector de la UAQ, Hugo Gutierrez Vega, así que en la primera ocasión que tuve le pregunté cómo fue la agresión, pero sólo respondió que fue una discusión muy acalorada y se salió del tema. Por algo era un destacado abogado de aquella sociedad que aún tenía retratos de Maximiliano en la sala.

Los cómicos de la legua fue la simiente de la visión liberal, más tolerante y jocosa que hizo del teatro universitario en centro de reunión de los conspiradores del porvenir en el sentido de que el pensamiento progresista se dejaba ver en su repertorio. Servín fue maestro de varias generaciones de cómicos y su paso por el teatro y la vida dejó una huella que se refleja en las sentidas condolencias que provocó su muerte.

Conocí a Francisco Beverido en Xalapa como el joven apuesto, brillante y apasionado del teatro en los años 80. Lo primero que me llamó la atención fue su biblioteca en la que había ensayos, historia, literatura y teatro, porque la ciencia le llegó directamente de su padre, el arqueólogo Francisco Beverido Pereau, reconocido por la elite cultural que vivía en la coda de aquella Atenas cultural de los años 50. La familia Beverido Duhalt que yo conocí era hermosa de aspecto, inteligente en la plática, generosa en la mesa y tenía sentido del humor.

Cordobés de nacimiento, Paco montó su primera obra (el Periquillo Sarniento) a los 14 años y desde ahí no soltó el teatro en el que fue autor, actor, director, docente, investigador y documentalista, actividad que guarda su propia memoria en el centro de documentación Candileja, que abrió en Xalapa en 1995 con el actor Jorge Castillo y el fotógrafo Luis Marín. Por varios años aquel espacio sumido en el Callejón del Diamante fue el centro de la tertulia teatral de la capital veracruzana. Pero como a las palabras se las lleva el viento desde 1979 Beverido había rescatado una bodega en descuido de la Universidad Veracruzana para montar La Caja, espacio teatral que fue un desahogo para la generación de su fundador, que ahí pudo experimentar la sensación del espacio y el tiempo de la creación. Por cierto, 46 años después de su inauguración La Caja es un referente del teatro veracruzano.

No tengo claro a qué edad aquel joven tan atractivo por su físico, su intelecto y su creatividad comenzó su lucha con el ángel de una manera tan solitaria e introvertida que lo fue consumiendo por dentro lenta pero inexorablemente. Cuando lo volví a ver ya era un señor tocado por el dolor físico de una pierna que lo obligaba al bastón que sería de ahí en adelante su santo y su seña. Cojeando fue a recoger los reconocimientos que sus paisanos le brindaron por una vida dedicada al teatro y a la formación de la gente de teatro. Cojeando por fin se puso las camisas floridas que había guardado en el closet (él, que se vistió de negro por años), lo que me hizo pensar que finalmente se había reconciliado consigo mismo.

Sin duda es gracias a gente de teatro como Partida, Servín y Paco Beverido que pese a todos los obstáculos el teatro en México no deja de sorprendernos, de deslumbrarnos, de permitir que la lucha con el ángel no sea una batalla en solitario, como la de Paco.

7 de agosto de 2025
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100 artistas en Gondomar 2025 una muestra de talento y belleza

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Gondomar, Portugal.-  Reunir a cien artistas tiene una gran tarea y si  tienen calidad es un logro perfecto.  “100 artistas en Gondomar 2025”,  es la quinta edición que se celebra y tiene como objetivo la renovación y compromiso de promover el arte y la cultura. Esta edición 2025 reúne a más de cien artistas en las áreas de pintura, escultura, cerámica y fotografía. El público disfruta de  la riqueza visual,  capaz de capturar y sorprender a públicos diversos promoviendo el encuentro entre distintas expresiones y técnicas.

En una ceremonia armoniosa y participativa, organizada por la  Associacion Gens’Arte. En asociación con el Ayuntamiento de Gondomar, estuvieron presentes el el Presidente del Ayuntamiento Luís Filipe Araújo, la representante del Patrimonio Y Cultura Inês Lino, el Presidente de la Associacion Gens’Arte José Carvalho, la Vice Presidenta Lina santos, La Curadora Cátia Rúben y restante dirección de la asociación. Como representante de Spain Art one13 ha estado Inma Nieves Escamilla y Ragarich.

El ambiente musical estuvo a cargo de Fátima Neto, violinista, cantante y compositora, quien deleito con el tema de la “Llorona”, canción de Chavela Vargas,  interpretado excelentemente tanto en la ejecución del violín así como con su voz  y qué decir de los temas portugueses que fueron ovacionados por los presentes de la ceremonia.

La exposición es el resultado del trabajo arduo que realiza la Asociación Gen’s Arte desde hace más de 25 años, siendo referencia en Gondomar del compromiso que tienen con la cultura y defensora de la libertad artística y el compromiso de dar espacio artistas no sólo portugueses sino internacionales. En la exposición se vieron obras de artistas españoles entre ellos: María Esther Flórez, Clara Belén Gómez, Alejandra Natale, Isabel Monfort Siso, Pedro Flores, Pepe Linares Molina, Pilar Megias, Tomás Guzmán y  Alicia Natale, entre otros.

José Antonio Bianchi de Carvalho, Presidente de la Asociación  Gens’ Arte explica en el catálogo realizado expresó para la exposición “ que nuestra esencia se ha sentido no solo en Portugal sino también en toda Europa e incluso en Estados Unidos es nuestra intención continuar este camino con la misma determinación llevando más allá creatividad y el talento que caracterizan a nuestra asociación la exposición “100 artistas de Gondomar” es hoy sin duda una de las mayores y más reconocidas exposiciones colectivas de su género en Portugal. Y a todos los artistas que nos acompañan en esta edición,  les hago llegar mi más sincera agradecimiento y mis mejores deseos. A mi Junta Directiva un agradecimiento muy especial por su compromiso y su incansable dedicación”.

La curadora  Cátia Rúben señala que hay gestos que hablan, colores que gritan y formas que susurran el tiempo. “En esta exposición más de cien artistas comparten con nosotros no solo sus obras sino también su visión,sus inquietudes, su lugar en el mundo. Reunir estos cientos de voces creativas es reconocer que el arte no se puede explicar: se siente. nos permea nos une.”

Reiteró que en  Gondomar vuelve a afirmarse como escenario y punto de encuentro donde se valora la creación y se arraiga la expresión artística.

En está exposición colectiva no podía enmarcarse en un solo tema -explica Rubén-  porque así es la vida y así es el arte diverso, libre,  contradictorio y por lo tanto esencial vivimos en tiempos de ruido prisa y fragmentación  El arte por tanto tiene un papel más urgente que nunca comunicar donde las palabras fallan. Tocar donde la lógica no basta, conectar lo que la sociedad insiste en separar, pintura escultura, cerámica y  fotografía cada lenguaje representado aquí es una manera distinta de decir lo mismo. Somos humanos y necesitamos la belleza, la reflexión y la creación para comprendernos mejor.

Sobre la exposición, Clara Belén Gómez, historiadora del arte señala que  no hay una narrativa cerrada, ni se impone, y eso se agradece. “La curaduría permite que cada obra ocupe su lugar con libertad, sin necesidad de ajustarse a un discurso común o responder a una línea definida. Las obras no parecen colocadas para ilustrar una idea externa, sino para sostenerse desde lo que son. Y, aun así, no quedan aisladas. Lo abstracto convive con lo figurativo, lo íntimo se cruza con lo colectivo, y las diferencias entre lenguajes no separan, sino que generan vínculos inesperados. Hay algo del gesto del collage en esa forma de componer el conjunto: cada pieza mantiene su identidad, pero al situarse junto a otras, adquiere nuevos sentidos.”

Agrega que la diversidad no fragmenta la experiencia, sino que la vuelve más abierta y atenta. Lo que en otro contexto podría parecer disonante aquí funciona como un campo fértil para la mirada. Y esa variedad, lejos de dispersar, da espesor y ritmo al recorrido. Aunque no conozcamos aún el recorrido expositivo, la selección de obras permite imaginar múltiples encuentros posibles. La variedad de lenguajes, técnicas y escalas abre el juego a contrastes, afinidades y relaciones inesperadas. En ese contexto compartido, las piezas no se aíslan: dialogan desde la diferencia. Y es justamente esa diversidad la que da coherencia y sentido al conjunto.

El encuentro entre artistas fue nutritivo, compartieron experiencias y en conjunto disfrutaron de la gastronomía portuguesa y de sus vinos en medio de una charla enriquecedora para todos los asistentes.

  Fotos: J. Carlos Santana

5 de agosto de 2025
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EL PODER DEL ESCRITORIO

By Sobre 2 ruedasNo Comments

En México hay muy poco dinero para la cultura, pero bastante para el aparato burocrático a pesar de que este año la Secretaría Federal del ramo recibirá 4 mil millones menos que el año pasado. Acaso esa sea la razón por la que esa dependencia ha redefinido su reglamento interior pasando de 16 a 12 unidades administrativas y creando nuevas nomenclaturas como la Dirección General de Sistema de Apoyo a la Creación Cultural, que anteriormente era el FONCA.

La intención de esta nota no es evaluar el nuevo organigrama de la burocracia cultural sino señalar que de los 12 mil 700 millones de pesos que tendrá este año la SFC sólo entre el cinco y siete por ciento será para apoyará directamente la producción artística. Todas las convocatorias oficiales para recibir algún beneficio económico exponen el desequilibrio entre el gasto administrativo y la inversión creativa, que es la razón de ser de la burocracia cultural. Verbigracia: mil 300 colectivos de teatro compiten para el programa IMSS-INBA y sólo cien recibirán el apoyo, mientras todos los administrativos del Instituto siguen cobrando sus quincenas.

En diversos países de Europa entendieron que el aparato cultural del estado debe ser sólo un núcleo administrativo y no, como en México, un gigante con pies de barro que se traga el 90 por ciento del presupuesto para mantener a los 25 mil empleados que de una manera u otra laboran en sus actividades. Cierto que en países como Francia, Alemania, Inglaterra, España, las provincias tienen su propio núcleo administrativo y su propio presupuesto. Se dirá que en México también, pero allá la burocracia cultural gasta entre el 35 y 40 por ciento de sus ingresos, acá el 90. Por eso la ventanilla para los apoyos a la invención artística tiene un letrero permanente: no hay dinero.

Por falta de fondos se han terminado programas emblemáticos que cumplían el ciclo virtuoso de la cultura: preparación-invención artística-socialización y formación de nuevos públicos, como lo hizo el teatro escolar. Ante dicho panorama hay que celebrar que la Muestra Nacional de Teatro cumple 45 años y se hace este otoño en el municipio Benito Juárez de Quintana Roo, mejor conocido como Cancún.

En Acapulco supimos lo difícil que es hacer teatro en centros vacacionales con playa y antros al por mayor; se requieren mártires que naden contra la corriente como los autores, directores y comediantes que hicieron el pie de cría de un teatro que tuvo momentos estelares que nuevas generaciones sostuvieron pese a todo. El año pasado La Paz fue la sede de la MNT porque la directora del Teatro de la Ciudad, Aletse Toledo es una mujer de teatro de larga data, no porque el movimiento teatral de la Baja California Sur sea sobresaliente. Creo que la perseverancia y creatividad de gente como Saúl Enríquez tiene mucho que ver con que el Instituto de la cultura y las artes de Benito Juárez comparta con el INBAL la organización del festejo al que acudirán 22 producciones de 16 estados, como un muestrario del teatro de las nuevas generaciones y las diversas maneras de ficcionar su realidad.

En sus orígenes la MNT fue una revelación para los artistas de los estados que hallaron en esas reuniones la forma y el fondo para renovar su formación, su inventiva y su repertorio.  En esos años ir a la Muestra le daba los provincianos un estatus nacional que ayudó a crear colectivos que hicieron historia en diversos puntos del país. En la era previrtual la Muestra fue el escenario para presenciar los avances de la dramática y el montaje en diversas direcciones. Con el internet ya no cumple esa función, pero sigue siendo el lugar en el que se puede tener un panorama parcial de lo que están haciendo los nuevos comediantes, y la ocasión en donde llamarla comunidad no es un eufemismo.

Hace unos años el INBAL tenía seis millones de pesos para la MNT y la sede debía poner otro tanto en infraestructura, alojamiento, trasporte y alimentación. Supongo que hoy la inversión es más alta, pero, aunque llegara a 10 millones por cada parte sería un gasto menor para los beneficios que logra como uno de los pocos programas institucionales a nivel nacional. A lo que voy es que, si se empleara el 20 por ciento del presupuesto del INBAL en apoyo directo a la producción artística, esta florecería más y mejor porque buena parte de sus integrantes podría comer tres veces al día. Aunque la realidad es que la burocracia que etimológicamente significa el poder de la oficina o del escritorio, es la que tiene los beneficios sociales que no tienen los artistas, y la que determina el rumbo de la cultura institucional. Así las cosas, hay que imitar a los oaxaqueños que hace unos días corrieron a gritos y objetos diversos a los funcionarios que tenían una zona VIP en un concierto para el que miles de mujeres y hombres de a pie hicieron cola por horas. Como dicen en Sonora; Ta buenos que sean cochis, pero no trompudos.

 

30 de julio de 2025
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El viento a Juárez.

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El asunto es la inmortalidad. Que el egregio paladín perviva por siempre en el corazón de los ciudadanos. Aplausos, vítores, y que la pátina del tiempo no los haga sucumbir. ¡Vivan los héroes que nos dieron patria y libertad, los que salvaron la banca estatizada, los que adquirieron las vacunas de Pfizer contra el Covid-19!
         Siempre habrá alguna proeza que celebrar, sólo que para impedir que la efeméride se esfume con el discurrir de las calendas, el escultor se yergue como el artista necesario. Esculpir la estatua del prócer, y que ya las nuevas generaciones se encarguen de desfilar ante el pedestal de granito memorizando el apotegma que lo definió: “El respeto al derecho ajeno…”, “¡Hoy, hoy, hoy!”, “Defenderé al peso como un perro”.
         Se han llevado las estatuas de Ernesto Guevara y Fidel Castro de la banca donde reposaban en el parque de la Tabacalera. La alcaldesa Alessandra Rojo de la Vega aseguró que la medida fue porque las figuras eran víctimas del vandalismo permanente. Así ahora, resguardadas de las inclemencias, descansarán en la bodega vigilando cómo evoluciona la revolución continental que inició con el asalto al Cuartel Moncada el 26 de julio de 1953. Y lo que sobrevino.
         Por cierto que el jueves pasado falleció Isabel Custodio, quien fuera pareja sentimental de Castro Ruz durante su exilio en México. La guapa señora es autora de “El amor me absolverá”, novela que hace un guiño a la célebre frase que el doctor Castro lanzó cuando fue condenado por el régimen de Fulgencio Batista. Como algunos recordarán, el batallón que daría inicio a la revolución en Cuba se formó en la ciudad de México, entrenando en las faldas del Chiquihuite y organizando la estrategia en las mesas del café La Habana.
         En 1956 el grupo adquirió el yate “Granmá” en Tuxpan, Veracruz, en el que iniciarían la travesía revolucionaria. Lo tripulaban 82 expedicionarios –entre ellos Fidel y Raúl Castro, el Ché Guevara y Camilo Cienfuegos–, de los que un año después sólo sobrevivirían doce. Lo demás es historia.
         El grupo vivía disperso en los alrededores de la colonia Tabacalera, donde fueron apresados por el director de la DFS, Fernando Gutiérrez Barrios, quien los mantuvo en prisión varias semanas. Luego, por órdenes del presidente Adolfo Ruiz Cortines, fueron liberados, y no perdieron el tiempo para iniciar su travesía en el desvencijado yate que les costó 50 mil pesos. De ahí que en el verano de 2017 el delegado Ricardo Monreal contratara al escultor Oscar Ponzanelli para realizar el par de figuras de bronce que celebran el encuentro de Fidel con el Ché.
         Han retirado sus efigies por no ser del gusto de la alcaldesa, igual como fue retirada la estatua de Cristóbal Colón de la glorieta que aún lleva su sombre. Igual suerte corrió la figura ecuestre de José María Morelos en la autopista a Cuernavaca (en realidad fue sustraída en 2012), como fue arrebatada la efigie de Vicente Fox en Boca del Río, y derribadas las efigies de Lenin en Moscú al desaparecer la URSS; ya no se diga las estatuas de Saddam Hussein en Irak durante “la Madre de todas las Batallas”.
         ¿Alguien recuerda cuando en 1943 la Liga de la Decencia logró que a la Diana Cazadora (obra de Juan Olaguíbel) en Paseo de la Reforma le fueran añadidos unos calzones de bronce?
         El crimen de apostasía tuvo su esplendor en los siglos VII y VIII de nuestra era, cuando los primeros cristianos se lanzaron a destruir las representaciones de Cristo y los santos obedeciendo el edicto de iconoclastia decretado por León III, quien decretó que “se debía venerar al Ser Supremo y no a sus representaciones”.
         Ha sido la tradición en los periodos de turbulencia. Los soldados de Hernán Cortés destruyendo los monolitos de idolatría, o el gobernador radicalista de Tabasco, Tomás Garrido Canabal (1923-35), incitando a quemar iglesias y fusilar santos, apoyado en el movimiento de los Camisas Rojas que, irónicamente, comandaba el insigne Carlos Madrazo, después dirigente del PRI.
         Camisas Rojas, Ligas de la Decencia, milicianos de Hamas; cada cual halla sus razones para ejercer los nuevos modos de la herejía. Destruyamos, arrasemos, arranquemos las efigies de nuestros rivales, al fin que para alcanzar al Benemérito en su alto pedestal, los vándalos encapuchados no le llegarán ni a los talones. Su furia iconoclasta le hace lo que el viento.
30 de julio de 2025
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Noche icónica con los Pet Shop Boys en Starlite Occident

By Sobre 2 ruedasNo Comments

El verano continúa con éxito en Starlite Occident, la noche que se presentó Pet Shop Boys fue un gran acierto, reunió a los seguidores del dúo,  que desde el inicio estuvieron bailando y cantando,  los temas que han sido iconos del pop electrónico.

Con su gira “Dreamworld: The Greatest Hits Live”, el dúo  británico agotó entradas y ofreció una experiencia visual y sonora única. El dúo británico,  repasó sus grandes éxitos ante un público entregado, entre el que se encontraba RedOne, uno de los productores más influyentes del panorama musical global, además de rostros conocidos en España  como el  ex torero Fran Rivera, la modelo internacional Valeria Mazza o Barbara hermana de Nicole Kimpel, pareja de Antonio Banderas.

Neil Tennant y Chris Lowe no necesita presentación, desde que aparecieron en el escenario con una iluminación característica de sus espectáculos recibieron una gran ovación. En un concierto de duró aproximadamente dos horas, dejaron claro por qué siguen siendo una institución en la música pop cuatro décadas.

Voceros de Starlite indicaron en un boletín de prensa “Lo de anoche en Starlite Occident no fue solo un concierto, fue una exhibición medida al milímetro: visual, sonora y emocional. Con más de 50 millones de discos vendidos,. Son uno de los dúos británicos más exitosos de la historia, y lo han logrado sin traicionar su estilo ni ceder a modas. Desde su irrupción en 1985, han acumulado 22 sencillos en el Top 10 del Reino Unido y han convertido sus conciertos en experiencias visuales de alto nivel, colaborando con artistas como Es Devlin o Zaha Hadid”. 

Agregan que su actual gira es la primera de grandes éxitos, un repaso extático que ha pasado por Glastonbury, Roskilde o el Royal Arena entre otros grandes festivales, con críticas unánimes que hablan de “celebración eufórica” y “deleite nostálgico”. En Marbella, donde también actuaron en 2014 y 2018, desplegaron esa misma fórmula: repertorio afilado, teatralidad contenida y un diseño escénico que abrazaba lo industrial y lo conceptual. «Es la tercera vez que tocamos en Starlite Occident, y cada vez es mejor”, declararon  sobre el escenario. 

Los primeros acordes de “Suburbia”, fueron los que pusieron el ritmo en Starlite,  el ritmo no bajó en ningún momento. Hubo una gran comunión entre espectadores y cantantes, que van  acompañados por excelentes músicos que  también hacen coros. Entre  los temas que se escucharon: .” Rent, Domino Dancing, It’s a Sin, Heart, Paninaro, Dreamland o West End Girls”, . No faltaron mashups ‘marca de la casa’ —como el que une “Where the Streets Have No Name con Can’t Take My Eyes Off You»— ni duetos históricos como “What Have I Done to Deserve This?”. El cierre con “Being Boring y West End Girls”  fue más que un final: fue un recordatorio de que la nostalgia, bien ejecutada, no es pasado. Es permanencia.

Hubo varios cambios de vestuario y el escenario se vio con distintas iluminaciones, todas perfectas para que el dueto luciera plenamente.

La gira ha recibido elogios excepcionales, como los de “The Evening Standard», que la ha calificado de «celebración extática de la brillantez», y el londinense “Metro”: «Un espectáculo que reafirma la vida y reaviva el alma». “The Times” también lo ha alabado como «elegante, a veces conmovedor, a menudo eufórico». Conocidos por su enfoque innovador de las actuaciones en directo, Pet Shop Boys han ampliado constantemente los límites del teatro musical pop, trabajando con directores y artistas de renombre como Derek Jarman, Zaha Hadid, Sam Taylor-Wood, Es Devlin y Tom Scutt.

Sus innovadoras experiencias escénicas han sido aclamadas en festivales de fama mundial como Glastonbury, Roskilde, Sonar y Primavera Sound. “The Independent aptly” señaló, «su carrera ha demostrado perpetuamente que la música pop y el arte elevado no sólo no pueden coexistir, sino superar formas musicales supuestamente superiores»-

Nosotros podemos decir “Estar en sus presentaciones es un regalo. Deja que los problemas se olviden y la existencia tenga alegría y se agradezca a la vida por vivir esos momentos tan especiales”

 Sin duda alguna será una de las presentaciones más recordadas y  deja gran huella en la programación de este festival que cada año se consolida por su excelencia y especial recibimiento que presta el personal.

Como siempre pasa después de los conciertos los asistentes pueden quedarse a cenar en los diferentes espacios que hay de comida internacional y disfrutar de música de DJ. La noche de  Pet Shop Boys, estuvo el ritmo de DJ Nano. Con su carisma habitual y una sesión cargada de emoción, el madrileño volvió a demostrar por qué su nombre nunca falta en las mejores fiestas. Todo un clásico en el festival boutique,  debido al éxito DJ Nano estará de regreso en Starlite Occident los jueves 24 y 31 de julio, y el jueves 21 de agosto. Además, el martes 12 de agosto celebrará Oro Viejo, su icónica fiesta ya convertida en un fenómeno por derecho propio. Un viaje vibrante por los himnos más emblemáticos de la música dance, diseñado para encender la pista y convertir la noche en puro espectáculo.

Fotos: Starlite Occident

21 de julio de 2025
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PRIMERO FUE EL TEATRO

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En la cultura grecolatina que adoptamos en su versión castellana primero fueron Esquilo, Sófocles, Eurípides y luego Platón y Aristóteles. Hay aproximadamente 71 años de diferencia entre la primera representación de La Orestiada, de Esquilo (458 a.c.) y la fundación de La Academia de Platón (387 de esa era) y 123 estaciones del mismo periodo para la apertura del Liceo de su alumno más destacado; Aristóteles. Por lo tanto, primero fue el teatro luego la reflexión sobre esa poética en la que el Corpus Aristotelicum dominó la escena por siglos con todo y que nunca existió un solo documento original del estagirita sino lecturas de otras lecturas. De ahí que hasta los estudiosos de hoy pueden ser aristotélicos.

La mención viene a cuento porque el mes de julio de 1981 José Solé, el caballero del teatro, abrió en la ciudad de México el Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, del INBAL, que luego de sus modestos inicios y diversas peripecias cumple desde hace algunos sexenios su misión de investigar y documentar la historia del teatro en México. Ahí está parte de la memoria de la aventura mexicana de hacer teatro. La investigación abarca autores, directores, actores, revistas y movimientos visibles e invisibles de nuestro devenir dramático y escénico. La documentación incluye textos, crítica, programas de mano, carteles, exposiciones, fotografías, videos, y testimonios de diversas fuentes.

Aunque es oportuno preguntar cuál es la concurrencia entre los trabajos del CITRU y la gente de teatro. Cuántos autores, directores, actores, escenógrafos, vestuaristas, técnicos y amantes del teatro consultan el acervo de la institución, y qué orienta y determina el trabajo del Centro, más allá de la retórica liminal con la que presenta su labor públicamente. En otras palabras, cómo aprovechan los comediantes el trabajo de la academia y de qué modo la academia contribuye a la invención dramática.

El tema es largo y hondo y el espacio es breve así que mejor recordar que también en julio, pero de 1946, se fundó la Escuela Nacional de Teatro del INBAL y por lo tanto este mes cumple 79 veranos de formar farsantes, de manera que si pasamos lista veremos que un buen porcentaje de las actrices y actores que hicieron el teatro, el cine y la televisión del siglo XX salieron de sus aulas, y de ese porcentaje por lo menos la mitad fueron de las provincias porque en sus ranchos no había escuelas para tal fin.

Son muchas las peripecias por las que ha pasado la ENAT unas buenas, otras excelentes y algunas malas, como el abuso de autoridad en la que se fundamentó la enseñanza del arte de hacer tragedia, comedia y bululú en México y Nueva York, pues lo mismo en los salones del Centro Cultural del Bosque que en los del Actor’s Studio el director era el tirano de los ensayos. Hasta que llegó el Me Too y los tendederos feministas que colgaron la imagen de culpables e inocentes porque la rabia acumulada es como los ríos que se desbordan y arrasan con hombres, mujeres, niños, perros y gatos. Por cierto, el INBAL no ha dicho esta boca es mía con las denuncias de abuso y acoso que destruyeron la vida profesional de los denunciados y con la vida a secas de un hombre de bien como fue el maestro ruso Anatoli Lokachtchouk.

Igual en julio cumple 25 años el Festival Nacional de la Joven Dramaturgia que fundaron Luis Enrique Gutierrez Ortiz Monasterio, Edgar Chías y Manuel Naredo en la ciudad de Querétaro en año 2003. Precisamente este sábado cierra telón en el Museo de la Ciudad luego de otra ronda de obras, talleres, mesas cuadradas, conversatorios, desmontajes y despapayes. A propósito, este año una de las primeras alumnas de Legom, Ana Lucía Ramírez, ganó este año el Premio Manuel Herrera, y su comadre Patricia Estrada sigue dirigiendo el FNJD, de modo que de una manera muy curiosa su mentor sigue presente en la ciudad donde comenzó a ser LEGOM.

Y para terminar con los festejos teatrales del mes de julio, les aviso que hay mil 200 cómicos en México algo desencajados porque ya se anunciaron los ganadores de la convocatoria IMSS y el INBAL para revivir de nuevo a los teatros del Seguro Social, y sólo fueron seleccionados 100 grupos de los 1,300 que metieron solicitud. En Guadalajara, el veterano director Fausto Ramírez ironizó el haber sido uno de los elegidos diciendo; “Ya somos los mismos de siempre”, y sí, de los que siempre han trabajado con ahínco por el teatro y destacan por lo mismo en este tipo de convocatorias. Con resignación pachuqueña mi paisano Carlos Cortés señala en FB que el 27 por cinto de los elegidos son de la ciudad de México de manera que el centralismo sigue siendo el eje de la República del Teatro. De nueva cuenta, la realidad económica pone sobre el escenario las dos caras del teatro en las que unos ríen y otros lloran.

20 de julio de 2025
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El arte de la litografía de la Buena Impresión llega al IAGO.

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Con la exposición Piedra e Imagen, compuesta por una selección de obras de los primeros seis años del taller de litografía, La Buena Impresión llega al Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) este  25 de julio, tras una trayectoria de trabajo que los ha llevado a trabajar en diversas regiones de Oaxaca; a exponer en Francia; en la Ciudad de México; o a incidir en la recuperación del arte del grabado en países como Camboya o Tailandia, gracias al trabajo de los fundadores de esta asociación civil, sin fines de lucro, iniciada por Fernando Aceves Humana, Francisco Castro Leñero, Dr. Lakra, Daniel Barraza Ortiz, junto a María de la Paz Miranda y Guillermo Orduña.

“La muestra ofrece una retrospectiva de los primeros seis años del taller, con alrededor de 60 piezas realizadas por artistas establecidos para mostrar el nivel de excelencia al que hemos llegado en el taller y la litografía. Cada artista aporta una visión, su concepto y una manera de ser. Es como un compendio de inteligencias, con la calidad de excelencia que tienen las litografías», dice Fernando Aceves Humana.

La Buena Impresión ha formado a artistas, impresores y estudiantes en el arte de la litografía; el taller es un espacio de intercambio y aprendizaje, donde la educación artística es el vehículo para el cambio social. El reconocimiento nace de la fundación del Colectivo Tequio que se formó en 2010, y su trabajo y reconocimiento ya es internacional.

Fundada en 2019 en la ciudad de Oaxaca, para fomentar la cultura y el desarrollo de pueblos y comunidades indígenas y rurales a través de educación artística, ha formado alumnos como artistas, impresores y maestros comunitarios. Sus objetivos parten de reconocer a las artes gráficas como un campo de desarrollo profesional con un fuerte impacto en la transformación social y cultural de la juventud y comunidades. La asociación cuenta con un taller de impresión litográfica especializada y mantiene una galería y residencia permanente de artistas, así como un aula de formación que permiten el desarrollo de programas de trabajo. Su meta ha sido fomentar la excelencia en las artes gráficas, impulsando el desarrollo artístico, educativo, cultural y social, tanto a nivel regional, nacional y global.

Sus inicios están en el Colectivo Tequio (palabra que en México se conoce como la faena o trabajo colectivo no remunerado que todo vecino de un pueblo debe a su comunidad)que se formó entre 2009 y 2011, de la mano de los artistas Francisco Castro Leñero, Daniel Barraza Ortiz, Dr. Lakra, Nicolás Guzmán e Iraís Esparza y creando acuerdos con Royal University of Fine Arts en Camboya con la intención de ayudar a recuperar los niveles académicos perdidos tras las guerras civiles y el genocidio. El colectivo gestionó la donación de materiales y herramientas para el grabado en metal incluida una prensa profesional de grabado y su traslado a Camboya gracias a las aportaciones de sus propios integrantes por medio de un trueque de sus propias obras. Se financió la compra de una prensa litográfica y piedras de mármol con el objetivo de re introducir esa técnica en Camboya, donde también se impartieron cursos de grabado en metal, dibujo e historia del arte por parte de Saúl Villa y Fernando Aceves. Entre otros intercambios Tequio la buena impresión participó en el acuerdo y firma del Memorándum de Mutuo Entendimiento entre el Instituto Nacional de Antropología e Historia INAH y la Autoridad Nacional APSARA de Camboya para futuros intercambios académicos y de investigación en materia de arqueología y artes visuales.

El taller La Buena Impresión, creado como una iniciativa para el desarrollo de la litografía en México, fue seleccionado entre más de dos mil participantes para la donación de una prensa Litográfica VOIRIN de 1909 por parte de Julie Gerbaud y Patrick Devreux, ex profesor de litografía de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París, su traslado desde Francia fue cubierto por los integrantes del colectivo, por la Fundación Salon de Mai de Francia y por un trueque por obra con ITrans, Transportadora Mexicana. Gracias proyectos culturales con BBVA nació y su vocación educativa en comunidades rurales, mediante su programa de formación de impresores y maestros comunitarios con prensas móviles, continuó un trabajo que reforzó con el apoyo de coinversiones del FONCA, y el programa de la buena impresión benefició entonces a más de a 300 estudiantes en las 7 regiones de Oaxaca.

El artista Jean Pierre Tanguy, ex profesor de la escuela  Nacional superior de Bellas Artes en Paris  y Jurado del salón de otoño de la Biennale internationale de la Gravure de Sarcelles en 2023, incitó a la Buena Impresión para participar como co-curadora esa Bienal internacional.  La buena impresión colaboró también en la convocatoria y el traslado de las obras de los 20 artistas seleccionados ya que que México fue el país invitado. El Jurado de la bienal de Sarcelles otorgó el primer premio de la ciudad de Sarcelles a Fernando Aceves Humana, quien lo donó a los proyectos de La buena impresión.

“Cuando pensamos en México, nos vienen a la mente estereotipos: música, mariachis, tequila, tacos y guacamole. También pensamos en los grandes artistas mexicanos como Diego Rivera y Frida Khalo, pero a menudo olvidamos a Rufino Tamayo y Francisco Toledo, dos artistas responsables del auge del grabado en México”, destacada un documento al anunciar a México como invitado de honor a la Biennale internationale de la Gravure de Sarcelles.

Fernando Aceves Humana (Ciudad de México, 1969) es un artista con una larga historia, en sus inicios como creador a principios del año 2000 tuvo una beca de excelencia artística y especialización de litografía en La Cité internationale des Arts; en 2007 coincidió con Jean-Pierre Tanguy en países del Sudeste Asiático como Laos, Tailandia y Camboya para introducir el arte del grabado en este último país con una ardua pasión y reconocido esfuerzo; desde 2019 formó del Colectivo Tequio: Taller la Buena impresión; en varias regiones de México ha registrado instantes de los hallazgos de las civilizaciones que nos precedieron trabajando con arqueólogos como Eduardo Matos Moctezuma, Leonardo López Luján, Raúl Barrera Rodríguez, Nelly Robles y Gullermo de Anda, durante excavaciones en el Templo Mayor y en regiones de Oaxaca o Yucatán, un trabajo que se registró en su exposición Ofrendas ocultas presentada en el marco de las celebraciones por los 80 años del Colegio Nacional.

Expresó que también es un homenaje a Francisco Castro Leñero, quien los ayudó a fundar el taller en Camboya y en Oaxaca, en una sede tan importante como es el IAGO. “Gracias a talleres como el nuestro, la litografía se mantiene vigente y sigue en experimentación con artistas contemporáneos. La Buena Impresión busca dignificar el oficio del impresor que tanto ha aportado al arte”.

En 2024 La Buena Impresión expuso en la Ciudad de México la muestra «Sobre Piedra y Papel» en el espacio Sin Galería, una cuidadosa selección de obras que destacaban tanto por su maestría técnica como por su contenido estético con la que celebra el compromiso, la excelencia artística y la preservación del oficio de la litografía. Cada pieza mostraba el resultado de un riguroso proceso en el que los artistas e impresores trabajaron juntos, respetando las técnicas tradicionales, pero aportando una visiones contemporáneas. Los temas explorados en las obras iban desde representaciones de la cultura y el paisaje hasta reflexiones abstractas y conceptuales.

María Miranda, directora del taller La Buena Impresión, contó que la muestra ofrecerá una compilación de las ediciones más destacadas del taller. “Hasta la fecha se han impreso aproximadamente ocho mil ejemplares litográficos, algo que ha sido bastante complejo y a la vez muy enriquecedor, porque han llegado artistas muy talentosos, emergentes y consolidados, así como profesionales que no se dedican por completo al arte, pero que provienen del diseño, la fotografía o el diseño textil”, aseguró.

A la fecha en el taller se han impartido 115 cursos de artes gráficas beneficiado a 1750 alumnos tanto en sus comunidades como en la sede del taller. Y se ha generando así un acervo con 287 ediciones .

El trabajo de La Buena Impresión con el reconocimiento llega ahora al prestigioso IAGO en la ciudad de Oaxaca, la inauguración de la Piedra e Imagen será el viernes 25 de julio a las 18 horas (ubicadas en calle Macedonio Alcalá 507, Ruta Independencia, Centro, Oaxaca de Juárez, Oaxaca), con una selección de los primeros 6 años de amistad y experiencias impresas.

En el texto de Sala para la muestra el escritor Pablo Soler Frost apunta:

En 2019, ciento noventa y tres años después que Claudio Linati, natural de Parma y discípulo de David, trajese la primera prensa y las primeras piedras litográficas a México, llega a Oaxaca la gran prensa eléctrica Voirin, donada por Julie Gerbaud y Patrick Devreux a La Buena Impresión, seleccionada entre más de dos mil participantes. Desde ese año no han dejado de salir extraordinarias litografías del taller fundado por Fernando Aceves Humana, Francisco Castro Leñero, Daniel Barraza y Dr. Lakra junto con María Miranda y Guillermo Orduña.

La Buena Impresión es, además de un vivo taller de un arte que estaba en vías de desaparecer, un centro de aprendizaje. Siguiendo el camino meritorio que lo llevó a introducir de nuevo el grabado en Camboya, luego del genocidio, Aceves Humana y su equipo, con el apoyo de instituciones públicas y privadas, se han encargado de hacer conocer los procesos litográficos y sus posibilidades en las siete regiones de Oaxaca. Aquí se han impreso más de 7400 litografías. Aquí tanto artistas reconocidos (pienso en, por ejemplo, el dr. Lakra o el propio Fernando Aceves) como meros estudiantes, han podido adentrarse en el misterio de la piedra dócil al lápiz.

En un año, en 2026, se cumplirá el segundo centenario de la llegada de la litografía, esa primera prensa que trajo Linati, a nuestro país. Celebro, por adelantado, el hecho que aún se siga litografiando -en Xalapa o en Oaxaca, ya liberados de la novedad decimonónica y del embrujo romántico-, en este tiempo nuestro y hago votos porque la celebración del segundo centenario litográfico encuentre a La Buena Impresión más fuerte y saludable, trabajando con mayor ahínco que nunca.

18 de julio de 2025
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