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TV UNAM y Fundación Telmex Telcel presentarán el documental «La Sexta Extinción. Antropoceno en México».

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Un documental que investiga los cambios globales que el ser humano ha ocasionado en el planeta; a veces, como un ser capaz de crear y maravillarse ante la naturaleza y, otras, como uno de los depredadores más letales de la tierra. Este trabajo de investigación pretende generar conciencia y sensibilizar a la sociedad, mostrando ejemplos exitosos de iniciativas y cooperativas de conservación que han ayudado a frenar el deterioro ambiental en México.

  • A partir del sábado 15 de febrero, se podrá ver en la plataforma de Claro Video el documental La Sexta Extinción. Antropoceno en México
  • El documental también se exhibirá en el Pabellón de la Biodiversidad, los domingos de marzo, a las 13:30
  • Se trata de un trabajo de investigación sobre el impacto del ser humano en el planeta y los retos de la conservación de la biodiversidad en México

La Sexta Extinción. Antropoceno en México (México, 2024), de Alberto Cortés, explora el impacto que el ser humano ha tenido en el planeta. Gracias a la colaboración con la Fundación Telmex y el Pabellón de la Biodiversidad, ahora estará disponible de manera permanente en la plataforma de Claro Video, a partir del sábado 15 de febrero y se exhibirá en la Sala Multimedia del Pabellón de la Biodiversidad, ubicado en el Centro Cultural Universitario, los domingos de marzo, a las 13:30 horas.

Narrado por la actriz Cassandra Ciangherotti, La Sexta Extinción, investiga los cambios globales que el ser humano ha ocasionado en el planeta; a veces, como un ser capaz de crear y maravillarse ante la naturaleza y, otras, como uno de los depredadores más letales de la tierra. Este trabajo de investigación pretende generar conciencia y sensibilizar a la sociedad, mostrando ejemplos exitosos de iniciativas y cooperativas de conservación que han ayudado a frenar el deterioro ambiental en México.

A través del conocimiento científico, expertos como el ecólogo José Sarukhán, fundador del Instituto de Ecología; el doctor José Franco, divulgador de la ciencia; la doctora Marisol Montellanos, paleontóloga del Instituto de Geología; el doctor Jorge Schondube, ecólogo del Instituto de Investigaciones en Ecosistemas y Sustentabilidad, así como la doctora Mariana Vallejo, investigadora del Instituto de Biología, comparten herramientas para mitigar y, eventualmente, revertir los efectos del calentamiento global en favor de la conservación de la biodiversidad del planeta y de la especie.

La investigación cuenta con el análisis y los comentarios del doctor Diego Pérez Salicrup, especialista en ecología vegetal del Instituto de Investigaciones en Ecosistemas y Sustentabilidad; la doctora María Amparo Martínez, especialista en cambio climático del Instituto de Ciencias de la Atmósfera y Cambio Climático; el doctor Rodrigo Medellín, especialista en la conservación de mamíferos del Instituto de Ecología; el doctor Alejandro Córdoba, investigador del Instituto de Ecología; la doctora Christina Siebe, investigadora del Instituto de Geología, y la maestra chinampera, Nora Estrada, entre otros.

Alberto Cortés, guionista y director de cine y televisión, es egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, ahora Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, en donde se especializó en dirección y edición. Con su primer largometraje Amor a la vuelta de la esquina (1986), fue reconocido con el Ariel y la Diosa de Plata por Mejor Ópera Prima. En 1996 dirigió Violeta, una coproducción México-Cuba, realizada con la beca de la Fundación RockefellerMcArthur. Con su documental El maíz en tiempos de guerra (2018), recibió el Primer Premio al Documental Latinoamericano, el Premio Voto del Público y el Premio en postproducción Gorky Films del Festival Internacional de Cine Ambiental FINCA, Argentina; así como el de Mejor Largometraje Indígena del X Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental, Contra el Silencio todas las Voces.

A partir del 15 de febrero el documental La Sexta Extinción. Antropoceno en México, se podrá ver a través de la plataforma de Claro Video y, de forma presencial los domingos de marzo a las 13:30 horas, en el Pabellón de la Biodiversidad.

12 de febrero de 2025
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La Orquesta Sinfónica Nacional presentan su programa «Amor de oriente y occidente» en el teatro de Bellas Artes.

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A través de la interpretación musical de obras literarias, la Orquesta Sinfónica Nacional explora las fronteras entre culturas, invitando al oyente a reflexionar sobre la memoria, el presente, el amor imposible y la fantasía. En su programa «Amor de oriente y occidente» presentará obras como  Romeo y Julieta, de Berlioz, Scheherazade, Op. 35 de Nicolai Rimski-Korsakov, El mar y el barco de Simbad, La historia del príncipe Kalandar y México Recuerdo de ahora, de la compositora chilena Tamara Miller.

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) a través de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), presentan su programa titulado Amor de oriente y occidente. Segundo programa de su temporada que se llevará a cabo el viernes 14 y domingo 16 de febrero, a las 20 horas y 12:15 horas, respectivamente, en la sala principal del Palacio de Bellas Artes.

Para iniciar este programa, se estrenará en México Recuerdo de ahora, de la compositora chilena Tamara Miller, abriendo paso a las obras latinoamericanas que la OSN estará promoviendo a lo largo de su temporada.

Tamara Miller se involucró desde muy temprano con la música, a través del piano, la guitarra y el canto coral. Más tarde hizo sus estudios básicos de composición y se perfeccionó en el extranjero. Además de escribir música instrumental y orquestal, ha enfocado particularmente su trabajo creativo en el arte instalación, las vertientes escénicas de la música, la interdisciplina y la interfaz entre la música electrónica.

La obra antes mencionada la compuso como proyecto final de pre-grado en la Universidad de Chile, que tiene su fuente de inspiración en un poema del poeta Rolando Cárdenas, originario de Punta Arenas, titulado Mujer fueguina, recuerdo de ahora.

Como segunda obra, la orquesta presenta selecciones de Romeo y Julieta, de Berlioz. En su versión completa, la obra es una extensa sinfonía para voces solistas, coro y orquesta. En esta ocasión se interpretan: Escena de amor, Romeo solo y el Gran baile. Como dato de interés, se dice que el violinista genovés Niccolò Paganini (1782-1840), le regaló a Berlioz 20,000 francos, con lo que el compositor francés pudo pagar sus deudas y encerrarse a trabajar en lo que él mismo habría de llamar “mi obra maestra”. Berlioz trabajó siete meses en su Romeo y Julieta, prácticamente sin interrupción.

En la segunda parte del concierto, la OSN continúa con Scheherazade, Op. 35 de Nicolai Rimski-Korsakov, que fue estrenada el 3 de diciembre de 1888 en el Club de la Nobleza, en San Petersburgo, bajo la batuta del propio Rimski-Korsakov.

El mar y el barco de Simbad, La historia del príncipe Kalandar, El joven príncipe y la joven princesa, Fiesta en Bagdad y El naufragio. Final, concluyen el maravilloso segundo programa de la agrupación.

Los boletos oscilan entre 100 y 250 pesos y se encuentran disponibles en Ticketmaster y taquillas de Palacio de Bellas Artes.

12 de febrero de 2025
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La obra «Un patakí de la creación» basada en narraciones de la cultura yoruba se presentará en Centro Cultural del Bosque.

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• Obra escrita por Isabel Bazán a partir de relatos de la tradición yoruba, bajo la dirección y musicalización de Mauricio Martínez.
• Funciones del 15 de febrero al 9 de marzo, los sábados y domingos a las 12:30 horas en la Sala Centro Cultural del Bosque.

«Un patakí de la creación», es una obra de teatro de papel basada en narraciones ancestrales de la cultura yoruba,  interpretada por Isabel Bazán y Mauricio Martínez, fundadores y directores de la compañía Teatro del Gato, con el propósito de fomentar el respeto por la diversidad cultural y las creencias religiosas de quienes dan forma a este país.
Patakí es el nombre que se da a las narraciones de la cultura yoruba, de origen africano y extendida a casi todo el mundo, que hablan de la fe, el origen del mundo y otros temas inherentes al ser humano.
En «Un patakí de la creación» a través de títeres de papel se cuenta la historia de la niña Isabel, quien en su inocencia y fascinación por el mundo se pregunta de dónde surgió todo lo que hay a su alrededor. De esa forma, la niña se asoma a las historias de creación de la tradición yoruba, descubriendo cómo los orishas (espíritus), bajando por una cadena de oro desde el cielo, crearon el mundo, la tierra, los ríos, la selva y la humanidad con sus defectos y virtudes.
Los orishas, deidades yorubas, se muestran también muy humanos, obteniendo sus atributos y beneficios con los que tratan de curar al padre Olofín, que les ayudará a mantener el orden en el cielo, la tierra y los mares, y salvando a la humanidad de una gran inundación.
Mauricio Martínez, director artístico de la obra, cuenta que esta tuvo su origen durante el confinamiento, utilizando “un enorme huacal de madera a falta de teatrino”. Primero fue una versión de cinco minutos, grabada para un festival en línea, la cual fue vista en Alemania, donde se les invitó a hacer un versión más larga y completa. Luego de una amplia investigación entre cientos de leyendas de la tradición yoruba, se concretó una obra de más de 40 minutos que se estrenó en 2022.

Desde entonces, ha sido escenificada más de 40 ocasiones en diversos foros y festivales, aunque el deseo de esta compañía independiente, Teatro del Gato, es que se hagan más funciones y dure varios años más.

En la compañía —afirma Mauricio Martínez— creemos firmemente en el respeto irrestricto por la diversidad cultural, porque vivimos en un país donde hay una diversidad muy grande. Empezamos con relatos wixárikas y luego yorubas, y coincidimos en que debíamos hablar del respeto hacia todas las culturas que dan forma a nuestro país y las creencias que profesa la gente. De esta manera, “refrendamos ese respeto a todas las creencias y culturas, en tiempos de extremismos, polarización y racismos, para decirle a los niños que respetemos todas las culturas, tanto nacionales como extranjeras”, comentó el también compositor de música para teatro.

Para Martínez la Sala CCB es un excelente foro para la obra, donde el público puede encontrar una puesta en escena de teatro de papel no solemne, muy divertida y alegre, y visualmente atractiva, aderezada con música.
«Un patakí de la creación», teatro de papel, se escenificará los sábados y domingos a las 12:30 horas, en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque. Con una duración de 40 minutos, y es apta para niños a partir de seis años y para todo el público.
12 de febrero de 2025
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El funcionario público.

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Los jóvenes interesados en las artes escénicas como una forma de vida acaso ignoran que en el origen de las instituciones culturales los artistas fueron funcionarios públicos ejemplares en la medida en que ganaban suelos raquíticos y el trabajo que tenían enfrente era monumental. Como en toda tarea humana hubo aciertos y errores, actos heroicos y algunas bofetadas en las puertas del Palacio de Bellas Artes, pero quedaron fundadas las instituciones de la cultura artística y comenzó a forjarse en la práctica la figura del gestor cultural, teniendo al poeta Víctor Sandoval como el maestro de varias generaciones de promotores y administradores de la cultura.

En esa escuela se formó Alma Rosa Castillo, la madre putativa de los cientos de cómicos que se reúnen en la Muestra Nacional de Teatro desde los años 90 cuando la MNT tomó como sede por una década la ciudad de Monterrey. Los veteranos de aquellas reuniones recordarán que el primer rostro que veían al llegar al hotel era precisamente el de una mujer sonriente y atractiva que tenía paciencia de santo y un corazón de oro. Por 29 años Alma Rosa trabajó en el INBA en el área de teatro y hace unos días finalmente accedió a su jubilación desatando una lluvia de reconocimientos por su trabajo como ser humano. Lo digo así porque Alma no sólo fue una eficiente y proba funcionaria cultural sino una persona que dejaba el sueño por atender el resfriado de fulanito, el llanto de fulanita, los conflictos de los grupos y las vicisitudes que ocurren en todo suceso multitudinario.

Solemos desconfiar de los funcionarios públicos porque salta a la vista que se sirven de la función en lugar de entregarse a ella, pero sin funcionarios que asuman su deber como es debido el destartalado aparato cultural mexicano ya sería polvo de otros lodos. Yo perdí amigos por destacar como periodista los abusos e incongruencias de los funcionarios públicos sin presentar también los disparates del Sistema al que se enfrentan. El laberinto burocrático de las dependencias oficiales a los primeros que afecta es a los burócratas que deben cruzarlo a diario. Varios funcionarios del INBA se mesaban los cabellos en la cantina por la cantidad de obstáculos que debían de librar para cumplir las labores esenciales de la institución, porque cada sexenio se promete reducir los trámites oficiales y siempre se termina por complicarlos. Luego están las auditorias. Me consta la manera exhaustiva como se auditó en el gobierno de Peña Nieto al Fondo Nacional para Cultura y las Artes, y me consta también que nunca le hicieron observaciones que no se cumplieran, y sin embargo el presidente López Obrador desapareció el FONCA argumentando que los fideicomisos eran fuente de corrupción.

Ese es el ámbito en el que trabaja el funcionario público y por ello es doblemente valiosa la dedicación al trabajo de funcionarios como Alma Rosa, que cruzan ese pantano y si se manchan porque acompañan a los artistas a cruzar el fango burocrático hasta donde les es posible. Algunas veces todo lo que se puede hacer es darles vale de comida por abajo de la mesa a los grupos que se excedieron de personal, o invitarle el desayuno al director que fue a cobrar el trabajo realizado 3 meses antes y le dicen que el contador está de viaje.

Ya tendrá tiempo Alma de Rosa de escribir sus vivencias como funcionaria y las mil anécdotas que seguro atesora, porque además se le da el relato y en las redes sociales ha dado muestra de ello. Hace años que los viejos de la tribu y los primeros medallas Villaurrutia ya no vemos tu rostro a la llegada de las muestras, pero al meno yo no te olvido camarada porque durante muchos años disfruté de tu bonhomía, de tu tolerancia, de tu compañía, así que hoy que la vida nos ha retirado del centro del escenario podemos brindar gustosos por haber vivido un tiempo tan maravilloso y turbulento como pocos haciendo una tarea que nos mantiene vivos, sólo que ahora desde la platea. Ya nos ganamos ese privilegio querida Alma Rosa. Salud!

11 de febrero de 2025
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Furor del respetable.

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Fuimos algo más de 115 millones los espectadores que, cerveza en mano, rugimos ante los desatinos de Patrick Mahomes, quarterback de los Chiefs de Kansas City. El partido del Super Bowl fue el espectáculo televisado que más audiencia ha registrado en la historia, después del alunizaje de la misión Apolo XI en 1969.
  La pregunta que surge, a medio espectáculo, es simple: ¿De dónde nos viene ese furor por el combate de los contrarios? Supongo que lo mismo se preguntaban en el Coliseo romano, cuando los gladiadores juraban ante la tribuna, “¡César, los que vamos a morir te saludan!”. Gladiadores y futbolistas, peloteros en la Serie Mundial, el matador Enrique Ponce despidiéndose de la fiesta brava en la Monumental de México. Se sentía ya viejo, a los 53 años.
       Mi diccionario asegura que “amistad” es lo contrario a rivalidad. Antagonismo, hostilidad, enfrentamiento serían los sinónimos del sentimiento que aflora a cada rato en la calle, la oficina, el salón de clases. Al oficio del hostigamiento, ahora, se le llama simplemente “bullying”. Son los acosadores de siempre, los fustigadores, profesionales… que en ocasiones, por ello mismo, alcanzan las presidencias republicanas. El elector, en ese sentido, se convierte en un masoquista indocumentado.
       La rivalidad, por así decirlo, nos viene con la sangre. Los perros ladran, los lobos aúllan, los seres humanos gritamos ofendidos “¡Carajo! ¡Te voy a romper la madre!”. Y somos felices con simplemente eso, manifestar nuestro enojo. Diría un psicólogo, es la expresión de nuestro instinto aniquilador. Que prevalezca nuestra voluntad, pese a quien le pese, así sea del Necaxa, del América, de los Pumas.
       El circo ha sido por siglos la salvación de la vida en comunidad. “Pan y circo”, decían antes, hay que darle al pueblo. Y sí, en el circo rivalizaban los aurigas fustigando a sus monturas, los gladiadores defendiendo su vida con la espada, o las peleas de gallos, las carreras del hipódromo, los partidazos en el estadio Azteca. Unos que ganan y son los campeones, otros que pierden y no modo, son los “ya merito” de toda la vida.
       La rivalidad asoma en todas partes y que nadie nos venga con eso de la hermandad sonriente de los pioneros, pañoleta roja al cuello, cantando himnos de hermandad universal. “De colores, de colores se visten los campos en la primavera…”, cantaban los cursillistas juveniles cristianos de los años 60, antes que los desterraran los hippies del amor libre y el porro en comunidad.
       Miguel León Portilla publicó en 1959 su antología “Visión de los vencidos”, en la que conjuntaba relatos y testimonios de los pueblos indígenas conquistados por los ejércitos combinados de Castilla y Tlaxcala. Porque hubo otra “visión”, que imperó durante siglos, que ha sido la de los vencedores. Es la historia misma, contada por los herederos de los generales y emperadores sometiendo a los derrotados, porque la guerra es la “continuación de la política” por otros medios; ya lo dijo Von Clausewitz en su tratado inmortal.
       Rivalidad que viene desde el antiguo testamento, ¿quién mató a quién? ¿Abel a Caín, o Caín a Abel? ¿Y quién puso allí la quijada del burro? Placer sádico, morbo del respetable, sed de sangre en el estadio. Mejor un partido entre naciones que una guerra impía, aunque ya hubo la de Honduras y El Salvador, en 1969, llamada precisamente “la Guerra del Futbol”, contada magistralmente por el periodista Ryszard Kapuscinsky.
       Así estamos cada noche ante el televisor, como el respetable cuando el Coliseo, atestiguando la violencia nuestra de cada día… los muertos de Tabasco, de Sinaloa, de Guanajuato; no con el temible “gladius” de las legiones romanas, sino con el AK-47, “cuerno de chivo”, que inventó el armero ruso Mijaíl Kalashnikov. Es la entraña misma de la obra de Shakespeare, ¿ser o no ser?, la ambición de poder y su precio en sangre.
       La rivalidad acompañará por siempre la vida del homo-sapiens (¿sapiens?). Hamas vs. Israel, Patrick  Mahomes vs. Jalen Hurts, Trump vs. el que se ponga enfrente. Bullying, un lindo sustantivo que ya debería incorporar la Real Academia.
11 de febrero de 2025
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!Mucha mierda para el Teatro!

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Entre la gente de teatro hay una expresión de júbilo para desearle a los colegas del oficio la buena ventura en su estreno. Gritamos: ¡Mucha mierda!, ignorando que realmente les estamos deseando mucho público.

Si miramos solamente la cartelera teatral del año que ya inicio su eterno retorno en la capital del país, podríamos pensar que éste será un ciclo estupendo para la ficción dramática porque Karina Gidi retoma, luego de 25 años, la obra que la puso en los cuernos de la luna, coescrita y dirigida por José Antonio Cordero: Instrucciones para volar. Arturo Ríos, otra fuerza de la naturaleza actoral, reestrena su versión de Los días felices, de Samuel Beckett, aunque ahora como director porque ya ha navegado lo necesario en el universo del absurdo cómico pero también cósmico del autor irlandés. Enrique Singer trae, como en los viejos tiempos, un éxito londinense del 2022, La niña en el altar, de la autora irlandesa Marina Carr, cuya versión de la tragedia de los Atridas, escrita originalmente por Esquilo, fue uno de los acontecimientos del teatro inglés del año mencionado. Con un reparto envidiable por la presencia de Mariana de Tavira, Emma Dib, Alberto Estrella, Salvador Sánchez, Yessica Borroto y Everardo Arzate, puede ser un montaje memorable. Este mismo sábado llegó de Mérida La noche que jamás existió, de Humberto Robles, dirigida por Nelson Cepeda. El autor que fue alguna vez tan prolífico como Tomás Urtusastegui fantasea con la velada en la que la Reina de Inglaterra Isabel I invita al señor Guillermo Shakespeare a enseñarle los secretos del amor. Boris Schoemann estrenó ya Civilización, la sátira de LEGOM sobre un despropósito arquitectónico que intentó hacer un político queretano en el centro de la ciudad colonial, Y podría seguir anunciando los estrenos y las reposiciones del primer trimestre del año en curso, pero mi intención es otra.

Entre la gente de teatro hay una expresión de júbilo para desearle a los colegas del oficio la buena ventura en su estreno. Gritamos: ¡Mucha mierda!, ignorando que realmente les estamos deseando mucho público, pues la locución de la palabra mierda nació en Londres en el siglo XIX cuando la gente pudiente llegaba a los teatros en sus carruajes jalados por caballos, equinos que arrojaban su majada al piso en las horas que duraba la función, de manera que mientras más mierda de corcel había en las calles más gente había en la sala. Como ya no hay carruajes jalados por caballos ahora debemos vociferar; Mucho metro, o mucho Uber, o mucho humo por los autos que padecen en donde estacionarse para llegar a un teatro.

Porque el problema nodal del teatro ha sido siempre llevar público a las funciones, y este año dicha tarea será doblemente cuesta arriba porque si Trump pone sus aranceles de exportación a México y logra expulsar a los cinco millones de mexicanos cuyos envío de dólares es vital para la economía de cientos de miles de familias, las artes escénicas que jamás han estado en la canasta básica de los paisanos igual se verán afectadas por la convulsión económica que nos espera. Se dirá que las familias de las orillas no van al teatro pero la clase media, que más que al teatro va a los espectáculos, se verá afectada por la emergencia financiera que puede ocasionar el bárbaro de la Casa Blanca. Como bien sabemos nuestro público es endogámico y seguro atenderá la fiesta familiar que nos propone la cartelera, pero cuándo llegaremos al público de a pie, a los millones de jóvenes que viven para las redes. Tan sólo con este universo de personas las docenas de espacios alternativos del país podrían sobrevivir dignamente y hacer una labor meritoria.

Aun no es oficial pero se comenta que el INBA tiene la intención de retomar el teatro escolar a nivel nacional que tan buenos resultados dio cuando se logró que todos los estados del país tuvieran ese programa, porque con él se cumplen dos de las premisas del teatro público: darle trabajo a un buen número de cómicos y formar espectadores. Este año el gasto mayor de la Secretaría de Cultura Federal estará dedicado a la formación artística cuyos centros de estudio son zonas de desastre por diversos motivos. Magnífica iniciativa que sin embargo aumenta uno de los problemas de las artes escénicas; la falta de trabajo para los cientos de egresados de las 28 escuelas formales de teatro públicas y privadas. Sin público el teatro no es el espacio vació que volvió proverbial Peter Brook sino realmente un lugar desolado en el que un puñado de orates predican en el desierto.

Vamos pues por el público, sin olvidar que el misterio indescifrable del teatro es cómo hacer exitosa una obra de teatro. Pero en tiempos de emergencia hay que hacer lo posible por lograr lo inalcanzable.

4 de febrero de 2025
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¿Ah, no?

By Sobre 2 ruedasNo Comments
Los rufianes no pueden comportarse de otra manera. Lo suyo es el hostigamiento, los puñetazos, la perpetua baladronada. De hecho en inglés “bullying” tiene su origen en el término “acoso”, de “bull” (toro), muy relacionado con los chulos, padrotes, macarras que viven mangoneando a las prostitutas. Es una actitud ante la vida; no pueden ser de otra manera. Son insufribles. Todos los hemos padecido alguna vez en la vida.
         Aún no se sabe cuántos fueron los aerotransportes militares que el gobierno de EU habría enviado a Colombia con decenas de indocumentados originarios de ese país. Como ya se ha informado, apenas enterarse del operativo, el presidente Gustavo Petro ordenó cerrar el acceso a los aeropuertos colombianos a fin de impedir el arribo de esas aeronaves.
         Estaba inspirado el mandatario, a primeras horas de la madrugada del domingo, cuando en sus correos publicó que ante esa bravata estaba dispuesto a inmolarse como Salvador Allende, que lo acompañaban las mariposas amarillas habitando Macondo y la soberanía Latinoamericana en pie… que él se comportaría como el último de los Aurelianos Buendía salidos igualmente del imaginario de García Márquez.
         Aún no cumplía una semana en el poder Donald Trump, cuando en contrapartida ordenó subir los aranceles a las importaciones colombianas en 25 % y cancelar los visados a todos los ciudadanos de ese país, hasta nueva orden. En cosa de horas el ucase trumpiano tuvo efectos. Y que sí, los aviones norteamicanos podrían aterrizar cuando quisieran y cuantos quisieran, suplicando que los ciudadanos repatriados fuesen “tratados como seres humanos”. Faltaba más.
         Ya quedó marcado. Los aviones militares norteamericanos podrán seguir transportando a migrantes “delincuentes” a sus lugares de origen, Guatemala, Colombia, el país que sea, cumpliendo así una de sus promesas de campaña. La famosa MAGA (“Make America Great Again”), que implica la expulsión de los invasores que cruzaron la frontera sur de mala manera.
         De lo que se trata es de mandar y obedecer. Ya lo manifestó Theodore Roosevelt una siglo atrás, hablar claro y aplicar el garrote (el “big stick”) cuando sea necesario. Antes se requería de las cañoneras y los marines desembarcando al amanecer, ahora basta con un golpe de arancel, del 25, del 50 %, cancelar las visas, y los disconformes doblan las manitas, como se dice.
         Prometió barrer la casa, apenas ingresar, y lo está cumpliendo. Donald Trump ha señalado que uno de los males heredados por las anteriores administraciones demócratas ha sido la excesiva prodigalidad en las cuestiones migratorias, por lo que se les han “colado” demasiados delincuentes. Ha llegado la hora de poner fin a esa filantropía mal entendida, y que cada cual permanezca en su lugar de origen. Los hondureños en Honduras y los oaxaqueños en Oaxaca. “Aquí no hay lugar para ustedes, ¿qué no lo entienden?”.
         El problema de fondo, ya lo decíamos, tiene dos focos antagónicos. Por un lado están los gobiernos fallidos que no pueden garantizar seguridad, educación ni bienestar a sus ciudadanos, y por el otro el faro de luz que representa la sociedad norteamericana (el “american way of life”), a cuyas migajas aspiran millones de migrantes buscando acomodarse a lo que sea… jornaleros, lavaplatos, peones de la construcción.
      Se trata de una contradicción histórica irremediable, hasta donde entendemos, y de ahí los hormigueros humanos que corren del sur, concentrándose en el Darién, en una columna que no para sino hasta las garitas de California y Texas. Y, como bien saben los jadineros, un hormiguero es inextinguible, aunque sí puede ser “controlado”.
         La bravata de Petro pasará a la historia como eso; un desplante irreflexivo, pendenciero, que no podría llegar más lejos. “Ah, ¿no podemos aterrizar?”. El traslado aéreo de los colombianos indocumentados continuará por buen rato, y los mandatarios que quieran alzar el cuello en contra, mejor que lo piensen dos veces.
         La indignación y el radicalismo soberanista está muy bien para los discursos, pero este momento es difícil como nunca para desafiar al gran valentón. Es momento del diálogo, la palabra y la conciliación. Lo demás será heroismo admirable y sublime –como Petro en la primera hora–, aunque del todo inútil. Los rufianes no entienden, pero hay que ofrecerles razones. Una y otra vez.
29 de enero de 2025
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“Daniel Hourdé: De Paris à México” en Picci Fine Arts, el artista francés expone por primera vez en una galería de México.

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La galería Picci Fine Arts presenta “Daniel Hourdé: De Paris à México” una exposición que refleja los temas de la vanidad,  caducidad y a la vez de la esperanza humana. Del 30 de enero al 1 de marzo, la muestra reúne esculturas, carboncillos y mobiliario diseñado por el artista francés. Se trata de la primera exposición individual de Daniel Hourdé (Boulogne-Billancourt, 1947) en una galería de nuestro país.

La muestra se inaugura el jueves 30 de enero, 18:00 horas  en Picci Fine Arts —Alpes 700A, Lomas de Chapultepec, 11000, CDM— y es resultado de la relación de amistad y de trabajo, un logro luego de veinte años de colaboración, entre el artista francés y Pichi Aguilar, director de la galería.

Compuesta por  24 piezas el artista continúa en estas obras su exploración temática y su búsqueda en la corporalidad de las “sombras” tanto de la cultura occidental en su sentido histórico y artístico, como en el personal y auto-referencial del artista, buscando siempre introducir al espectador en una catarsis en torno a la vanidad humana.

En soportes de papel algodón o un espejo, los emblemáticos cuerpos dibujados a carboncillo de Hourdé se desdoblan a veces en un sentido literal, haciendo que el dibujo adquiera un valor material, tridimensional, que recuerda al Nuevo Realismo francés de los años 60, en donde en la apropiación directa de la realidad incorporan objetos cotidianos y explora en los límites entre el arte y la vida.

La temática del cuerpo que se retuerce, o es auxiliado por animados esqueletos, corresponde al interés del artista en una corporalidad presente en el arte cristiano flamenco del siglo XVI. La caducidad de la vida yuxtapuesta al esplendor de coronas de bronce componen uno de los principales ejes de su obra.

Sus motivos recurrentes son: los esqueletos, la Cruz y la Caída y la Redención, los depositarios de las danzas de la muerte de la Edad Media o el visionario retablo de Issenheim. Hace convivir a sus personajes, atrapados en una acción existencial, con objetos actuales y cotidianos o evocaciones quiméricas, para invitar a una reflexión sobre la vanidad.

En el trabajo de Hourdé, la expresión inconsciente no puede reducirse a una gama de temas autobiográficos, citas de obras de arte o episodios históricos, ni siquiera menos a reflexiones teológicas o filosóficas. Si todos estos aspectos están presentes, no determinan el curso narrativo ni ofrecen las claves para un código representativo. La expresión auténtica del inconsciente se encuentra en los contornos de la vida humana, en sus innumerables aspectos y manifestaciones. Este lenguaje expresivo está arraigado en una estética del doblaje, una indicación significativa del propio artista, y es el resultado de una afinidad elegida por los efectos de la división y la escisión, la duplicación del hombre y sus movimientos.

En su obra nos recuerda que los esplendores de la vida están acotados por el tiempo orgánico de los cuerpos, se vuelve más tangible en piezas como “Oh mon beau miroir, tu es ma croix” [Oh, mi hermoso espejo, eres mi cruz] (2013), involucrando directamente al espectador al reflejarlo en un espejo sostenido por dos esqueletos.

Esta exposición es el cúmulo de más de veinte años de relación de trabajo entre el artista francés con Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts. Relación que tuvo su primer esplendor público en la organización de la exposición Daniel Hourdé en México. París-Tenochtitlan que se celebró en 2022 en el Museo de la Cancillería en Ciudad de México.

En noviembre pasado una obra de Hourdé fue elegida para participar por primera vez a en la Bienal de La Habana, se trato de “El árbol de las mil voces” donde el artista con el soporte de Picci Fine Arts, llevó esta pieza cuya idea surgió en México, hace dos años, cuando recorrió el Bosque de Chapultepec y observó el movimiento de las hojas al caer, así  le vino la idea de crear un árbol monumental de acero, cuyas hojas fueran libros que se moverían igual que las que vio en su visita.

“Para nosotros es muy importante traer el talento de Daniel Hourdé a la Ciudad de México, luego de haberlo presentado en noviembre pasado en La Habana. Creemos que estas exposiciones no solo acercarán la obra de Hourdé al público latinoamericano, sino que también fortalecerán el diálogo cultural entre Europa y América Latina”, opina Pichi Aguilar, director de Picci Fine Arts.

Daniel Hourdé inició como galerista y pintor. Ahora se expresa principalmente a través de la escultura, el dibujo y las instalaciones. Estudio pintura y dibujo en École des Beaux-Arts de Grenoble y París, y se consagró a partir de los años ochenta esencialmente a la escultura, trabajó en la técnica y los materiales tradicionales como el bronce, las vanitas –género artístico que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos–, y en el realismo en el que encontró la mejor manera de dar cuerpo y alma a sus personajes. En su técnica de modelado hay un conocimiento quirúrgico de la anatomía humana. Su obra ha sido expuesta en diversas regiones del mundo; y en espacios públicos como en medio del río Sena, en el Pont des Arts. Vive y trabaja en París.

Picci Fine Arts cuenta con más de 60 años de historia y se ha consolidado como un actor clave en el panorama artístico de México y América Latina. Fundada por Poncho Aguilar en los años 60 bajo el nombre de Galería Ittati, su herencia incluye colaboraciones con figuras icónicas como Francisco Corzas, Ricardo Martínez o José Luis Cuevas. Hoy, bajo la dirección de Pichi Aguilar, la galería continúa esta tradición al combinar exposiciones innovadoras y proyectos de impacto cultural en un espacio que conecta creatividad, comunidad y excelencia artística.

28 de enero de 2025
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Responso por Tolita Figueroa.

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Hoy murió uno de esos seres con figura de mujer y dueña de un espíritu alado que no sólo hizo maravillosos vestuarios para obras de teatro y películas icónicas del siglo XX y XXI mexicanos, porque en realidad su mayor obra de arte fue su vida. Tuvo la suerte de nacer en 1957 y en la casa de Coyoacán de don Gabriel Figueroa, quien en 1958 filmaría Los olvidados con Luis Buñuel y a partir de ahí, es decir, durante la infancia de su hija Antonieta Tolita, se convertiría en una de las figuras mas admiradas de la época de oro del cine mexicano.

Tolita nunca me perdonó que faltara al reconocimiento que le hicieron a su padre en la ciudad de los Ángeles en los años 90 porque me había apartado un lugar frente a Martín Scorsese y estando yo en la ciudad para asistir al compromiso nunca llegué a la cita. En verdad sintió el desaire y ya no volví a compartir la amistosa intimidad que tuvimos a partir de la gira por todo el país, compartida con Mauricio Jiménez, como jurados de las Muestras Regionales de Teatro al inicio de los años 90. Era maravilloso y desesperante asistir a las discusiones bizantinas de Tolita y Mauricio para escoger a los ganadores de cada región porque ambos tomaron como un compromiso ético su labor de juzgadores de teatro, y me tardaba horas en convencerlos a tomar una decisión colegiada. Pero esa fue la entrada a la aventura de El Milagro, el bar, la editorial y el teatro que se convirtió en el lugar de reunión de “la marcha defeña”, porque ese antro inauguró en la nopalera el bar tipo Madrid en donde no hay mesas para que la gente tomé dos o tres copas y siga su marcha etílica en otro bar. Aunque la fijación geográfica que exige la cantina mexicana hizo su efecto y aquella era una conglomeración humana porque nadie se quería ir y las colas de gente que lloraba por entrar en la calle Milán eran enormes. Al respecto hay que añadir que otro de los atractivos del bar fue el mural de un nopal que hizo Tolita para la barra de la cantina. Una chulada hiperrealista que los pasados de cannabis contemplaban extasiados.

Aunque lo fascinante con Tolita eran su historia de vida y su trabajo. Por parte de su padre conoció al “todo México” de la segunda mitad del siglo XX y por parte de madre emparentó con la familia Amor en la que Pita, la poeta, era solamente la punta del iceberg. Como vestuarista no diseñaba una sola línea sin haber estudiado la época histórica en la que ocurría la obra de teatro, el ballet, la ópera, el espectáculo. Como historiadora le dio una vuelta de tuerca al vestuario de Los enemigos, la versión de Sergio Magaña del Ravinal Achi, la epopeya de la literatura maya, al vestir a sus personajes con el imaginario de los viajeros europeos del siglo XVIII, y aquella fastuosidad le hizo honor a los mayas y a los cronistas extranjeros. Ya he comentado en otra parte la experiencia de trabajar con ella en El Avaro, mi versión charra de la obra de Moliere que gracias al vestuario de Tolita y María Figueroa y a la escenografía del maestro Alejandro Luna fue una obra memorable para el estado de Hidalgo. La sintetizo ahora como la oportunidad de atisbar el taller de las hadas que tejen entre chismes y carcajadas la piel del teatro.

Ya que lo menciono, Alejandro Luna fue otro de los motivos de mi cercanía y mi alejamiento con Tolita. Creo que Alejandro fue el hombre de su vida pero no podría asegurarlo. Lo que sí puedo decir es que la hizo feliz y desdichada y que pasó con él experiencias extraordinarias como viajar en el ferrocarril transiberiano que parte de Moscú y recorre 10 mil kilómetros en siete días pasando por siete diferentes husos horario para llegar a Vladivostok y de ahí trasladarse a Novosibirsk, la capital de Siberia, para vivir por varios meses literalmente en las entrañas de la tierra para evitar  la congelación del cuerpo y montar con Alejandro una obra de teatro. Fue una relación muy intensa y productiva, muy amorosa y destructiva, muy creativa y muy negativa, y la cuenta se le puede presentar al machismo heredado por el único genio del teatro mexicano: Luna.

Escribo este responso de memoria y anonadado por la muerte de una mujer mágica que hacía de una visita a Champotón, Campeche, un escenario de película europea por los utensilios que llevaba para sentarse, poner la mesa, colocar el vino, la copa, el mantel de encaje la servilleta blanca los cubiertos de plata que incluía un tenedor de tres puntas para el mango y un tapón de botellas de vino. Ah!, y la canasta, mejor dicho la cesta donde llevaba esas joyas era otro tesoro en sí mismo solo comparable con la maleta donde trasladaba el resto de los aparejos que llevaba para el almuerzo marino.

¿Cómo olvidar tantas madrugadas hablando de todo y de nada en la ¡mansión roja! de Bucareli o en las oficinas de El Milagro, cuando en lugar de seguir jugando póker con Daniel Giménez Cacho y sus amigotes hasta las seis de la mañana me pasaba discutiendo contigo el erotismo cristiano de Luis Buñuel en sus películas con Catherine Deneuve. La verdad, era una buena forma de no gastar sino aprovechar el tiempo de sobra, aquel que uno emplea en vivir como de gratis, sin deberle a nadie otra cosa que estar a gusto con quien conversas mientras el sol se pone en el poniente en la aun respirable ciudad de México.

Tolita, no sabes cómo lamento que el machismo universal no dé en ninguna plataforma común el nombre de tu madre que fue tan significativa en tu vida, y mi memoria confunde su nombre pero recuerda que acaso el único reproche que escuché de tu boca para tu padre fue para decir que desde la sombra ella fue una mujer magnífica que evidentemente fue el soporte familiar de Don Gabriel Figueroa. Ignoro porque termino este responso en tu memoria con estas palabras. Acaso será porque la última vez que nos vimos en la ciudad de Puebla me reprochaste eufemísticamente mi machismo, Tenías razón. Hay mujeres como tu más grandes que los hombres, por enormes que estos sean.

28 de enero de 2025
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Llega Zona MACO 2025, la semana en la que la CDMX se viste, más que nunca, de arte y nuevas expresiones.

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En esta ocasión Zona Maco 2025 reúne 199 galerías provenientes de 27 países de cuatro continentes y reafirma su posicionamiento como la plataforma internacional de arte más grande e influyente de América Latina.

Del 5 al 9 de febrero de 2025, la Ciudad de México, en su edición 21, ofrece un programa dinámico de arte contemporáneo, diseño, fotografía y antigüedades y hacer resonar a la Ciudad de México como epicentro cultural.

Zona Maco 2025 no se limita al recinto del Centro Citibanamex —Av. del Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Hipódromo de las Américas, CDMX—. Más de 90 instituciones culturales, entre museos, galerías y espacios experimentales, se suman a la Semana del Arte, una agenda que inaugura el calendario cultural de 2025 en la Ciudad de México.

Esta feria de arte mundo no solo reúne y promueve el trabajo de creadores de nuestra región sino que, también, nos ayuda a establecer un panorama de la escena artística mundial al contar con galerías de todo el mundo mostrando la propuesta de sus representados.

Zona Maco es una plataforma de ferias de arte que desde 2004 ha reunido a artistas, galerías y coleccionistas de todo el mundo. Creada por Zélika García, ha evolucionado para incluir varias divisiones: Arte Contemporáneo, Diseño, Salón del Anticuario y Foto. Estas ferias se llevan a cabo simultáneamente durante cinco días en la Ciudad de México.

Este año la división de grandes secciones prentede ofrecer una experiencia completa para los amantes del arte: ZONAMACO ARTE CONTEMPORÁNEO: SECCIÓN GENERAL, SUR, ARTE MODERNO, y EJES:

ZONAMACO DISEÑO y ZONAMACO DISEÑO EMERGENTE: Expone objetos de diseño

contemporáneo y emergente. Piezas únicas y ediciones limitadas de mobiliario, joyería y decoración se presentan junto a las propuestas más frescas de jóvenes diseñadores mexicanos y extranjeros. Cecilia León de la Barra lidera una propuesta que integra objetos decorativos y mobiliario de edición limitada, mientras que Diseño Emergente, co-curada con Joel Escalona y Jorge Diego Etienne, da protagonismo al talento joven de México y Latinoamérica.

ZONAMACO SALÓN DEL ANTICUARIO: Conmemora las antigüedades y las piezas

patrimoniales. Bajo la dirección de Alfonso Miranda Márquez, celebra el valor histórico de piezas patrimoniales como arte sacro, joyería y mobiliario virreinal. Ofrece un vistazo al pasado desde una perspectiva artística.

Alfonso Miranda, director del Museo Soumaya, contó que la sección de la feria a su cargo “Salón del anticuario”, cumple 10 años. En esta ocasión se podrán adquirir piezas de hasta más de mil años como una arma de bronce y mueblería novohispana. Entre sus destacados está la inclusión de libros antiguos por primera vez. “El libro es uno de los símbolos más importantes del coleccionismo.  No era la primera ocasión en que buscábamos sumar estos objetos con el carácter de tradición y al mismo tiempo dándole un valor al editor”, dijo a este diario el curador, quien apuntó que el libro más antiguo que presentará es un volumen de Heródoto de Halicarnaso, fechado en 1592. Además, también se ofrecerán exlibris, que son sellos con los que se marca la propiedad de un libro, pertenecientes al poeta Salvador Novo y al pintor Rufino Tamayo.

ZONAMACO FOTO: Destaca la fotografía documental y conceptual. Luis Graham Castillo encabeza esta sección que destaca la fotografía documental y conceptual, con propuestas de talentos emergentes y consagrados. Es un espacio que celebra el poder de la imagen para contar historias e inspirar nuevas formas de ver el mundo. La edición de este año da espacio a voces establecidas y emergentes, además, promueve el descubrimiento y el diálogo a través de diversas prácticas artísticas.

SECCIÓN GENERAL: Presenta 132 galerías de 27 países de África, América, Asia, y Europa. Esta selección estuvo a cargo de un Comité Internacional, integrado por: Teófilo Cohen (Proyectos Monclova, CDMX); Karen Huber (Galería Karen Huber, CDMX); Lauren Kelly (Sean Kelly, Nueva York/Los Ángeles); Ben Loveless (Galerie Nordenhake, Berlín/Estocolmo/CDMX) y Guilherme Simões de Assis (Simões de Assis, São Paulo/Curitiba)

ZONAMACO SUR: Curada por Manuela Moscoso (Ecuador, 1978), esta sección profundiza en las prácticas artísticas del Sur Global, que desafían las narrativas eurocéntricas e indagan en la identidad, la memoria y la comunidad a través de obras site-specific. La feria incluirá propuestas que exploran narrativas alternativas, como las historias del “sur global”.

En esta Zona, se encontrará obra de la artista Ana Gallardo, con una exposición de la polémica argentina quien fue acusada de revictimizar a mujeres que ejercieron trabajo sexual por su obra “Extracto para un fracasado proyecto”, y que tras varias protestas fue retirada de una muestra en el 2024 del Museo Universitario de Arte Contemporáneo.

 

ZONAMACO ARTE MODERNO: Curada por Esteban King (México, 1986), esta sección redescubre obras icónicas del siglo XX, principalmente, los movimientos avant-garde y su impacto cultural, bajo la mirada de pioneros internacionales y latinoamericanos.

ZONAMACO EJES: Curada por Bernardo Mosqueira (Río de Janeiro, 1988), esta sección explora el concepto de libertad desde perspectivas críticas y poéticas. Presenta obras que exploran los límites y su relevancia en el mundo actual.

En el marco de los cien años del surrealismo, celebrados en 2024, Zona Maco 2025 rendirá tributo a los grandes exponentes de este movimiento artístico que nació bajo la guía de André Breton. Entre las figuras destacadas se encuentra la pintora y escultora Leonora Carrington. Su obra será uno de los puntos centrales de esta edición, ofreciendo al público una oportunidad única para explorar su legado artístico y su impacto en el surrealismo.

Entre las novedades de esta edición está que por primera vez abrirá su tienda en línea: “de una plataforma digital, nuestra feria en línea en colaboración con Always Art, que no tendrá costo y con la que buscamos ampliar el alcance de la feria con la intención de llegar a audiencias más allá en nuestras fronteras. Nos sentimos especialmente orgullosos de seguir creciendo, de amar el arte y reafirmar a Ciudad de México como uno de los centros culturales más dinámicos y vibrantes de este momento”, informó Direlia Lazo, directora artística de Zona Maco.

Zona Maco es un espacio abierto al público en general por lo que, cualquiera que esté interesado en saber y conocer el panorama actual del arte mexicano, latinoamericano y mundial, puede visitar esta feria de arte en la que encontrarás a artistas consolidados y nuevas propuestas artísticas. Los horarios son miércoles: 17:00 a 20:00; jueves y viernes: 13:00 a 20:00; sábado: 12:00 a 20:00 y domingo: 11:00 a 18:00

Las actividades incluyen exposiciones inéditas, visitas guiadas, talleres, conferencias y eventos nocturnos que combinan arte y entretenimiento. Entre los espacios destacados  que también se unen a esta celebración, se encuentran:

Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC); Museo Jumex; Museo Nacional de Arte (MUNAL); Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo Tamayo.

23 de enero de 2025
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