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Sobre 2 ruedas

FUERA DEL PARAISO

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Quizá fuimos engañados. Una vez expulsados del paraíso todo ha sido atender contratiempos. Ya no más el maná al alcance de la mano y la dulce compañía de Eva (o Adán) explorando la exuberancia del Edén. “Ven, ven, ven; que Tabasco es un Edén”, el edén de Adán Augusto, Layda y Andrés Manuel. Pero un día la utopía bíblica dio por concluida.

La inundación de la Huasteca registrada en días pasados no hace sino confirmar que vivimos, como siempre, al arbitrio de la naturaleza. Y no es que las “lluvias atípicas” se hayan ensañado contra esa región serrana, sino que el fenómeno fue, simplemente, un diluvio (con todas sus letras) y no hubo patriarca bíblico ni funcionario de la 4T que pudiera salvar a la población local de la catástrofe. El agua arrasó con todo lo que halló a su paso. ¿Quién les manda fincar sus viviendas a la orilla del río?, preguntaría el ambientalista. “¿Y dónde, pues?”, respondería la población que no ha tenido medios para hacerse, siquiera, de un departamentito del Infonavit.
La ubicación del territorio nacional es crucial, en el estricto sentido de la palabra. Los flujos nubosos que nos asedian, del Atlántico al Pacífico, no hacen sino mantenernos alerta desde que inicia el otoño. Lluvias, tormentas, eventualmente ciclones que asedian las costas del país y que son el dolor de cabeza del servicio meteorológico nacional. Esos chubascos no son tan frecuentes, digamos, en Finlandia, Bolivia ni Zimbabue. Acá vivimos, lo que se dice, a la intemperie en cuestiones de meteorología tropical. Sequía y diluvio es lo nuestro. México no es el paraíso (contra lo que aseveró Alexander Humboldt) sino la encrucijada sofocante en Ciudad Mante y la vecindad telúrica de la costa guerrerense al borde de la placa tectónica. Temblores cotidianos que sacuden frecuentemente el sur del país y que el pudor cívico evita nombrarlos como los terremotos que son.

A esa condición habría que añadir el saqueo y las trapacerías que sufren sus habitantes por parte de los criminales (con fuero y sin el) que han decidido vivir expoliando a la población que vive –o sobrevive– de su humilde trabajo. Cultivas limón, te niegas a pagar la extorsión, pagas la osadía con el precio de tu vida. Así con los aguacateros, los tortilleros, los polleros, los locatarios y los gerentes de bares y cantinas. “Aflojas o cuello”, dijo el chinito.
No, el paraíso no es lo nuestro por más que nos preciemos de tener las playas más hermosas, las selvas resguardadas por los “aluxes”, y los festejos más deslumbrantes con los que celebramos todo… el Día de Muertos y el Día de la Patria, el de la madre, del maestro, del trabajo y de la raza (bueno, ése ya no). Lo mismo que la noche de Halloween y la mañanitas cantadas a la Virgen de Guadalupe. Ahora seguirá “el Día del Bienestar”. ¿Para qué trabajar, pues?

Después del diluvio ya no quedó nada. En Poza Rica, en Huauchinango, en Tianguistengo. Los barrios de abajo donde el río desbordó llevándose la casa, los muebles, la ropa, los animales y el álbum fotográfico. Nada, sólo fango y pestilencia donde hubo calor de hogar. Que les van a dar 20 mil pesos como salvamento, es lo que han prometido, para rehacer la vida. Dinero que no vendrá del desaparecido Fondo (para atender) los Desastres Naturales –Fonden–, sino del bolsillo del gasto público.
Por más que se vitupere contra los presidentes municipales y gobernadores, en realidad no hay culpables. Los diluvios son impredecibles (el caso del patriarca Noé es aparte) y no existe albarrada que pueda contener una avenida bajando de la sierra tras cuatro días de lluvia continua. No recuerdo si en Macondo hubo Fonden o no, pero sí cabría cierta perspicacia para erigir las nuevas viviendas en esas localidades tan castigadas. Mejor cimentación, pisos más altos, ubicación de los terrenos en sitios no tan próximos al cauce del río. Eso sin hablar de los huracanes, que son palabras mayores y el dolor de cabeza de los meteorólogos a partir del cordonazo de San Francisco.
No, el paraíso no existe, ya lo decíamos, aunque sí la solidaridad de la gente, como lo vemos en estos días pasada ya la emergencia.

Galería Atelier Natale presenta: “Marco Lux Kempowski-Stadie. Exposición de pintura”

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​Fuengirola , Málaga.-  La Galería Atelier Natale, bajo la dirección de Alejandra y Alicia Natale, presentan la exposición individual del artista  Marco Lux Kempowski-Stadie, quien reside en Alemania y es de origen español.

Lux Kempowski-Stadie indica que: “Esta muestra también rinde homenaje a todas las personas que atraviesan el dolor sin rendirse. A quienes, aun en medio del caos interno, siguen creando, respirando, amando. Porque en ellos también habita la belleza”.

La muestra, que reúne más de diez obras, predominando el gran formato, se erige como una «resistencia luminosa» ante la actual tendencia social de idealizar lo superficial y censurar la emoción.

Sus obras proponen con su visión una  resistencia luminosa: reivindicar la belleza como territorio de verdad, explica Clara Belén Gómez. Historiadora y crítica de arte.

“La belleza incómoda no busca apaciguar ni adornar, y en esa sinceridad nos atrapa y conmueve. Es llevar al lienzo una estética convertida en ética, unida a la emoción, como una forma de aprehender su mundo”. 

​Explica que el artista propone un regreso a la belleza como territorio de verdad, alejándose de la intención de apaciguar o adornar. “Marco Lux busca una sinceridad radical que conmueve e interpela al espectador, transformando la estética en una ética íntimamente ligada a la emoción. Las diferentes dicotomías juegan un papel importante en el recorrido de esta exposición: la tensión entre lo vulnerable y lo monumental, entre lo anónimo y la fama, lo íntimo y lo público”. 

Belén hace referencia que en ese pulso entre lo que se muestra y lo que se revela, nos encontramos la lágrima, el  grito, la piel y el silencio de un sentir muchas veces insinuado en una estética propia. 

“En sus retratos y cuerpos hay una profunda dignidad. En “Demonio”, la belleza se vuelve sospechosa e intrigante; en “Nosotros somos nosotros”, el cuerpo masculino se emancipa de la mirada moral; y en “Las lágrimas son el preludio de la felicidad eterna”, el dolor se transforma en una vía de crecimiento”. 

La crítica de arte hace mención que la pintura de Lux,   es también un autorretrato emocional, que a la vez se convierte en testimonio universal de transformación. En la figura del abuelo Aniceto, en la evocación de su hija y  en los homenajes a figuras como Rossy de Palma o América Jova, late una misma idea:  la del amor como una fuerza que regenera, llevando su creación artística en un acto de  gratitud. 

“Cada retrato que Marco Lux plasma en el lienzo es, al mismo tiempo, un espejo y  una ofrenda: un intento de reconciliar lo roto con lo bello, lo efímero con lo eterno.  Las series Feelings y Gigantes condensan esas dos dimensiones de su universo: la  introspección y la grandeza. La belleza incómoda es presentada como una declaración de libertad. Frente a la tiranía  de la perfección, Marco Lux defiende la autenticidad frente al artificio. Su obra nos invita a  mirar sin miedo, porque lo que nos incomoda tiene ese poder de hacernos sentir vivos”. 

Atelier Natale con está exposición hace posible que artistas que residen en el extranjero tengan un espacio para mostrar sus obras. 

Es importante señalar que es de las pocas galerías que se mantienen abiertas más de ocho horas, lo que permite que la exposición sea visitada durante seis días de la semana.

Marco Lux aporta la visión de mostrar que la belleza incomoda. ​Un eje central de esta obra es la elevación del dolor a una experiencia sagrada. Marco Lux no retrata el sufrimiento como una derrota, sino como una de las más profundas rutas hacia la transformación interior. 

Inicia Festival Artístico de Otoño celebrando 80 aniversario de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM)

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  • El Festival Artístico de Otoño (FAO) es una de las mejores plataformas que tenemos en el país para promover la música de concierto afirma Enrique Arturo Diemecke, director artístico de la OSIDEM.
  • La orquesta ofrecerá un concierto por el 80 aniversario de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM), con obras de Diemecke, Gerardo Cárdenas, Paulino Paredes y Miguel Bernal Jiménez.

 Con la presentación de la Orquesta Sinfónica de Michoacán (OSIDEM), bajo la dirección artística de Arturo Diemecke, el lunes 27 de octubre, a las 20:00 horas, en el Centro Cultural Roberto Cantoral (CCRC) –Puente Xoco s/n-Puerta A, Xoco, Benito Juárez, 03330 CDMX–  iniciará la décimo quinta edición de las Jornadas INBAL – SACM, dentro de las cuales se han realizado numerosos conciertos, algunos de ellos con estrenos nacionales y mundiales en diversos foros de la Ciudad de México, siempre con el objetivo de promover la música de concierto de todos los tiempos.

Reconocido en México y el extranjero por su exitosa trayectoria al frente de diferentes orquestas, Enrique Arturo Diemecke se mostró complacido por participar, junto con la OSIDEM, por segundo año consecutivo, en esta nueva edición del Festival Artístico de Otoño que le brinda la oportunidad de mostrar al público del Centro Cultural Roberto Cantoral (CCRC) el trabajo que realiza en la actualidad esta institución musical.

Dijo también que es importante abrir más espacios como el FAO que ha apoyado mucho sobre todo a los nuevos compositores, además de seguir dando impulso a la interpretación de la música mexicana de diferentes épocas; “entonces, va abarcando la obra de los compositores vivos, a los jóvenes, y también a los ya consagrados”.

“En mi caso, agregó, asumo la dirección artística de la OSIDEM como parte de esa tarea de difundir la música de los autores michoacanos, lo cual, de alguna manera le da fuerza y presencia al estado en lo que se refiere a su música y su arte en el contexto nacional”.

Enrique Arturo Diemecke también dijo sentirse feliz de estar trabajando desde hace casi tres años con la OSIDEM y de poder hacer, no solamente la música tradicional del estado, sino también la de concierto, recorriendo diferentes épocas. “Poder venir a la Ciudad de México a exponer lo que los creadores del estado han hecho y están haciendo, considero que es muy importante para quienes estamos inmersos y comprometidos en esta tarea”.

Acerca del programa que se presentará el lunes 27 de octubre, a las 20:00 horas, en el CCRC, Diemecke refirió que se preparó pensando en una ocasión especial como lo es el 80 aniversario de la SACM, de ahí que se hayan incluido obras de tres autores michoacanos y una del propio Diemecke:

Los cuatro convidados de Paulino Paredes, compuesta en 1954, representa a cuatro personajes: el Taimado, el Poeta, la Niña de 15 años y el Gracioso Ridículo. Se estrenó el 4 de marzo de 1998 en Cuba, interpretada por la Orquesta Sinfónica de Matanzas, dirigida por el maestro mexicano Guillermo Villarreal.

Por ejemplo, en el Allegro vivo (El Gracioso Ridículo), el ritmo de la pieza describe las gracejadas de un bufón callejero. Paulino Paredes, quien comentaba haber trabajado en un circo de su pueblo cuando era niño, debió haber recordado el ambiente de fiesta que debía vivirse, aunque no hubiera por qué reír. El corno inglés y la trompeta con sordina introducen el tema del Gracioso que desemboca en una danza ridícula en toda la orquesta. El ritmo predomina en toda la parte y el tema de danza aparece y desaparece, pero está presente siempre.

A su vez, Gerardo Cárdenas, compositor radicado en Morelia, se dedica a la educación musical y se desempeña como director del Conservatorio Las Rosas y director del Collegium Musicum, organización que fundó en 1994. Su amplia experiencia como profesor de música con niños le da un conocimiento de primera mano de las voces infantiles, lo que se traduce bien en sus composiciones únicas que a los niños les encanta cantar y a los adultos escuchar. En septiembre de 2025 se estrenó su obra La montaña de las muchachas con la Orquesta Sinfónica de Michoacán.

Enrique Arturo Diemecke dirigirá su propia composición, Die-Sir-E, encargada por el Festival de Radio Francia para la Copa Mundial de Francia en 1998. Esta pieza, que gravita alrededor de un partido de fútbol, también fue interpretada durante la gira de la Orquesta Sinfónica Nacional de México por los Estados Unidos en abril de 1999.

De Tres Cartas de México, se comenta que durante un viaje por Europa Bernal Jiménez había realizado una serie de apuntes para nuevas obras. Entre ellas se encontraba Tres cartas de México compuesta en 1949. Una suite sinfónica en la cual recuerda con nostalgia su tierra mexicana mediante tintes impresionistas y colorido nacionalista. La obra se presentó a un concurso de composición organizado por el Comité Pro-Centenario Chopin. Un dato curioso es que, a pesar de ganar el Primer premio con esta obra, tuvo que compartir el dinero de éste con el segundo y tercer lugar, atribuidos a Joaquín Gutiérrez Heras y a José Pablo Moncayo, lo cual irritó al compositor michoacano al no estar prevista esta circunstancia en las bases del concurso.

En las Jornadas INBAL – SACM se presentarán las obras de más de 50 compositoras y compositores de música mexicana de concierto del 27 de octubre al 6 de diciembre, en el Centro Cultural Roberto Cantoral, la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, el Salón de Recepciones del MUNAL, y la Sala Silvestre Revueltas de los Estudios Churubusco.

SE ACABÓ EL BORLOTE

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En donde estaba Cutberto López había borlote, bulla, algarabía. Alto y ancho como era este hombre de teatro nativo del estado de Sonora, su risa era decibélica, estridente, estrepitosa. Su ruidosa cordialidad lo convirtió en un referente para la Muestra Nacional de Teatro en donde me enteré que era un prolífico dramaturgo que trabajaba para difundir las acciones culturales de la Universidad de Sonora. Ese fue el motivo de la distancia que marcó conmigo cuando coincidimos en San Luis Potosí. No su puesto ni la Universidad, sino el hecho de ser el antagonista del dramaturgo Sergio Galindo, también sonorense y cabeza del grupo que mantenía un pleito soterrado con el grupo universitario que comandaba Cutberto.

Yo conocí a Sergio desde los años 70 en la ciudad de México y cuando regresó a Hermosillo seguí su desarrollo como dramaturgo, actor y director de escena, mostrando públicamente mi entusiasmo porque su teatro se sumergió en la cultura popular de la sierra y en los mentideros de la ciudad, así como en los conflictos sociales de sus coterráneos, cuya traslación al teatro le dio reconocimientos locales y nacionales. Aunque a finales del siglo XX el teatro en Sonora andaba de capa caída porque no había dinero público para el teatro y Sergio tuvo la ocurrencia de hacer una farsa descaradamente sonorense llamada, Güevos rancheros, que tuvo un éxito tan contundente que 25 años después sigue llenando el local cuando se repone. Pero a Cutberto le pareció que el recurso carpero del texto y el montaje era inadmisible, y marcó la raya con su paisano.

Yo desconocía esta discordia y juzgué que su sequedad conmigo era porque le caía mal y punto. En el 2006 se estrenó en la UNAM Yamaha 300 dirigida por Antonio Castro y como tantos espectadores texto y montaje me parecieron magníficos y así lo dije en La Jornada. A la siguiente Muestra Nacional de Teatro Cutberto me invitó un mezcal y ahí descubrí que él no tomaba así que su desparpajo era de puro oxígeno, Me alegró que sin ser amigos no me considerara un enemigo aunque fue muchos años después, estando como jurado en una Muestra Estatal de Teatro en Hermosillo, que entendí las raíces del conflicto entre el grupo de Sergio Galindo y el de Cutberto López, que ya había trascendido a sus hijos porque eran ellos y no sus padres quien ahora competían por el lugar de honor en el pódium de la opinión pública.

En breve, Cutberto consideraba que Sergio arrasaba en su tierra con premios y apoyos públicos más por sus relaciones con los precisos que por su mérito artístico. Así que él hizo fama en el coto universitario y en otros lares, Monterrey entre ellos. Afortunadamente antes de la Pandemia coincidí con Cutberto como jurado del premio para obra dramática que instauró Medardo Treviño -otro incansable autor, director y promotor del teatro del norte-, en Coahuila, y en ese trance pudimos conversar ampliamente del teatro y de la vida, de manera que mi último recuerdo de él se asemeja a la multitud de reconocimientos y elogios que ha recibido por la noticia de su muerte. Mejor dicho, que no ha recibido porque murió antes de poder leerlos.

Lo que sí recibió un mes antes de su fallecimiento fue el homenaje por sus 40 años de teatro que le dio el Instituto Sonorense de Cultura. Sin duda, un dramaturgo que escribió más de 100 textos dramáticos y que amó al teatro tanto como a la vida deja el telón abierto para visitar algunos de los 57 textos que alcanzó a publicar. Quedan también en el archivo de la memoria obras como Yamaha, para decir que Cutberto López no pasó en balde por los escenarios de la ficción, que suelen ser mas reales que la realidad misma.

​Málaga acoge el lanzamiento de Musa, un puente  cultural  entre Andalucía, Italia y el mundo

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​Málaga fue el escenario de la presentación oficial de “Musa Málaga”,  nuevo proyecto de gestión cultural y experiencias turísticas de alta gama. El evento inaugural, celebrado en el mágico entorno del Museo del Vidrio y Cristal de Málaga, fue dirigido y encabezado por su directora, Raffaella Solfanelli.

La velada no solo marcó el lanzamiento del proyecto, sino que se configuró como una experiencia sensorial completa para los invitados. Hicieron acto de presencia artistas plásticos que se han sumado a este proyecto cultural y algunos mostraron su obra.

Entre ellos Paco Aguilar, Bosska, Lorena Hermoso Pelaez, Victoria Tsekidou, John Schonert, Neno Herrera, Mariam Fadlalla, Carlos Alberto Ruiz Villa.  

​La directora, Raffaella Solfanelli, destacó la pasión por compartir la riqueza cultural, artística y humana de Málaga y el deseo de crear experiencias auténticas y exclusivas basadas en el arte, la gastronomía, la historia y la hospitalidad. Musa Málaga nace con el objetivo de ser un puente cultural entre Málaga, Italia y el mundo.

Entre los invitados estuvieron los artistas Daniela Miazzo, David Sancho, Ana Bosska,  Neno Herrera,Lola Frías, Virginia Illana de la Torre de MUCAC, Victoria Tsekidou de la Galería Little People, Juan Pedro Martínez Pélaez de Sohrlin, Carmen Alcayde  Galería Nika y Mercedes González de Turismo Ayuntamiento de Málaga, entre otras personalidades.

​El evento sirvió como inauguración de una exposición con las obras de artistas que ya participan con Musa, convirtiendo la presentación en una vitrina del talento malagueño.

Solfanelli dio la bienvenida a los asistentes e indicó que “Musa Málaga” nace de una pasión muy grande: la de compartir con el mundo la riqueza cultural, artística y humana de una ciudad que me enamoró desde el primer momento, esta ciudad que amo tanto, Malaga. 

“Mi objetivo es crear experiencias auténticas y exclusivas que conecten a visitantes y locales a través del arte, la gastronomía, la historia y la hospitalidad que hacen de Málaga un lugar único. 

A partir de su nombre, Musa, que se inspira en Clío, una de Las Musas, diosas griegas de las artes. Clío era considerada la inspiradora de los poetas épicos. Cuenta la leyenda que fue ella quien extendió la lengua fenicia por el Mediterráneo,  y Málaga fue fundada justo por los fenicios. 

Además, “Musa Málaga” nace con el deseo de crear un puente cultural entre Málaga, Italia y el mundo, mediante el arte, la música y las experiencias exclusivas que celebran la belleza de esta ciudad y la creatividad de sus artistas. Cada actividad, cada encuentro, busca despertar emociones, conectar culturas y dejar recuerdos inolvidables”.

​Como parte central y dinámica de la velada, la artista Lorena Hermoso Peláez (de Kalopsia y representada por Musa) estuvo realizando una obra de pintura en vivo, un acto que cautivó a los asistentes.

“Gracias a mi representada y mano derecha artística, Lorena Hermoso Pelaez de Kalopsia, el talento de la pintura en vivo, aquella que esta noche os está sorprendiendo con la magia de su talento y de su trazo en directo. En sus colecciones Lorena da una expresión única a la figura femenina y a sus retratos”.

Así mismo “agradezco a Marimar Segura y José Luis Puche, mis anfitriones e inspiradores, a quienes me une un cariño muy especial porque ellos me introdujeron por primera vez en el circuito artístico malagueño. 

Puche y Segura no estuvieron debido a que se encuentran en Nueva York donde se presentó obra del pintor malagueño  dentro de una colectiva. 

​El componente artístico se complementó con la música en vivo del grupo Jazzpar Eventos, que amenizó la atmósfera con un repertorio fascinante. Está formado por  Francisco Palomo Montejo: Clarinete/Percusión/Armónica cromática – Juan Antonio López-Agullo: Guitarra – Miguel Ángel Gil Gutiérrez: Contrabajo.

​Además, se ofreció una exquisita experiencia gastronómica a todos los invitados, con el apoyo de la amplia red de colaboradores del proyecto, que incluye restaurantes de renombre y productores locales.

Otro agradecimiento especial a María Esther Beltrán Martínez, destacada periodista mexicana y responsable de prensa y medios de Musa Málaga, por su profesionalidad, sensibilidad y valiosa experiencia al llevar nuestra historia al mundo

Estrenan Juan Balam en versión bilingüe interpretada en la selva maya con más de 32 actores en escena.

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Con una versión mexicana, pero sobre todo yucateca y maya, es decir bilingüe, el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena LTCI de X’ocen y el Colectivo Escénico El Sótano estrenarán en Yucatán la obra de teatro dramática Juan Balam, con funciones que tendrán lugar los días 24, 25 y 26 de octubre de 2025 a las 18 horas, en el espacio protagónico que tiene el LTCI en la selva de X´ocen que será un escenario protagónico porque Juan Balam es un niño tigre y todo el relato está atravesado por animales.

Se trata de una adaptación de la obra dramática Salvajada del escritor argentino Mauricio Kartun, basada en los famosos Cuentos de la Selva del uruguayo Horacio Quiroga (1878-1937). La obra tendrá más de 30 actores en escena con niños, jóvenes y adultos del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de X’ocen, en co-producción con el equipo del Colectivo Escénico El Sótano.

En una conversación la maestra Rendón reconoció que para los miembros del Laboratorio sido una rica experiencia trabajar con el colectivo de El Sótano, algo que no habían hecho, y que les ha permitido en lo que va del año una actualización en expresión corporal y acondicionamiento físico pues la obra está planteada como un proyecto multidisciplinario. Además destacó que el escenario en el que se presentará Juan Balam, la selva, es el espacio natural en el que fue inspirada la historia, algo único en la puesta en escena de esta obra de teatro por lo que para los espectadores será una oportunidad única de ver esta obra en este lugar.

También destacó los valores de los que trata la obra acorde con el contexto mundial, que son mensajes de esperanza ante la deshumanización que vive el planeta en temas como el medio ambiente, la violencia, el odio, el despreció y la discriminación a lo diferente.

Juan Balam es una adaptación que Bryant Caballero, director de teatro, trajo de Buenos Aires al conocer la puesta de Mauricio Kartun.  La trabajó por dos años para el Colectivo Escénico El Sótano y presentó una lectura dramatizada en Mérida con el nombre de Juan Balam. Luego la propuso a la maestra Delia Rendón y desde enero comenzaron a trabajar ambos colectivos en X´ocen para llevar por primera vez la obra a escena.

“La cosa más delicada en el proceso ha sido dialogar con el Laboratorio, porque nos enfrentamos a un equipo de personas que llevan una larga trayectoria y tradición de quehacer teatral que no queríamos interrumpir sino contribuir, y allí estaba la dificultad, que era lo que me quitaba el sueño. Pero la experiencia nos está haciendo descubrir un conjunto de saberes que nos ha enriquecido mutuamente”, dice Caballero tras la experiencia de trabajo con ellos en los meses que van del año.

“Algo que me tiene muy atrapado en la mirada y el interés es el vínculo que ellos tienen con la naturaleza, porque Juan Balam es un niño tigre, y todo el relato está atravesado por animales en la selva”, agrega.

Adelantó que el elenco será estelar ya que son las maestras y maestros del Laboratorio, serán quienes lleven los personajes protagónicos, y los jóvenes talleristas serán de los personajes de sostén, mientras los niños y niñas realizarán los cuerpos actorales de los animales o del pueblo. “Esa lógica transgeneracional de ellos es bien bonita de observar, pero bien difícil de abordar; sorprende mucho lo fácil que ellos lo tienen introyectado en su lógica de trabajo, porque hay niños de seis o siete años y adultos que ronda los setenta años… ese abanico de edad en escena, en ejercicio de ficción, es muy hermoso de mirar, pero también es muy difícil de manejar, sin embargo muy gozoso. Para mí ha sido una experiencia abrumadora enfrentarme a todas esas nuevas realidades de ir construyendo con el Laboratorio la pieza”.

Esta versión de Juan Balam tendrá más de 30 personas en escena. Y cuenta que hay un personaje que hacen una veintena de ellos, se trata och kaan (la boa), que es una pitonisa que interviene muy directamente en la historia y produce sucesos mágicos; en el escenario se humaniza y es interpretada por un cuerpo de 20 actores que atraviesa el escenario.

La obra será bilingüe, Caballero y su equipo tuvieron primero que adaptar la pieza al yucateco porque tenía mucho calo argentino, y ahora con el Laboratorio se ha hecho el trabajo de traducirla al maya. “Un  equipo de jóvenes del Laboratorio, de alrededor de 18 o 19 años, han encargado de la relectura de la pieza y la selección de los textos que les interesaba traducir para darle un arco a la historia, aunque el peso del español es mayor, la obra puede entenderse en maya gracias a este trabajo en colectivo, que no fue sencillo, porque el maestro Mauricio Kartun escribe de un manera muy metafórica, con un lenguaje muy poderoso y también difícil de pasar a otra lengua. Una vez que habían construido la traducción del maya al español quedaba anonadado, porque lograban una metáfora similar, un paralelismo de lo dicho; aunque también hay que decirlo, otras veces les costaba mucho y dejaban el diálogo tal cual en maya. Creo que la gente que habla maya lo disfrutará mucho también desde el lenguaje”.

Caballero reconoce que la obra llevará un trabajo actoral doblemente difícil porque la mayoría de los actores son bilingües, y casi todos tienen diálogos en las dos lenguas, con diálogos en dos lenguas que va uno después del otro. “Habitar una emoción es complicado, pero habitar una emoción y volver a habitarla con la misma verdad, en dos lenguas, hace el trabajo actoral con alto grado de dificultad, y eso es también muy admirable y aplaudible, digno de admirar”, afirma.

“Estamos convencidos de que producir teatro en lengua maya es una herramienta que permite el rescate del idioma, costumbres, tradiciones, ceremonias, historia, leyendas, fortaleciendo el sentimiento de identidad, de pertenencia. Trabajos como el de Juan Balam permiten a la población maya hablante acceder al teatro universal”, afirma Sylvia Saldaña, promotora cultural y representante del LTCI y añade: “Este es el primer proyecto en coproducción que en sus 36 años de existencia realiza el LTCI de X’ocen, que con gran emoción aceptó la propuesta del Colectivo Escénico El Sótano, ambos comparten la visión e interés de hacer teatro comunitario”.

Las presentaciones de esta obra, beneficiaria del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, serán en X´ocen, tendrán a la selva es personaje protagonista. EL TLCI cuenta desde 2019 con el apoyo de la Dirección de Vinculación con Estados y Municipios de la Secretaría de Cultural de Gobierno de México. El teatro del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena es un espacio al aire libre, de belleza admirable y será en un escenario que se antoja excepcional. El LTCI de X’ocen y el Colectivo Escénico El Sótano esperan llevar Juan Balam también a Tabasco al escenario del otro Laboratorio, y a Veracruz, Oaxaca, y al Complejo Cultural Los Pinos en Ciudad de México

Nantes, ciudad surrealista.

By Bicimundo / Viceversa, Sobre 2 ruedasNo Comments

¿Se acuerdan de Zeus, el caballo mecánico que galopaba sobre el río Sena durante la ceremonia delos los juegos olímpicos de Paris? En los últimos días de Septiembre, regresó , tal Ulises en Itaca, a la ciudad de Nantes donde fue imaginado y concebido por el taller Balam, una agencia de design local. Eso forma parte de un tour de Francia en el que visitó Rouen , el Mont Saint Michel, antes de volver a la capital francesa. Aquí se presentó al público en el Paseo Cambronne , sobre el mismo catamaran en el que navegó sobre el Sena.

En en centro del paseo está la estatua de Cambronne, el general de Napoleón oriundo de Nantes, famoso por haber dirigido la famosa palabra: ¡Merde! a los ingleses durante la batalla de Waterloo, según Víctor Hugo en Los Miserables. La gente francesa refinada que no quiere pronunciar esta palabra dice: Le mot (la palabra) de Cambronne… En un rincón de este paseo me intrigó una estatua de una niña tratando de subirse a un pedestal vacío. Se llama transgresión y no encontré el nombre del autor.  Sospeché, por el humor y la estética, que se trataba de Philippe Ramette, el que hizo el Paso hacia el lado (pas de côté) en una plaza céntrica de aquí. Con esto les van las fotos de Zeus, de la niña y del señor enigmáticos, como sorpresas de Nantes ¡la ciudad atlántica y surrealista!

El artista malagueño José Luis Puche consolida su presencia internacional en Estados Unidos

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Nueva York.-  José Luis Puche, artista malagueño consolida su presencia internacional en Estados Unidos con la galería neoyorquina Vicky Alianelli,  con sede en Manhattan.  Puche  presenta una selección reciente de obras realizadas en su estudio estadounidense dentro de la primera edición de “Affordable Art Fair Boston”  del 23 al 26 de octubre de 2025.

Manuel Martos

Vocero del artista informa que su trabajo, centrado en el dibujo como territorio de pensamiento y construcción de la imagen, se caracteriza por una técnica singular y una atmósfera de gran densidad poética. 

“A través de su obra, Puche explora los vínculos entre poder, resistencia y representación contemporánea, configurando un lenguaje visual que combina precisión técnica y reflexión conceptual.

El dibujo se erige como un territorio de resistencia poética, donde la materia y el agua se funden en una superficie de gran tensión formal, la obra crece al mismo ritmo que se destruye. Su singularidad formal reside en una técnica que combina precisión y desvanecimiento, como si cada trazo contuviera una respiración que oscila entre la memoria y el presente a través del palimpsesto de sus capas. En ese espacio inquietante, el artista despliega un diálogo entre el deporte y el poder, revelando las estructuras invisibles que rigen la victoria, la disciplina y el control. Cada pieza se convierte así en un bucle narrativo, un ciclo que expone la belleza y la fragilidad del gesto humano frente a los mecanismos de dominio. La obra de Puche no representa, sino que activa una reflexión sobre la energía, la resistencia y la condición contemporánea del cuerpo”.

Explica que desde su posición como artista español y europeo, Puche contempla el paisaje cultural estadounidense con una mirada permeable, atenta a las resonancias que vinculan ambos continentes. En su experiencia, la estética europea —con su herencia en la propia Historia del Arte y búsqueda de lo

sublime— ha dejado una huella profunda en la arquitectura y en el deporte norteamericano, territorios que, pese a su aparente distancia, comparten una misma voluntad de monumentalidad y representación. Esa intersección le permite reconocer afinidades que trascienden las fronteras geográficas o históricas,-explica-  revelando cómo los lenguajes formales se contaminan, se reinterpretan y se prolongan más allá de su origen. Su trabajo parece afirmar, en última instancia, que las diferencias culturales son solo variaciones de un mismo impulso creativo: el de otorgar forma visible a las tensiones que nos definen.

Recordaremos que Puche ha cambiado su residencia a Nueva York  y desde su llegada,  el artista ha desarrollado una práctica que dialoga con el contexto urbano y cultural de Nueva York. “exponer de

nuevo aquí en esta etapa de mi vida, representa un espacio de apertura y conexión: una oportunidad de que mi obra respire en otra energía y frente a nuevas miradas”, afirma Puche.

La participación del artista en Affordable Art Fair Boston, marca un nuevo paso en su consolidación dentro del circuito artístico internacional, un proceso que comenzó con su primera exposición internacional en 2008 en Birmingham y que ahora se expande con fuerza en el ámbito norteamericano preparando nuevos proyectos de cara a 2026.

Los últimos trabajos en España del artista han sido el diseño de la escenografía del musical Gypsy, dirigido por el actor y director Antonio Banderas, un mural de más de 15 metros en Torremolinos y la feria Urvanity celebrada en Madrid recientemente.

Sobre la galería Vicky Alianelli Gallery, situada en el corazón de Nueva York, es un espacio donde convergen arte, cultura y colaboración. Fundada por Vicky Alianelli, la galería se distingue por su estrecho vínculo con los artistas y su apuesta por proyectos que fomentan la creatividad, el diálogo y el descubrimiento.

“La Affordable Art Fair Boston” celebra del 23 de octubre al 26 2025 su primera edición en esta ciudad estadounidense, como parte de la reconocida serie internacional de ferias fundada en Londres en 1999. Con presencia en ciudades como Nueva York, Ámsterdam, Hong Kong y Singapur, Affordable Art Fair se ha consolidado como una de las plataformas más influyentes del arte contemporáneo accesible a nivel mundial.

La Compañía de Nacho Duato viene con fuerza y excelentes coreografías que roban el aliento

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Málaga, España.- La joven Compañía Nacho Duato viene con gran fuerza para ocupar un lugar importante en el panorama de la danza española. Al cerrar su escuela Víctor Ullate  era necesario que naciera otra compañía que tuviera la fuerza, elegancia y una técnica impecable como es la que se presentó en el Teatro Cervantes de Málaga en marcó de “Danza Málaga (DZM)”.

Los bailarines que componen la compañía son:  Alejandro Santomé Leiro, Claudia Santamaría, Engel Pérez, Hiroto Iida, Hitomi Sakamoto, Isabella Esther Zocche, Kaylie Beard, Lauren Fiddes, Lily Pakula, Luca Pelaia, Pablo Fahle Diego, Pedro Ferreira Castelo, Salvatore David Marigliano, Samantha Escobar, Samuel Benavides Vivas, Sara Ciafrone, Sofia Fenu y Sofia Tullio  presentaron cuatro coreografías que robaron  la atención del público  que disfrutó de la energía, fuerza, sensualidad, elegancia y magnetismos de cada participante.

El teatro tuvo aforo completo y un gran número de asistentes fueron jóvenes y niños entre los que se encontró un grupo de una escuela que al finalizar cada coreografía ovacionaron a los bailarines con aplausos y gritos de emoción.

“Gnawa”, con música Hassan Hakmoun /Adam Rudolph; Juan Alberto Arteche y Javier Paxariño; Rabih Abou-Khalil, Velez, Kusur y Sarkissian.  Nacho Duato profundiza en sus raíces, en la herencia de sus antepasados y en su conexión íntima con el mar Mediterráneo. Inspirada en la música ritual del Magreb, combina misticismo, espiritualidad y sensualidad.


En “Liberté”. Proviene de Rassemblement, usa cantos de esclavos haitianos para abordar la dignidad y la lucha por los Derechos Humanos. Liberté es un paso a dos perteneciente a la coreografía Rassemblement, inspirado en las canciones de la compositora y cantante Toto Bissainthe, y dedicadas a su tierra natal, Haití. Y es, además, un conmovedor y contundente llamamiento a la conciencia colectiva sobre los derechos humanos, la dignidad y la libertad.
“Na Floresta” Tríptico musical que recrea la belleza de las selvas amazónicas, recogiendo directamente del folklore la esencia misma de su esplendor. La música es de Heitor Villa-Lobos / Wagner Tisso.

Y “Cantus”  música de Karl Jenkins. Esta nueva obra de Nacho Duato, creada para su joven compañía, habla de los horrores de un conflicto bélico a través de los ojos de jóvenes atrapados en medio de la guerra y cómo la violencia y destrucción afectan sus vidas.
La joven Compañía Nacho Duato nace con la noble misión de enriquecer la oferta de danza en España y ampliar las oportunidades laborales para los jóvenes bailarines. Uno de sus pilares fundamentales es la recuperación del repertorio de Nacho Duato. Sus ballets son auténticas joyas que merecen ser preservadas y compartidas con las nuevas generaciones de espectadores y artistas. Nuestra visión abarca la realización de giras nacionales que permitan llevar la magia de la danza a diversos rincones del país, alcanzando así a un público más amplio y diverso.

Nacho Duato, coreógrafo y bailarín español, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres, Benois de la Danse y el Premio Nacional de Danza de España, entre muchos otros reconocimientos, ha sido director artístico de la Compañía Nacional de Danza, del Ballet Mikhailovsky de San Petesburgo, del Staatsballett de Berlín y, desde 2019, del Teatro Mikhailovsky.

Fotos Daniel Pérez /Teatro Cervantes Málaga

PAISAJES BAJO SOSPECHA. Exposición de artistas cubanos emergentes.

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La exposición PAISAJES BAJO SOSPECHA reúne a un grupo de artistas cubanos de una generación que se reconoce como emergente dentro del panorama artístico de Cuba, pero cuya presencia en concursos, ferias de arte, museos y muestras internacionales ha legitimado su trabajo marcado por la exploración y el riesgo, a pesar de la juventud de sus protagonistas: Javier Barreiro, Rosa Cabrera, Lianet Martínez, Giselle Lucía Navarro, Greta Reyna, Omar Tirado y Carlos Zorrilla.

Por primera vez en México estos artistas cubanos se reúnen en una colectiva que se presenta en la galería Picci Fine Arts, en colaboración con el Consejo Nacional de Artes Plásticas de Cuba. Se trata de artistas ya reconocidos en regiones de América y Europa pertenecientes a una generación de creadores nacidos entre 1988 y el año 2000; la muestra ha sido curada por Lisset Alonso Compte, también una joven investigadora y subdirectora artística del Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam.

La exposición –que incluye pintura, instalación, fotografía, textil y obras mixed media– se inaugura el próximo 23 de octubre a las 19 horas en Alpes 700A, Lomas de Chapultepec,  11000, Ciudad de México. En la inauguración estarán presentes algunos de los exponentes como Greta Reyna y la curadora de la muestra.

El título de la muestra, PAISAJES BAJO SOSPECHA, propone un recorrido por geografías en tensión, donde lo visible y lo invisible, lo propio y lo ajeno, se entrelazan en un mapa afectivo-político. Aquí los artistas no solo representan paisajes: los ponen en duda, los habitan desde la sospecha, y nos invitan a mirar más allá de la superficie para descubrir las fisuras y potencialidades. Se trata de propuestas que dan continuidad a ese hálito tropológico y de vocación social que históricamente ha caracterizado al arte cubano, pero que se mueven también con soltura en el terreno de la experimentación y las tendencias más actuales del arte contemporáneo.

Curada por Lisset Alonso Compte (Villa Clara, 1992), quien ha desarrollado más de treinta proyectos expositivos en Cuba, América Latina y Europa, las obras seleccionadas dialogan en torno a la idea del paisaje, proponiendo una lectura que incorpora la sospecha como herramienta crítica. Los artistas dialogan a partir de sus experiencias generacionales y personales, explorando cómo el paisaje se convierte en un escenario de incertidumbre y transformación.

“Las obras desdibujan la frontera entre lo exterior y lo íntimo, evidenciando cómo el entorno social y político impacta en la construcción del yo y del espacio habitado. La migración, tema recurrente, aparece no solo como desplazamiento físico sino como condición existencial que desestabiliza la idea de hogar y pertenencia. La crisis social, con sus efectos visibles en el paisaje y en la vida cotidiana, se refleja en imágenes fragmentadas, cargadas de ausencias y tensiones. El paisaje doméstico emerge como espacio de resistencia y reconstrucción, donde se inscriben memorias, deseos y conflictos. Paso a paso el paisaje transita hacia la abstracción, tejiendo visiones que no solo hablan del mundo sensible sino de ese que creamos en nuestras mentes”, advierte en el texto curatorial Lisset Alonso.

Javier Barreiro (San Miguel del Padrón, 1986) ha explorado una amplia gama de géneros dentro de las artes visuales, su obra abarca el videoarte, instalación, intervenciones públicas, grabado, dibujo, y pintura, siendo este último su medio más actual y expresivo. Ha participado en más de 40 colectivas y 11 individuales. Sus obras están incluidas en colecciones privadas en España, Países Bajos, Portugal, Francia, Estados Unidos, Canadá y China.

Rosa Cabrera (La Habana, 2000) participó en el festival Art Exchange (Cuba-España). Es una artista visual que utiliza el performance para desafiar las convenciones sociales. Su obra se centra en subvertir los patrones de comportamiento morales, a menudo criticando las estructuras de poder.

Lianet Martínez (Cienfuegos, 1993) ha participado en ediciones de la Bienal de La Habana, en ferias como Zona MACO y Osaka Art Fair. Este 2025 realizó una residencia artística en Nueva York, con el apoyo de las fundaciones Cuban Artists Fund y Rockefeller Brothers Fund. Su obra se centra en el ámbito tridimensional, utilizando la instalación y la escultura para explorar conceptos de memoria, tiempo, espacio y metafísica.

Giselle Lucía Navarro (La Habana, 1995) es una artista multidisciplinaria: poeta, escritora y diseñadora. Su trabajo se caracteriza por la fusión de la literatura y las artes visuales, especialmente el arte textil. Ha participado en exposiciones en Cuba, España, Italia y Suecia.

Greta Reyna (La Habana, 1991) su obra explora la tensión entre la forma y la fractura, transformando objetos desechados en portadores de nuevas narrativas. Su estilo ha sido descrito como una estética que celebra lo imperfecto y lo convierte en un espacio de resistencia y posibilidad. Vive y trabaja entre Cuba y España.

Omar Enrique Tirado (Santa Clara, 1992) ha realizado intercambios artísticos en México y Alemania. Su trabajo explora los vestigios, los rastros y las marcas que quedan en los hogares y que revelan la historia y las costumbres de las personas que los habitaron. Ha expuesto en Cuba y España, su obra forma parte de la Colección Viñas-Gil de España.

Carlos Zorrilla Montes (La Habana, 1988) Su producción habla de una ruptura con las fronteras culturales y su discurso construye puntos de encuentro con generaciones anteriores. Pertenece a una generación enajenada de todo lo que sucede a su alrededor (políticamente hablando), que se concentran más en su proceso de creación y en el mensaje que desean transmitir. Su obra ha sido expuesta en galerías de Cuba, México y Estados Unidos; y sus piezas forman parte de colecciones privadas internacionales.

Las obras de estos artistas, ha decir de Alonso Compte tienen atmósferas difusas y horizontes desvanecidos que convierten el paisaje en un testimonio de la experiencia migratoria; son mapas emocionales donde la travesía, la pérdida y la esperanza se funden en imágenes descarnadas que reflejan la inestabilidad de quienes cruzan fronteras físicas y existenciales; sus paisajes son espacios marcados por la nostalgia y la resiliencia; sus creaciones destilan la frescura del diseño contemporáneo, en un diálogo con formas tradicionales; y algunos encarnar la conexión profunda entre el hombre y la tierra,  revelando tensiones entre memoria, ruina y resistencia.

Obras que exploran la pintura, la instalación y el objeto escultórico, y expanden el discurso hacia el paisaje interior y doméstico; interrogan la intimidad del hogar, la memoria familiar y los pequeños rituales cotidianos, revelando cómo lo aparentemente seguro puede tornarse sospechoso bajo la presión de la crisis. El hogar, lejos de ser refugio, se vuelve escenario de carencias y éxodos.

“Esta exposición es una invitación a repensar el paisaje contemporáneo como un espacio en disputa, atravesado por historias personales y colectivas, donde cada imagen, es testimonio de una generación que se enfrenta al reto de imaginar nuevos horizontes en medio de la incertidumbre. Pero mientras haya personas dispuestas a alterar el orden establecido, hay esperanza”, reflexiona Alonso Compte.

PAISAJES BAJO SOSPECHA colectiva que reúne el trabajo de siete artistas cubanos emergentes que están agitando al mundo, se presenta en Picci Fine Arts —Alpes 700A, Lomas de Chapultepec,  11000, Ciudad de México—y podrá visitarse hasta el 22 de noviembre.