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Sobre 2 ruedas

Una canción de amor une a Yuri y Diego Verdaguer

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El tema:  Quién de los dos será,  compuesto por los cantantes y compositores argentinos: Diego Verdaguer, Amanda Miguel y Teodoro Bello. Ahora se lanza en una nueva versión a dueto con la cantante mexicana Yuri. El Maestro Gustavo Farías fungió como productor y el resultado es magnífico, él tuvo la sensibilidad para engrandecer la canción y sin duda escucharla será una nueva experiencia, aún cuando en su momento, décadas atrás, fue uno de los grandes éxitos del también creador de: La ladrona, Que sufras más, Corazón de papel, El pasadiscos, Yo pescador del amor, Yo quisiera que tú, Usted que haría, El rostro del amor, Pídeme y Tonta, entre mucho otros.

La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, así como su respectivo video filmado por el cineasta Raúl Ramón, quien últimamente ha desarrollado los videos de Amanda Miguel en paisajes argentinos para su disco de folclore. 

“Para mí realmente ha sido un privilegio cantar con el Maestro Verdaguer. Realmente gracias a la tecnología pudimos unir nuestra imágenes y nuestras voces (no puedo creer que él ya no esté con nosotros), pero de alguna manera podemos estar con él y compartir juntos esta bella canción que ya se había hecho, pero ahora en dueto… espero que la disfruten y que todos los fans tanto de Diego como de una servidora puedan escuchar esta joya musical, para mí fue un honor unir nuestras voces. Como ustedes saben, a la familia Verdaguer-Miguel yo la quiero mucho; recibir esta invitación de parte de Ana Victoria y Amanda para formar parte de este disco tan especial, fue algo mágico. Cuando estaba poniendo la voz sentí muchas cosas y ahora que veo el video digo ¡Wow!. La primera vez que escuché la canción terminada lloré y sigo sintiendo muchas emociones hermosas y a la vez encontradas… que importante es amarnos, que importante es valorar a nuestros amigos, a la gente que tenemos cerca y no cerca, porque se van cuando menos lo imaginamos. Para mí este es un dueto mágico, no es un dueto común y corriente, así que espero que lo disfruten todos los que son fans, y los que no lo son también, porque realmente es algo mágico y muy especial”, expresa la cantante mexicana Yuri.

Amanda Miguel expresa al respecto que  esta es una de mis canciones favoritas y en la voz de Yuri y de Diego quedó fabulosa. El tema lo escribí junto con mi esposo y con el Maestro Teodoro Bello… lo que dice lo he vivido, habla de una gran verdad: en las parejas ambos tienen que poner de su parte para resolver los conflictos.

“El dueto quedó bárbaro, me encantó; sé que es uno de los grandes éxitos de Diego y seguramente también lo será uniendo su voz a la de Yuri, de hecho le dije a ella que el tema le va y le quedó divino; le dejamos una de las canciones más hermosas del repertorio de mi esposo por ser una magnífica intérprete. En cuanto a lo personal, tenemos muchos años de conocernos, ambas parejas nos hicimos realmente amigos, Yuri y Rodrigo son personas muy bellas, fuimos a su boda y desde entonces supimos que su unión sería inquebrantable”, con una gran sonrisa expresa Miguel.

Durante décadas, Yuri y  su esposo Rodrigo compartieron una estrecha amistad con la familia Verdaguer-Miguel, los unía la mutua admiración profesional pero también los principios que todos tenían y su fe en Dios; incluso Diego y Amanda cantaron Simplemente Amor en la boda de la veracruzana, fue un regalo que le hicieron con el corazón a los recién casados y siempre, con su ejemplo, los motivaron a valorar la importancia del matrimonio.

A poco más de dos años de la partida de Diego, por fin se está cumpliendo uno de los anhelos de

ambos artistas: interpretar juntos una de las canciones más hermosas que dejó para la posteridad el

Maestro Verdaguer, Quién de los dos será. Balada  que habla del dolor de una ruptura, del distanciamiento, del orgullo de no poder hablar y solucionar las diferencias, pero deja entrever una esperanza, una luz para la reconciliación pidiendo perdón y con ello poder “volver a la gloria de nuestro amor”.

El Sistema Creación invita a conciertos inmersivos en el Centro Cultural del Bosque

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Juan Pablo Villa y Leika Mochán, integrantes del Sistema Nacional de Creadores de Arte, ofrecerán, respectivamente, las presentaciones de Inmersión (Murmullos de agua) y Profundidad sonora.

Los conciertos inmersivos sucederan el Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque los días sábado 25 y domingo 26 de mayo.

El Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (antes Fonca), invita al público a vivir las experiencias inmersivas creadas a partir de la sonorización y ambientación que permiten al público la sensibilización y meditación con las actividades Inmersión (Murmullos del agua), de Juan Pablo Villa, y Profundidad sonora, de Leika Mochán, los días 25 y 26 de mayo de 2024, en el Pabellón del Jardín Escénico del Centro Cultural del Bosque del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

 

Juan Pablo Villa ofrecerá el concierto audiovisual y envolvente Inmersión (Murmullos del agua), compuesto por grabaciones subacuáticas, realizadas en los cenotes de Sotuta, Yucatán, intervenidas en vivo a partir de técnicas extendidas de la voz y live looping, que es la acumulación de capas de sonido en tiempo real, una sobre otra, que se integran como un solo compuesto de sonorización.
En el concierto participan como artistas invitados: Fermín Martínez Guzmán, beneficiario de Creadores Escénicos, y Hebzoariba Hernández Gómez, beneficiaria de la vertiente Jóvenes Creadores. La experiencia sonora ha sido creada con base en la vivencia de la práctica del buceo profundo a pulmón.
En el concierto se reproducen las afectaciones del agua surgidas de la respiración al habitar los cenotes. La presentación crea un portal entre la meditación profunda y la inmersión sonora, en donde las y los asistentes viven un espacio lumínicamente íntimo y sensorialmente líquido. Inmersión (Murmullos del agua) se escenificará el sábado 25 de mayo a las 19:00 h en el Pabellón Escénico de Centro Cultural del Bosque en la Primera Sección de Chapultepec.
A su vez, la cantante, compositora y artista sonora Leika Mochán brindará el concierto Profundidad sonora, una experiencia envolvente basada en un sonido cuadrafónico de live looping vocal y paisaje sonoro de aves.
La parte vocal se hace en tiempo real mediante la improvisación e interacción con el paisaje sonoro, el cual se conforma con la recopilación de grabaciones de sonidos emitidos por pájaros a orillas del Río Grijalva en Chiapa de Corzo, Chiapas, México.
Profundidad sonora se presentará el domingo 26 de mayo a las 16:00 h en el Pabellón Escénico del Jardín Escénico, espacio localizado frente al Centro Cultural del Bosque, en lo que anteriormente fue el Estacionamiento ecológico.
 
Más información en las sociales del Sistema Creación en X (@SistemaCreacion), Facebook (/SistemaCreacion) e Instagram (@sistemacreacion) y del Jardín Escénico en X (@jardinescenico), Facebook (/jardinescenico.mx) e Instagram (@jardinescenico.mx)
  

Alu*Cine o Cine de Párpados: experiencia íntima, inmersiva y sensorial en el Centro Cultural Helénico

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Ver con los ojos cerrados nunca había sido tan claro

La propuesta va más allá del cine tradicional, se trata de una proyección directa sobre el público que, a través de la alteración de la percepción, te llevará a un viaje de introspección psico-física

La compañía Bioscénica ofrecerá cuatro únicas presentaciones con cupo limitado y entrada libre en el Foro Alternativo, del 28 al 31 de mayo de 2024

Mediante la interdisciplina escénica, la compañía independiente Bioscénica: cuerpo digital y transdisciplina presenta Alu*Cine o Cine de Párpados, vivencia sensorial, performática e inmersiva que estará disponible durante únicamente cuatro días (del 28 al 31 de mayo, entrada libre), en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico.

Una experiencia colectiva en la que el cuerpo del espectador se convierte en la pantalla. Con los ojos cerrados, el público recibirá una secuencia de activaciones perceptuales que propone suspenderlo de la sobreestimulación del mundo cotidiano para conducirlo a un viaje al interior del cuerpo y a la sutil alteración de los estados de la consciencia.

El proyecto —que es parte de Empatía 7. CENESTESIA / Antropología de las sensaciones, apoyado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, en su vertiente de México en Escena Grupos Artísticos (MEGA)— está a cargo de la compañía Bioscénica, con la dirección escénica y académica de Ezequiel Steinman, así como la dirección, producción y live media de Minerva H. Trejo; la música, paisaje sonoro en vivo, voz y procesos de Vania Fortuna; la dirección de comunicación y relaciones públicas de Alejandro Ortiz González; las redes sociales y fotografía de Roberto Rojas Madrid, y el talento de los cocreadores y performers: Nayla Altamirano, Myriam Beutelspacher Alcántar, Ezequiel Steinman y Alejandro Ortiz González.

Alu*Cine o Cine de Párpados, de acuerdo con sus creadores, es un hackeo suave que intenta intervenir y resetear la percepción, suspendiendo el timón mental externo e interno. Además de que busca devolver a cada cuerpo la capacidad de dirigirse a sí mismo, escuchando todo aquello que ha almacenado y postergado.

Vivencia que genera las condiciones apropiadas para que su audiencia se libere gradualmente de la tensión, el constante estado de alerta y el estrés por estar siempre en control. Una especie de película donde el cuerpo asume el rol de director y acomoda –como puede– datos, emociones y recuerdos.

Partiendo del concepto de cenestesia, término asociado principalmente con la psicología y que se explica como <<la capacidad de percibir y sentir los órganos internos del cuerpo>>, Bioscénica concibe a cada individuo como un órgano en sí mismo y/o como parte de algo más complejo, integrado a un todo.

“Nos aproximamos a este concepto y a sus posibilidades a partir de la lectura del artículo: Kinestesia y cenestesia, las dimensiones olvidadas. Apuntes para una antropología de las sensaciones, de Héctor Darío Aguirre Arvizu, con el fin de explorar la percepción, la fisiología y la biología, a través de las descripciones simples que explican el funcionamiento de los órganos como tales, como partes del cuerpo, pero también de los sistemas asociados a los sentidos a los que tenemos acceso: la vista, el olfato, el tacto, el gusto y el oído, más allá de las partes específicas del cuerpo asociadas a cada uno. Sistemas del sentido y sistemas del órgano, en lo conocido, en lo desconocido y en lo que hay por conocer”, comentan algunos de sus integrantes.

Se reitera que Alu*Cine o Cine de Párpados se presentará de entrada libre del martes 28 al viernes 31 de mayo a las 18:00 horas en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico, con un cupo limitado a 50 lugares por función, a partir de las 17:30 horas se repartirán los accesos y entrega de boletos en la taquilla del teatro, la edad recomendada es para mayores de 12 años.

Más información en: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com.

El Sistema Creación y el Inali invitan a participar en la convocatoria Artes Verbales 2024

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Otorgarán hasta 23 estímulos; el proyecto deberá desarrollarse en un periodo de 10 meses.

Se incluye a las 364 variantes lingüísticas con presencia en el país.

Las propuestas deben tener como objetivo conformar registros de expresiones orales, literarias o artísticas de las lenguas indígenas nacionales.El Sistema Creación, antes Fonca, en colaboración con el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas (Inali), publica la convocatoria de Artes Verbales (AV) 2024, con la cual se busca promover y difundir las lenguas indígenas nacionales, así como contribuir al desarrollo e incremento del patrimonio lingüístico y cultural de México.

La convocatoria está dirigida a las y los integrantes de comunidades originarias y a personas especialistas en el campo de lenguas indígenas para proyectos que tengan como objetivo conformar registros de expresiones orales, literarias o artísticas de las lenguas indígenas nacionales.

Se otorgarán hasta 23 estímulos por propuesta de recopilación y registro en Artes Verbales, los cuales deberán desarrollarse en un periodo de 10 meses. Se dará apertura a la participación en las 364 variantes lingüísticas con presencia en México, de acuerdo con el Catálogo de las lenguas indígenas nacionales, Apéndice 4, publicado en el Diario Oficial de la Federación el 14 de enero de 2008.

Las personas interesadas pueden participar en las siguientes modalidades: A) Integrantes de comunidades en las que se habla alguna lengua indígena nacional; B) Especialistas en el campo de las lenguas indígenas nacionales. Personas con formación académica en sociología, historia, antropología, lingüística, entre otros, con participación y reconocimiento dentro de una comunidad originaria en la cual se hable alguna lengua indígena nacional; C) Portador de saberes y patrimonio cultural. Integrantes de comunidades originarias que se desempeñen como divulgadoras y promotoras de una lengua indígena nacional, así como de los saberes, costumbres y tradiciones propios de su comunidad.

Las especialidades en la que está abierta la participación son: Historias de vida o biografías de las personas hablantes de alguna lengua indígena nacional; Compilaciones y monografías sobre la historia, el territorio, las genealogías, la organización familiar o de comunidad, las toponimias, así como otros elementos que expresen la memoria y la identidad del pueblo o comunidad originaria; y Registros de fórmulas verbales: Adivinanzas, Arrullos, Consejos, Pedimentos, Refranes, Rezos, (ceremoniales o rituales); Tradición oral: Cantos, Cuentos, Juegos, Narraciones.

Los requisitos para participar en las modalidades A y B son tener la nacionalidad mexicana, con conocimientos de alguna lengua indígena nacional citada en el referido Apéndice 4; tener 18 años cumplidos a la fecha del ingreso de su postulación a la convocatoria; presentar un proyecto a desarrollar en un plazo máximo de 10 meses, a partir de enero del 2025.

Para la modalidad C, los requisitos son: tener la nacionalidad mexicana, hablante de alguna lengua indígena nacional citada en el referido Apéndice 4; tener 45 años cumplidos a la fecha del ingreso de su postulación a la convocatoria; presentar documentación probatoria que dé constancia o muestra de su desempeño en actividades de divulgación, promoción y revitalización de una lengua indígena nacional, así como del resguardo, transmisión o enseñanza de los saberes, costumbres y tradiciones propias de su comunidad.

La convocatoria estará abierta del 15 de mayo al 20 de junio de 2024, y se puede consultar en sistemacreacion.cultura.gob.mx/

El proceso de registro debe realizarse en  foncaenlinea.cultura.gob.mx/.

Las personas que radiquen en zonas del país donde no haya infraestructura tecnológica para cumplir con el proceso de registro en línea deberán notificarlo antes del día 31 de mayo de 2024. Para quienes deseen solicitar asesoría personalizada estarán disponibles el teléfono 55 4155 0730, extensión 7005 y el correo electrónico: artesverbales@cultura.gob.mx.

Más información en las redes sociales de la Secretaría de Cultura en X (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx); Sistema Creación en X (@SistemaCreacion), Facebook (/SistemaCreacion) e Instagram (@sistemacreacion) y las del Inali, Facebook (/Instituto Nacional de Lenguas Indígenas), X (@INALIMEXICO), Instagram (@inali_mexico) y YouTube (INALI México).

Lorca en Nueva York comunión excelsa entre poesía y música

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Málaga, España.- El teatro Soho CaixaBank vuelve a sorprender por su acertada selección en su programación  y presentar a Lorca en Nueva York, montaje dirigido e interpretado por el actor madrileño Alberto San Juan. Está acompañado por la banda integrada por Claudio de Casas (guitarra), hijo de la única sobrina de Federico García Lorca, Tica Fernández Montesino que murió  a los 92 años  en 2023. Se suman Pablo Navarro (contrabajo), Gabriel Marijuan (batería) y Miguel Malla (saxofón y teclados).

A través del jazz y el son  durante más de una hora hacen posible que el público sienta el ambiente de Wall Street, Harlem, el campo y la Habana.

El público se ve envuelto en un ambiente íntimo, viaja a través de los versos de García Lorca por Nueva York , tal como lo hizo el poeta entre los años 1929 y 1930.

El escenario lo ocupa la banda, la iluminación a cargo de Raúl Baena da la atmósfera. Mientras que vemos a Alberto San Juan trasladarse por todo el escenario. Impactando con su voz y tonalidad trasladando a los asistentes a la conferencia que García Lorca dio en la Residencia de Señoritas de Madrid, en 1930.

Como se narra en libros, Federico García Lorca vivió en Nueva York desde junio de 1929 a febrero de 1930 el propósito de matricularse como estudiante de inglés en la Universidad de Columbia, no era el objetivo real, algunos mencionan que se encontraba mal y sus padres vieron beneficio que fuera a Estados Unidos para aliviar su pena. Además que era un autor muy famoso en España tras la publicación del Romancero gitano, vio la posibilidad de renovarse.

Durante su estancia en Nueva York hizo grandes amistades y recibió “la experiencia más útil de toda mi vida” expresaría durante su charla. 

Poeta en Nueva York  es una de sus obras más conocidas internacionalmente y Alberto San Juan la presenta de manera magistral con música. Si se ha leído el libro es recordar cada poema y si eres novel en el título de la obra,  la experiencia de escuchar  cada fragmento es vivir la experiencia  que vivió el poeta granadino al visitar Nueva York.  Esa ciudad tan codiciada para muchos y tan prometedora para otros, mientras que para algunos es sólo la tumba de sus sueños.

La obra empieza con las palabras de Lorca : “De todos modos, hay que ser claro. Yo no vengo hoy para entretener a ustedes. Ni quiero, ni me importa, ni me da la gana. Más bien he venido a luchar. A luchar cuerpo a cuerpo con una masa tranquila, porque lo que yo voy a hacer no es una conferencia, es una lectura de poesías: carne mía, alegría mía y sentimiento mío, y yo necesito defenderme de este enorme dragón que tengo delante, que me puede comer con sus trescientos bostezos de sus trescientas cabezas defraudadas. Y ésta es la lucha: porque yo quiero con vehemencia comunicarme con vosotros. Ya que he venido, ya que estoy aquí, ya que salgo por un instante de mi largo silencio poético y no quiero daros miel, porque no tengo sino arena o cicuta o agua salada. Lucha cuerpo a cuerpo en la cual no me importa ser vencido”.

Seguidamente van hilando con los temas de su convivencia con negros, la profundidad del capitalismo. Cómo vivió el  crack del 29 y cómo se deslumbró ante la ciudad neoyorkina y también cómo llegó a la decepción.

Si te gusta la poesía y escuchar buena música y ver una buena excelente presentación no dudes en ver está magnífica obra poética musical.

 

El duende brillo con la presencia de Rafaela Carrasco y su compañía

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Málaga, España.-  En la cuarta edición de Flamenco en el Soho,  propuesta cultural y flamenca de Green Cow Music y Teatro del Soho CaixaBank, llegó  a su fin, con la actuación que protagonizó Rafaela Carrasco, quien presentó Nocturna.

A través de varias coreografías se plantea a través de la exploración dancística, musical y poética en torno a los grandes motivos y contradicciones que genera la noche vista desde la lucidez  y la alucinación de quien vela, de quien vive el insomnio: la ensoñación contra la pesadilla, el subconsciente contra el pensamiento, la está contra la calma.

Carrasco explica  que : “Nocturna presenta sin olvidarnos de la noche como experiencia mística, como camino visionario, y su contrario: la noche como juego, como ritual lúdico de confusión de identidades. La noche, la gran sombra, ha constituido una inmensa fuente de inspiración para grandes artistas de todos los tiempos y disciplinas. Velar, mantenerse despierto, adquiere profundos significados culturales a lo largo de los siglos, desde la vela de las armas hasta la inquietud amorosa pasando por la vigilia mágica, trágica o festiva; pasar la noche en vela es internarse en nuestra cara oculta”

Como tiempo de sueño, de insomnio o de pesadilla, como espacio mágico o maldito, como lapso de descanso o de locura, como almacén de terrores o de fantasías, el ser humano halla en ese espejo oscuro el reflejo de sus mayores preguntas, que hoy formulamos en clave amenca, indica. 

Nocturna se compone de piezas cortas. 

La banda sonora es una exploración de sonidos y desarrollos de distinta índole con respecto al piano como instrumento. En su la información de la coreografía indican que el punto de partida del aria y de diversos fragmentos de las Variaciones Goldberg de J. S. Bach y el desarrollo de temas especialmente compuestos para la obra, el espacio sonoro se presenta como una entidad que cobra una personalidad y una presencia primordial en el desarrollo de la obra.

La sonoridad de este trabajo se desarrollará con música grabada y cante en directo, que interpretará poemas dedicados a la noche que guían por los diferentes estados y emociones. Los silencios adquieren una presencia fundamental en esta obra. En escena las bailarinas desarrollan evoluciones conjuntas y trabajarán su soledad. También compartirán sus inquietudes desde la libertad de participar del otro. El grupo, como ente, está en un espacio abierto y vivo. El vacío más denso o el ruido más abrumador de la noche.

La dramaturgia de Nocturna se estructura a partir de los textos de la Insomne, un personaje simbólico que desde su voz en off anota en su diario el largo viaje noche adentro.La inspiración de las coplas parte, por supuesto, de la tradición amenca, pero también de la poesía que ha recurrido a la noche y sus metáforas, desde los poetas de cancionero hasta las letrillas barrocas de Lope de Vega o Luis de Góngora; sin olvidar, claro, la influencia de la poesía mística de san Juan de la Cruz y Sor Juana Inés de la Cruz, entre otros, y la noche misteriosa erigida como un símbolo de los poetas románticos y modernistas desde Gustavo A. Becquer hasta Antonio Machado, desde Rosalía de Castro hasta Juan Ramón Jiménez.

La noche que vivió el público fue de gran energía, fuerza, elegancia y calidad en todos sus aspectos. La escenografía, las coreografías, el vestuario y la iluminación hacen comunión para dar como resultado un espectáculo completo. Qué es recompensado por la ovación del público por varios minutos.

Después de la función se realizó una charla con la maestra Rafaela Carrasco. En la que expresó todo el trabajó que lleva para realizar un espectáculo de gran calidad. Informó que a parte de ser la coreógrafa y productora también da clases y que siempre ha tenido en su equipo  bailarinas de gran nivel, y sin duda se mostró la calidad dancística de cada una de las ocho bailarinas que participan: 

Carmen Angulo, Carmen Coy, Alejandra Gudí, María Carrasco, Julia Gimeno, Cristina Soler, Blanca Lorente y Magdalena Mannion. La voz en off es de la actriz española Aitana Sánchez- Gijón.

La película Un día sin mexicanos vuelve a la gran pantalla 

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Ciudad de México.- “Veinte años después puedo decir que todo lo que suscitó esta película valió la pena; cambiamos la visión de mucha gente y desató un diálogo que antes era escaso, se visibilizaron temas importantes y se habló más abiertamente de ellos”, indica el director  Sergio Arau, respecto a la película Un día sin mexicanos.

Un día sin mexicanos fue el film nacional más taquillero de 2004, con un tremendo impacto no sólo en México sino también en Estados Unidos. Poco a poco su éxito se reflejó en otras latitudes y, a lo largo de veinte años, ha sido exhibida prácticamente en todo el Continente Americano y en naciones europeas como Rusia, Alemania, España e Italia, por mencionar algunas.

LA1 – LOS ANGELES – (EEUU) – 19/06/03 – El cineasta mexicano Sergio Arau (izda), acompañado del actor Eduardo Palomo (dcha), rueda estos días en Estados Unidos «Un día sin mexicanos», una «caricatura política» en forma de comedia. EFE/ Sonio Tercero.

Sergio Arau, director y guionista explica: “Desde 1992 vivo entre México y Estados Unidos, entre dos realidades muy diferentes que me han permitido tener una mirada más amplia y objetiva hacia el fenómeno de la migración, sin dejar a un lado la sensibilidad que conlleva. Ya soy ciudadano estadounidense, pero siempre seré mexicano, por supuesto que sí, mi obra como cineasta, músico y artista plástico está impregnada de mi país”.

El guión  toca el sensible tema de la migración, que en los últimos 20 años se ha agudizado y sigue vigente desgraciadamente. La película es una comedia muy seria. Desde su promoción causó polémica, pues con tan sólo un anuncio espectacular en Hollywood Boulevard que decía “El 14 de mayo no habrá mexicanos en California”, hubo reacciones tan encontradas que de inmediato tuvo que quitarse del lugar… pero la semilla estaba sembrada, los noticieros cubrieron el hecho y la película comenzó a volar con alas propias.

La premisa era y sigue siendo original, volteó totalmente el planteamiento que cualquiera hubiese imaginado, pues en lugar de mostrar el dolor de nuestros paisanos que emigran a la Unión Americana, evidenciaba el sufrimiento de los estadounidenses al no contar con el trabajo y la presencia de la comunidad latina en su día a día.

Una noche sin mexicanos, desarrollaron un trama singular.  La misteriosa desaparición, de improviso, de todos los latinos en el estado de California, Estados Unidos y cómo el extraño fenómeno afectaba las vidas de “los blancos” (como se hacen llamar los propios estadounidenses).

Voceros explicaron  que la película dirigida por Sergio Arau hace totalmente visibles a los migrantes latinos, valora su importancia tanto en lo económico como en lo social en el poderoso país del norte. Las cosas no han cambiado mucho desde hace 20 años y aunque actualmente hay muchos mexicanos en todos los niveles y puestos de trabajo en Estados Unidos, la realidad es que la mayor parte de los latinos siguen realizando los trabajos más sencillos y peor pagados, máxime si no tienen papeles que garanticen su legalidad en dicho país.

Sin embargo, hay datos determinantes: el estado de California es la fuerza dominante en la economía de Estados Unidos, es una verdadera potencia por sí solo y el 40% de su población es de origen latino, son millones de personas que trabajan y hacen que la “gran maquinaria” de Estados Unidos funcione. Por eso Un día sin mexicanos en este 2024 recobra fuerza y vigencia, su título y significado ha sido retomado en múltiples marchas pro inmigrantes, en foros de análisis en ambos países y lo más importante, se ha convertido en una especie de estandarte para aquellos que buscan una vida mejor al cruzar la frontera.

Vale la pena agregar que la frase “UN DÍA SIN…” se ha vuelto parte de la cultura popular en ambas naciones y se utiliza para apoyar diversas causas, la escuchamos a diario y parte de su uso masivo fue a partir de la exhibición de la película.

Habrá una celebración que es  iniciativa del Museo Nacional de Arte Mexicano de Chicago, cuyo Presidente Jesús Ochoa y su Fundador Carlos Tortolero, apoyaron el corto original; dos décadas después, ambos estarán presentes en la exhibición de en dicho museo.

 Posteriormente, el 7 de junio, la cinta se presentará en el Asu Yuhaaviatam Event Center de Los Ángeles, California.

La Cineteca Nacional, institución encargada de preservar  y difundir las mejores obras cinematográficas de México y el mundo, se une a la celebración con la exhibición del filme el miércoles 29 de mayo.

José María Pou recibe el premio en pijama y pantuflas

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Málaga, España.-  Después de una extraordinaria función de El Padre , un drama que llega al público con gran intensidad, José María Pou recibió el premio Málaga  de Teatro de manos de Josemi Rodríguez, director de Pata Teatro, compañía  teatral  malagueña desde 1998.

El galardón que recibió el actor de Barcelona en nombre de toda la profesión y toda la ciudad malagueña lo emocionó e indicó “que ni en sueños ni en su peor pesadilla hubiera imaginado recibir un premio en Pijama y pantuflas. Este premio es como recibirlos en mi casa”.Terminada la función que formó parte del 41 Festival de Teatro de Málaga,  El padre, de Florian Zeller. El primer actor recibió  una gran ovación, algunos con lágrimas.

José María Pao, Cecilia Soraguren, Elvira Cuadrupani, Jorge Kent, Alberto Iglesias y Laura Grube salieron varias veces ante la gran ovación del público.

Josemi entregó el galardón que Pou recibió emocionado, agradeció el reconocimiento e indicó la importancia que tiene Málaga en su vida. Pidió a sus compañeros de elenco lo acompañaran en el escenario.

Pou se suma a los otros dos galardonados por el Festival, Emilio Gutiérrez Caba, que recogió en el primer acto del pasado mes de enero un equivalente premio Málaga de Teatro, y Pepa Plana, reconocida con el Premio Ángeles Rubio Argüelles.

El padre es una obra  alabada por la crítica, representada en más de 50 países y galardonada con los premios internacionales más prestigiosos, incluido el Oscar a Anthony Hopkins en su versión cinematográfica.

La escenografía minimalista es de Paco Azorín, la iluminación de Ignasi Camprodon y el espacio sonoro de Jordi Bonet.

La dirección está a cargo de Josep Maria Mestre, quien logra trasladar al público a la mente de un enfermo con deterioro cognitivo. Muestra el drama que viven los familiares y la misma impotencia del enfermó que se ve atrapado en los juegos de su mente. El público va enfrentándose a  los estragos del alzhéimer. 

Está obra deja una gran huella en el público, los comentarios a la salida son de gran admiración por las actuaciones de los artistas, pero también por el tema  tan especial que maneja y lo que significa cuando se tiene un familiar que desgraciadamente vive una situación similar.

 Fotos: Daniel Pérez/Teatro Cervantes

 

El Sistema Creación invita a las y los creadores a participar en sus 22 convocatorias abiertas

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Artistas, gestores, promotores culturales, traductores, investigadores pueden participar para obtener un estímulo que contribuya a emprender o concluir una obra que enriquezca el patrimonio cultural del país, o recibir el reconocimiento por las aportaciones realizadas.

El Sistema Creación (antes Fonca), que forma parte de la Secretaria de Cultura Federal, invita a las y los artistas, creadores, investigadores, promotores y gestores culturales a participar en alguna de las 22 convocatorias abiertas con las que se busca fortalecer, mediante el otorgamiento de estímulos, el trabajo que contribuye a enriquecer el patrimonio tangible e intangible del país, así como reconocer las aportaciones para ampliar los horizontes culturales y artísticos de México.
Entre las convocatorias abiertas se encuentra la del Premio Nacional de Bellas Artes y Literatura, que reconoce la obra o investigación académica en cuatro campos: Lingüística y literatura, Bellas artes, Historia, Ciencias sociales y Filosofía, y Artes y Tradiciones populares. En el sitio de la convocatoria está la lista de las instituciones que pueden postular candidaturas.
Asimismo, se encuentra abierta la convocatoria para el ingreso al Sistema Nacional de Creadores de Arte, la cual otorga estímulos hasta para 200 creadoras y creadores, quienes pueden postularse en una de las siete disciplinas: Arquitectura, Artes visuales, Composición musical, Dirección en medios audiovisuales, Dramaturgia (Teatro), Letras, y Coreografía (Danza), las cuales contemplan en total 26 especialidades, en las que se incluye Artes y Tradiciones populares.
Las y los aspirantes deben ser mexicanos o extranjeros con residencia legal en México de al menos 15 años, mayores de 35 años, con una trayectoria artística comprobable. Deberán postular un proyecto de creación artística a desarrollar de manera individual en un plazo de tres años.
El Sistema Creación tiene igualmente abierta la convocatoria “Creación y Conocimiento Hacia el Futuro” Apoyo a Profesionales de la Cultura y el Arte para Estudios de Posgrado en el Extranjero, que se realiza en colaboración con el Consejo Nacional de Humanidades, Ciencias y Tecnologías (Conahcyt), y con la Fundación del Instituto Nacional de Bellas Artes (Finba).
Artistas de diversas disciplinas pueden participar en la convocatoria para Jóvenes Creadores, que busca propiciar el desarrollo de proyectos de jóvenes artistas mediante el estímulo, el acompañamiento de tutores especializados y el intercambio con sus pares, a través de encuentros de trabajo durante el proceso creativo, así como la salida al público de un fragmento de la obra realizada.
De igual forma, se encuentra abierta la convocatoria Encuentro de las Artes Escénicas (Enartes), la cual tiene como objetivo contribuir a la profesionalización de los grupos y solistas mexicanos de artes escénicas, fomentando las habilidades de gestión y promoción artística y cultural, mediante la capacitación en cuanto a diseño de estrategias de promoción, difusión y producción.
Músicos tradicionales del país pueden recibir un estímulo, ya sea en forma individual o grupal, para realizar o consolidar su labor con la convocatoria para Músicos Tradicionales Mexicanos, que está abierta en dos modalidades: Mujeres y hombres músicos tradicionales que residen en su región o han migrado de ella, pero mantienen vínculos culturales con sus orígenes y tienen reconocimiento comunitario por su calidad en la interpretación y/o creación de nueva obra, desde las formas de su tradición y dotación instrumental. Y músicos que renuevan la tradición musical mexicana: Mujeres y hombres músicos que basen su composición e interpretación en las formas tradicionales mexicanas y a partir de ello, proponen nuevos lenguajes musicales y textuales.
Está también disponible la convocatoria para Residencias Artísticas, destinada a personas creadoras, intérpretes, traductoras y profesionales de la cultura, y tiene entre sus objetivos respaldar estancias cortas en otros países para desarrollar o concluir un proyecto artístico, enriquecer la experiencia profesional al entrar en contacto con un ámbito cultural diferente al propio,  realizar una residencia corta orientada a la profesionalización y actualización curricular, promover la traducción literaria, mediante la convivencia e intercambio de conocimientos con traductores de otros países.
La convocatoria de la vertiente México en Escena-Grupos Artísticos tiene entre sus objetivos fomentar la realización de proyectos artísticos de producción y circulación de bienes y servicios culturales, brindando estímulos a grupos artísticos profesionales con vocación por las artes escénicas, propiciar la autonomía administrativa de grupos artísticos del país dedicados profesionalmente a las artes escénicas, propiciar la creación, formación, atención y desarrollo de públicos para las artes escénicas. Las personas interesadas pueden consultar las disciplinas, categorías y subcategorías.
El Programa de Estímulos a la Creación y el Desarrollo Artístico (Pecda) se lleva a cabo con la colaboración del Sistema Creación y los gobiernos de las respectivas entidades federativas de la República, de esta manera se encuentran abiertas también las convocatorias del Pecda en los estados de: Aguascalientes, Coahuila, Chihuahua, Estado de México, Guerrero, Nuevo León, Oaxaca, Quintana Roo, San Luis Potosí, Sinaloa, Sonora, Tamaulipas, Yucatán y Zacatecas.
Las convocatorias, asesorías y registro se pueden realizar, respectivamente, en sistemacreacion.cultura.gob.mx y foncaenlinea.cultura.gob.mx
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El Festival de Teatro de Málaga un éxito por su calidad de programación

By Sobre 2 ruedasNo Comments

Málaga, España.- Este año se lleva las palmas  el Festival de Teatro de Málaga. Ha sido inolvidable para los asistentes y deja el listón muy alto para futuras ediciones.

La comedia de los errores, Contracciones, Prima facie, La importancia de llamarse Ernesto han sido ovacionadas por varios minutos. Y falta ver El Padre con el primer actor que será en la 41 edición premiado Josep Maria Pou con el premio Málaga de Teatro. El padre, un texto de Florian Zeller sobre los estragos del alzhéimer alabado por la crítica, representado en más de 50 países y galardonado con los premios internacionales más prestigiosos, incluido el Oscar a Anthony Hopkins en su versión cinematográfica

La obra Prima Face,  trata un tema de absoluta actualidad que no deja indiferente a nadie. Multipremiado monólogo de Suzie Miller que el año pasado agotó todas sus entradas en el West End de Londres y que protagoniza Victoria Luengo en su primera producción en español. En España agotan también las entradas. Tal como sucedió en Málaga.

Está obra lleva a una catarsis en la que el público, ríe, llora y se remueve una y otra vez en el asiento. Victoria Luengo se come el escenario. Vive el papel intensamente y provoca que el público comulgue con ella y las emociones salgan a flote.

Tessa es el personaje que presenta. Vemos en el inicio a una mujer segura y triunfadora. Como va transcurriendo la historia se convierte en una mujer temerosa y débil. El final del personaje cuestiona y responde a preguntas dejando en el público mil cuestiones que por días  buscarán  respuesta.

Victoria mantiene diversos registros, hay momentos que rompe la regla y deja a una mujer desgarrada. Ha declarado que es uno de los papeles más complicados que ha realizado. Pero sin duda alguna lo enfrenta con éxito, recibiendo la más larga ovación del público y recibiendo el premio Talía a Mejor actriz protagonista de teatro de texto.

El escenario es minimalista con una luz fría. Y en otras ocasiones  la luz involucra al público. Hay una mesa que es movible por la actriz, según su texto. El vestuario es sobrio. Prima Face enfrenta al público al poder patriarcal de la ley, la carga de la prueba y la moral.

La dirección es de Juan Carlos Fisher,  expresa que “el personaje se enfrenta a aquello en lo que más cree para encontrar justicia, para sacar del camino eso que no nos permite ver y conocer la verdad. Prima Facie es un monólogo arriesgado lleno de teatralidad y posibilidades artísticas, con una construcción dramática inteligente, divertida y conmovedora. Pero es también profundamente cuestionadora. Y es, sobre todo, un grito necesario frente a la naturalización de una conducta que atraviesa a la sociedad de manera estructural”.

Prima Facie, es una obra necesaria y que debería presentarse en muchos institutos. Es la obra del año que dará mucho de qué hablar.

La Comedia presente en el festival

La comedia ha estado presente.  El legado de Shakespeare en La comedia de los errores, versión de Albert Boronat estrenada en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida 2023, con dirección de Andrés Lima y un reparto encabezado por el malagueño Pepón Nieto cautivo al público desde el inicio hasta el final donde se llevaron una gran ovación. En la comedia participan  Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo, Avelino Piedad y Esteban Garrido. Dieron momentos divertidos en la que el público no dejó de reír.

Los actores no paran en el escenario y entre el público. Desde el inicio sorprenden. Y mantienen la atención con sus bailes y textos. Y qué decir de cambios de vestuario y personajes. Todo esto para contar la historia griega de cuatro gemelos.

Es una comedia donde el descanso no está presente, el error en cambio sí. Es una comedia muy recomendable. Los asistentes salen con una sonrisa y comentando la obra.

La importancia de llamarse Ernesto, con Pablo Rivero y Silvia Marsó entre otros en la ácida comedia, sátira sobre la hipocresía social de Oscar Wilde. En la que muestra la importancia de ser uno mismo. Involucran la actuación y el cantó.