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Sobre 2 ruedas

Coque Malla ofrece su primer concierto en el Teatro Cervantes con gran éxito

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Málaga, España-  El cantante madrileño Coque Malla ofreció su primer concierto de dos  en el Teatro Cervantes de Málaga con gran éxito.

Malla se encuentra de gira con Aunque estemos muertos, después de un año de no tocar. El cantante durante sus presentación en Málaga indicó que era la primera vez que pisaba el escenario del teatro Cervantes.

Y recibiendo el aplauso del  público continúo diciendo que estaba muy contento por estar en un escenario donde logró un  ambiente escenográfico ad hoc para presentar su reciente material discográfico.

Coque Malla vestido de negro con un pañuelo color naranja, estuvo acompañado: David Lads; teclados, Amable Rodríguez; guitarra, Gabriel Marijuán; batería y Héctor Rojo; bajo, que también iban vestidos de color negro.

El músico madrileño pidió permiso al público, que lo ovacionó desde su aparición en el escenario, que le permitirá cantar sus recientes temas que componen su disco Aunque estemos muertos, que incluye temas como:  Bailo con los muertos, Místico, El Saco de los sueños,  Aunque estemos muertos,. Bla, bla, bla, ¿Volverá?, Baila en la oscuridad, Como los gatos salvajes; donde  hace maullar al público,  El dragón y Como la mañana.

También sugirió  guardar el móvil y dejarse llevar escuchando sus canciones: “No soy nadie para pedir nada, pero les sugiero que disfruten de la música y la experiencia de escuchar sin utilizar el móvil”. 

El público aplaudió y se abstuvo no de manera general, pero si en su mayoría, de tener el móvil entre las manos y tomar imagen del concierto. 

En un ambiente donde las luces predominan del propio escenario Malla presentó su reciente material que está envuelto de diversos ritmos y gran calidad musical. Su actitud en el escenario hace que no se le quite la mirada y se le  siga durante las casi dos horas que dura el concierto. Cuando hay calidad surge la magia y sin duda alguna los músicos y el público tuvieron una comunión con las canciones que hablan del paso del tiempo, de hallazgos y de pérdidas, de fragilidad, de la sombra de la muerte, pero con un encanto especial.

Para dar inicio a su repertorio más conocido, Malla se quitó la chaqueta y lució un chaleco de brillos en donde siguió predominando el color negro. Y empezó con los acordes del tema No hay manera , recibiendo el aplauso de los asistentes y siendo coro del estribillo.

Y no podía faltar los temas que lo han colocado en las primeras listas de popularidad desde hace más de treinta años cuando formaba parte  del grupo Los Ronaldos.

Puso de pie al público con los temas: Adiós  papá, Por las noches, Guárdalo y Si sí, entre otras.

Hubo otro cambio de vestuario donde lució una camisa brocada y transparente  de flores brillantes y por último una camisa estampada.

Sin duda fue una noche especial para todos los que disfrutaron del talento y calidad musical que tiene Coque Malla que desde el catorce de febrero en las carteleras de cine se le menciona con  Buscando a Coque. Escrita y dirigida por Teresa Bellón y César F. Calvillo y protagonizada por Alexandra Jiménez y Hugo Silva. Y presenta  el  tema Todo ocurrió de pie.

 Fotos de Álvaro Cabrera / Teatro Cervantes.

El Museo Picasso de Málaga renueva su dirección y guión  museográfico 

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Málaga, España.-  El Museo Picasso de Málaga renueva su dirección y firma una cesión temporal de 152 obras de Picasso que pertenecen a la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA). Y sigue recibiendo centenares de visitantes en torno a la exposición  El Eco de Picasso, que actúa como el eco en un recinto, explorando  la experiencia visual de estas resonancias a través de préstamos excepcionales de obras de artistas desde la década de 1920 hasta la actualidad.

El nuevo director del Museo Picasso Málaga es Miguel López-Remiro Forcada , quien asume el timón de la pinacoteca y apuesta por reforzar el programa educativo de una institución asumió el cargo el pasado 1 de enero tras imponer su candidatura en el concurso internacional convocado para suceder a José Lebrero, al frente de la pinacoteca durante los últimos 14 años.

López- Remiro acumula más de 20 años de experiencia en diferentes puestos  en instituciones culturales. Ha sido  subdirector curatorial del Museo Guggenheim  Bilbao, director fundador del Museo Universidad de Navarra y curador  en instituciones como la Fundación Sorigué o la Fundación Otazu.

López- Remiro ha declarado que busca que los malagueños se sientan contentos por tener un excelente museo, además ha certificado que el personal del museo es realmente los que mantienen la excelencia del recinto que cuenta con cifras muy buenas de visitantes

En lo referente a la firma de cesión temporal con FABA, supondrá una nueva propuesta expositiva compuesta por 202 obras. Por lo que  la nueva colección supera un 38,9% el valor de la anterior cesión y podrá visitarse a lo largo de los próximos tres años.

Voceros del museo han informado que la nueva muestra del museo se inaugura el próximo 19 de marzo y podrá visitarse hasta la primavera de 2027. 

“ La exposición se titulará Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra exhibirá pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y obra gráfica, suponiendo un desafío a las clasificaciones tradicionales, y revelando nuevas conexiones entre las piezas. Esta apuesta ha sido concebida por FABA con el comisariado del Profesor Michael FitzGerald, experto en Historia del Arte del Trinity College en Hartford (EE.UU.). Dentro de la exposición, y de forma innovadora, se presentan cinco exposiciones enfocadas con su propio relato dentro del conjunto, fruto de la aportación académica de cinco expertos internacionales coordinados por el Prof. FitzGerald”.  

Este nuevo formato promete sorprender y despertar el interés de los amantes del arte para revisitar el Museo Picasso Málaga o para visitarlo por primera vez. Durante el montaje de la exposición se mantendrá abierta al público la exposición El eco de Picasso y seguirán a pleno ritmo las actividades educativas y culturales del MPM. 

El Eco de Picasso cuenta con ochenta y cinco obras de cincuenta y cuatro creadores entre los que se encuentran: Willem de Kooning, Jean-Michel Basquiat, Louise Borgeois, Jeff Koons, Maria Lassnig,Davis Smith, Farah Atassi, Sarah Lucas, Nikki Maloof, George Condo, Zio Ziegler, Cristina BanBan, Brian Calvin y Marina Faust entre otros.

Sin duda está exposición cumple en ser eco debido que nació por  la conmemoración internacional por el 50.º aniversario de la muerte de Pablo Picasso (1881-1973) el curador es  Eric Troncy. En su texto curatorial, afirma que la singularidad de esta exposición obedece a que «por una parte, explora la extraordinaria presencia de Picasso en nuestro imaginario y, por otra, la profunda huella que habría dejado su constante búsqueda de nuevas formas de expresión artística sobre las inquietudes de las generaciones más recientes».

La exposición posibilita al visitante el repensar la obra del artista y redescubrir a un Picasso actual revelado por la mirada de creadores de otras generaciones. 

 

 

  Fotos: J. Carlos Santana y Museo Picasso Málaga

M4 Records y Víctor García trabajan juntos para ser un referente en la música internacional

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Recientemente Sony Music México anunció el lanzamiento de M4 RECORDS, el sello dirigido por Manuel Cuevas y anunció la firma en exclusiva del cantante mexicano Víctor García. Con está unión se pretende ocupar un lugar especial en la música internacional.

“Es un gusto poder seguir trabajando en lo que me apasiona y apoyar a gente que lo merece, gracias a este nuevo sello creado en alianza con Sony Music México, mi casa de muchos años. El objetivo es desarrollar proyectos de diferentes géneros y buscar nuevos mercados, pero ante todo, expandir el talento de artistas que deben ser escuchados, que nos hacen emocionarnos con su voz, con su desenvolvimiento en un escenario, con su personalidad, con su vocación… sin ellos no habría nada, nacieron con un ´don y con arte´, estamos aquí para caminar juntos y enriquecer la escena musical. De antemano, gracias a todos por su confianza, vamos a trabajar con ímpetu, con energía, con entusiasmo y con la seguridad de que pronto este nuevo proyecto dará frutos” expresa Cuevas.

Manuel Cuevas es  uno de los ejecutivos con mayor experiencia y trayectoria en la industria discográfica, quien con su visión colaboró en el desarrollo y posicionamiento de grandes artistas mexicanos como: Yuridia, Carlos Rivera, Lila Downs, Filipa Giordano y Gilberto Santa Rosa, entre muchos otros.

Con 35 años de experiencia y la energía del primer día, Manuel Cuevas está creando una gran plataforma para impulsar y desarrollar la carrera tanto de nuevos artistas como de otras figuras que valen mucho la pena y que merecen un apoyo rotundo por su evidente talento, como es el caso de Víctor García.

“Siempre hemos considerado a Víctor como uno de los mejores intérpretes de nuestro país, transmite y conecta con el público; realmente tiene todo para brillar aún más y nos enfocaremos a realzar su talento, hacerle un gran disco y desarrollar su carrera como lo merece”: Manuel Cuevas, Presidente de M4 RECORDS. 

Hoy por hoy Víctor García es un artista mexicano conocido, querido y popular, que ha trabajado en diversos ámbitos, pero su verdadera vocación sin duda es la música.

Voceros del nuevo sello discográfico informan que a los siete años ya cantaba en un programa de televisión de su natal Tamaulipas, a los 16 años fue seleccionado para integrar el grupo Proyecto Malta de una importante compañía cervecera, a los 18 llega a la CDMX como parte del grupo Nahúm y con él se da a conocer en Valores Juveniles Bacardí, más tarde emprendería el camino en solitario… Ha sido largo el trayecto, pasó por momentos difíciles, pero siempre fue su perseverancia, calidad interpretativa y fe en Dios, lo que lo sacó adelante.

“Podríamos decir que es un joven veterano, posee la experiencia de décadas cantando, pero también la energía e imagen de un hombre fresco y con todas las capacidades para consolidar su carrera como uno de los mejores intérpretes que hemos conocido en los últimos años, no en balde Joan Sebastian y Juan Gabriel, al escucharlo interpretar alguna de sus canciones, en su momento reconocieron su calidad y señalaron que había “hecho propios” esos temas.

Nunca ha dejado de trabajar, no sólo como cantante ha incursionado  en el cine y televisión mexicana,  vive de su oficio y pasión por la música y constantemente se presenta en diversos foros de todo el país, pero ha llegado el momento de pisar más fuerte, de consolidar su carrera como figura del regional mexicano, de traspasar fronteras y de hacerle saber a todo el mundo que aquí existe un artista con un extraordinario valor que ha colocado en las listas de popularidad temas como: Otra Vez, Ayer te pedí y Mi funeral.

Para el lanzamiento, M4 RECORDS, proyecta  y  prepara un álbum que será definitivo en su carrera, con nuevos temas seleccionados a su medida, con importantes duetos sorpresa y con toda la seguridad de Víctor García es una estrella que merece brillar aún más.

 

 

Mexicanos presentes en la entrega de los Goya

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La entrega de los Goya 2024, que se celebró en la Feria de Valladolid. En donde estuvo el actor mexicano Gael García entregando un premio y en la sección dedicada a los fallecidos del 2023 aparecieron: Andrés García, Ignacio López Tarso y Ana Ofelia Munguía.  La Gala ha dejado grandes titulares entre los que destaca que La Sociedad de la Nieve, de J. A Bayona ganó doce premios, entre ellos el de Mejor Película y Dirección. Fue una gala reivindicativa con temas como: Diversidad sexual, la libertad, abuso del poder y el cine español. Y el color de la alfombra.

La entrega de los Goya fue la emisión líder del día y reunió en algún momento de la noche a 6 millones 645 mil espectadores. 

En la 39 edición de los premios Goya se han entregado un total de 30 estatuillas  entre ellas a 20,000 especies de abejas, de la debutante Estibaliz Urresola, logró tres estatuillas a Mejor Dirección Novel, Guión Original y Actriz de Reparto, David Verdaguer, Mejor Actor Protagonista y Robot Dreams, de Pablo Berger, que se llevó dos a Mejor Película de Animación y al Mejor Guión Adaptado.

Malena Alterio Mejor Actriz y José Coronado como Mejor Actor de Reparto.El Goya de Honor para el director de fotografía Juan Mariné, director de fotografía, que cumplió 103 años el pasado 31 de diciembre, recibió hace unos días la máxima distinción de la Academia de Cine de manos de su presidente, Fernando Méndez-Leite. 

En la gala Mariné recibió el homenaje de todos sus compañeros representados por José Sacristán, que recordó su trabajo junto a “grandes figuras como Concha Velasco, Lola Flores, Sara Montiel o Carmen Sevilla, entre muchas otras. Incluido Joselito, que le considera su segundo padre. La primera vez que una cámara me filmó para el cine era la de Juan Mariné”, expresó. El intérprete también destacó “su trabajo de investigación y recuperación en la Filmoteca y en la ECAM. Ha salvado de la destrucción y el olvido auténticas joyas del cine español”.

El Goya Internacional fue para la actriz Sigourney Weaver,  quien protagonizó un encuentro con los medios, un día antes de recibir la estatuilla. Como se sabe el Goya Internacional,  es el premio con el que la Academia de Cine reconoce a personalidades que contribuyen al cine como arte que une culturas y espectadores de todo el mundo. La actriz y productora estadounidense lo recibió , además, por su impresionante trayectoria plagada de películas inolvidables e inspirarnos creando personajes femeninos complejos y fuertes.

Fernando Méndez-Leite, presidente de la academia de cine, expresó que José Luis Borau dijo que, “las películas no están hechas, hay que hacerlas” – agregó-  Con eso quería decir que para hacer una película hay que encontrar un tema y desarrollarlo en una historia. El trabajo de los guionistas es la clave de la creación cinematográfica pero una película hay que financiarla y organizarla desde el punto de vista empresarial y laboral. Y venderla y rentabilizarla. Una película sin un buen productor… mala cosa. Luego hay que rodarla y para ello es recomendable contar con un director, lo más listo posible. Y actores y actrices. Y técnicos y creadores de todas las especialidades. Y luego hay que juntar todos los cachitos en los procesos de postproducción y darles vida y sentido puramente cinematográfico.

“Como ya han dicho mis compañeras, la Academia condena cualquier abuso o violencia que se ejerza contra las mujeres. Y defendemos la libertad de pensamiento y de expresión de nuestras propias opiniones en todos los ámbitos. Es esa libertad la sustancia y la materia que explican y justifican nuestro trabajo. Es precisamente en defensa de la libertad de creación por lo que los cineastas españoles estamos en estos días preocupados por la situación de nuestros compañeros argentinos, con quienes nos unen vínculos antiguos y estrechos y cuya industria cinematográfica se ve seriamente amenazada de desfinanciación por los inciertos proyectos legislativos de su actual gobierno… Nuestro cine está en los festivales internacionales y gana premios por doquier. Hemos asistido a un relevo generacional sorprendente y a la incorporación cada vez más numerosa de nuestras compañeras a responsabilidades tradicionalmente reservadas a los hombres. Nuestras jóvenes directoras han ganado este año la Concha de Oro, la Biznaga de Málaga, la Espiga de Valladolid, los Gaudí y el premio de la Quincena de Cannes. Y J.A. Bayona y su equipo de maquillaje y Pablo Berger nos han llevado otra vez al umbral de los Oscar. En el 50 aniversario del estreno de El espíritu de la colmena, Víctor Erice ha vuelto a rodar una película emocionante. Y el otro día Garci, nuestro primer Oscar, ha cumplido 80 años. 80 años de cine, como dice él. Enhorabuena a todos”. 

Pedro Almodovar reivindicar el cine español contestando a las declaraciones del vicepresidente de la Junta de Castilla y León, Juan García- Gallardo, asegurando que “los señoritos son los que quieren vivir de producir obras cinematográficas que luego no ve nadie a costa de millones y millones de euros que pagan con mucho esfuerzo los contribuyentes españoles”.

El director de cine casi al final de la gala indicó: “Hace unas horas, un político que está en está sala ha hablado de nosotros, como los señoritos que recogen las subvenciones. Con la fortaleza de corazón que siento, en está noche de premios y reivindicaciones, me vais a permitir que haga una reivindicación a favor del cine español.”

Almodóvar concreta que el dinero que reciben los cineastas como anticipo lo devuelven con creces a través de impuestos, de la seguridad social y de la creación de miles de puestos de trabajo.

 

   

 

GOYA DE HONOR  Juan Mariné 

MEJOR ACTOR DE REPARTO José Coronado, por Cerrar los ojos

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL Yo solo quiero amor de Rigoberta Bandini (Te estoy amando locamente)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO Julio Suárez, por La sociedad de la nieve

MEJORES EFECTOS ESPECIALES Pau Costa, Félix Bergés y Laura Pedro, por La sociedad de la nieve

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Montse Ribé, por La sociedad de la nieve

MEJOR ACTOR REVELACIÓN Matías Recalt, por La sociedad de la nieve

MEJOR MONTAJE Andrés Gil y Jaume Martí, por La sociedad de la nieve

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Pedro Luque, por La sociedad de la nieve

MEJOR SONIDO Jorge Adrados, Oriol Tarra y Marc Orts, por La sociedad de la nieve

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE Alain Bainée, por La sociedad de la nieve

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN Margarita Hugue,t por La sociedad de la nieve

MEJOR MÚSICA ORIGINAL Michael Giacchino, por La sociedad de la nieve

MEJOR PELÍCULA MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN Robot Dreams, de Pablo Berguer

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL Mientras seas tú, el aquí y ahora de Carme Elías, de Claudia Pinto

MEJOR CORTO DE FICCIÓN Aunque es de noche, de Guillermo García López

MEJOR CORTO DOCUMENTAL Ava, de Mabel Lozano

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN  To bird or not to bird, de Martín Romero

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL Estíbaliz Urresola Solaguren, por 20.000 especies de abejas

GOYA INTERNACIONAL Sigourney Weaver 

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN Janet Novás, por O corno

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA  La memoria infinita (Chile), de Maite Alberdi

MEJOR PELÍCULA EUROPEA Anatomía de una caída (Francia), de Justine Triet

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Ane Gabarain, por 20.000 especies de abejas

MEJOR GUIÓN ADAPTADO Pablo Berger, por Robot Dreams

MEJOR GUIÓN ORIGINAL Estibaliz Urresola Solaguren, por 20.000 especies de abejas

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA David Verdaguer, por Saben aquell

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Malena Alterio, por Que nadie duerma

MEJOR DIRECCIÓN J, A. Bayona, por La sociedad de la nieve

MEJOR PELÍCULA La sociedad de la nieve

“Convergencias” una exposición en la que Laura Vázquez hace homenaje a la literatura a través de la cerámica.

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La muestra se presenta en el Centro Cultural San Pablo en Oaxaca

Laura Vázquez González expone en la colectiva “Convergencias” con piezas en las que busca exaltar su amor por la poesía y la cerámica, uniendo ambas artes en cada obra como un punto de reunión y liberación, mostrando que las dos están presentes y marcan de alguna manera nuestra vida cotidiana.

La muestra se exhibe desde el pasado 2 de febrero en Centro Cultural San Pablo –sede la de la Fundación Alfredo Harp Helú—en la ciudad de Oaxaca, Hidalgo No. 907 Antiguo Callejón de San Pablo, y podrá visitarse hasta el 5 de mayo de 2024.

“Convergencias” se titula así porque reúne el trabajo de 19 mujeres de la Ciudad de México que muestran sus coincidencias a través de sus piezas realizados en el taller Proyecto 931, dirigido por Maya Colmenares, en el que pretenden hacer también un homenaje al fuego y otros recursos de significación que convergen en este mundo contemporáneo y globalizado en el que nos hallamos unos frente a otros: diseñadores, arquitectos, curadores, historiadores, poetas, ceramistas…

A invitación de María Isabel Grañén Porrúa, investigadora doctora en Historia del Arte y presidenta de la Fundación Alfredo Harp Helú, quien está convencida de que la lectura es un factor de cambio e inclusión social, se organiza esta exposición en la que Laura Vázquez, también poeta y editora, presenta obras que ha trabajado en los últimos dos años para acercar a más público a la literatura y a la poesía a través de la cerámica.

En su trabajo  está su admiración por ceramistas como Gustavo Pérez; y por escritores como William Carlos Williams, Cesar Vallejo, Jorge Luis Borges; los premios Nobel Naguib Mahfuz, Kazuo Ishiguro, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa y Annie Ernaux; papiros, e incluso una pieza de cerámica que es una prensa de encuadernación, un homenaje a Juan Pablos, el primer impresor de la Nueva España, en la que se puede leer su famosa frase: “habiendo que hacer, trabaje y no pare”… así como poemas escritos por la propia Laura Vázquez.

Esta artista visual, estudió primero Literatura Latinoamericana, y en la Universidad de Oxford realizó un diplomado en literatura inglesa, interesada sobre todo crear un taller de teoría literaria y niños, debido a su pasión por difundir la palabra.

Más tarde pudo explorar otras áreas de la cultura como la cerámica, un material ancestral en las manos de los hombres, y buscó fundirla con la literatura para realizar murales en homenaje a diversos autores.

En su obra expuesta en “Convergencias” podemos ver un mural, con mosaicos de doble cara, dedicado al poema “Los heraldos negros” del peruano César Vallejo, realizado con la técnica rakú para simbolizar el color obscuro de los versos con la quema de la cerámica, transformándola con elementos como la tierra, el fuego, el aire, el agua, y que combinó con acrílico. Otra obra es para la novela El gigante enterrado de Kazuo Ishiguro en donde las leyendas del pasado, memoria y olvido, se tocan en el arte y la palabra. Y una al poema “The Red Wheelbarrow” (La carretilla roja) de William Carlos Williams, dónde como su autor, lo único que pretendió fue retratar un instante en el amanecer, con gallinas, y aún se puede percibir el rocío de la mañana. También hay papiros hechos con arcilla, barro, alfarería o terracota que homenajean los libros antiguos o los papeles apilados.

“La cerámica está en nuestras vidas, todos hemos tomado un plato de sopa en una pieza de cerámica, y quizá no nos detenemos a ver de qué se trata. La cerámica lleva procesos muy similares a lo que es la producción de un libro, corren como paralelos, tiempos de fatiga y reposo: No se trata nada más de crear objetos bellos y utilitarios, sino que tengan un sentido para nuestra vida”.

Su propuesta artística busca conectar la cerámica, las artes gráficas, y la literatura, ya que está convencida de que el arte cambia la apreciación de la realidad y enriquece nuestro entorno. Su obra mezcla representaciones objetivas de espacios internos que conectan su espíritu con sus novelas y poemas favoritos; combina técnicas de quemas experimentales que arrojan efectos a sus piezas de cerámica y que son resultado de la pasión del fuego aliado también a sus lecturas.

A lo largo de su trayectoria profesional Vázquez González ha realizado publicaciones para museos, libros infantiles y de poesía. En los últimos años ha explorado integrar la cerámica para hacer más visible la literatura e integrarla a un constructo de Literacidad social.

Laura Vázquez como editora estuvo a cargo de la coordinación editorial del catálogo de “Convergencias”, en el que las algunas de las 19 artistas presentan, además de cerámica, pinturas y dibujos. En la muestra participan: Maya Amrein, Maya Colmenares, Ana María Forero, Elsa González, Magdalena Mosig, María Mora, Natalie Priede, Lucia Rocha, Cristina Rodrígo, Jeanne Saade, Elena Sánchez Mejorada, María Sordo, Fortuna T de H, Alexandra Trímboli, Laura Vázquez y Fernanda Vizcaya.

«El conocimiento nos salvó y es lo que salva a todos» dice Eugenio Barba al celebrar los 60 años del Odin Teatret.

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El director italiano se reunió con colegas teatrales mexicanos y con decenas de jóvenes interesados en la disciplina ante un lleno total en la Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM en una mesa títulada: «El pueblo secreto del Odin Teatret»;  y presentó con el INBAL dos  puestas en escena Compasión y La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

En 1964 un grupo de autores nórdicos alentados por un disidente italiano abrieron en Oslo, y luego en la isla de Holstebro en Dinamarca, esa socialdemocracia que tanto aspiramos en México,  le abriría sus puerta en una granja, desde donde abrieron un nuevo camino para la formación y la invención dramática y escénica, dominada en ese momento en la vieja Europa por el teatro público de prestigio, y emprendieron un «Tercer Teatro» no reducido al dogma o al lucimiento, sino a la indagación, un lugar para el teatro orquestado por Eugenio Barba (Brindisi, Italia, en 1936).

El común denominador eran estudiantes de teatro rechazados por la academia. Barba creo así el Odin Teatret y lo llamo «El tercer teatro». En 1992 comenzó un peregrinar para trabajar y crear con otros actores apasionados de diversas regiones del planeta; desde entonces es el testimonio de una utopia alentada por un teatro subsidiado por contribuyentes pero totalmente autónomo. En el 2022 Barba y su grupo abandonaron Dinamarca obligados a ser otra vez nómanas con la libertad del arte:  dedicarse al trabajo que desean hacer, sin pensar en los resultados. Hace unos días Eugenio Barba vino a México, como en muchas otras ocasiones, para ofrecer distintos talleres, una charla y dos funciones de teatro.

En la reunión convocada en el Centro Cultural Universitario, Barba recordó los orígenes: «Con mis compañeros, que habían sido rechazados en la escuela teatral, nos reunimos, y nos decían: ‘Ustedes no tienen un edificio, no tienen dinero’. Bien, voy a hacer teatro como yo pueda, en un refugio autónomo. Y tuvimos la suerte de encontrar uno en Noruega, frío, con humedad, con una gotera que caía de las paredes. ¡Pero era nuestra casa y ahí podíamos realizar lo que queríamos!», narró Barba, que ya cuenta con 87 años de edad y adviertió a los presentes . «Éramos libres, porque eso es el teatro», afirmó en ese encuentro en su honor titulado «El pueblo secreto del Odin Teatret».

El encuentro sucedió en la Covarrubias. La cita había sido para  la Sala Carlos Chávez pero ante tantos asistentes tuvieron que cambiarse al recinto vecino y mientras los asistentes se acomodaban Barba les advirtió: «Están ustedes frente a un pedazo de historia». El encuentro mostró que el teatro está más vivo que nunca, como la cultura en general en este México devastado en otras áreas, pero no en sus creadores y su público ávido de cultura.

Organizado por el Tercer Encuentro de Artes Escénicas LArtES y Teatro UNAM, en la mesa participaron Estela Leñero, María Elena Ibarra, José Carlos Alonso, Manuel Naredo, Bruno Bert, Patricia Cardona, Rubén Ortiz, Farahilda Sevilla, Aline Menassé y Susana Frank (Teatro Laboratorio La Rueca), Jaime Soriano y el periodista cultural especializado en teatro Fernando de Ita, quienes moderados por el director del Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli del INBAL, Arturo Díaz Sandoval, destacaron la importancia del Odin Teatret a 60 años de su fundación.

La importancia de Barba en el escenario mundial del teatro de la segunda mitad del siglo XX fue fundamental,. Se acercó, por otro lado, a las formas escénicas imbricadas en las tradiciones de culturas no eurocéntricas, iniciando la idea del teatro multicultural y diverso. Rompió con los estándares de estilos, reglas y geografías para luchar por la libertad de los individuos. Es por eso que su visita se convierte en un acontecimiento eléctrico que significa el comienzo del traspaso de su herencia a los jóvenes, abundo en su información la Gaceta de la UNAM.

Fernando de Ita dijo que Barba había formado un archipiélago con las islas flotantes del teatro que estaba disperso y que había encontrado una manera de hacer real lo inverosímil. Susana Frank contó que en 1978, en otra geografía, durante el Encuentro Internacional de Teatro del Grupo Ayacucho, en Lima, Perú. «Me decían: ‘¿Cómo vas a ir con ese italiano loco que saca el teatro a las calles?'», refiriendo que durante aquel encuentro hubo un estallido social en el país andino, y Barba, de inmediato, hizo manifiesta su visión del quehacer teatral.

«Eugenio Barba nos convoca y nos dice: ‘Lo importante no es hacer teatro político, teatro religioso; lo importante es hacer política con el teatro (…) Hagamos una fiesta de la resistencia. El pueblo de Ayacucho está cansado de la violencia. Ofrendemos nuestro trabajo a los que nos están ofrendando su espacio para encontrarnos», prosiguió Frank.

En su oportunidad Barba expuso: “Es posible cambiar la historia, aunque parezca imposible. Los libros han sido mis compañeros; los grandes directores, los dramaturgos y los teóricos que escribieron sobre teatro. Nosotros hicimos teatro en las peores condiciones; nos animaba saber que lo nuestro inspiraba a la gente. Muchos nos escribían para decirnos que nuestro teatro era significativo para sus vidas. El conocimiento nos salvó y es lo que salva a todos. Poder hablar con los muertos, con los libros es lo único necesario para luchar por nuestra libertad interior. Es por lo que todos debemos luchar. Esa es la tradición de lo imposible”.

El creador italiano sostuvo que todos los habitantes de este «pueblo secreto» son quienes han influido en él. «Lo que yo llamo mi pueblo secreto me ha formado a mí, ha formado a mis actores, me ha dado sentido de responsabilidad hacia cada acción y cada decisión que tomo. Cada uno de ustedes es parte de mi biografía, de nuestras conquistas y nuestra resistencia».

Cada uno de los emotivos testimonios vertidos en la mesa de reflexión revelaron la profunda huella en México de Barba, para quien Soriano solicitó a la titular del INBAL un reconocimiento por las seis décadas de su compañía, a entregársele ese mismo miércoles, por la anoche, al término de la función de La quinta del sordo, Un capriccio sobre Goya, en el Teatro Julio Castillo del CCB.

Por la noche en el teatro Eugenio Barba recordó que el objetivo del Odin Teatret es sembrar sin esperar resultados. Esto al recibir el reconocimiento del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura  por su generosidad por dejar un vital legado al quehacer teatral de México, pero sobre todo por ser una de las figuras más importantes del teatro y del movimiento escénico internacional.

Con una ovación de varios minutos, Odin Teatret se despidió ese miércoles de los escenarios de la CDMX para continuar con sus actividades en el contexto de su aniversario 60.

La función de La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goyas fue escrita por Else Marie Laukvik y el mismo Barba, la historia aborda la última noche de la vida del artista Francisco de Goya y de Leocadia Zorrilla, su joven amante durante más de 30 años. Es la joven amante de Goya quien describe su vida con él a través de recuerdos y comentarios que evocan el misterio del arte, pero también un mundo de erotismo, exilio y mutilación física debido a la sordera total que afectó al pintor a los 46 años.

Dos horas antes de la función de La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, se presentó la obra Compasión, de Julia Varley y Eugenio Barba. Varley, quien protagoniza la trama, también es fundadora de la Odin Teatret.

En un emotivo acto, Eugenio Barba recordó: «hace 60 años aquí vimos crecer la primera planta, surgió como un proyecto económicamente irresponsable”. Agradeció estar nuevamente en el país y ahora frente a las generaciones de bailarines, a quienes compartió su sabiduría y experiencia en el Taller de creación escénica, realizados en el Salón de ensayos del Centro de Producción de Danza Contemporánea (Ceprodac).

La titular del Inbal, Lucina Jiménez López dijo en su discurso: “Estamos ante una de las figuras más importantes del teatro y del movimiento escénico del mundo. Estamos frente a alguien que influyó en el teatro contemporáneo desde una perspectiva y poner en cuestionamiento el sentido, colocar la antropología teatral como un elemento sin el cual el movimiento mismo no se entiende”.

“Eugenio Barba es una de las figuras más relevantes, podríamos decir que más influyentes en todos los teatros del mundo y México, por fortuna, no es la excepción. Caminó pueblos, caminó compañías, caminó discursos teatrales y estuvo siempre para generosamente, como lo ha hecho en este espacio -el Centro de Producción de Danza Contemporánea- para compartir, para dialogar, sobre todo para ayudar a descubrir, incluso que un mismo movimiento puede tener tantos matices, tantos sentidos del discurso teatral”.

El coordinador nacional de Teatro, Daniel Miranda, dio lectura al diploma de reconocimiento; estuvieron presentes también Julia Varley y Jaime Soriano; el subdirector general de Bellas Artes, Héctor Romero Lecanda; el coordinador nacional de Teatro, Daniel Miranda, y la directora artística del Ceprodac, Cecilia Lugo, principalmente.

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Coordinación Nacional de Teatro, y el laboratorio de artes escénicas Jerzy Grotowski, participaron en Confluencias 2024: Tercer Encuentro Escénico LArtES-Odin Teatret, en el marco del 60 aniversario del Odin Teatret, por lo que el Centro Cultural del Bosque fue sede de los dos montajes: Compasión, de Julia Varley y Eugenio Barba,  y La quinta del sordo. Un capriccio sobre Goya, de Else Marie Laukvik y Eugenio Barba, ambas con dirección de Eugenio Barba.

La compañía Odin Teatret ha creado hasta el momento 81 espectáculos dirigidos por Eugenio Barba, representados en 65 países y diferentes contextos sociales. En el transcurso de estas experiencias ha crecido una cultura específica de Odin, basada en la diversidad cultural y la práctica del “trueque”: los actores de Odin se presentan a través de su trabajo en un entorno particular que, a cambio, responde con canciones, música y danzas de su propia tradición local.

El revista Proceso se abunda sobra la biografía de Barba: Hijo de un oficial víctima de la segunda Guerra Mundial, Barba cambió la carrera militar, que cursaba en Nápoles, para emigrar a Noruega donde fue soldador y marinero, al tiempo que estudiaba literatura francesa e historia de las religiones en la Universidad de Oslo. Se registra además en la biografía que su propuesta de Antropología Teatral revolucionó el arte de los escenarios al permitir al actor desarrollar su propia creatividad y considerar la multiplicidad de visiones de los espectadores. Fue discípulo en Polonia del dramaturgo Grotowski, con quien trabajó tres años. Tras un viaje a la India estudió el teatro llamado Kathakali y volvió a Oslo, pero al no encontrar trabajo creór el Odin Teatret con un grupo de actores.

Según una semblanza de la entonces crítica de Teatro en la agencia apro, Indira Cato, fue en su natal Brindisi donde realmente comenzó su relación con el teatro, pues de niño acompañó rituales religiosos “en los cuales las mujeres sueltan estremecedores lamentos al cielo, los hombres penan de rodillas, y los acontecimientos avanzan cargados de símbolos con sus respectivos cambios de vestuario. Para algunos éste es el origen de la Antropología Teatral creada por Barba, con Nicole Savarese y Ferdinando Taviani”.

El director italiano tiene un papel crucial en el desarrollo de nuevas formas de expresión teatral y en la exploración de técnicas y estilos innovadores, su trabajo le ha merecido el reconocimiento internacional y el ser nombrado doctor honoris causa en diversas universidades del mundo. Entre sus obras están: Ferai (1969), La casa de mi padre (1972), Las cenizas de Brecht (1980), Talabot (1988), Kaosmos (1993), Mythos (1998), El sueño de Andersen (2004), Ur-Hamlet (2006), Don Giovanni all’Inferno (2006), Las bodas de Medea (2008), La vida crónica (2012), El árbol (2016), La casa del sordo (2019), Un personaje que no puede Die (2020) y Tebas en la época de la fiebre amarilla (2022).

En su libro Quemar la casa,. Barba escribe: «Durante años he imaginado el espectáculo que termina en el incendio. Conocía al dedillo las distintas escenas, modificaba mentalmente su orden, limaba los detalles. Y me alegraba imaginando el infaltable gran fuego al final. (…) Sé que jamás ni metafóricamente quemaré el Odin Teatret, mi casa y la de mis compañeros. Pero es como si me desdoblara. Una mano busca explorar su arquitectura. La otra, continuamente, trata de darle fuego”.

Diego Verdaguer sigue presente en el corazón y mente de sus seguidores

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El 27 de enero de 2022 la noticia de la muerte del cantante argentino, Diego Verdaguer conmocionó al mercado musical latinoamericano y de habla hispana. Se han cumplido dos años de su partida y qué mejor regalo para sus seguidores que recibir dos importantes lanzamientos: Diego Verdaguer 1976; álbum que lo catapultó internacionalmente, ahora reeditado y remasterizado con inteligencia artificial. Y   Para ti, un nuevo EP de Ana Victoria Verdaguer, dedicado a Diego, con temas que ambos amaban el sencillo Me gusta estar nada más contigo, y tiene un vídeo  filmado  en un cenote de la Rivera Maya, donde mágicamente se entrelazan imágenes de padre e hija.

Sobre este trabajo musical, Ana Victoria; hija de Diego Verdaguer indica: “Papá sigue vivo, está junto a mí, es la fuerza que me impulsa a cumplir los proyectos que dejó pendientes y la inspiración que me motiva a crear cosas nuevas. Para esta fecha tan especial, pensé en concretar muchas ideas, pero que mejor que compartir con su público uno de sus más grandes álbumes con el sonido de hoy, con la máxima calidad de audio, el resultado es increíble; además será la primera vez que el disco Diego Verdaguer 1976, se encontrará en plataformas digitales de manera completa. A la par, quise hacerle un homenaje muy personal, muy cariñoso, recordando los temas que ambos considerábamos grandes canciones (de él y de otros autores) y reuniéndolos en un EP que interpreto con nostalgia, con respeto, con amor; lo titulé Para ti  porque definitivamente está dedicado a mi Maestro de profesión y de vida, a quien me arropó de niña y me sigue abrazando cálidamente; cada paso que doy está guiado por su luz, porque como él pienso que sólo cambiamos de forma, pero el alma nunca muere”: 

Diego ocupo las listas de popularidad, recorrió el mundo y su voz llegó muy lejos; nació en Buenos Aires, Argentina, el 26 de abril de 1951, pero pronto sus pasos lo llevarían a otras latitudes. En 1970 ya era una figura en su país natal, por lo cual fue seleccionado para representar a su nación en el Segundo Festival de la Canción Latina, en el Teatro Ferrocarrilero de la Ciudad de México. Su éxito en Sudamérica continúo en los años subsecuentes, pero fue con el álbum Diego Verdaguer 1976 que su carrera impactó internacionalmente gracias a diversos temas y muy especialmente a Volveré, sencillo que se convirtió en un rotundo éxito mundial.

Ahora, en su Segundo Aniversario Luctuoso, Diam Music, la compañía discográfica que también él creó junto con su esposa y que actualmente está dirigida por su hija Ana Victoria Verdaguer, realizó las gestiones necesarias para reeditar y poner por primera vez a disposición del público en todas las plataformas digitales.

Para Amanda Miguel, esposa y compañera de escenarios indica que el disco Diego Verdaguer 1976 es de colección y me trae recuerdos hermosos de nuestros primeros años juntos. «La vida nos premió a partir de ese gran trabajo, donde Diego no sólo me invitó a colaborar en sus shows haciendo coros, también en este álbum tuve la oportunidad de dar mis primeros pasos aplicando lo que desde niña estudié, además de estar viviendo un sueño al lado de mi querido esposo; haber hecho los coros de este disco fue y será siempre un gran honor. Volveré   fue y sigue siendo una pieza clave en nuestra vida y en la de miles de personas que, como yo, aplican esta bella canción en su día a día como una forma espiritual de no perder la fe ante las situaciones difíciles que nos tocan pasar”.

Señala que Diego fue un luchador increíble de sus derechos como autor, compositor y productor, en su último viaje a Argentina logró que se le reconocieran todos sus derechos; él ha sido mi mayor

ejemplo de trabajo y hoy lo veo reflejado en nuestra hija, quien es una valiente mujer que a pesar del dolor que lleva por haber perdido a su papá, no baja los brazos y sigue creando como él lo hacía, con entereza y dedicación. 

“Nuestra vida estuvo llena de felicidad, de creación y de muchos regalos más que nos dio el habernos conocido, formar una bella familia y recorrer el mundo de la mano con nuestra música; México nos recibió con los brazos abiertos y fue nuestro hogar desde que dejamos nuestro país de origen… y Volveré fue la canción que nos abrió las puertas para conseguir nuestros sueños, ni más ni menos“:

Amanda, Ana Victoria, Lucca y diversos miembros de la Familia Verdaguer-Miguel, permanecerán en Los Ángeles, California, unidos en oración y recordando en privacidad al Maestro Verdaguer, su luz e inspiración,

Bulevar Espacio Cultural Abierto presenta la exposición More Creativo

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Torremolinos, Málaga.-  El artista español, Moisés Requena Picazo, inauguró su exposición en el Bulevar Espacio Cultural Abierto, en Torremolinos Málaga. La muestra More Creativo  cuenta con  veintitrés ilustraciones en las que  se puede ver en  un mundo lleno de color y fantasía, recreando todo lo que se pueda imaginar dentro de un mismo estilo, único y con identidad.

“Dentro de mis obras podrás encontrar rincones destacables de cada zona o ciudad, a la vez que interpretaciones con estilo propio de pintores y artistas, llevándolas a un nuevo mundo lleno de color y de vida”, explica Requena Picazo.

En la inauguración asistieron la alcaldesa de Torremolinos, Margarita del Cid, el concejal del área de Cultura, Eventos y Tradiciones, José Manuel Ruiz y el concejal de Educación , Igualdad y Empleo, Francisco García.

Paulo Molleda, explicó que junto con la periodista mexicana María Esther Beltrán ha creado Bulevar Espacio Cultural Abierto, para ofrecer un lugar a todos los creadores que deseen presentar su trabajo ante el público.

“Nos gusta la cultura y deseamos que un día quede constancia del trabajo que hacemos para apoyar a los creadores, sean artistas plásticos, dramaturgos, cantantes y artistas que deseen tener un espacio para la divulgación de su trabajo”, expresó Molleda ante las autoridades del Ayuntamiento de Torremolinos.

Indicó que no se imaginaban la repercusión que hasta el momento tienen. Desde que empezó este proyecto cultural se han presentado exposiciones  locales, como fue la del la artista Ana Ropa, nacionales; Narchy quién es el creador de la estatuilla de los premios Bulevar y actualmente el artista   Moisés Requena; además de tener obra internacional como la  del artista mexicano Erik Rivera.

Requena  explicó: “Esta exposición la  llevo preparando desde hace tiempo. Nace de la necesidad de expresar con color y con alegría todo aquello que ven mis ojos y pasa por mi cabeza. Llevaba tiempo queriendo ampliar horizontes y venir  Andalucía, y qué mejor forma de hacerlo que estar en este Bulevar que me abrió las puertas y me ofreció este espacio cultural en el que poder darme a conocer”.

Para los que no me conocéis, -expresó Moisés Requena-  estoy detrás de la marca More Creativo. Orgulloso de mi querida Mancha y mi pueblo Villarrobledo, cogí mi carpeta y mis lápices para estudiar Diseño Gráfico en Elche y me afinqué en Alicante. Así podréis entender el porqué de muchas de las zonas que veréis en esta exposición. Desde cualquier rincón de mi querido pueblo, hasta las bocas de metro de Madrid. Llenando de vida un cuadro tan estremecedor como el Guernica, dándole un nuevo sentido de esperanza y color que resurge después de tanto sufrimiento. Intentando que ese beso apasionado de Klimt, se llene de luz con un gran cielo azul y unas nubes, marca de la casa. Dándole a las Meninas un toque mas desenfadado, o reflejando las vidrieras llenas de color de La Casa de los Navajas de aquí de Torremolinos. Eso es More Creativo: Sencillo a simple vista, pero lleno de detalles y de formas irregulares, nunca me he sentido identificado con las reglas, pienso que todo lo que esté hecho a mano, tiene que tener sus “defectos” y es que ahí es donde está la esencia de esta marca, no es a escuadra y cartabón”.

Armonizó  la velada, la cantante Ainhoa Mefer. La exposición estará disponible hasta el 18 de marzo. Moisés pone en disposición para los lectores de está nota que no puedan ir a la exposición su página www.morecreatvo.com, para ver su obra y si les interesa pueden pedirla.

 Fotos: J. Carlos Santana

 

Elena Martínez Bolio exhibe colección de textiles, tejidos, bordados, encajes, lencería y otros ajuares

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Con dos instalaciones: MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS e INDUMENTUM la artista muestra su pasión por los atuendos, los materiales y su elaboración en la alta costura, confeccionados de 1905 hasta nuestros días.

Las muestras se inauguran este 19 de enero a las 20:30 horas en el Museo de la Ciudad de Mérida, una invitación para reflexionar sobre las épocas y las modas en la vestimenta de 290 piezas que podrán visitarse

Elena Martínez Bolio (1956, Mérida, Yucatán) es una artista, artesana, escritora y activista que nació entre madera, textiles y  tejidos. Su madre era tejedora y anticuaria, su padre tenía una pequeña fábrica de muebles, su abuela hacía lencería para las novias y su tía predilecta, María, confeccionaba ropa infantil. Ella desde muy joven comenzó a diseñarse sus propios atuendos. Desde entonces ha ido hilando una colección de prendas como un instrumento de su arte que, a veces utiliza como protesta no para recriminar sino para empatizar un mundo entretejido entre hombres y mujeres con actos de bondad.

Ahora con su exposición MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS hace un homenaje a doce mujeres yucatecas que trabajaban en la alta costura, confeccionan, tomaban medidas, recomendaban la tela, esculpían el textil acomodándolo al cuerpo, y eran un cómplice que lograban que uno se reconciliase con su físico haciéndolo lucir y sobresaltar los secretos; se convertían en confidentes y amigas. Modistas que cerraron los ojos a la vida pero abrieron la mirada a las dimensiones de la vestimenta y el mínimo detalle.

Su otra muestra, INDUMENTUM será un recorrido desde 1905 hasta la actualidad para mostrarnos la historia de la moda y las épocas, cómo han cambiado los cuerpos; los acabados y materiales que se usaron desde las fibras, las sedas, los encajes, hasta el poliéster o el nailon; aquí hay piezas de su colección y otras que le fueron prestadas para ser exhibidas por su valor histórico, “no se trata de ir a ver algo bonito si no de reflexionar el por qué de cada indumentaria”, afirma esta creadora con más de 50 años dedicada a este arte.

Ambas muestras son también instalaciones de su curaduría y abrirán al público el próximo viernes 19 de enero en el marco del Mérida Fest; estarán en el edificio del Museo de la Ciudad de Mérida, la inauguración será a las 20:30 horas. Las exposiciones podrán visitarse hasta julio del 2024, por lo que Martínez Bolio ha preparado performances y charlas que se presentarán durante el tiempo que duren ambas muestras.

Las exhibiciones contendrán también cuadros intervenidos con aplicaciones y bordados de sus familiares, amigos o mujeres textileras con las que ha trabajado; accesorios, crinolinas, corsés, juguetes, zapatos, guantes, bolsos, velos; piezas tejidas en hilo de plata. Obras únicas, que por su delicadeza, algunas estarán guardadas en vitrinas pues ya no resisten ser lavadas o planchadas.

En la muestra se exhibirán, entre otros trabajos, el terno de boda de su nana; el vestido de boda de la bisabuela de Alejandra Díaz de Cossío, que data de 1905; el vestido de boda la abuela de su amiga Sylvia Saldaña, que se casó en plena guerra de castas; un vestido de Christian Dior de los años cincuentas, hasta prendas adquiridas en mercados de pulgas.

Todos las piezas tendrán una ficha con la historia de la vestimenta, la modista que la confeccionó, a quién perteneció, el año de su creación y los materiales que se utilizaron. Se trata de 290 piezas (170 en INDUMENTUM 170 y 120 en MODISTAS, MAGAS Y ESCULTORAS) con las que su creadora busca que cada visitante se tome su tiempo para mirar con calma y reflexionar en torno a cada obra pues, por la museografía, entrará al mundo en el que fueron creadas.

“Las exposiciones están llenas de piezas valiosas que fueron logradas puntada tras puntada; son obras de enorme belleza que sobrevivieron a las manos que las concibieron.  Y son también una reflexión sobre de qué tipo de costura e hilos estaba hecha la pieza para una determinada persona; vestimentas que eran motivo de disfrute, ceremonia ritual, un júbilo que ahora parece extinguido ante la tecnología, la rapidez y el consumo con que se confecciona y maquila la ropa”, advierte.

Satisfecha por los años de trabajo dedicados a explicar y reflexionar por qué  vestir piezas únicas es un valor cultural, advierte: “Nacemos y nos preparan una cuna, un pañal; las telas nos acompaña en ceremonias y sacramentos desde un ropón para el bautizo, la primera comunión, la graduación, el matrimonio, las fiestas especiales; pero también nos amortajan en un manto cuando morimos; las indumentarias están presentes y son fundamentales en toda nuestra vida”.

Con las prendas que Elena Martínez Bolio ha coleccionado en más de 50 años, pensaba hacer un museo, pero la dificultad que esto conlleva en un clima húmedo como el de Mérida, la hizo desistir de la idea: “Antes de que me deshaga de todo lo quiero mostrar, compartir con la gente y reflexionar con ellos sobre estas obras que tiene tanto de diseño como si fueran una pieza de arquitectura”, dice.

No deja de tirar el cordel y lanza su deseo: “Podría donar mi acervo a quien esté interesado en hacer un museo Indumentum en Mérida o en otra región de México”.

“Me esforcé para que mi trabajo de tantos años pudiera llegar a los museos y lo he logrado: un hilo, un bordado, un retazo de tela, el trabajo domiciliado; el textil como nuestra piel, el ajuar como una herramienta poderosa, están ya en nuestro acervo cultural”, dice esta artista que en 2007 pudo exhibir su trabajo ya en una galería, fue obra bordada en lienzos que logró vender toda.

Desde entonces Martínez Bolio se hila y deshila a sí misma en cada obra y no ha dejado de exponer en México y el extranjero. En el 2022 presentó con gran resonancia en el Museo de El Carmen de la Ciudad de México su exposición «Una larga hebra». Es autora del libro Retrospectiva de una aguja. Elena Martínez Bolio es una artista versátil, multidisciplinaria y comprometida con su tiempo y su condición de mujer para quien lo hilos representan un compromiso social, un trabajo que podremos ver en ambas muestras en el primer piso del Museo de la Ciudad de Mérida, calle 56, número 529, Centro. La entrada es libre.

 

 

Inició por todo lo alto el 41 Festival de Teatro de Málaga

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En la primera semana de actividad del 41 Festival de Teatro de Málaga, se  dio la tercera llamada y el público disfrutó de diferentes artes escénicas que provocaron al terminar cada obra la ovación del público por varios minutos reconociendo el gran trabajo de actores, directores y productores.

Para iniciar Cielos, texto del reconocido Wajdi Mouawad que vuelve a poner el acento en la tragedia que arrastra la humanidad, y que monta Sergio Peris-Mencheta. Cielos lleva al público  a un lugar apartado donde un grupo de criptógrafos, traductores e investigadores trabajan contrarreloj para tratar de impedir un ataque terrorista múltiple que tiene por objetivo provocar una debacle social.

Camino al zoo, un texto del estadounidense Edward Albee en versión de Juan Carlos Rubio y con Fernando Tejero y Dani Muriel en el elenco.

At home at the zoo (Camino al zoo) combina la pieza clásica de Albee The zoo story (1959) con su precuela, Homelife (2004). Juntas forman esta historia simple y enigmática.

Sobre el escenario, Fernando Tejero y Mabel del Pozo encarnan a Peter y Ann, un inestable matrimonio convencional que tiene una vida compartida que precisamente adolece, quizá, de demasiada convencionalidad. La escenografía, minimalista, consiste en un sofá que es la pieza central de la escena y en el que está sentado Peter. Hay un impactante contraste entre el sofá y el suelo, que es de paja y un fondo blanco. 

 ¡Por fin solo!, monólogo del ex-Tricicle Carles Sans desgrana ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales y personales vividas en los 40 años de trayectoria del trío. Sans desde el inicio mantiene al público activo. Entra con toda la energía aplaudiendo y bailando. Sin duda demuestra las tablas que tiene en escena. Lleva al público por su vida y carrera profesional. No pierde la frescura en sus narraciones  que están basadas en hechos reales.

Es un monólogo, que combina una galería de divertidos y entrañables personajes, consiguiendo que el espectador no pare de reír al escuchar las confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía se interesó en sus novias (las novias de ellos), o cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café teatro de Barcelona, o cuando les chuparon la oreja cuando estuvieron actuando en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un Jumbo cuando tenía pánico a volar. 

Salomé, presenta la primera función de teatro lírico, primera de las dos obras que dirige Magüi Mira, con Belén Rueda y Pablo Puyol. 

Sin duda alguna Belén Rueda se presenta en un papel de una Salomé seductora y atrevida. Su actuación es sublime y su presencia magnética. Rueda está acompañada  por talentosos artistas que incluyen a Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández  y José  de la Torre.

Juan Fernández encarna al Rey Herodes, un personaje repulsivo y con gran fuerza en el escenario. Mientras que Pablo Puyol en el papel de Juan el Bautista, muestra su talento a través de la música, transmite la emoción a través de su voz. 

Magüi Mira, directora logra transmitir los temas de poder, amor, deseo y represión. Sin duda alguna su Salome impacta y deja huella en la memoria del público que por varios minutos al término de la obra  ovacionó a su elenco. Siendo Puyol y Rueda los más ovacionados.

Picasso (rey, monstruo y payaso), teatro de circo presentó  un “retablo maravilloso” con el que se hace un guiño al 50 aniversario del fallecimiento del pintor nacido en la plaza de la Merced de Málaga.

Una puesta en escena donde la historia de Picasso está presente, en una base de instrumentos con objetos, baile y diversión. Muestran a un Picasso, el gran triunfador del siglo XX, pintor bohemio, exitoso y fascinante, vive un perpetuo homenaje después de su muerte. Pero en la fiesta de su cumpleaños llega una visita inesperada: la compañía de payasos Rhum&Cia. Y con ellos, un poeta y cronista de circo, viejo amigo de Picasso, Ramón Gómez de la Serna. A Ramón le gustan los misterios. ¿Qué oculta Picasso detrás de la máscara de Arlequín? ¿Por qué soñaba con Minotauros? ¿Era un truhán o era un señor? Ramón y compañía invocan a un laberinto de amigos, mujeres y leyendas que hicieron de Picasso un mito. Un retablo maravilloso donde el emperador de los artistas se desnuda y disfraza al mismo tiempo.

Picasso, rey, monstruo y payaso interroga la historia de un pintor que atravesó épocas y estilos, pero lo hace en la clave de Rhum&Cia.: una puesta en escena tan cuidada como divertida, con alguna pincelada de alegre melancolía.

La cartelera sigue está semana presentando obras premiadas y con reconocidos actores españoles nacionales.